Alors que Dandadan se lance dans ses prochaines aventures, donnons un dernier aperçu de l’arc Acrobatic Silky : les personnes responsables, leurs influences fascinantes, et surtout, le majestueux épisode final mené par up-and-star à venir Shuuto Enomoto.
Même si nous n’avions franchement pas prévu d’écrire à nouveau sur Dandadan si tôt, l’arc Acrobatic Silky s’est terminé de manière si fantastique. manière que nous devions simplement revenir avec un article court et ciblé. Et, bien sûr, cela signifie parler de la série mystérieuse surnaturelle de 1968 Kaiki Saisakusen, que certains connaissent peut-être sous le nom d’Opération : Mystère. Restez avec moi une seconde, je jure que cela aura du sens.
Operation : Mystery était une œuvre quelque peu expérimentale pour Tsuburaya Productions – encore Tsuburaya Special Effects Productions au début de sa diffusion – car c’était leur première s’aventurer en dehors des locaux de Tokusatsu. Fondamentalement, ce n’était pas si différent de leur genre d’expertise: qu’elle se manifeste sous la forme de grands monstres et de héros ou de mystères à taille humaine, il s’agit avant tout de résoudre des problèmes surnaturels qui découlent de traits humains négatifs ou de tendances sociétales plus larges. Bien que cette formule n’ait peut-être pas trouvé un écho aussi large que celui d’Ultraman, il s’agit toujours d’une offre intéressante qui a coïncidé avec une époque charnière dans l’une des lignées les plus appréciées du divertissement japonais. Vous pouvez donc parier que les gens j’en garde encore de bons souvenirs.
Un en particulier L’épisode bien-aimé est le n°25, son avant-dernière aventure. La déclaration ridicule d’un titre qui est J’achèterai Kyoto correspond au ton d’un épisode farfelu mais en quelque sorte fondé. Shiro Maki, membre de l’organisation d’enquête de science-fiction SRI, semble tomber amoureux au premier regard d’une femme qui pourrait être impliquée dans les mystérieuses disparitions de statues de Bouddha à travers la ville. La passion de Miyako pour ces œuvres d’art est palpable et son comportement plus que suspect ; après avoir été entraînée dans une discothèque, Shiro la voit danser alors qu’elle distribue des contrats aux gens afin qu’ils vendent leur propriété de Kyoto. Comme elle l’expliquera plus tard à Shiro, leur volonté de l’accepter comme s’il s’agissait d’une blague prouve que les gens d’aujourd’hui n’aiment plus la beauté traditionnelle de la ville, établissant déjà le thème de l’épisode.
Laissant de côté l’issue du mystère (j’espère avoir incité au moins une personne à y jeter un coup d’œil), l’ambiance décalée et fantaisiste de l’épisode est incarnée par un choix musical : l’utilisation récurrente de Introduction et variations sur un thème de Mozart, basées sur La Flûte enchantée. Ce morceau de guitare de Ferran Sor (Fernando Sor si vous n’êtes pas catalan comme la personne qui écrit ceci) accompagne parfaitement un duo romantique entre des personnes différentes qui trouvent un terrain d’entente.
Shiro est peut-être l’un des personnages principaux d’une série paranormale, mais il aborde cela à partir d’une forte croyance dans la science et recherche la justice pour le bien des gens. Miyako, en revanche, est profondément attirée par les personnages qui incarnent le spirituel et, au contraire, éprouve du mépris pour les gens. Et pourtant, tous deux trouvent leur rythme ensemble, toujours accompagnés par les notes enjouées de cette chanson. Avec sa mise en scène convaincante et son motif si clair, il n’est pas surprenant que l’épisode soit resté profondément ancré dans l’esprit de certains téléspectateurs. Même si le travail de Sor a été présenté de temps en temps dans des œuvres plus populaires, il y a une raison pour laquelle les vrais connaisseurs ont tendance à désigner cet usage comme son œuvre la plus emblématique.
