Puniru Is A Cute Slime défie de manière irrévérencieuse les époques stylistiques et démographiques pour créer un manga burlesque vraiment drôle. Son adaptation animée ne parvient pas toujours à capturer tout son attrait, mais des créateurs exceptionnels l’aident parfois à atteindre des sommets incroyablement vibrants : voyons qui, pourquoi et comment !
Certaines œuvres sont fières de leur incapacité à être soigneusement placées. au sein d’un genre, d’une démographie, voire d’une époque et de ses courants artistiques associés. C’est tout à fait le cas de Puniru Is A Cute Slime, même si l’ensemble de sa prémisse et de sa vision du monde sont apparents avec ce titre simple ; il s’agit en effet d’une série sur une créature gluante qui se trouve justement être adorable (un jugement autoproclamé). Son genre n’est pas vague non plus : en fait, sa première page proclame déjà son statut unique de la première comédie romantique publiée dans Corocoro. Avec cette déclaration, cependant, il est clair qu’il s’agit d’un mélange inhabituel d’ingrédients.
Même si vous ne connaissez pas particulièrement les magazines japonais, la plupart des passionnés de jeux vidéo sont susceptibles de le faire. soyez conscient de Corocoro en raison de sa proximité avec des franchises extrêmement populaires comme Pokemon. Son public cible est, comme vous pouvez l’imaginer, les très jeunes enfants ; dire qu’il penche en faveur des garçons reviendrait à minimiser massivement la situation, car le genre pour le divertissement des enfants peut être très frappant. En ce qui concerne leur sélection de bandes dessinées, il s’agit traditionnellement d’un mélange de liens avec des franchises de jeux et de jouets-souvent sous des formes plus comiques et enfantines-et de mangas gags de la vie quotidienne, avec une légère aventure parsemée. p>
Une comédie romantique comme Puniru n’est tout simplement pas une comédie romantique. C’est la norme pour les magazines sous l’égide de Corocoro. Cependant, son succès semble certainement les avoir poussés à donner une tournure à de nouveaux types d’œuvres, voire à s’aventurer plus loin dans le territoire central des otaku. Peut-être avez-vous entendu parler du grand jeu vidéo NIKKE qui aurait un manga dérivé dans un magazine pour enfants, ou selon vos passe-temps, vous avez peut-être vu que les vtubers farfelus sont sérialisés parmi les nombreuses franchises appréciées des enfants. Surtout dans leurs publications en ligne, Corocoro représente un environnement plus sauvage dans un monde post-Puniru. Gardez toutefois à l’esprit que ce serait une erreur de considérer cela comme signifiant que le processus est devenu plus impur ; s’il y a une chose dont les enfants ont toujours ri, c’est l’humour de toilette, et les blagues sales et la nudité comique sont des choses que leurs éditeurs ont trouvé que leur public cible peut également apprécier.
Je n’ai pas trouvé de meilleur endroit pour souligner que le Le manga Puniru a en fait souligné un certain trou lorsque le slime a gentiment proposé de lui rendre le déjeuner qu’elle (le genre est compliqué) avait mangé.
Plus que le type de série dont il s’agit, ce qui fait de Puniru une perspective intéressante est son public cible étonnamment large – ou à l’inverse, étroit en raison de ses nombreuses contradictions. Pour commencer, la raison pour laquelle les comédies romantiques ne faisaient pas partie de la liste de Corocoro était la conviction que les garçons aussi jeunes ne s’intéressent tout simplement pas encore aux filles, même s’ils se moquent de sujets soi-disant adultes et sales. Que cela tienne ou non, Puniru garde cela à l’esprit, rendant l’idée de romance plus floue et plus incompréhensible pour son protagoniste que ce que l’on voit normalement dans les publications destinées aux enfants un peu plus âgés. Mais ce n’est que la pointe de cet iceberg gluant non conforme.
