Après la diffusion du premier épisode de Dandadan, il est temps d’explorer l’équipe derrière ce travail : pas seulement le personnel et ses choix créatifs, mais aussi la philosophie de mise en scène facilement incomprise derrière un tel divertissement explosif.
Il y a des œuvres qu’il faut laisser mijoter avant de bien les lire. Dans le cas d’une adaptation inspirée, ce processus peut prendre encore plus de temps ; après tout, l’interaction entre la vision de l’auteur original et l’équipe qui la réinterprète peut être encore plus complexe à démêler. Si vous avez déjà essayé Dandadan, sachez que absolument rien de tout cela ne s’applique à cette série. Suivre une séquence d’ouverture dense et élégante avec un coup de pied rond qui atterrit avant que vous ayez eu le temps de respirer une fois est aussi clair que les déclarations peuvent l’être. Vous allez vivre une aventure folle.
Dans une interview avec Alu, son auteur original Yukinobu Tatsu et son éditeur Shihei Lin a expliqué comment ils sont arrivés à un matériel source déjà simple. Car, aussi réussi soit-il aujourd’hui, la vérité est que Dandadan est le résultat d’échecs répétés à être publié en série. Après avoir vu les projets qu’il avait soigneusement organisés être rejetés, aboutissant à un autre rejet d’une potentielle série sur le jiangshi, Tatsu était complètement dégonflé.. Le conseil de son éditeur, tout aussi découragé et bouleversé, était simple: dessinez simplement ce que vous voulez sans trop y penser. La série qu’il a immédiatement mise sur papier sans véritable planification aurait pour objectif un divertissement pur et édifiant, venant d’un auteur qui s’en réjouissait aussi. Bien qu’il traite de thèmes qui ont des associations sombres comme l’occultisme, et qu’il ne recule certainement pas devant la tragédie dans les histoires, Tatsu voulait naturellement créer une série édifiante.
Comme il l’a depuis expliqué à plusieurs reprises, l’intrigue est née du trope des croisements entre ennemis fantastiques, qui il a ensuite accru le chaos en augmentant le nombre de soirées et les genres jetés dans le mixeur ; le surnaturel ancien et nouveau, la science-fiction filtrée à travers les lentilles tokusatsu classiques, et pourquoi ne pas l’ancrer dans un scénario de comédie romantique familier ? La raison était, encore une fois, assez simple : il avait vu sa propre note sur le crossover d’horreur loufoque Sadako vs Kayako étant une explosion. La façon dont il rassemblait des éléments sombres dans un ensemble amusant résonnait avec les besoins de l’époque, alors il a avancé avec ce qui allait rapidement devenir Dandadan. À propos, ce film est l’une des nombreuses parodies de la première partie de Shingo Yamashita pour CSM—une autre série avec Lin comme éditeur. L’agenda pour amener les shonenheads dans J-Horror est affiché.
Vous savez aussi ce qu’est le vrai cinéma ? Séquence d’ouverture de Dandadan, réalisée/scénarisée par Abel Gongora, qui a également assuré l’animation et les arrière-plans, tout en s’occupant des tâches de composition et de montage. Un autre banger certifié par Creepy Nuts également, incarnant le sentiment éclectique de la série.
L’équipe chargée d’adapter ce mélange éclectique est intéressante, même si elle est également sujette à des malentendus. Si vous êtes un fan d’animation, il y a de fortes chances que vos yeux aient été immédiatement rivés sur le nom derrière les designs des extraterrestres et des yôkai : le seul et unique Yoshimichi Kameda. Il est largement connu pour son animation vive et ses poses dynamiques, qualités qui font de lui une voix de premier plan parmi les artistes de style canadien moderne. Malgré son immense sentiment de présence lorsqu’il agit en tant que réalisateur d’animation, des projets comme Mob Psycho ont également prouvé sa volonté de créer un espace permettant à d’autres artistes de présenter leurs voix individuelles, même s’ils sont finalement retenus. dans son cadre stylistique. C’est un animateur exceptionnellement bon pour diriger votre production à n’importe quel niveau, ce qui n’est… pas ce qu’il fait ici.