En fin de compte, cependant, nous parlons toujours d’un seul épisode dans une série de niche adjacente à toku. Alors laissez-moi poser cette question : parmi les réalisateurs d’anime célèbres, qui imaginez-vous être assez geek pour s’en souvenir plusieurs décennies plus tard, et aussi assez compétent pour retrouver l’ambiance inhabituelle de ses origines ? Si cela n’épelle pas Hideaki Anno, je ne sais pas ce que cela signifie. Je suis sûr qu’il était ravi d’avoir enfin eu la chance de le déployer dans Karekano #08, avec un couple plus célèbre de personnes différentes – malgré le partage de faux masques parfaits – grandissant ensemble. Tout comme dans Operation : Mystery, le morceau accompagne le flirt maladroit et ludique des deux, ce qui ne fait que rendre la prochaine utilisation par Anno encore plus drôle.
Comme vous le savez peut-être, le réalisateur et compositeur Shiro Sagisu étaient plutôt libéraux en ramenant des chansons de Karekano pour les films Rebuild of Evangelion, et que inclut beaucoup de choses Sor’s travail. Les clichés des comédies romantiques qui accompagnent Shinji et Asuka dans Eva 2.0 incluent des classiques comme des discussions trop bruyantes sur leur situation de bento en classe, que Rei entend par hasard. Cependant, ce ne sont pas ces deux-là qui bénéficient de ce motif musical avec leurs attributs romantiques standards – Anno est plus malade que cela. Au lieu de cela, c’est le dîner discutable de Rei et Gendo, où la première essaie de comprendre le trope dont elle a été témoin et propose l’idée de manger ensemble avec tout le monde comme un moyen de rendre tout le monde heureux ; le fait que Gendo, sa femme catastrophique, voit la mère de Shinji sur son visage à ce moment-là ne fait que compléter ce scénario magnifiquement désordonné. J’espère que connaître l’héritage de cette chanson en matière de romance mignonne et maladroite entre des personnes différentes vous a aidé à apprécier davantage (ou à vous perplexer) à propos de cette scène.
Pourquoi continuer sur cette tangente, cependant ? Après le point culminant du premier arc, Dandadan se termine avec un épisode dédié au côté comédie romantique de la série. Momo et Okarun n’auraient pas pu être plus différents en tant qu’individus. Comme cela est encore évident tout au long de cet épisode, ils appartiennent tous deux à des castes totalement différentes à l’école ; quelque chose qu’il est plus heureux d’ignorer maintenant qu’il a un ami proche… et la capacité surnaturelle de battre quiconque à la Jerk School qui la dénigre, pour mémoire. Même dans leur relation avec le surnaturel, leurs origines semblaient complètement opposées. Mais une romance peut-elle fleurir entre une fille spirituelle et un nerd de science-fiction ?
La réponse de Dandadan à cette question est un oui catégorique. Ou plutôt une affirmation rythmée et ludique. Juste après avoir clairement indiqué qu’ils mouraient d’envie de passer du temps ensemble, une chanson particulière commence à jouer. Momo et Okarun ne sont pas devenus comme par magie des personnes similaires simplement parce qu’ils ont vécu une aventure passionnante ensemble. Au contraire, ils restent opposés en surface, c’est pourquoi leur recherche de l’autre continue d’échouer de façon spectaculaire ; bien que l’idée générale vienne du manga, les storyboards et la réalisation de Hiromi Nishiyama valent bien la peine d’être salués pour des détails comme inventer une pose qui les maintient miraculeusement hors de leur champ de vision.
De retour en opération : Mystère, le plus Une partie optimiste de cette chanson récurrente a commencé alors que les deux partenaires pleins d’espoir étaient assis ensemble sur un banc. Après s’être incroyablement manqués pendant une scène entière, les deux protagonistes de Dandandan sont sur des bancs séparés mais parallèles au moment même où nous atteignons le même point musical. Mais tout comme le détective et le suspect, tout comme le gremlin de la vanité et le garçon traumatisé de Karekano, ils ont trouvé un terrain d’entente – et ce n’est pas seulement leurs dents. claquer ensemble exactement au bon moment, même si c’est aussi apprécié. Après cette rencontre, les deux ont encore le temps de faire du speedrun (Dandadan n’est pas une série à reprendre son souffle… pour l’instant), un quiproquo classique du genre après cela. Grâce à une exécution finement réglée et à un choix musical brillant qui porte un peu d’héritage, l’épisode avait déjà dit tout ce qu’il fallait sur leur relation.
