City: L’animation s’est terminée par une autre explosion d’animation, de design et de musique exubérants pour capturer la sensibilité de Keiichi Arawi et ses thèmes joyeux. Jetons un dernier coup d’œil à cette production entièrement animée… et quelle est la prochaine étape pour Kyoani également, pendant que nous y sommes.
Notre première pièce dédiée à City: l’animation était censée être une introduction à un projet aussi unique, tandis que le second était un chronique détaillé de son processus de production, de la participation de la norme, et de la façon dont la team. s’est manifesté dans la majeure partie de la course de l’émission. C’était beaucoup d’informations à traiter, mais maintenant que cela est fait, nous pouvons nous asseoir et nous détendre alors que nous observons les deux derniers épisodes-une attitude plus adaptée à l’ambiance de la ville, franchement.
L’épisode n ° 12 vient de la main du réalisateur et du storyboarner Noriyuki Kitanohara . Il est resté l’une des présences les plus actives à travers le spectacle, malgré le jonglage avec le film Maidragon sur le point 2024; Encore une fois, si vous voulez un aperçu précis du calendrier de production du studio, il est recommandé de consulter notre précédent article de ville. Là-bas, nous avons mis en évidence quelque chose qui devient encore apparent: Kitanohara est très compatible avec une série comme celle-ci. En tant qu’animateur actif depuis le tournant des années 90, avec un large éventail mais aussi un penchant pour les coupes 2D agressives, il convient parfaitement au désir de City de souligner le rôle de l’animateur en tant que figure globale et idéologue de fun bombast.
As we’ve previously noted, during his transition to directorial roles, Kitanohara began setting aside sequences with the les plus hautes calories pour lui-même. Tant qu’il occupe une telle position dans un projet-ce qui est à peu près toujours-il ne prend même pas la peine de se créditer pour l’animation clé de l’animation (原画, Genga): ces artistes dessinent les moments charnières de l’animation, définissant essentiellement le mouvement sans terminer la coupe. L’industrie de l’anime est connue pour avoir permis à ces artistes individuels beaucoup de place pour exprimer leur propre style. Dans sa dernière apparition publique pour un événement Maidragon, il a taquiné son ami vétéran Tatsuya Ishihara pour aimer tellement l’anime qu’il sera souvent storyboardstory (絵コンテ, ekonte): les plans d’animation. Une série de dessins généralement simples servant de script visuel de l’anime, dessinés sur des feuilles spéciales avec des champs pour le numéro de coupe d’animation, des notes pour le personnel et des lignes de dialogue assorties. Plus d’explosions et d’autres types de contenu ostentatoire flashy. L’ironie de sa déclaration étant, bien sûr, que cela est encore plus vrai pour un Kitanohara qui aime animaliser personnellement de telles choses. Bien qu’il ne soit pas allé aussi nucléaire qu’il l’a fait dans les épisodes précédents avec # 12, la ligne de travail dans des moments comme la série de réactions ridicules et explosives de Niikura et Nagumo a l’impression de dessiner à nouveau de tels moments par lui-même. Les vieilles habitudes meurent dur.
Il y a quelques raisons pour lesquelles, par rapport à ses épisodes précédents, Kitanohara n’a pas poussé l’animation à nous déchaîner comme sauvagement; C’est-à-dire qu’il est toujours ridicule par rapport aux normes d’anime télévisées, mais dans la ville, elle se sent subordonnée à d’autres intérêts. Le premier devrait se démarquer assez rapidement: l’épisode n ° 12 a le plus de musicalité dans sa direction jusqu’à présent, donc les visuels accompagnent cet audio main dans la main plutôt que de se précipiter seul. Le sketch précoce qui rend cette évidence se concentre sur Niikura à nouveau à nouveau le pendentif qu’elle poursuit depuis des lustres-celle contenant une photo de Nagumo, menaçant toujours d’exposer son béguin inspirant à tous les autres citoyens. La finale bizarre de sa quête a été à l’origine racontée dans un chapitre sans aucun dialogue, en s’appuyant plutôt sur sa narration interne. Et comme c’est la ville, cela signifie être exposé à ses pensées profondes alors qu’elle fait face à une créature si incompréhensible que tous les êtres mythologiques recueillis en ville en sont déconcertés. Sa simple présence déraille Niikura lors de l’une des missions les plus importantes de sa vie, conduisant à une bataille pour les âges.
Il a été donné qu’un réalisateur comme Kitanohara assurerait un moment comme celui-ci était accordé d’une grande animation. Nous avons des effets 2D qui incarnent l’attitude de suprématie de dessin du spectacle, tandis que le jeu de dessins animé mignon conserve l’attrait original d’Arawi. Des coupes explosives et des concepts visuels évocateurs travaillant ensemble, tout comme il parvient à combiner des multiples de dessins animés et des formes de course impossibles avec des photos qui mettent l’accent sur l’équilibre corporel. Et pourquoi pas, quelques bons coups de poing aussi.
