Uma Musume: Pretty Derby-Début d’une nouvelle ère de production Remarques: le prisme des possibilités de Ken Yamamoto

et donc entrez Yamazaki, dont les préoccupations sont en quelque sorte le contraire. En tant qu’artiste qui a gagné en notoriété parmi les animateurs animés de l’âge d’or de Dogakobo, et les a ensuite suivis dans des projets de grande envergure shouta Umehara plus récemment, il se sent conscient des dessins qu’il perçoit trop rigides. Ce que ses pairs considèrent comme une solidité fiable, il craint que ce soit médiocre par rapport à la production plus bizarre de ses compagnons-un esprit auto-dépréciant que vous pouvez apercevoir dans une interview kisekoi que nous avons traduite. Quelle que soit la façon dont il se sent, Leaf a loué avec enthousiasme son travail, trouvant indispensable de fonder sa folie sans compromettre la narration émotionnelle.

À cet égard, il convient de noter que cette collaboration ne les a pas conduits à prendre la route centriste moins savoureuse. Le début d’une nouvelle ère est, bien qu’il soit attaché à une propriété de Bishoujo, l’une des formes d’expression des personnages les plus agressives dans l’animation commerciale. Les visages des filles se déforment dans des sourires exaspérants, rapidement transformer la rondeur en acier et brosse brutale, les mâchoires complètement de leurs charnières alors qu’elles visent la victoire. Alors que la présence de Yamazaki époute le film à des styles plus conventionnels pendant les temps d’arrêt plus silencieux, chaque artiste contribuant est teint dans la couleur féroce de Leaf; Sans surprise, compte tenu de la combinaison de son charisme et du fait qu’il a personnellement corrigé tant de lieux de mise en page (レイアウト): les dessins où l’animation naît réellement; Ils élargissent les idées visuelles généralement simples du storyboard dans le squelette réel de l’animation, détaillant à la fois le travail de l’animateur clé et des artistes de fond. Cela est vrai pour Yamazaki lui-même, qui a également travaillé à ses côtés dans RTTT. En tant que concepteur de personnage, il a réfléchi à la mesure où il pouvait prendre cette expressivité, donc Leaf est resté avec lui en tant que réalisateur d’épisode non crédité dans le premier épisode-un emploi supplémentaire ajouté à son storyboard d’ouverture-pour réglementer son bord pointu. Et pour ce film, les deux l’ont fait passer au niveau supérieur.

En plus de ceux qui reviennent, Leaf et Mizoguchi ont fait un point pour atteindre de nouveaux membres intéressants. L’utilisation de la couleur par le film est l’une de ses plus grandes forces, et une grande partie de celle du designer yoh iwaida . Le début d’une nouvelle ère établit une ligne claire entre la palette de ses races enragées et tout le reste; Tous deux ont filtré à travers la psyché de son caractère principal, mais avec des modes clairement séparés. Iwaida a été choisie précisément pour son aptitude à illustrer ces moments de la vie quotidiens, car le réalisateur avait été un grand fan de son design de couleur dans le magnifique Kase-San et l’anime des gloires du matin.

Le goût personnel du réalisateur a continué tout en rassemblant l’équipe. Un autre aspect clé de la production a été son son, et Leaf a été très explicite pour le confier au vétéran Yota Tsuruoka parce qu’il est un grand fan de son travail aux côtés de Kyoto Animation. C’est aussi Tsuruoka qui lui a présenté le compositeur Masaru Yokoyama , avec qui il avait travaillé à l’époque à travers les suites de tsurune -redonner des choses au studio à nouveau.