Pour le dire clairement, il n’y a aucun enfant sur cette planète équipé pour comprendre les références constantes à des médias qui pourraient tout aussi bien durer 3 décennies. plus âgés qu’eux. Et pourtant, l’auteur original Maeda-kun s’adapte si bien à l’environnement de Corocoro qu’on ne peut pas non plus l’accuser de l’avoir créé exclusivement pour leurs pères. D’une certaine manière, le ciment qui maintient tout cela ensemble est l’idée selon laquelle il s’adresse aux soi-disant Corocoro Kids, qu’il s’agisse de son public régulier ou de quiconque qui a été un morveux au cours des dernières décennies et qui se souvient encore de tout ce qu’il a aimé. à l’époque.
Compte tenu de la relation de la publication avec les franchises de jeux, l’un des vecteurs les plus évidents pour libérer ces clins d’œil constants aux œuvres du passé est l’amour de Maeda-kun pour les titres Nintendo. Le titre du cinquième chapitre du manga est une blague sur le personnage le plus dangereux de la série et sa maternité douteuse (également exprimé à travers le jeu de mots dans son nom 雲母麻美/Mami Kirara). Ce qui n’est peut-être pas aussi évident, c’est que la phrase sur laquelle il s’appuie est un slogan emblématique d’Earthbound, rendant hommage au fait que son réalisateur et scénariste Shigesato Itoi est également un publiciste magistral. Bien que son statut de mème ait pu permettre à un bon nombre de personnes de s’en rendre compte, la profondeur du nerdy de Maeda-kun ne doit pas être sous-estimée. Tout récemment, il a confirmé que le le message de salutation thématique de Puniru après sa transformation en un personnage sombre et gothique était bien une référence au nom d’une scène Super Mario 64 – d’où la raison pour laquelle ce formulaire comporte une chaussette à carreaux, pour faire correspondre le sol de son entrée dans le jeu.
Bien qu’il ait admis avoir tiré cela, il a inventé une référence pour non Pour quelque raison que ce soit, l’auteur a évoqué le duo comique Baku Chuu Mondai comme une influence lorsqu’il s’agit de créer des divertissements pour enfants avec des parodies éhontées d’œuvres qu’ils ne pourraient pas connaître. Bien que cette nature référentielle ne suffira jamais à rendre quelque chose de drôle en soi, il y a quelque chose dans l’écart extrême entre la démographie supposée et l’époque où se situent les intérêts de l’auteur qui rend l’intention de Puniru déjà amusante. Cela dit, son succès en tant que série gag est carrément une question d’exécution ; d’abord, en écrivant des scénarios ridicules où ces tournures souvent référentielles sont amusantes, que vous connaissiez ou non le matériel source, mais surtout, grâce à son incroyable rendu visuel. Si vous recherchez une comédie burlesque incroyable, j’ai la bande dessinée qu’il vous faut.
Il convient de noter que les magazines comme Corocoro sont un peu une capsule temporelle stylistique. Né lors d’une marée montante de mangas shounen dans les années 70, il a tenté de répondre aux besoins des jeunes lecteurs non seulement à travers cette relation omniprésente avec les propriétés de jeux et de jouets, mais également en le remplissant à ras bord de divertissements pour enfants déjà populaires. Plus notoirement, Corocoro a eu une histoire d’amour immédiate avec Doraemon-une série qui durait depuis près d’une décennie à ce moment-là, ce qui ne les a pas empêchés de présenter tellement de ses aventures qu’elle est devenue partie intégrante de l’identité de Corocoro; il est assez révélateur que, lors de son premier numéro en 1977, le nom du chat robot figurait bien plus en évidence que celui du magazine. Cette relation avec le légendaire duo de mangas Fujiko Fujio s’est poursuivie puisque le magazine a également publié des histoires parallèles, des séries de gags sur les mangakas eux-mêmes et des dizaines et des dizaines d’œuvres directement écrites par eux ou liées à leur œuvre. Même de nos jours, près de trois décennies après la fin de Doraemon en tant que manga, son incarnation animée toujours en cours conduit Corocoro à publier parfois de courtes sérialisations liées à ses films populaires.