Soit dit en passant, je m’attendrais à ce que le réalisateur de la série : (監督, kantoku): La personne en charge de l’ensemble de la production, à la fois en tant que décideur créatif et superviseur final. Ils surpassent le reste du personnel et ont finalement le dernier mot. Il existe cependant des séries avec différents niveaux de réalisateurs: réalisateur en chef, assistant réalisateur, réalisateur d’épisodes de série, toutes sortes de rôles non standards. La hiérarchie dans ces instances est un scénario au cas par cas. C’est Fuga Yamashiro qui a eu cette idée, même si je ne peux pas exclure Kensuke Ushio lui-même. Comme nous l’avons déjà évoqué dans nos articles, Yamashiro est très conscient des racines de Dandadan dans le tokusatsu lorsqu’il s’agit d’imaginer le monde de la science-fiction, qu’il a renforcé par des détails comme donner à la transformation d’Okarun un aspect plus Ultraman-esque en augmentant les rouges. , ou carrément canaliser le sentiment de regarder la série originale sur sa réalité. Emprunter à une série classique de Tsuburaya serait une démarche similaire, mais pour être honnête, cela correspond également à la vision déclarée d’Ushio de capturer la nature éclectique de la série à travers des morceaux Big Beat riches en échantillons ; quelque chose qui inclut le mélange de musique classique, comme le montre l’utilisation de William Tell Overture: Finale et Can Can dans l’épisode 04. Même si le compositeur a noté que cette fois-ci, il n’a pas été aussi impliqué dans l’exécution que dans les œuvres de Naoko Yamada, l’épisode 05 prouve que Dandadan peut malgré tout réussir à construire des scènes entières autour de ses morceaux. p>
Après ces comédies romantiques et l’introduction d’Aira, une fille arrogante qui ne sera sûrement pas au cœur d’un arc profondément émotionnel, Dandadan passe à sa forme la plus juvénile pour révéler qu’il s’agit de Testicle Quest. le temps – ce n’est pas un reproche, car l’auteur a raison de penser que les bals sont drôles. Ce qui a suscité certaines plaintes, cependant, est la façon dont les excellentes mises en page d’animation de Shinsaku Kozuma ont été traitées. Bien que ce sentiment soit compréhensible, je crois qu’il s’agit ici d’une confusion de différentes questions, et d’un manque de perspective, d’ailleurs. Pour commencer, il convient de noter que les séquences sur lesquelles il a travaillé se sont malgré tout révélées excellentes ; les ajouts dynamiques et les poses amusantes dans son animation élargissent naturellement le langage corporel déjà original du manga.
Ce n’est cependant pas aussi expressif et vivant que ce qu’il avait rédigé à l’origine… ce qui est assez courant dans les anime télévisés, mais n’est pourtant qu’un sujet de conversation lorsque les fans d’anime d’action populaire à l’étranger prenez-en vent. Attention, cela ne veut pas dire que c’est bon, que ce soit à cause d’un directeur d’animation trop strict ou du fait qu’une séquence a été jugée un peu trop compliquée pour les ressources de l’épisode et a été nerfée en fin de parcours-principalement la colonne B dans ce cas..
Bien que cela se produise avec les nouveaux arrivants, en particulier ceux recrutés à l’international et sans une compréhension de la portée réaliste des productions animées télévisées, c’est la preuve que cela arrive également aux légendes vétérans. Même si cela n’a jamais été un secret, le fait que nous ayons traversé ce cycle à plusieurs reprises signifie déjà que personne ne devrait plus être surpris: Dandadan a été constitué rapidement par une équipe talentueuse mais pas nécessairement très en vue, ce qui laisse un vide notable. entre ses sorties hautement prioritaires et celles qui devaient être plus modestes pour respecter les délais. Si le studio Science Saru ne change pas fondamentalement son modèle de production, ou à tout le moins son rythme, cela continuera à se produire. Avec son étage assez élevé et ses sommets spectaculaires, la plupart des gens ne remarqueront même pas ces fluctuations, et s’ils le font, ils les oublieront la prochaine fois que l’émission atteindra un sommet. Mais cela ne veut pas dire qu’ils n’existent pas, ni que c’est un problème avec Dandadan et les gens qui le fabriquent.