que le pensionnalité pour les œuvres de Kyoani ne serait plus pertinente que beaucoup. Sinon, une grande partie des influences qui sont entrées au début d’une nouvelle ère sont facilement identifiables. Il est clair que son protagoniste Pokke tire dans une histoire du manga Yankee, et qu’il y a beaucoup d’ADN de la série sportive classique; Ashita no joe en particulier, jetez une grande ombre sur le film, influençant la dynamique des personnages, la livraison de lignes et d’accent, et même des détails spécifiques comme l’entraîneur Tanabe en passant d’une femme à une référence assez directe à danpei tange -down to to-hut. Étant donné que chaque course a obtenu un registre stylistique spécifique, Leaf a pu puiser dans les anciens favoris, comme Bakusou Kyoudai Let’s & Go pour le Japan Derby. Alors que beaucoup ont attribué l’intensité générale aux œuvres de Gainax et de Trigger, le directeur a cependant déclaré qu’il n’en était pas conscient. Au lieu de cela, il a souligné les œuvres de Kyoani et liz et l’oiseau bleu comme ce que il a envisagé tout en concevant le film à la surprise de la surprise de l’événement animal à la surprise de la surprise de l’événement animal. n’était pas conscient de la lignée Gainax/Trigger, Toshiyuki Sato soulignant les similitudes avec le travail d’Imaishi de certaines séquences finies lui a fait réaliser qu’il y avait quelque chose aussi.

Bien que la feuille ait tendance à être un peu importée dans la joue, il y a toujours beaucoup de vérité dans ses mots. Lorsqu’il crie Le Sorcerer Iceblade régira le monde et son directeur Masahiro Takata (comme il l’avait déjà fait dans nos récompenses), les gens ont tendance à le traiter simplement comme une plaisanterie. Remarquez, Leaf apprécie cela, mais après avoir récemment vu l’adaptation en deuil de Takata , je peux attester qu’il est un réalisateur très rusé et efficace. Bien qu’il soit lui-même un artiste extrêmement explosif, et d’être personnellement proche de nombreux jeunes créateurs dont les contributions très médiatisées aux tubes d’action deviennent virales, la feuille est assez critique envers l’anime moderne qui renonce à la vision de réalisateur en supposant que l’animation flashy comblera les lacunes. À partir de ce poste, il n’est pas surprenant qu’il prenne note des réalisateurs qui travaillent dans des productions peu glamour avec peu ou pas de ressources, mais qui ont l’ingéniosité pour le faire fonctionner. Et tout comme il peut être Sakugasakuga (作画): dessiner techniquement des images mais plus spécifiquement d’animation. Les fans occidentaux ont depuis longtemps approprié le mot pour se référer à des cas d’une animation particulièrement bonne, de la même manière qu’un sous-ensemble de fans japonais. Assez intégré à la marque de nos sites. Poids lourds tout en appréciant l’économie intelligente de l’animation, il peut faire l’anime sportif le plus intense tout en poursuivant l’intériorité et la délicatesse de Liz. Avec succès aussi!

Pour fusionner ces aspects parfois disparates dans un film cohésif, de nombreux matériaux ont été préparés pendant le processus de pré-production. Dans le livret Bluray, Mizoguchi a révélé qu’il était derrière l’un des plus inhabituels. Comme il avait récemment travaillé avec un réalisateur qui a attiré des bandes de mangas pour traverser leur vision, il a également présenté cette idée à Leaf; Et compte tenu de sa volonté de fournir des références spécifiques à tout ce qu’il avait envisagé, il n’est pas surprenant qu’il l’ait repris l’idée.

Le scénariste Yoshimura a été ému par l’énergie de ces bandes, ce qui a canalisé les mêmes émotions qui avaient résongé avec elle tout en faisant des émissions de télévision dans la préparation. Elle aime beaucoup de sentiments et a trouvé les dessins du réalisateur pour correspondre au volume émotionnel élevé de sa propre interprétation d’Uma Musume. Bien que nous ayons ouvert cette pièce en disant que le motif le plus important du film n’était pas du tout dans ses scripts, ne prenez pas cela comme signifiant que sa contribution n’était pas importante-la surseurs a ajouté que son écriture l’a aidé à consolider davantage toutes ces idées.