Par-dessus tout, cependant, il y a une synergie hilarante entre la cadence des événements et l’utilisation de la musique dans les 6 plus de minutes de ce bâillon. Dans cette aventure sans dialogue, l’anime a franchi l’étape suivante et a également supprimé les pensées de Niikura, laissant le spectateur se demander ce que diable se passe comme Les événements de la ligne de manière parfaitement href=”https://x.com/yuyucow/status/1969823285371195593″> avec les choix de musique classique . Depuis City: L’animation est attachée à faire en sorte qu’Araki écrire tous les crédits de production à la main, cela signifie également que l’auteur original a dû écrire soigneusement les longs titres pour les pièces Bach et Franz Liszt utilisées ici. Maintenant, cela pourrait le faire sembler amusant, mais considérons ce qui suit: Nous savons que, tout en dormant dans la même pièce que le directeur des directeurs de la série: (監督, Kantoku): la personne en charge de toute la production, à la fois en tant que décideur créatif et dernier superviseur. Ils dépassent le reste du personnel et ont finalement le dernier mot. Les séries avec différents niveaux de réalisateurs existent cependant-directeur en chef, directeur adjoint, réalisateur d’épisode de la série, toutes sortes de rôles non standard. La hiérarchie dans ces cas est un scénario de cas par cas. Taichi Ishidate Pendant les étapes de planification, il a partagé des terrains musicaux qui les ont fait de la lutte contre la nuit. Et donc, il y a une chance réaliste qu’Arawi ait apporté cette affectation d’écriture sur lui-même. Cela vaut la peine!
Le sketch suivant continue d’incarner ces qualités, cette fois, le rythme étant fortement lié au BGM de l’émission. Les montagnes russes émotionnelles de toute la ville alors qu’ils suivent une course de chevaux tumultueuse sont un moment amusant à part entière, en particulier avec sa livraison rythmique. Cela dit, c’est le lien avec les principaux objectifs de la ville qui en fait une telle remarquable. L’un des trains de pensée récurrents d’Ishidate a été que le travail d’Arawi excellant dans sa capacité à vous faire imaginer les commentaires et les pourquoi derrière son humour surréaliste, et pour l’intégralité de ce bâillon, le spectacle se concentre exactement là-dessus. Tout comme dans le manga, nous ne voyons même jamais un aperçu de la course dont cette aventure est. Au lieu de cela, nous sommes obligés d’imaginer une série d’événements ridicules, avec des jockeys et des chevaux disparaissant qui sont en fait des animaux différents, car les réactions des joueurs se balancent sauvagement. Si vous souhaitez tester votre compatibilité avec le travail d’Arawi, consulter ce chapitre pourrait être un bon début.
Encore une fois, nous n’avons qu’à faire avancer un sketch pour trouver l’autre raison pour laquelle l’épisode n ° 12 est plus contrôlé avec son animation. Ayant été si près de l’épisode final, et surtout en mettant l’accent sur une intrigue qui menace de séparer les deux personnages les plus proches de la série, il y a une teinte de mélancolie que la ville n’a pas vraiment eu auparavant. Le spectre de la séparation de Matsuri et Ecchan a plané sur tout le spectacle-cela fait partie de ce qui fait leurs jolies aventures ensemble, car vous savez que le temps qu’ils partagent est fini. Mais ce n’est que maintenant que vous pouvez le sentir saisir les choix de cadrage et de couleurs à travers l’épisode, avant même qu’Ecchan ne passe par son rituel de séparation excentrique. Pour savoir si c’est vraiment la fin de leur relation, vous devrez vous connecter à City: The Animation # 13.
Avant de plonger dans le dernier épisode dans son intégralité, jetons un coup d’œil aux jours qui ont précédé sa diffusion. Pour être précis, nous devons parler du personnel de base de cette finale, qui a déjà été rendue publique-comme c’est toujours le cas-sur un aperçu qui a peut-être surpris certaines personnes. Le retour du directeur des directeurs de la série: (監督, Kantoku): La personne responsable de toute la production, à la fois en tant que décideur créatif et superviseur final. Ils dépassent le reste du personnel et ont finalement le dernier mot. Les séries avec différents niveaux de réalisateurs existent cependant-directeur en chef, directeur adjoint, réalisateur d’épisode de la série, toutes sortes de rôles non standard. La hiérarchie dans ces cas est un scénario de cas par cas. Et le concepteur de personnages pour diriger le dernier épisode était une donnée; C’est une pratique courante dans les émissions de télévision, et celle qui a confirmé ses propres projets, toujours personnellement marqués. Et pourtant, il y a plus de créateurs à leurs côtés. L’intégralité de la course de City, peu importe à quel point la charge de travail était intimidante, avait été dirigée par un réalisateur d’épisode singulier et storyboard, accompagné d’un réalisateur d’animation. Autrement dit, jusqu’à la finale.