Avoir une figure classique aussi centrale influence certainement un style. encore visible dans le magazine de nos jours, mais même au-delà de l’ombre d’un créateur aussi emblématique, les publications les plus longues et les plus réussies de Corocoro le maintiennent ancré dans le passé. L’exemple le plus évident est Super Mario-kun et ses nombreux spin-offs, qui sont publiés dans le magazine depuis 1990 par le vétéran mangaka Yukio Sawada ; un artiste professionnellement actif depuis 1970, ce qui signifie que son travail avait déjà une ambiance un peu old-school dès ses débuts. Bien qu’une certaine évolution soit inévitable, ces influences ont conduit à un look distinct pour les œuvres de Corocoro: des dessins très stylisés, souvent déformés et avec de grosses têtes, des lignes épaisses pour correspondre à leur puissance effrontée, et un vocabulaire visuel lorsqu’il s’agit de poser des personnages qui semble parfois comme si vous regardiez un portail temporel.
Dans cet environnement de vague nostalgie, Puniru s’épanouit en poussant ce sentiment à l’extrême. Même lorsque son style artistique ne se tourne pas vers une œuvre ou un genre classique spécifique pour un gag (ce qu’il fait souvent), la façon dont il utilise constamment des expressions telles que les personnages tombant la tête en bas pour exprimer la surprise évoquent une époque révolue, tout comme nombre de ses fortes réactions. La façon dont les sketches eux-mêmes sont rythmés rappelle fortement le manga comique Showa, mais ne se contentant jamais de s’en tenir à une seule période, Puniru mélange cela avec un sens du design plus moderne mais toujours éclectique. C’est-à-dire que le slime est aussi susceptible de devenir une chérie instantanée qu’elle l’est de se transformer en un Heisei gyaru. Sa forme de pingouin initiale est un clin d’œil clair à Doraemon, tout comme les amis du co-protagoniste Kotaro, ne canalisant pas seulement les apparences. et les noms, mais même les les expressions associées au travail de Fujiko Fujio. L’ambiance dans la relation entre ses deux protagonistes a également des traces de l’ADN de Rumiko Takahashi ; quelque peu incontournable lorsqu’il s’agit de comédies romantiques, et encore plus dans une comédie comme Puniru qui est fière de son cocktail anticonformiste.
Bien que le contexte de Puniru soit intéressant, c’est la manière dont il en tire son exécution visuelle qui rend finalement la série si agréable à lire. Attention, ce n’est pas une prémisse particulièrement complexe: la plupart des gags de la série fonctionnent en se transformant soudainement en un rappel explosif que le personnage principal est une créature gluante, n’ayant aucune idée de la normalité humaine et sans se soucier de la mortalité. Il peut s’agir d’un flash-back léger où elle se précipite pour ouvrir la porte et se fait trancher par le portail, ou d’une capture chargée d’émotion où elle finit de toute façon par se diviser à cause de l’impact. Puniru est un trésor d’horreur corporelle amusante qui lui permet de revenir souvent au même type de blague, simplement parce qu’il existe d’innombrables représentations d’un cinglé gluant qui peuvent aider les amateurs de burlesques à passer un bon moment.
Et si on adaptait cela en animation ? Je suis sûr que vous avez immédiatement remarqué les sentiments contradictoires qui pourraient surgir de nos jours. D’une part, une grande partie de cet humour physique suggère déjà le mouvement, donc l’animer est parfaitement naturel ; au contraire, le rebond et la fluidité d’un slime autour duquel une grande partie de Puniru est écrite s’adaptent mieux au mouvement qu’ils ne l’ont jamais été en tant que bande dessinée. D’un autre côté, cet avantage repose sur le type d’animation joyeuse que l’on ne peut pas tenir pour acquis dans l’industrie actuelle de l’anime.
Sans le punch immédiat des illustrations de Maeda-kun et peut-être aussi sans les implications impliquées. animation dont un anime Puniru idéal aurait besoin, il est facile de voir à quel point une adaptation pourrait avoir du mal à capturer son charme. En plus de cela, nous ne pouvons pas oublier l’ampleur de cet appel, qui a été le sujet d’une grande partie de cet article. Pour qu’une adaptation reflète le charme trans-époque de Puniru, il faudra peut-être qu’il s’agisse d’une production 4:3 cel dans certains spots, mais aussi d’une première production numérique dans d’autres, tout en ayant finalement des stylisations modernes. Bien qu’il y ait des fous qui iront parfois aussi loin de nos jours, ce ne sont tout simplement pas des attentes réalistes quant au type de portée qu’un anime télévisé destiné à un manga gag de niche était voué à recevoir.