Il convient de noter que la feuille a une forte affinité pour l’utilisation de texte pour donner la forme et le concrétion à son angle visuel, dans un champ où le plus grand conteur a tendance à provenir d’un exercice de visualisation. Peut-être à cause de cela, il est très reconnaissant pour Yoshimura d’avoir fourni des lignes comme «tout sur Horsegirls est révélé dans leur course», qui a débloqué son chemin à terme alors qu’il se sentait un peu coincé. Une grande raison pour laquelle il a été si prudent avec les nuances de l’écriture dans un film par ailleurs explosif était d’éviter la déformation de la nature des Horsegirls comme il le perçoit. Pour le réalisateur, la concurrence féroce entre les femmes animées les plus psychotiques que vous ayez jamais vues ne peut pas secouer une vérité fondamentale: que les filles s’affrontent assez sans vouloir piétiner les rêves de leurs pairs, même si la réalisation des leurs peut nécessairement éteindre les chances de quelqu’un d’autre. Cette position idéaliste et noble est celle sur laquelle il ne ferait pas de compromis, aussi difficile à équilibrer.

avec une meilleure compréhension du projet et des créateurs derrière, nous pouvons enfin nous plonger dans le film lui-même. Le début du discours d’introduction d’une nouvelle ère fait allusion au décor de l’histoire-n’atteignant jamais trop d’attention à sa ridicule, qui est l’un des points charmants de la série. Cela souligne qu’en dépit de leur destin de courir, personne ne sait ce que l’avenir des Horsegirls détient; Le faire clairement depuis la toute première scène que les possibilités sont au cœur de cette histoire. Ce qui se démarque encore plus que ce message, c’est la façon dont il est transmis, surtout à travers l’animation indubitable de kou yoshinari . L’aîné de peut-être le plus grand Sakugasakuga (作画): dessinant techniquement des images mais plus spécifiquement d’animation. Les fans occidentaux ont depuis longtemps approprié le mot pour se référer à des cas d’une animation particulièrement bonne, de la même manière qu’un sous-ensemble de fans japonais. Assez intégré à la marque de nos sites. Les frères et sœurs avaient déjà travaillé aux côtés de Mizoguchi, et le producteur n’a jamais hésité à partager combien de a fan he is.

It’s not uncommon for artists that revered to receive special treatment, hence why Aninari was allowed to open up the film by ignoring its original storyboardStoryboard (絵コンテ, ekonte): The Blueprints d’animation. Une série de dessins généralement simples servant de script visuel de l’anime, dessinés sur des feuilles spéciales avec des champs pour le numéro de coupe d’animation, des notes pour le personnel et des lignes de dialogue assorties. comme il voulait. Remarquez, aller Rogue ne signifie pas qu’il a oublié de considérer comment son travail s’adapterait dans l’ensemble; Si quoi que ce soit, il est caractérisé pour être un conteur obsessionnel. C’était son choix, par exemple, de montrer la progression de l’âge des personnages alors que le narrateur soulève le thème de l’avenir. En se terminant sur les filles qui se transforment en arc-en-ciel, le principal motif visuel est désigné avant même que le film ait eu le temps de l’établir. Même les silhouettes articulées au début sont un choix approprié-cette séquence est un clin d’œil à The Horse in Motion , l’une des applications les plus célèbres de Chronophotography By Motion Images Pioneer eadweard”Muybridge .

Après cette préface, nous pouvons rencontrer notre protagoniste vivant Pokke. Cet aperçu d’un passé récent montre sa première rencontre avec des courses compétitives et réglementées-ce qu’elle avait été plutôt sceptique-par la main du réalisateur lui-même, qui a probablement contribué à l’animation compte tenu de la façon dont ses mains et ses plis de vêtements sont idiosyncratiques. La réalité intense dont elle est témoin souffle tous ses préjugés, modifiant toute sa vie la seconde où elle croise avec Fuji Kiseki. Le crescendo dans la musique et les effets sonores catégoriques (même le déploiement de la typographie fait un bruit satisfaisant!) Servirs déjà comme un exemple solide de l’importance du son de ce film, mais ne laissez pas ses triomphes bruyants vous distraire que, plutôt que ses visuels. fait son pendentif à la fin de la même coupe. La lumière blanche intense qui était la vie de Pokke frappe son premier prisme majeur, se dispersant dans des rayons de couleur différemment. Celles que nous suivrons-celles Ses yeux sont axés sur le moment où elle est stupéfaite après la course-l’emmènera peut-être à devenir l’une des seuls options, même pour Horsegirls qui suivent leur destin. S’ils n’avaient pas assisté à cette course, nous suivrions peut-être une autre trajectoire pour Pokke, avec son propre ensemble de possibilités. Mais ce n’est pas le début d’une nouvelle ère que nous vivrons.