Vous pourriez être tenté de pointer à l’épisode # 07 comme une légère exception, mais mais gardez l’esprit signifie un débutant d’apprentissage sous l’aile d’un vétéran avant leurs débuts dans une position. Cette étape obligatoire est une étape que nous avons récemment vue pour kouhei okamura (directeur de l’épisode adjoint sur Eupho S3 # 13 avant de gérer la ville n ° 10 à lui-même), Ryo Miyagi (assistant à Ishidate sur le cinquième épisode de cette émission, avant de devenir progressivement un leader solo entre ce projet et la ville) et Tamami Tokuyama Strong; Assistant d’Ikeda également dans Tsurune S2 # 04, devenant un superviseur solo par le huitième épisode… et pas autant plus tard, le designer et directeur de l’animation en chef que nous admirons maintenant. En bref, c’est une pratique de studio, pas quelque chose lié à la production de cet épisode spécifique.
Quoi de neuf avec la finale de la ville, alors? Bien que à peine encombré, en particulier selon les normes embarrassantes de l’anime TV actuel, il a deux réalisateurs et trois superviseurs d’animation dans un spectacle qui avait chéri la cohésion parfaite que vous pouvez retirer des efforts individuellement LED. Une chose à garder à l’esprit alors que l’industrie se déplace progressivement vers le personnel contracté est que, une fois que vous payez des gens pour travailler à côté de vous plutôt que simplement pour ce qu’ils livrent, vous devriez les mettre à bon escient. Dans un studio où tout le monde est un employé à temps plein, et où presque aucun travail pour d’autres entreprises est effectué, cela nécessite d’être intelligent avec l’attribution du travail; Sinon, vous avez des gens assis sans rien à faire pendant un mois à la fois.
Bien que les productions soient normalement en cours, cela ne se produit pas. La rotation du personnel de la ville est extraordinairement régulière, avec 5 unités d’animateurs clés apparaissant l’un après l’autre dans un ordre parfait. Les 3 groupes intermédiaires ont plus ou moins fait de même, comme les réalisateurs et les superviseurs qui étaient souvent attachés au même groupe d’animateurs clés. Mais que se passe-t-il lorsque 5 groupes essaient de tourner dans un spectacle de 13 épisodes? À la fin de la course, deux d’entre eux n’auraient rien à faire. Si nous regardons les directeurs d’animation et comptons Tokuyama glissant préférentiellement dans la finale, nous réalisons que les prochains superviseurs qui devraient recevoir un épisode seraient Kayo Hikiyama et Nobuaki Maruki -ce qui est à dire, les deux qui l’ont rejoint pour la ville # 13. Bien qu’il y ait un peu plus de fluctuation parmi les réalisateurs, le premier à conclure leurs épisodes alloués et sans tâche suivante pour se déplacer a été Takuya Yamamura . Et voilà, c’est lui qui accompagne Ishidate pour la finale. Presque comme la gestion du personnel compte!
est-ce l’histoire complète, cependant? Pas tout à fait. Bien sûr, City a été l’objectif du studio depuis longtemps, mais ce n’est pas le seul projet en cours de Kyoani. S’ils voulaient vraiment, ils auraient pu trouver un rôle ailleurs pour ces membres du personnel soudainement disponibles. Franchement, s’il avait été un dernier épisode régulier, ils ont peut-être été enclins à les glisser vers un certain jeu de films qui étaient déjà en préparation. Mais quand City a-t-elle fait quelque chose normalement? Avant même que son émission ne commence, le personnel et le casting des prescréens ont averti les téléspectateurs que certains épisodes étaient simplement hors de ce monde, pointant souvent le cinquième… et le tout dernier épisode. Savoir que la série a des normes folles et après avoir vu ce que les autres épisodes qu’ils avaient mentionnés comme spéciaux étaient vraiment générationnels, il devrait être facile de comprendre que la finale utiliserait volontiers ces anciens combattants dignes de confiance et soudainement disponibles. Ce n’est guère une lacune, mais plutôt une conséquence des idées et du ton qu’ils voulaient mettre au premier plan. La dernière scène de l’œuvre originale est en fait celle qui ouvre cette finale; Un moment pas de bombe et de fanfare, mais d’une réalisation plus silencieuse pour Nagumo. Il s’avère que cette fille espiègle mais sérieuse est obsédée par la poursuite de la vie la plus divertissante possible… avant de réaliser l’évidence, que la vie mouvementée de cette ville était déjà très divertissante. Les changements de point de départ pour la série, qu’Arawi a trouvé brillant, a été réalisé pour que le premier épisode ait déjà signalé le début de cet arc de personnage simple et charmant. Toujours plus facile à vendre des moments comme ça lorsque votre esthétique est si désinvolte , vous savez.
Après cette introduction leur séparation redoutée. Il convient de noter que toute leur intrigue est celle qui est un peu plus déconnectée des autres, à part le fait qu’ils font tous deux partie de l’écosystème hilarant de la ville. Bien sûr, vous pouvez plisser les yeux assez fort pour connecter sa façon de faire face à l’avenir à la propre quête de Nagumo et à ce thème des rêves, mais la vérité est qu’elle n’a pas joué un grand rôle dans l’anime pour sa cohésion thématique. Cela l’a fait parce que ces deux enfants sont les êtres les plus précieux du monde, et c’est une raison suffisante.