En fin de compte, c’est l’adaptation animée n’a pas brisé ces attentes limitées, mais elle s’est avérée intéressante malgré tout. Il est indéniable qu’une grande partie de l’attrait intangible de l’original est en quelque sorte perdue dans la série télévisée, qui apparaît comme plus résolument actuelle-même si elle préserve les expressions faciales démodées du manga-et n’a pas toujours le l’énergie à son animation dont les aventures slime ont besoin. Au mieux, c’est précisément ce que fait la série : Puniru se transforme de manière lâche et intrinsèquement amusante, juste comme les dessins de Maeda-kun suffisent souvent à faire sourire quel que soit leur contexte. Parfois, ses qualités gluantes sont montrées de manière plus accessoire, tandis que d’autres clichés sont aussi direct que possible à ce sujet. C’est un relâchement contagieux qui résonne également à travers d’autres personnages, que ce soit de manière mignonne ou de manière comique et horrifiante. Bien qu’ils ne ressemblent pas tout à fait au matériel source, ces moments constituent une traduction excellente et naturelle d’un élément clé de son attrait.
Bien sûr, la production quelque peu modeste d’un studio plutôt nouveau ne peut pas maintenir cela. niveau de grandeur – sans surprise, étant donné qu’il repose sur quelque chose d’aussi exigeant qu’une animation constante des personnages. Bien qu’il n’y ait pas encore eu d’épisode vraiment de mauvaise qualité et qu’il présente parfois une excellente scène lors d’un épisode plus discret, il est clair que les faits saillants à eux seuls ne sont pas représentatifs de la série dans son ensemble. Et pourtant, ceux-ci sont suffisamment fréquents et excellents pour s’arrêter et réfléchir à leur origine. Si vous aimez les félins ayant tendance à s’auto-empoisonner, vous avez peut-être déjà une bonne idée. Ou plutôt fluide, étant donné le sujet.
Parmi les premiers éléments de l’anime, je soulignerais l’ouverture, la fin et le deuxième épisode comme les expressions les plus remarquables de l’attrait de Puniru dans l’animation. L’intro, dirigée par le réalisateur de la sérieDirecteur de la série : (監督, kantoku) : La personne en charge de toute la production, à la fois en tant que décideur créatif et superviseur final. Ils surpassent le reste du personnel et ont finalement le dernier mot. Il existe cependant des séries avec différents niveaux de réalisateurs: réalisateur en chef, assistant réalisateur, réalisateur d’épisodes de série, toutes sortes de rôles non standards. La hiérarchie dans ces instances est un scénario au cas par cas. Yuushi Ibe, est une interprétation plutôt simple de l’angle romcom qui maximise la gentillesse de la série avec son animation rebondissante. Si c’est le côté le plus dérangé de Puniru qui vous attire dans la série, alors c’est l’énergie radicale et les images démentes de la fin. et deuxième épisode qui représentent le mieux tout cela. Les storyboards, la réalisation et même une partie de la supervision de l’animation pour les deux étaient entre les mains de Tetsuya Miyanishi, surtout connu pour son travail dans des studios comme BONES et SHAFT.
S’il y a une production qui est actuellement pertinente non seulement pour Puniru mais pour l’ensemble de son studio, ce serait Yofukashi no Uta de 2022. Bien que la réputation du studio Liden soit (naturellement) plutôt mauvaise pour le moment, des projets comme Yofukashi ont rassemblé un groupe de créatifs assez intéressant. Que pourrait-il alors se passer si une grande entreprise acquérait une entreprise pour lancer son propre studio ? S’ils engageaient par hasard le personnel de direction derrière un titre comme Yofukashi, ils pourraient tirer la ficelle et commencer immédiatement à construire autour de ce petit groupe d’individus exceptionnellement talentueux, qui à leur tour pourraient attirer leurs amis talentueux. Et c’est effectivement ce qui s’est passé avec TOHO Animation Studio et le producteur d’animation Takafumi Inagaki (ainsi que d’autres anciens membres de la direction de Liden comme Ayana Honjou). Nous avons déjà récapitulé ce phénomène en expliquant le quatrième épisode transcendant de Kusuriya no Hitorigoto, car cette équipe en était également une conséquence directe.