Le prologue est achevé par une séquence d’ouverture amusante qui abrévera l’arrivée de Pokke à l’école, sa rencontre avec la personne qui l’a inspirée à suivre ce chemin et la formation qui lui permet de faire ses débuts avec succès en tant que professionnelle. Alors que nous abordons son premier vrai défi, nous sommes rencontrés avec le style toujours reconnaissable de Kerorira et une séquence très bocchi. Bien que Leaf lui-même ait fourni une quantité ridicule de corrections à travers le film, tant qu’ils ont transmis l’émotion qu’il avait imaginée, ni lui ni Yamazaki n’étaient particulièrement inquiets de cacher le style artistique de chaque contributeur.

plutôt que ce que vous pouvez ressentir ici est l’accent mis par le réalisateur à la naissance de l’animation. Ils élargissent les idées visuelles généralement simples du storyboard dans le squelette réel de l’animation, détaillant à la fois le travail de l’animateur clé et des artistes d’arrière-plan., qui lui permet immédiatement de commencer à jouer avec la symétrie (et le manque de celle-ci) avec l’introduction de Tachyon en tant que rival de Pokke. Beaucoup est dit par la construction des coups seuls; Les deux se tiennent dans des positions similaires, mais Pokke est laissé pour compte et piégé par les environs, le fusion de Tachyon lui permet d’intrusion la limite physique de chaque voie, et sa présence invasive se rapproche mal à la caméra elle-même. Mizoguchi a expliqué qu’il avait choisi Leaf pour ce projet parce qu’il croyait en sa capacité à créer des images qui se sentaient de nature théâtrale, et le directeur le prouve immédiatement. Et comme pour faire valoir qu’une telle chose ne se fait pas au prix de l’animation drôle, nous obtenons le premier goût des déformations de la bande dessinée de Toshiyuki Sato . L’éclat que la production transmet reflète à quel point le tachyon occasionnel est à assurer cette victoire; Se promener simplement devant Pokke avec des dessins non botrés, contrairement à l’étape explosive du protagoniste qui ne revient finalement à rien. Grâce à l’animation de Isuta Meister , nous regardons un tachyon non bothené se précipitant au soleil, tandis que Pokke avale à contrecœur la pilule de la défaite dans l’ombre. Bien qu’ils aient fait ce choix de retenir l’incroyable frénésie qui caractérise toutes les autres courses, certains autres choix de production ont déjà fait en sorte que la tête à ce stade.

Très tôt, l’équipe a décidé de présenter des tirs à la première personne aux courses, ce qui n’avait pas été un facteur dans les entrées précédentes d’Uma Musume. Bien que ceux-ci soient gênants à animer, un projet théâtral était l’endroit idéal pour l’essayer; Non seulement en raison de l’augmentation du muscle de production, mais aussi parce qu’ils se sentaient comme le rapport d’aspect CinemaScope qu’ils avaient choisi serait un ajustement naturel pour ce type de champ de vision immersif et sauvage. Même à un niveau plus large, une idée récurrente était qu’ils adaptaient le monde de Pokke plutôt que de représenter une vision objective et détachée de la réalité. De la même manière qu’ils n’ont pas hésité à teindre les scènes avec des couleurs très artificielles si ceux qui correspondent à son état émotionnel, placer physiquement le spectateur dans ses chaussures était une approche efficace.

CineMascope a également été choisi, malgré le fait qu’il entraîne plus de détails à dessiner, car cela semblait être un bon ajustement pour exposer tous les concurrents horizontalement lorsqu’ils courent. Cependant, une idiosyncrasie de cette série a ajouté des frictions supplémentaires; Il s’avère que les personnages ont tendance à exiger un peu plus d’état réel vertical que d’habitude, pour la simple raison qu’ils sont des chevaux avec des oreilles souvent pointues. Avec tous les artistes habiles de l’équipe, ils croient qu’ils ont bien fonctionné.