Dans le manga, ces deux ne reçoivent que l’attention partielle au milieu des événements occupés du volume final. Ce n’est pas comme s’il n’y avait aucun soin dans leurs derniers moments ensemble, mais qu’il y avait un niveau d’accent dans l’anime qui rend cette résolution à la terre encore plus efficacement. Une grande partie de cela est due à une pure durée (cela prend un peu moins de 10 minutes dans la finale) et la finesse dans la représentation de battements émotionnels tendres que nous attendons des réalisateurs de Kyoani. Mais aussi, c’est City: The Animation, un projet dirigé par un animateur lunatique et un auteur encore plus dément chuchotant à l’oreille. Bien sûr, il y a plus que cela.
Et c’est pourquoi par exemple, plutôt que de faire du vélo à l’aéroport comme ils l’ont fait dans le manga, Matsuri et l’Adatara fiable arrivent à cheval. Un cheval qui est en fait des gens avec un déguisement de mauvaise qualité, sans explication explicite. Si vous avez une bonne mémoire, cependant, vous vous souviendrez que l’un des événements racontés dans la course de l’épisode n ° 12 était un participant disqualifié sur mordant un autre cheval-qui est une gazelle, ne demandez pas-dans le throat . Et qui est en effet leur monture , ce qui signifie que le coupable derrière des actions aussi brutales était en fait un couple d’humains en costume animal… et qu’il y avait plusieurs raisons de les disqualifier d’une course de chevaux. Un ajout délicieusement Arawiesque qui renforce la connexion constante entre les événements, et aussi une excellente excuse pour infuser les coupes en cours de route avec plus de dynamisme rythmique et amusant.
Contrastant avec les aspects du matériel source sur lequel la finale s’est étendue, il y en a d’autres qui ont abattu pour une simple raison: la cohérence. Aucun des choix que l’adaptation a fait à un niveau de narration concret n’a vraiment changé les événements qui sont racontés; Le puisement de l’histoire un peu plus tard n’a pas changé le lieu d’emploi de Nagumo établi dans les premiers chapitres, tout comme le résumé de Sleepwalk de Riko ne l’a pas empêché de se produire. Nous n’avons peut-être pas vu un chapitre entier dédié à la grand-mère battre quelques citoyens, mais dans les vignettes de côté d’épisodes comme le manoir et la course, nous avons continué à les voir se quereller. Pour toutes les petites modifications des points focaux, ils se sont assurés qu’ils s’adressaient à chaque élément ultérieur qui s’appuyait sur elle-une raison évidente pour laquelle Arawi était en charge du processus aux côtés d’Ishidate.
Il en va de même pour le point culminant de la série. Dans l’épisode n ° 12, vous pouvez déjà repérer affiches faisant référence aux élections qui mettent fin à l’origine aux événements de la ville. Ceci est également brièvement mentionné dans la finale, il est donc juste de supposer que cela s’est également produit dans la continuité de l’anime. Comme les événements à grande échelle précédents, cette mini-arc sert simplement d’excuse pour rassembler des tonnes de citoyens dans une aventure interconnectée; Et, étant le dernier, cela leur permet de conclure plusieurs histoires parallèles. Étant donné sa dépendance à l’égard des relations entre les personnages qui sont restés dans la ligne de touche de l’anime, cependant, une adaptation simple ne supporterait pas beaucoup de poids. Et donc, avec 15 minutes de la finale restante, nous revenons à un souhait: le sentiment commun d’Arawi et Ishidate selon lequel l’anime devrait dégénérer encore les choses, exploitant le fait qu’il s’agit maintenant d’une œuvre d’animation dans le processus. Pour une fois, et bien que l’auteur reste toujours aussi impliqué que jamais, cela signifie que City: L’animation choisit de conclure sur une note entièrement originale.
Procurez-vous, notez, car ils ont trouvé une comédie musicale.
As aussi scandaleux que c’est «explevant] qu’il l’a fait!». Le virage rapide de la grande surprise à la conformité amusée n’est pas parce que l’épisode précédent a souligné la musicalité de la livraison, comme pour préparer le public. Ce n’est même pas en raison du bâillon le plus drôle du premier épisode ayant ajouté une chanson d’une certaine œuvre de Broadway , qui était catégorique href=”https://x.com/city_en_info/status/1952733441167888547″> malgré les producteurs qui redoutent le processus de licence . La raison est plus simple: se terminer sur une musicale massive et extravagante où chaque citoyen bizarre est à la hauteur et entre en collision avec les autres est juste la chose la plus imaginable.
et imaginez qu’ils le font-presque comme ses créateurs principaux ont été fortement investis dans cet aspect de la série! La prémisse du restaurant Makabe gagnant une étoile Michelin (ou a-t-elle?) Déclarant une frénésie collective à travers d’innombrables citoyens, tous apportant leur propre mélodie et son propre style visuel à l’écran. Les acteurs font défaut dans les rues, redessinés pour emballer d’innombrables références à leur objet de célébration, tout en portant un pastiche de tenues que nous pourrions voir dans une pièce de théâtre. Cette même séquence de joie culmine avec un ukiyoo-e comme l’écran, nous amenant à une époque entièrement différente dans une swing; et l’orcer avec des textures modernes tout à coup, avec des couches sur des couches d’idées visuelles. Avec autant de rapidité, tout cela peut sortir par la fenêtre en faveur de l’île Heartbreak la plus colorée ou du mélange entre une histoire détective et a href=”https://i.imgur.com/fmf6qfq.jpg”> Pixel Art RPG .