Bien que ce ne soit pas un cas aussi évident que les goûts de son assistant réalisateur de la série. Directeur de la série : (監督, kantoku) : la personne en charge de l’ensemble de la production, à la fois en tant que décideur créatif et superviseur final. Ils surpassent le reste du personnel et ont finalement le dernier mot. Il existe cependant des séries avec différents niveaux de réalisateurs: réalisateur en chef, assistant réalisateur, réalisateur d’épisodes de série, toutes sortes de rôles non standards. La hiérarchie dans ces instances est un scénario au cas par cas. Miyanishi, la star aux multiples talents Chinashi a également joué un rôle dans Yofukashi en tant qu’artiste accrocheur, il n’est donc pas surprenant qu’il ait immédiatement commencé à traîner avec cette équipe. À ses côtés se trouvent le créateur de personnages et directeur de l’animation Moaang, responsable de cet épisode de Kusuriya et de leur incroyable clip Détarame Sekai no Melodrama— ainsi que d’autres de ses camarades comme Noriyuki « eel » Imaoka, le concepteur, directeur d’animation et maquettiste de leur court métrage sur le thème de l’animation Première ligne. Il convient de noter que de telles relations se développent de manière organique et finissent par s’étendre au-delà de leurs points de connexion d’origine ; tandis que Chinashi a eu un effet clair sur le prestige du studio, Moaang a également contribué individuellement à Puniru, et des artistes comme ddasang (un nom qui pourrait vous être familier si vous avez récemment regardé Regardez en arrière car ils faisaient partie de cette petite équipe d’animateurs) ont également signé des contrats avec l’entreprise.
Comme vous pouvez l’imaginer, il y a une raison pour laquelle nous avons pensé que c’était le bon moment. écrire sur Puniru en ce moment. C’est encore une fois Chinashi qui devient synonyme des plus grandes réalisations du studio, cette fois en tant que réalisateur et storyboarder du septième épisode de cette série. Eel revient en tant que directeur de l’animation au sein d’une équipe encore une fois plutôt réduite – malgré un planning moins indulgent qu’à Kusuriya – afin de pouvoir concrétiser pleinement une idée précise. Et cette vision est claire dès le départ, avec le look le plus épuré et le moins encombrant que Puniru ait jamais arboré. Bien que la relative simplicité des dessins (une certaine bave mise à part) ait toujours conduit à une esthétique assez stylisée, la réduction des ombres et des formes plus lâches rendent cet épisode différent de le très début.
Ce changement dans les visuels permet davantage de mouvements intrinsèquement drôles que la série avait déjà présentés à son meilleur, bien que cette fois-ci, il atteigne de nouveaux sommets de divertissement chaotique. Il y a un contraste amusant entre la comédie souvent frénétique et la façon dont les œuvres de Chinashi ont tendance à être réfléchies, ce qui est également évident dès le début. Mami, touchée par la gentillesse de Puniru, se transforme rapidement en ses pitreries effrayantes, qui sont plus drôles dans un épisode si attentif aux détails ; les enfants continuent de jouer dans la flaque de larmes maternelles, tandis que sur la table, on peut voir qu’ils étaient en train de dessiner le slime titulaire. Tout cela se produit alors que l’un des garçons devient fou de son projet raté d’aller à la plage avec les filles, ce qui conduit à une séquence ridicule de blagues superposées-du trope célèbre mais amusant et déplacé du Kirara Jump au fait que l’un d’eux reste parfaitement immobile pendant toute cette scène, y compris lors de ce saut.