L’épisode 06 poursuit la tendance économique de la série qui, comme nous l’avons vu, , n’a rien à voir avec le talent de l’équipe ni avec sa capacité à concocter quelque chose de charmant. Dans son premier effort aux côtés de Saru après avoir débuté sa carrière chez Pierrot, la réalisatrice et scénariste Nozomi Fukui gaspille pas le temps de faire correspondre un testicule cristallisé avec la lune. Le contraste entre la prémisse juvénile de l’épisode et le travail de mise en page très dramatisé est assez drôle, et Fukui veille à préserver l’humour de Dadandan à travers la juxtaposition immédiate des contraires. Bien entendu, c’est aussi un matériau intrinsèquement amusant. Il s’avère qu’Aira a été touchée à la tête par l’un des précieux objets perdus d’Okarun, un impact sur les organes génitaux qui a réveillé un complexe de messie chez le cinglé le plus superficiel de l’école.
Malgré sa part limitée d’énergie, l’épisode peut encore invoquer suffisamment d’images belles et de caméras impliquées pour donner l’impression d’une aventure passionnante. Chemin faisant, les deux protagonistes tombent sur la vérité: ce n’était pas tant un idiot sujet aux malentendus qui allait leur causer des ennuis, mais le yôkai (née d’un certain mythe en ligne) qui la traque. Leur premier combat contre Acrobatic Silky est un microcosme de l’action de Dandadan: parsemé de gags, ridicules, de nature énigmatique mais avec des réponses glorieusement stupides. Dans ce cas, cela impliquait que les protagonistes s’immolaient par le feu, ce que l’anime tentait de représenter avec un détail illustratif rappelant davantage le manga original. Comme l’épisode dans son ensemble, c’est un effort louable pour faire de son mieux avec ses limites ; ne cherchez pas plus loin que la différence entre la façon dont l’animation de Kyouhei Ebata a été terminée ici et les cas précédents, plus prioritaires. Ce n’est en aucun cas un mauvais résultat, mais ce n’est clairement pas la production la plus puissante.
Pour en être témoin, il suffit d’attendre l’épisode #07. Ce n’est pas que cela élève la barre qualitativement dès le départ – ce qui est également le cas – mais cela vous invite clairement à l’incarnation pleinement réalisée de la vision de quelqu’un. Et ce quelqu’un est, pour la plupart, le scénariste débutant et réalisateur d’animation Shuuto Enomoto. Bien qu’il soit peut-être mieux connu pour son travail sur Tengoku Daimakyou, l’implication d’Enomoto avec Saru est profonde ; dans une récente interview avec Newtype, il admet que travailler aux côtés de créateurs qui ont réalisé le type d’animation qu’il idolâtré dans sa jeunesse a revitalisé sa carrière, qui avait débuté chez Gonzo et conduit à une perte progressive de passion.
Attention, cela ne veut pas dire que Tengoku n’était pas une étape importante dans la carrière d’Enomoto. Un simple coup d’œil au générique ne vous dira pas à quel point il faisait partie intégrante de l’un des anime télévisés les mieux produits des temps modernes, même si entendre son réalisateur Hirotaka Mori le qualifier d’âme de son animation pourrait suffire. l’astuce. Enomoto a été l’un des artistes qui ont le mieux établi le style d’acteur très articulé et amusant de la série, un facteur clé dans déformer ces principes pour des situations dramatiques lorsque cela était nécessaire, et s’est même vu confier les séquences les plus chargées d’émotion jusqu’à leurs intermédiaires. Sa production dans Tengoku était une excellente exécution des qualités qu’il avait démontrées auparavant, et ce faisant, il semble avoir intériorisé des idées qu’il mettrait à profit lors de ses débuts en tant que réalisateur. Et ce moment est venu.