Le résultat est toujours en reconnaissance de la ville, mais même la rupture des règles de la production est permettable qui est toujours en reconnaissance de la ville, mais même la rupture des règles de la production est autorisée qui est toujours en reconnaissance de la ville, mais même la brise à la fin. Vous vous souvenez peut-être d’Ishidate interdisant l’utilisation des faits saillants standard sur l’art du personnage; Un écart radical par rapport à ses travaux précédents Violet Evergarden , qui a en fait ajouté plus de tons aux 3 états habituels de l’anime (ombre/régulier/highlight). Mais que se passe-t-il si nous avons un goofball délirant fantasme sur son propre conte de fées? Qui encourage une refonte complète de la direction artistique, en changeant l’arrière-plan en quelque chose Plus semblable à ce que nous pourrions trouver href=”https://i.imgur.com/r0arpwl.jpg”> dans un tel livre , et en utilisant l’idéalisation de son proche comme excuse pour enfreindre la règle initiale . Encore une fois, il convient de noter comment tous ces pivots amusants ne parviennent jamais à secouer l’identité d’Arawi- regardez simplement les animaux mignons et incompréhensibles qui entourent la princesse . Le degré auquel ils ont réussi à correspondre à sa sensibilité, tout en essayant tant d’idées, est franchement étonnant. Difficile de croire que le monde presque semblable à Moebius dans lequel ils sont brièvement transportés ne venaient pas de son manga d’origine, compte tenu de la façon dont le robot Niikura et des mécanismes de Niikura.
comme les commutateurs stylistiques pour chaque numéro musical n’étaient pas suffisants, même pour
Il ne va pas dire que la baisse des normes de l’animation pour annuler le nombre supérieur de coupes n’a jamais été une option pour la ville. Beaucoup de séquences, que ce soit le passage de la caméra avec de nombreux personnages ou la danse sans fin est excellente à part entière, sans parler de cet ensemble plus grand. Conceptuellement, de nombreuses séquences brillent à travers leur capacité à continuer à connecter des personnages-que ce soit à travers l’inertie ou même narrativement, l’acte musical soulignant à plusieurs reprises qu’Ecchan est toujours une partie active du gang. Et ce niveau d’attention aux détails est apparié dans la livraison technique de chaque coupe, toujours avec ce sens de l’humour Arawi qui y est intégré. C’est un épisode qui vous encourage fortement à le revoir, afin que vous puissiez attraper autant de petits joyaux que possible.
L’expression de la frustration de Nagumo n’est guère subtile, mais même des moments de ces détails de masquer explosifs. Vous devrez prêter une attention supplémentaire pour remarquer les formes brumeuses de deux animaux clignotant brièvement dans les effets; des formes très arawi d’un cheval et d’un cerf , correspondant au kanji de 馬鹿 comme elle le dit à haute voix.
De la même manière que quelques superviseurs et réalisateurs qui avaient terminé leurs affectations ont glissé pour aider, il en va de même pour deux animateurs clés supplémentaires, ce qui en soit le nombre total pour cette grande finale à 7 (+1). La Ayumu Yoshida très prometteuse, appartenant à la quatrième unité Genga de la ville qui aurait géré le prochain épisode si elle avait existé, a été choisie pour aider ses pairs plus renommés. Mais le grand nom est sans aucun doute Tatsuya Sato, leader de la division Osaka du studio et de cette cinquième unité de cette production. Lorsque nous avons expliqué à quel point l’épisode # 05 complètement absurde était même possible, nous avons noté que Sato avait été autorisé à se concentrer dessus plus longtemps que dans n’importe quel travail précédent, lui permettant de dessiner environ la moitié de l’un des épisodes d’anime les plus denses jamais réalisés.
Après cela, son unité était due à réapparaître dans le dixième épisode. Bien qu’il se présente aux côtés du reste de cette équipe, le rôle relativement timide de Sato-«seulement» quelques minutes se démarquait comme son animation accrocheuse-a été introduite dans une autre apparition spéciale. Cela a en effet été le cas de la finale, qui semble l’avoir déployé spécifiquement à travers le segment musical. Bien que la charge de travail ne soit pas au même niveau que dans le cinquième épisode, son timing plus judicieux est partout dans différentes parties des différentes performances. Par tous les moyens, l’un des plus grands contributeurs à la joie que cet épisode irradie.