En tant que procédés de Pokke étonnamment mignons qui battent, le public et elle sont exposés à l’énorme intensité d’Uma Musume. Dans une course télévisée qui implique également son protagoniste Narita Top Road, le principal rival de RTTT, TM Opera, éclate à nouveau dans la scène. Ce lien entre le film et la série Web précédente précède l’arrivée de Leaf au projet; Bien que Pokke n’existait pas encore au moment où il se joignait officiellement, ils avaient déjà établi que les Horsegirls les plus puissants vus dans RTTT seraient placés dans une position de patrons finaux non malveillants. Bien que l’intention était de relier les deux d’une manière qui serait passionnante aux téléspectateurs de retour et pourrait piquer la curiosité des nouveaux arrivants, cette relation s’est étendue à la production et à la dynamique du personnel.

Retour dans RTTT, le sprint nucléaire, climatique au but avait été animé par Takeshi Maenami . Parallèlement à sa contribution à l’ouverture, cette combinaison de forme lâche mais très accentuée, des traces de crayon rugueux étaient venues incarner l’intensité des races à leur meilleur. En le plaçant dans la première vraie vitrine pour le début d’une nouvelle ère, impliquant les mêmes personnages qu’il avait déjà dessinés, Maenami a été immédiatement établi comme le bar à effacer. Dans toutes ces interviews auxquelles nous avons fait référence, le personnel a ouvertement expliqué comment cela a déclenché un défi amical parmi l’équipe, chaque animateur essayant de respecter le travail explosif de Maenami, s’il ne le dépasse pas. Une attitude tout à fait appropriée pour un film sur les chevaux mentaux essayant de dépasser tout le monde.

Comme Pokke pouvait le dire en se rapprochant un peu trop de son écran, Maenami a vu la volonté du réalisateur de tout faire d’un cran et ajouté des couches de son animation d’effets caractéristiques au style déjà agressif qu’il a présenté en RTTT. Bien que la nécessité de respecter vaguement les formulaires de course limite la mesure à laquelle vous pouvez manipuler la pose, il trouve toujours un moyen d’ajouter ce dynamisme supplémentaire-même en ce qui concerne la célébration de sa victoire. Conformément au reste du film, les expressions parviennent à se développer encore plus déformées et féroces, ce qui ouvre le terrain pour que d’autres animateurs puissent suivre. Soit dit en passant, si vous avez apprécié cette séquence, nous publions ce jour avant la sortie du remake yaiba où il agira en tant que concepteur adjoint de personnage et animateur principal. Une plate-forme très appropriée pour l’un des modes de réalisation modernes les plus notables de la Kanada School of Animation, étant donné que son ancien matériel source fait appel à sa sensibilité et qu’il travaillera sous le Strong> Yoshimichi Kameda .

plutôt que de croître dépensé à un autre bilan apparemment assurable. Son attitude yankee honorable amusante l’emmène à défier directement Tachyon, dans un autre morceau d’animation magnifique-bien que celui avec une saveur très différente. Ayaka Minoshima est un formidable artiste de personnage, et la gamme d’expression pure dans cette scène devrait vous dire pourquoi. Une grande partie du crédit va, bien sûr, à son interprétation des excellents story-boards de Leaf et de ses propres corrections ici et là. La séquence est brillamment énoncée afin que Tachyon n’ait pas à faire face à droit, en utilisant des éléments de l’environnement comme l’ancien CRT pour refléter des personnages qui ne sont pas à la vue et donnent une continuité visuelle amusante aux poses drôles dans le processus.