En tant que réalisateur, Chinashi a toujours eu le don de représenter des instantanés d’un instant donné. Plutôt que de le faire à des fins dramatiques comme nous en avons l’habitude, il est assez agréable d’assister à un épisode où la dure chaleur estivale alimente (et fait fondre) principalement la comédie. Cela sert également de motif global pour relier les histoires initialement distinctes de la bande dessinée, la plupart d’entre elles n’étant nulle part aussi étoffées qu’elles sont présentées ici, comme un avant-goût logiquement connecté de l’été. Bien que l’anime Puniru ait quelque peu modifié la structure de la série et ne soit pas en contradiction avec les ajouts originaux, aucun autre épisode ne se sent aussi confiant dans la création d’une histoire autonome que celui-ci.
Il y a aussi beaucoup à apprécier dans son storyboard. Ses choix de mise en page plus audacieux, ainsi que la confiance méritée dans une grande équipe d’animateurs, aident l’épisode à égaler le facteur de choc des cascades slime les plus folles de Maeda-kun d’une manière que les épisodes précédents n’avaient pas tout à fait réussi. Les tableaux jouent avec des manières soignées de présenter des informations, comme projeter ses pensées ou ses objectifs sur des éléments physiques ; le meilleur exemple étant un aquarium entier nageant à travers un poteau alors que Kotaro cherche des billets pour une date prévue.
Même avec une orientation comique, un conteur naturel comme Chinashi ne peut s’empêcher de créer un storyboard de beaux extraits de croissance. Au cours de ce pas-vraiment rendez-vous, Kotaro et son béguin sont constamment encadrés devant une cafetière. Leur conversation dure des minutes entières alors que nous revenons à plusieurs reprises au même plan, révélant lentement la vérité évidente: tous deux faisaient semblant d’être plus adultes qu’eux en essayant de boire du café noir. Une fois le concert terminé et qu’elle lui demande d’être sincère quand ils sont ensemble, l’objet qui les emprisonnait dans cette prétention est enfin levé: simple, soigné et mignon, comme tout cet épisode.
Tout au long de Puniru #07, vous remarquerez également l’utilisation répétée de mises en page spacieuses (pas nécessairement réalistes) où des personnages vaguement dessinés se déplacent avec une impression de profondeur. L’idée de mises en page récurrentes, en quelque sorte voyeuristes. Layouts (レ イ ア ウ ト) : Les dessins où l’animation est réellement née ; ils élargissent les idées visuelles généralement simples du storyboard au squelette réel de l’animation, détaillant à la fois le travail de l’animateur clé et des artistes d’arrière-plan. décrire la vie quotidienne est une technique bien rodée, mais il y a quelque chose de particulièrement drôle dans le contraste de cet épisode entre un concept réaliste et le fait que tout le monde est une goutte lâche. Et cela résume le véritable attrait de l’épisode, qui est analogue à celui de Puniru : un étrange mélange de styles qui fonctionnent néanmoins ensemble.
Comme la série dans son ensemble, il y a toute une gamme stylistique et tonale dans le épisode. Il pivote entre eux avec une grâce que la série n’a peut-être jamais eue, ce qui rend plus difficile de remarquer à quel point son inspiration Fugo est aussi gracieusement mignonne ou exaspérante que le sketch spécifique l’exige. Il ne s’agit jamais d’un de ces extrêmes comme d’un déni complet de l’autre ; même lorsque Puniru enfile une si jolie robe une pièce qui ne cesse de faire battre le cœur de Kotaro, la scène est parsemée de détails plus amples, y compris ses mouvements de doigts anormalement visqueux à la fin. Au mieux, cette série sur un slime fièrement mignon représente beaucoup de choses pour beaucoup de gens – peut-être tellement qu’en réalité, cela n’a aucun sens, mais c’est son attrait. Et l’épisode de Chinashi est exactement cela, un avant-goût de la façon dont on pourrait traduire le manga en animation dans un monde parfait. Dans le monde réel, nous ne pouvons pas avoir cela régulièrement, mais dès que cela s’approche, même de loin, nous passons un bon moment.
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