juste avant la fin, nous venons de se souvenir de l’une des premières choses que nous avons écrites sur le directeur de la ville, il y a près de 3 mois. C’était vrai alors, et il reste vrai maintenant: Ishidate aime animer les choses lui-même . Il parlera d’une tempête de la façon dont la direction (surtout quand il dirige un projet entier) ne vous donne pas le temps de tirer personnellement des coupes entières, puis continue tranquillement de se réserver des séquences complexes. City: L’animation commence pratiquement par une coupe incroyable qui semble venir de sa main. Et maintenant, comme l’apothéose de cette musique soudaine qui se termine, le protagoniste est à nouveau son stylo. Des mouvements de flottement familiers et une propension à l’utilisation de lignes courtes, l’utilisation de minuscules bits de débris pour augmenter la densité visuelle, et le timing lui-même crie le nom de l’ishidate. Tout comme il s’est assuré de serrer ce spectacle à un niveau thématique, il a fait le même stylistiquement, avec sa propre animation éblouissante.
Et donc, maintenant que c’est fini, quels sont les derniers points à retenir de la ville? Même si vous refusez de vous engager avec lui à n’importe quel niveau mais la surface, vous vous retrouvez toujours avec un dessin animé charmant, super mignon et original d’un type que vous rencontrerez rarement dans l’animation commerciale. Il a un prédécesseur apparemment évident lorsqu’il est à Nichijou, mais toute comparaison entre les deux met en évidence leur contraste. L’une, même avec la vision transformatrice de son adaptation de l’histoire, est heureuse d’être consommée comme des bouchées sans séquentiment vaguement connectées d’animation explosive et surréaliste. Tout en emballant autant de punch à sa livraison, l’autre opte pour une appréciation beaucoup plus décontractée de l’atmosphère idiote et de la dynamique émergente dans le cadre interconnecté. Vous constaterez souvent que City a autant à voir avec yokohama kaidashi kikou qu’avec Nichijou, en tant que série moins préoccupée à provoquer des rires constants-si tout, une idée qui a été découragée-et plus dans l’idée d’encourager votre imagination à se promener dans les rues. nécessairement sur des gags télégraphiés qui ne deviennent gratifiants qu’une fois que la punchline atterrit. Cela rappelle les conversations récurrentes sur la comédie et l’horreur comme deux genres adjacents; Une idée démontrable exploitée par de brillants réalisateurs comme Jordan Peele , et pourtant, une pensée beaucoup divertit alors qu’ils indiquent des moments amusants dans l’horreur comme des échecs accidentels ou pure et simple. City occupe une région différente dans le pays de la comédie, mais Ishidate croit tout de même en la largeur de ce territoire. Comme nous l’avons discuté auparavant, ce sont plutôt des cinéastes comme Charlie Chaplin qu’il a souligné comme exemplaire de l’appel d’Arawi. C’est-à-dire, des comédiens qui déclencheront votre imagination avec leurs hijinks, plutôt que de vous arrêter dans vos traces avec un rugissement de rire à l’esprit. Cette vision a résonné auprès de l’auteur, conduisant à la collaboration extrêmement étroite entre lui et le studio que nous avons également longuement couvert. Le résultat est, en quelque sorte, résumé par le souhait simple d’Arawi: «Je veux que les téléspectateurs se demandent ce que les créateurs faisaient même».
Une grande partie du facteur de surprise requis pour cela réside dans la présentation. Le langage visuel de la ville et la logique démente derrière lui sont exubérants, mais aussi si faciles à l’œil, à une époque où tous les autres titres sont désireux de prouver ses valeurs de production élevées grâce à des effets numériques intensifs. Bien que cela puisse être exécuté efficacement, c’est une approche qui est devenue si répandue (et souvent grossièrement déployée) qu’elle a aspiré l’air de la pièce. Et voici City, une bouffée d’air frais des plus bien accueillis. Chaque composant est placé organiquement dans un tout transparent qui brouille les préceptes de l’animation CEL qui ont gouverné tous les travaux commerciaux pour une éternité; Il n’y a pas de caractère distinct et de couches d’arrière-plan, il y a une ville. Pour être précis, il y a une ville qui abrite tellement d’animation ridiculement complexe qu’elle pourrait faire rougir un projet de télévision.
L’une des questions les plus intéressantes à laquelle Ishidate a répondu dans une campagne sur les réseaux sociaux concernait , within a project where both young and veteran staff members have gone all out. His first instinct was to shout out Arawi himself yet again, as he’s been involved in so many iconic choices (like the mansion diorama!) that he might as well have been a director. Among KyoAni’s members, though, he shouted out the young director we’ve been most enthusiastic about as well: his pupil Ryo Miyagi. The storyboarding prowess he showed in moments like the end of episode #04 and the interconnected climax of the race is truly special.
Perhaps due to that fundamental stylistic simplicity, the sheer scale of CITY as an animation effort is hard to parse. Sure, certain bombastic sequences will get attention, but the obscenely particular craft required to bring to life such comic-like sensibilities, while still retaining certain acting precepts that make KyoAni what they are, is just otherworldly. Ishidate conceived the project as a counterattack to a trend that other renowned veterans have observed: the supposed convenience of technology is erasing fundamental abilities among animators, as more and more aspects of the process are stripped away from their workload. A growing limitation in their capacity for expression, which in practice tends to hurt the cohesion of the visuals as well.