Compte tenu de son parcours professionnel et du type de qualité sur lequel le travail d’Enomoto se concentre, comme l’articulation de l’émotion humaine via le mouvement et la déformation, il n’est pas surprenant qu’il ait approché Dandadan #07 avec la dualité légèrement inhabituelle des rôles qu’est le storyboard et la direction de l’animationDirection de l’animation (作画監督, sakuga kantoku) : les artistes supervisent la qualité et la cohérence de l’animation lui-même. Ils peuvent corriger les coupes qui s’écartent trop des conceptions s’ils le jugent approprié, mais leur travail consiste principalement à s’assurer que le mouvement est à la hauteur sans paraître trop brutal. Il existe de nombreux rôles spécialisés dans la direction d’animation : mecha, effets, créatures, tous concentrés sur un élément récurrent particulier. Ce que cela signifie également, bien sûr, c’est que l’épisode a été réalisé par quelqu’un d’autre ; quelque chose que vous ne réalisez peut-être pas, car même les gens de l’industrie l’appellent exclusivement l’épisode Enomoto. Bien qu’il soit clairement le noyau créatif de tout cela, l’épisode montre également des des qualités plus intimement liées au réalisateur de l’épisode Kotaro Matsunaga, notamment dans sa régulation minutieuse de l’éclairage. D’une certaine manière, c’est étrange: Matsunaga est encore un autre élève de Takahiko Kyougoku, dont l’héritage massif ne reçoit pas suffisamment d’attention en raison du type de spectacle dans lequel il se spécialise. Le propre talent de Kyougoku était curieusement négligé jusqu’à ce qu’il réalise Land of the Lustrous, et le nombre franchement ridicule de réalisateurs talentueux qui ont grandi sous sa direction continuent de ne pas recevoir assez d’amour. Je suppose que nous sommes ici pour briser le cycle, alors chapeau à Matsunaga et Kyougoku.
Après une séquence intrigante qui aura plus de sens plus tard, l’épisode se réchauffe avec un décor d’action divertissant. La façon dont les storyboards mettent l’accent sur un labyrinthe tridimensionnel et délicat dans lequel Okarun doit se faufiler se traduit par la punchline finale sur les cheveux d’Acrobatic Silky qui s’emmêlent encore mieux que le manga, surtout une fois les choix de cadrage et les ombres imminentes y font également allusion. Cette première partie de l’épisode suffit à dire que, en étant presque entièrement sous la supervision d’Enomoto plutôt que dans le chaos habituel des directeurs d’animation de Dandadan, les illustrations ont une qualité de cohésion que la série n’a jamais eue auparavant. La touche organique des dessins, même les éléments récurrents comme les expressions et les sténographies d’Eizouken, se résume au fait que c’était lui qui dirigeait l’effort d’animation. Et, en tant que storyboarder également, cela mène à l’incarnation la plus cohérente de Dandadan.
Dans le matériel source, plus de temps a été consacré à cette action et à la révélation choquante du décès d’Aira qu’au passé d’Acrobatic Silky… les événements qui l’ont poussée à être obsédée par cette jeune fille aujourd’hui décédée. Bien que cela ait assez bien fonctionné pour le rythme positivement dément du manga, en particulier parce que les pierres angulaires d’une histoire de personnage convaincante ont été posées au fur et à mesure de son déroulement, l’anime a pris la décision exécutive de ralentir pour la première fois. Comme Enomoto l’a mentionné dans l’interview susmentionnée, il s’agissait du directeur de la série. Directeur de la série: (監督, kantoku) : la personne en charge de l’ensemble de la production, à la fois en tant que décideur créatif et superviseur final. Ils surpassent le reste du personnel et ont finalement le dernier mot. Il existe cependant des séries avec différents niveaux de réalisateurs: réalisateur en chef, assistant réalisateur, réalisateur d’épisodes de série, toutes sortes de rôles non standards. La hiérarchie dans ces instances est un scénario au cas par cas. Yamashiro qui a étoffé cet incident et a décidé d’en faire le véritable centre d’intérêt de son plus gros épisode à ce jour.
Battue comme elle l’est, la proposition d’Acrobatic Silky de sauver Aira semble suspecte aux deux protagonistes ; et qui peut leur en vouloir, ça vient de la créature qui les a tous mangés il y a quelques minutes. La situation appelle à l’action et Momo décide d’essayer, et en se connectant physiquement avec le yôkai, elle est capable d’accéder aux souvenirs de la femme qu’elle était autrefois. La toute première chose que nous voyons une fois que cela se produit est la teinte rose d’un love hôtel ; ce n’est pas différent de la couleur qui finira par représenter son moi surnaturel, et ce n’est vraiment pas la couleur de l’amour, mais plutôt un ton rougeâtre et dangereux.