Après être passé à le projet qu’il dirige au lieu de cela, Kameda a laissé derrière lui un travail de conception soigné. Il convient de noter que c’est pour commencer une force de la série. En assistant à l’événement de pré-projection des trois premiers épisodes, l’un des aspects qui s’est immédiatement démarqué était l’inspiration claire du toku en ce qui concerne les extraterrestres ; En lisant des interviews plus tard, comme cette récente pour Mantan Web, Tatsu lui-même l’a confirmé en citant le légendaire designer Ultra Tohl Narita comme une influence massive. En combinant ceux-ci avec sa tendance aux déformations extrêmes pour la dramatisation, le dessin au trait astucieux lorsqu’il recherche un coup de poing illustratif et un anime qui est heureux d’adopter un faible nombre de dessins intentionnel, vous obtenez un cocktail qui correspond assez bien au goût de Kameda. Même sans lui en tant que contributeur actif, Dandadan sera sans aucun doute dans une meilleure position grâce à son travail.
Presque tous les départements esthétiques sont entre des mains tout aussi luxueuses. Nous n’avons nul autre que Naoyuki Onda en tant que concepteur de personnages et, mais pas en tant que directeur de l’animation en chef. La tridimensionnalité implicite des créations d’Onda peut être une pilule empoisonnée pour des productions non préparées, mais plutôt que de sa propre faute, considérez cela comme un éloge ; il est littéralement trop bon parfois. Le directeur artistiqueDirecteur artistique (美術監督, bijutsu kantoku): La personne en charge du background art de la série. Ils dessinent de nombreux plans de travail qui, une fois approuvés par le réalisateur de la série, servent de référence pour les arrière-plans tout au long de la série. La coordination au sein du département artistique est indispensable: les décorateurs et les concepteurs de couleurs doivent travailler ensemble pour créer un monde cohérent. est le président du Studio Easter Junichi Higashi, qui est plus enclin à simplement superviser le travail des autres à ce stade de son illustre carrière. Cette fois-ci, il a une implication plus directe, avec Yusuke Mizuno comme commandant en second et avec l’aide de designers artistiques exceptionnels comme Seiki Tamura d’Anime Kobo Basara. Le vétéran de confiance Satoshi Hashimoto a conçu la palette aux côtés de Makiho Kondo ; tous deux sont actuellement affiliés à WIT, tout comme Kameda, même si je vous épargnerai les discours sur la situation contractuelle de l’industrie qui évolue comme une tentative désespérée de sécuriser les talents au milieu de la surproduction. La photographie (撮影, Satsuei): le mariage d’éléments produits par différents départements dans une image finie, impliquant un filtrage pour la rendre plus harmonieuse. Un nom hérité du passé, lorsque des caméras étaient effectivement utilisées lors de ce processus. le réalisateur Kazuto Izumita, qui collectionne les œuvres de réalisateurs dotés d’une sensibilité stylistique exceptionnelle comme s’il s’agissait de ses propres pierres.
Malgré cette programmation de stars au niveau conceptuel, il convient d’être clair que Dandadan n’est pas une production exceptionnellement médiatisée avec une planification confortable ; il a été lancé il y a seulement deux ans et à ce stade, le cours est déjà terminé, ce qui est un aussi bon indice sur les délais serrés que le générique d’animation chaotique. Si le résultat est impressionnant, ce qui est le cas, ce n’est pas parce qu’une voie de facilité était ouverte à l’équipe.