Since its early stages, CITY’s visual philosophy became a stone meant to hit two birds; on the one hand, the attempt to capture Arawi’s original charm, and on the other, the desire to retrain younger generations of animators in skills no longer demanded of them. To achieve the latter, CITY deploys thrilling background animation, draws all effects in analog form, and even backports modern photographyPhotography (撮影, Satsuei): The marriage of elements produced by different departments into a finished picture, involving filtering to make it more harmonious. A name inherited from the past, when cameras were actually used during this process. ideas into visual concepts that had never been drawn before. It was an overwhelming workload, but fortunately, it led to a result that is more rewarding the more you pay attention to it.
All that the production has in potency, it can match with originality and boldness as well. Arawi and Ishidate’s desire to surprise led to all sorts of creative choices that spit in the face of efficiency and custom. There’s a reason why we built our previous article about the series around a detailed timeline of the making process—making it clear that it was extraordinary even by the studio’s standards, demanding many resources for a long period of time. If dedicating entire months to craft one diorama was what it truly took to embody the creative leaders’ vision, they would do it. If they thought that leaving the length of each episode (always multiple minutes above the norm) up to each director would be ideal, they wouldn’t hesitate.
For as easy as it is to wish that it had received a 2 cours adaptation like Nichijou did, allowing for the staff to cover more material, you can’t separate CITY from the way it was made. And that is, again, infinitely more cumbersome than Nichijou’s amazing yet more straightforward production. Unless they were willing to spend 6 years on it and maybe bankrupt the studio along the way, you couldn’t make twice as many episodes without compromising on the philosophy that the author and director saw as essential. We all have chapters to mourn after its unusual series compositionSeries Composition (シリーズ構成, Series Kousei): A key role given to the main writer of the series. They meet with the director (who technically still outranks them) and sometimes producers during preproduction to draft the concept of the series, come up with major events and decide to how pace it all. Not to be confused with individual scriptwriters (脚本, Kyakuhon) who generally have very little room for expression and only develop existing drafts – though of course, series composers do write scripts themselves. process, but at the same time, there are many brilliant choices in the adaptation to emphasize CITY’s interconnection through the mixing and reimagining of situations. In that sense, the two versions of this wacky story may be perfect companion pieces. I highly encourage anyone who has watched the show to go and read it now, then return to the TV series once again; frankly, it’s a series that rewards revisits in the first place.
Even the key visuals are packed with fun details that you’ll only appreciate if you return to them. One of them had a device in the background that anyone acquainted with Doraemon would recognize as a time machine. The most attentive fans were tempted to speculate about what role this original addition could play, with the ultimate twist being that it simply blows up in joyous fashion.
To some degree, it’s a given that an environment packed with technically superlative artists will often make good anime. The poignancy of the source material—if there is one in the first place—and the sensibilities of the core staff are key factors, but there’s no sense of surprise whenever KyoAni wrap up an enjoyable, impressive work.
I’d argue that CITY isn’t just that. It feels like a milestone, in the way they may not have had since Liz and the Blue Bird.
Although their recent output includes works I’ve enjoyed about as much, CITY carries a sense that you’re witnessing a once-in-a-lifetime work that those lacked. That is, on some level, quite literal; Ishidate’s commentary about the production process has been marked by awe and joy, but also, comments that certain monumental challenges like episode #05 aren’t something he plans to repeat. In a less tangible way, I also feel like the synergies between the project’s goals, Arawi’s style, and the complete disregard for financial and production common sense were a set of stars unlikely to align again. It’s lighting in a bottle, not because their reasons for success are hard to understand, but rather because they’re perfectly well-known. And as it turns out, spending ages crafting the most gorgeous bottle you’ve ever seen and then standing under lighting is not considered sensible behavior. Even more reason to be glad that they succeeded at it, I suppose.
For as well-meaning as CITY is, that unrepeatable nature makes it feel like it’ll stand as a somewhat cruel milestone. If we look back at Liz, it’s easy to see that it cast a way bigger shadow than its modest financial performance would make you believe. It’s no coincidence that MyGO/Ave Mujica writer Yuniko Ayana was interviewed alongside Euphonium’s Ayano Takeda, not only because the former is a big fan of Liz, but because it’s understood in the community that there’s a continuity between that film and the current boom of music anime (often female bands) with heightened dramatism. And what is Love Live’s attempt to dip its toes in such waters called again? Oh, right. Either way, the point is that even such a masterpiece offers aspects for others to latch onto, recognizable themes that they can incorporate into their works. Even the always brilliant Naoko Yamada might never make another Liz, but its legacy lives on in many works already.
In contrast to that, CITY is simply inaccessible. What the show is remains too tied to the way it was made, and that is seen as an anomaly within an environment that is already exceptional. The series being a quirky, way less trendy experience won’t motivate many others to even try to recreate it—but even if they wanted to, I’m not sure how you could make something that meaningfully draws from it. Instead, it’s bound to slot itself as a historical landmark for people passionate about animation to witness from afar. And you know what, that’s a sweet result as well.