Nous découvrons rapidement pourquoi : c’est une mère célibataire dans un quartier pauvre. famille, comptant sur le travail du sexe en plus de son travail habituel pour joindre les deux bouts. Ces sacrifices font s’effondrer son estime de soi, comme nous le voyons à travers des ombres et des reflets éphémères. Il est facile de voir qu’à l’origine, elle était quelqu’un avec ses propres passions et ses propres rêves : ces chaussures sont grandes pour une raison, et ce n’est pas un guide pour amateur. C’est tragique qu’elle ait dû se noyer autant, mais il y a une lueur d’espoir ; ou peut-être une lumière dorée, car c’est le type de lumière vive qui accueille toujours sa maison: sa charmante fille. La musicalité que la mise en scène de la série a apportée à son meilleur adoucit la juxtaposition de ces deux côtés de sa vie.
Le ballet de l’épisode danse aux côtés de sa fille heureuse et l’animation est réalisée par Enomoto lui-même, dont les storyboards tournent en rond. leur vie de ballerine. Jusqu’à ce qu’ils ne le fassent plus. Souhaitant faire plaisir à sa fille et lui permettre de porter de nouveaux vêtements pour une fois, elle lui achète une belle robe… qui entre en conflit avec la cruauté du monde souterrain vers lequel les dettes l’ont poussée. Le style viscéral avec lequel Enomoto a imprégné tout l’épisode – non seulement grâce à des corrections mais aussi avec de nombreuses coupes de sa propre main – fait de la scène le type de cauchemar qui donnerait effectivement naissance à un monstre. Il ne le fait pas en adoptant un tout nouveau look, mais en déformant cette philosophie d’animation cohérente, afin que l’épisode puisse continuer à se dérouler comme une vision harmonieuse. Même si le ton ne pourrait pas être plus différent, cela ressemble à un certain épisode gluant dont nous avons récemment parlé.
De la même manière que la lutte violente de la mère semble être une extension naturelle de l’œuvre d’art organique que l’épisode est sportif depuis le début, tout comme le timing frénétique de la séquence où elle se précipite pour retrouver sa fille après que les yakuza l’ont emmenée ; les mises en page 3DLayouts (レイアウト) : Les dessins où l’animation est réellement née ; ils élargissent les idées visuelles généralement simples du storyboard au squelette réel de l’animation, détaillant à la fois le travail de l’animateur clé et des artistes d’arrière-plan. ont été assemblés par Enomoto lui-même, puis peaufinés par Yamashiro et le personnel de CGi avant qu’Enomoto puisse dessiner la couche d’animation. Bien que l’épisode ne recule pas devant le cauchemar sanglant, il apporte un changement important lorsqu’il s’agit de décrire ses derniers instants.
Ayant perdu son unique source de bonheur, elle embrasse les rêves auxquels elle avait renoncé. allumé, face au ciel étoilé et rêveur qu’elle regardait timidement auparavant. Même si elle a été forcée de les sacrifier, ils ont toujours fait et resteront toujours une partie d’elle-même. Sa dernière danse a une beauté éthérée qui ressemble encore une fois à une extension naturelle du style global établi par Enomoto. Bien que l’effet sonore brutal à la fin vous en dise suffisamment sur ce qui lui est arrivé, cette scène obsédante semble fondamentalement différente de l’équivalent plus ancré dans le manga-une scène où son intention de sauter d’un bâtiment est claire, explicite depuis le début du film. scène. Même si cela ne m’a jamais posé de problème, je trouve cette version beaucoup plus élégante et respectueuse du personnage ; c’est celui qui choisit de mettre en valeur la beauté de ses actions finales et, après tout ce qui s’est passé, choisit de ne pas trop s’immiscer dans sa fin horrible.
Tout comme il avait servi à dépeindre l’action brute et l’humanité à son apogée. le plus brut, le style d’Enomoto se déplace naturellement une dernière fois dans le but de capturer la tendresse. C’est sa plume qui capture délicatement une jeune Aira la prenant pour sa propre mère, ignorant sa propre tragédie. Acrobatic Silky tend timidement la main, geste universel pour atteindre ses objectifs et ses rêves, mais se retient comme elle l’avait fait dans sa vie. Mais avec la même petite main qui l’a nonchalamment saisie, la même que celle qu’elle utilise pour serrer fermement son père, Aira lui dit au revoir, réveillant accidentellement un monstre aux émotions tordues. Lorsqu’elle a été attaquée par les yakuza, sa main ensanglantée a sali la photo de famille qu’elle chérissait. Dans un état flou après la mort, cette tragédie sanglante ne lui permet plus de se souvenir de pour qui elle a vécu. Mais elle se souvient d’une fille adorable, tout comme l’enfant qui vient de l’approcher. Donc, Aira doit être son bien-aimé.