Jusqu’à ce point, le tachyon n’avait aucune raison de prêter une réelle attention. Autrement dit, évidemment, inacceptable pour un protagoniste chaud qui veut une victoire claire sur son rival. Dans une décision impulsive qui temporairement la cache propre visage , Pokke lance un Direct Challenge href=”https://i.imgur.com/c6hiruo.jpg”> Tachyon ne peut s’empêcher de recevoir . Le scientifique fou, qui avait déjà aperçu l’arc-en-ciel des possibilités dans ses yeux , l’accepte en montrant Her Neurotypical. There’s a funny asymmetry to the rivalry that is established there—Pokke wants to run as equals yet is treated sort of like a guinea pig—that hides the beginning of Tachyon’s biggest mistake: detaching herself from her dream. In her obsessive research to break the limits of a horsegirl, she has been using others as tools to grow closer to that goal, without thinking that what she truly seeks is the satisfaction of doing so with her own legs.

After being handed a brutal defeat and then denied the possibility to close the gap, even being mocked by a Tachyon who definitely isn’t compensating for the pain she’s causing to herself, Pokke marches forward recklessly. Leaf’s direction shines through its atmospheric qualities at this stage; this sequence animated by ump is particularly claustrophobic, not only due to its staging but also because of the choice to animate two cuts as involving full-cel shots. It’s only when her trainer opens up to share his experiences alongside Fuji Kiseki that she opens up again—conveyed by the storyboardStoryboard (絵コンテ, ekonte): The blueprints of animation. A series of usually simple drawings serving as anime’s visual script, drawn on special sheets with fields for the animation cut number, notes for the staff and the matching lines of dialogue. through her gradually removing the hand on her face, representing how she was blocking the outside world.

Somewhat recovered, Pokke joins the Japan Derby. Toshiyuki Sato’s animation ignites the protagonist—and an astonishing relay of artists that includes Odashi, Takahito Sakazume, Shun Enokido, Shuhei Fuchimoto, TOMATO, and Hikaru Miyazaki—as she channels all those bottled up feelings into a race where she finally can start seeing beyond the prism of possibilities. Her glorious victory leads to a cathartic roar animated by Hirofumi Okita; an integration of a famous incident involving her real life horse equivalent, which the staff had wanted to include since the start of the project.

In a way, though, Pokke isn’t the actual protagonist of this race. For all this movie, she’s had an unassuming girl by her side. Dantsu Flame is a nice girl who’s nowhere as much of a punk as her old gang, nor as much of a gal as another group we’ve seen interact with them. She is always looking for Pokke, but never really standing out on her own. Leaf confirmed that he wanted to strengthen this feeling by avoiding placing her at the center of the screen as much as possible; something that’s noticeable even in the montage shot that introduces her… and yet still places her in a group, sorta to the side.

However, the incident with Tachyon truly hurt her. Part of it is, of course, being aware of how hard that might hit Pokke—but that’s clearly not all of it. Dantsu also wants to compete with the very best and beat them, so the strongest competitor quitting in a seemingly selfish way (as Tachyon’s injury concerns are something she hasn’t bothered disclosing) also set her off. Her training grows noticeably more intense, and for the first time, she physically competes with Pokke for the position of honor in the screen. Although she loses in the end, she proves that she can compete on the same level. Her noble tears of frustration at the end contrast with Tachyon’s reaction; one of them lost, but proved that she belongs here and that she can keep competing, while the other’s superficial happiness over someone else inching closer to her dream begins to crumble. Would she really rejoice about Pokke achieving it?

The brief respite that follows marks the switch to the only other storyboarder in the film: Toshimasa Ishii, another favorite of this site and of Leaf himself. Despite knowing that he was busy and would likely be forced to deliver those boards late, the director has long since believed that Ishii is one of the most brilliant directors in the industry—and I would be inclined to agree, as would many of the people who followed him across the 86 anime.

Ishii has an uncanny ability to thread together immersive, seamless film, and then subvert that in favor of snappy turns you can physically feel. His training camp feels breezy until the feeling of emptiness and self-doubt that has crept up to Pokke manifests in Ishii’s viscerally (in)satisfactory fashion; Ayaka Tsuji’s organic animation certainly helps a great deal in that regard. And talk about literalizing the concept of bottled-up feelings too! Tachyon could learn something about that metaphor, since her repressed desire to run is instead conveyed by her annoying twitching legs. While Ishii’s storyboards only last up to that preceding loss against Café, it’s easy to see why Leaf holds him in such high esteem.