While I’ve made it clear that I don’t expect CITY to be followed up on, the final look at KyoAni works always begs the question of what’s next for them; after all, they’re so isolated from the rest of the industry that one project always connects to neighboring ones. The obvious, already announced part of the answer is the theatrical recap for Eupho S3. Although that may sound like a minor project, and to some degree it is, it’s worth noting that the studio regularly produces recap films that are, by sheer mass, more original than old. For an obvious example, the recap of the previous season is a film that reframes the entire story to be more focused on the character of Asuka, granting it not just lots of new footage but an entirely new point of view. It’s not a replacement, as it gets rid of certain arcs in the process, but it turns an often-skippable offering like a theatrical recap into a rewarding experience for those who’ve already seen the show.
Mind you, I wouldn’t expect an outright reconstruction of the story like that for the third season’s retelling. What I believe will happen, though, is that they’ll expand on the original in a rather ambitious way. Considering that they’re splitting it into two film releases, and given the room left by the TV show, you should expect a lot of impressive new footage for the musical performances. Eupho S3 committed to a slowly asphyxiating experience, and that often involved denying the viewer the cathartic comfort of a successful performance being shown. While depicting those in triumphant fashion might make these films somewhat lesser as a story, it’s the type of indulgence that we’ve all earned after the stress of following that original season. And do you know who is the person in charge of Eupho’s fancy instruments? The charismatic Minoru Ota, who vanished from CITY after directing its unbelievable fifth episode. Hard at work already, it seems.
Considering the studio’s release patterns, I would expect those Eupho S3 films to drop in April 2026 and either July or September of that same year. With that, they should wrap up the series as we know it; which is to say, that I still believe in an eventual Natsuki-themed film whenever they want to revisit the franchise. In the meantime, KyoAni will also be announcing something new within the next month. After finding different formulas to connect with fans following on the tragic arson, 2025 will mark the return of the studio’s traditional events—with countless production materials exhibited and stages featuring all sorts of staff members. Among all those, one stood out as very suspicious. Its contents remained hidden for months, and it was scheduled as the Saturday equivalent of the stage dedicated to the upcoming Eupho recaps. To this day, the exact contents aren’t known, but they did indeed confirm that new work(s?) will be announced with the main staff and cast present.
That said, you might remember that we highlighted CITY’s art directorArt Director (美術監督, bijutsu kantoku): The person in charge of the background art for the series. They draw many artboards that once approved by the series director serve as reference for the backgrounds throughout the series. Coordination within the art department is a must – setting and color designers must work together to craft a coherent world. Shiori Yamasaki as the earliest, most extreme example of an individual completely dropping her responsibilities in favor of the upcoming project she had to lead. What have her peers at the art department been up to lately, then? Pretty much all of them worked on CITY, and for that matter, the Maidragon film as well. In fact, all of them but two, who skipped both projects despite remaining listed as employees. Two women who share one key characteristic: they’re up-and-coming painters who have acted as art directors in side projects, a mechanism that the studio uses to provide staff with experience before they hold those same positions in fully fledged works.
Who are they? Mao Takayama is a youngster we’ve talked about before, as a multi-talented artist who surprised the veterans from other departments as they scouted her; in their words, they had no idea that someone that skilled had remained an unknown name for a few years. Most notably, she was the art directorArt Director (美術監督, bijutsu kantoku): The person in charge of the background art for the series. They draw many artboards that once approved by the series director serve as reference for the backgrounds throughout the series. Coordination within the art department is a must – setting and color designers must work together to craft a coherent world. for the gorgeous Uji ni wa Monogatari ga Aru, an exercise in bringing their own city to life with a fantastical spin to it. While she’s got a fair amount more experience, broad audiences are similarly in the dark about the other missing painter: Momoka Hase. In her case, the awareness within the studio is understandably higher. She was entrusted with the artboards for the breathtaking Liz, and her chance to debut as an art directorArt Director (美術監督, bijutsu kantoku): The person in charge of the background art for the series. They draw many artboards that once approved by the series director serve as reference for the backgrounds throughout the series. Coordination within the art department is a must – setting and color designers must work together to craft a coherent world. for a small work already arrived in 2019 with the second Baja’s Studio OVA.
If a Denmoku anime were to come to fruition, it would feature a girl associated with the color blue, who was given a hairpin when they allowed the studio’s young staff to animate a commercial inspired by the book. By her side, it’d have a boy with spiky hair, an attitude, and highly specific clothing that fits the setting. And what is beloved baby dragon Kanna drawing in the studio’s event visual, attached to a book that—contrary to what they’ve done in previous instances—they’re making to sell after the event to keep things under wraps? Which novels are they selling at that event anyway? Just the recent ones and the two books written by Denmoku’s author? Hmmm, curious indeed. Although there are other directions I can see them taking, especially given that Osaka staff haven’t been as active as of late, there are a few too many subtle hints pointing at the 20th century right now. So I suppose that our answer about what lies in KyoAni’s future after CITY is, ironically, the past.
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