C’est juste le hasard qui les a réunis, et leur première rencontre a eu une tournure tragique, mais cela ne veut pas dire qu’ils ne peuvent pas construire une relation significative.. Pour redonner vie à Aira, Acrobatic Silky a dû sacrifier toute son existence. La première partie d’elle qui s’effondre est son bras, et les storyboards d’Enomoto mettent l’accent sur la main brisée ; un autre symbole de la réalisation de ses rêves, disparu. Mais peut-être qu’elle n’en a pas besoin. Une belle coupe assortie nous ramène à ces bons souvenirs, mais aussi à ses regrets sur la façon dont elle lui a littéralement jeté une ombre la vie heureuse de ma fille. Et pourtant, la course d’Aira correspond à celle de sa fille puisqu’elle courait joyeusement vers elle tous les jours lorsqu’elle rentrait chez elle, pour prouver qu’elle était aimée – et qu’Aira ne cesserait pas de l’aimer, même si Acrobatic Silky disparaît. Avec son bras restant, elle rend la pareille à Aira. La même tendresse qu’avait la main de sa fille lorsqu’elle tendait la main vers les étoiles, ce qui inverse le motif de l’épisode vers un monde plus chanceux et plus gentil.
Même si je ne veux pas finir sur une note déprimante après un épisode aussi fantastique, j’ai du mal à ne pas remarquer que des épisodes comme celui-ci sont antithétique à la direction que prend ce studio. Il ne s’agit pas d’une critique du reste de Dandadan ni même d’une implication selon laquelle Science Saru ne fait pas de grandes œuvres – ils ont produit mon film préféré de l’année, pour commencer. Mais ceux qui ne connaissent que leur production actuelle plutôt que les œuvres plus anciennes de Masaaki Yuasa ne savent peut-être pas que ce type d’épisode est ce qui attirait autrefois les gens vers leur travail, et quelque chose qui est devenu de plus en plus courant. rare dans cette équipe.
Encore une fois, cela n’a rien à voir avec la qualité ou les valeurs de production. Ce qui distingue Dandadan #07, c’est la pleine réalisation d’une vision singulière. La production d’animation commerciale est presque nécessairement un effort de groupe, tout comme des épisodes comme celui-ci. Ce que cela signifie, cependant, c’est un individu doté de la capacité (à la fois les compétences et les ressources) de guider tout le monde vers un objectif très défini et cohérent. C’est ce que feraient Michio Mihara, Osamu Kobayashi, l’actuel président du studio Eunyoung Choi, et bien sûr Yuasa lui-même (parfois à plusieurs reprises). dans toutes les émissions télévisées de cette équipe. Bien que la façon dont leur côté indépendant a été émoussé soit compréhensible, la façon dont leur rythme de production y fait activement obstacle est frustrant quand on est témoin de la preuve que les nouvelles générations d’artistes qui ont admiré ces œuvres peuvent encore faire quelque chose d’aussi envoûtant. Jusqu’à ce que nous atteignions ce monde plus gentil, cet épisode exceptionnel fera l’affaire.
Soutenez-nous sur Patreon pour nous aider à atteindre notre nouvel objectif consistant à maintenir les archives d’animation à Sakugabooru, SakugaSakuga (作画) : Techniquement, dessiner des images mais plus spécifiquement l’animation. Les fans occidentaux se sont depuis longtemps appropriés le mot pour désigner des exemples d’animation particulièrement bonne, de la même manière que le font un sous-ensemble de fans japonais. Assez intégré à la marque de nos sites. Vidéo sur Youtube, ainsi que ce SakugaSakuga (作画) : Techniquement, dessiner des images mais plus spécifiquement de l’animation. Les fans occidentaux se sont depuis longtemps appropriés le mot pour désigner des exemples d’animation particulièrement bonne, de la même manière que le font un sous-ensemble de fans japonais. Assez intégré à la marque de nos sites. Blogue. Merci à tous ceux qui ont aidé jusqu’à présent !