At this point, Pokke is at her lowest. Tormented not just by losses but by her own wins too; after all, did she even win at the Derby, considering her most formidable rival wasn’t even there? Doesn’t that, if anything, prove her lack of strength? The person who rescues her from that abyss is the same one who’d thrust her into this path. Fuji Kiseki was a tremendous athlete, but her career was cut tragically short by injuries. The film has tackled the idea of possibilities from an inspirational angle, but she offers the experience of someone who was haunted by a worse what-if than Pokke’s self-doubt—the chance that she’d never suffered such injuries. For as bitter as that is, it’s also the reason why she’s the perfect person to nudge Pokke in the right direction.

The next morning, Fuji Kiseki surprisingly challenges Pokke to a race. As it turns out, that competitive fire is reciprocal; just like how seeing her senior for the first time made the protagonist want to race professionally, Pokke’s running has made Fuji Kiseki want to run again. She knows better than anyone that she can’t take over the world of horsegirls like she might have been able to before her injuries, but she’ll still try to dash forward. And dash she does, because she beats Pokke and manages to shine by proving that this is not the place to give up; if even she can do it, there’s no doubt that Pokke can run.

As everyone reaches out for their catharsis, Pokke visits Tachyon one last time with the intent to invite her to the Japan Cup. They look hopelessly, irredeemably separated, but Pokke doesn’t hesitate to reach out. She’s aware that the Tachyon she’s chasing may be an unattainable phantom, that the competitors this time will be stronger than ever, but still wants to run. She faces straight to the lights refracted by the prism of possibilities. But Tachyon, still lying to herself about her desires, has her back to them. She closes the curtain after brushing Pokke off, still unwilling to accept it.

For this movie’s camera, which has always empathized with Pokke, the final race is positively breathtaking. Even in the face of the strongest horsegirls of the moment, afraid that she could very well lose and still haunted by self-doubt, she explodes into the rainbow blaze that seizes the greatest win. Like many other highlights in the film, this scene was key animated by Shuu Sugita—a returning face to the team, who was happy to pick up the glove that Maenami had throw in the preceding series and at the start of this film. They’re all just as competitive as the horsegirls, I swear.

This climax is satisfying for nearly everyone, with one deliberate, obvious exception. Right before her final dash, Pokke had dedicated one glance at the audience, as well as the words “I’ll be going ahead”. The recipient was Tachyon. Up until this point, the mad scientist hadn’t really blinked for the entire film. While they admitted that most viewers likely wouldn’t notice that, the staff still issued a Tachyon blinking ban, hoping that this would have a subconscious effect on the audience.

The reason behind this is rather straightforward: blinking in animation is an easy tool for humanization, granting characters a relatable trait that can also boost expressivity. By denying it, she comes off as an unsettling, inhuman figure—exactly what she was pretending to be, fooling herself in the process. She is an objective scientist, a godlike figure above human passion. Achieving a goal is all that matters. That has been the mantra she repeated until Pokke’s actions manage to shatter it. And so, Agnes Tachyon blinks. And she runs, immediately, without needing to witness the rest of the race. And she screams, with the passion she pretended she didn’t have. Anges Tachyon is human. Or, well, she’s horsegirl. But you get me.

In Uma Musume tradition, the epilogue is delivered in the form of a live performance—directed and storyboarded by Naoya Nakayama, quite the specialist in viral dancing. This trait of the franchise feels particularly amusing after such a hotblooded movie, but maybe being an idol is simply another one of the possibilities refracted by the prism; and really, who is going to be discontent about the banger that is Umapyoi Densetsu playing over the credits. In that initial Animedia interview, Mizoguchi explained that he interpreted the movie as a beautiful, encouraging message for creators to keep following their paths. While Leaf replied that he didn’t have such a specific reading in mind, that uplifting spirit was very much what he wanted to convey with this film. The future holds countless outcomes, and Beginning of a New Era invites you to chase the most dazzling ones.

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