Parmi tous ces noms, le compositeur Kensuke Ushio se démarque comme un nom particulièrement intéressant. Dans son interview pour le le long métrage Dandadan de SWITCH, Ushio explique que l’attrait de l’œuvre à ses yeux était le sentiment que tout est permis, il voulait donc également exprimer cette liberté et cette largeur d’expression à travers la bande originale. Son véhicule pour ce faire serait le Big Beat, un genre électronique qui se définit entre autres par son utilisation diversifiée de l’échantillonnage. Étant donné que l’incorporation de matériaux préexistants dans une œuvre commerciale est un cauchemar en matière de droits d’auteur, Ushio a plutôt enregistré ses propres fausses mélodies et divers sons à échantillonner dans la bande originale. Bien qu’il ait gardé à l’esprit les nombreux genres mélangés dans Dandadan, les multiples couches de création fictive s’ajoutent à un son qui semble inconnu même à un compositeur unique comme lui.
Au fur et à mesure qu’il avançait, ce manque subjectif de la réalité s’est avérée un atout. Étant trop effrayé pour regarder lui-même des trucs d’horreur, il basait ses chansons sur une perception effrayante tirée de choses qu’il imaginait et de ses expériences réelles ailleurs; pour introduire un personnage particulièrement vaniteux, il s’est par exemple basé sur une chanson dont il se souvenait avoir été utilisée pour une publicité de cosmétiques… qui s’est finalement avérée inexistante. Ce mélange de genres, de sources audio, d’éléments réels et d’incompréhensions est devenu le son énergique mais déroutant dont Dandadan avait besoin. Bien qu’il ait noté qu’il n’était qu’un compositeur, contrairement aux œuvres théâtrales de Naoko Yamada où les visuels et le son sont formulés à l’unisson, on ne peut nier que l’inclusion d’Ushio enrichit la saveur du droit dans tout travail.
Compte tenu du nombre de personnes occupant des postes de direction que nous avons introduits, vous avez peut-être remarqué qu’un nom en particulier manque manifestement. Bien que nous n’ayons pas encore crié Fuga Yamashiro dans cet article, c’est quelqu’un sur lequel nous avons déjà écrit. En 2019, le studio Science Saru se préparait au départ imminent de son fondateur et dirigeant Masaaki Yuasa-qui continuerait à publier des œuvres avec eux par la suite-en recrutant des stars extérieures et en encadrant également les leurs. Lors de la production de Eizouken de Yuasa, ils ont tenté de maximiser cette dernière stratégie en plaçant deux jeunes aux antécédents contrastés sous la direction de leur chef vétéran ; une stratégie qui visait non seulement à les former à partir d’une position globale que les nouveaux arrivants ne connaissent généralement pas, mais aussi à exploiter la différence de leurs points de vue au cours du processus de production. Ces deux personnes étaient l’animatrice Mari Motohashi, que vous avez peut-être connue sous le nom d’illustratrice Nemuri, et un assistant de production. Assistant de production (制作進行, Seisaku Shinkou) : effectivement le classement le plus bas’rôle de producteur, et pourtant un rouage essentiel du système. Ils vérifient et transportent le matériel, et contactent les dizaines et dizaines d’artistes nécessaires pour terminer un épisode. Gérant généralement plusieurs épisodes des émissions dans lesquelles ils sont impliqués. avec peu ou pas d’expérience en réalisation du nom de Fuga Yamashiro.
Parler à Gigazine à l’époque, Yamashiro a expliqué comment il abordait son rôle (en fait de secrétaire pour Yuasa) et l’acte créatif dans son ensemble. Ses difficultés étaient comparables aux réalisateurs débutants qui n’ont pas d’expérience en animation ; c’est-à-dire qu’il a eu du mal à trouver comment transmettre exactement ce qu’il voulait au reste du personnel, un défi que les animateurs devenus réalisateurs s’appuient largement sur leurs dessins pour résoudre. De même, ses difficultés en matière de composition de plans sont courantes chez ceux qui n’ont pas de formation traditionnelle en animation. Pour compenser cela, il a doublé ses qualités individuelles qui étaient déjà perceptibles à l’époque et qui sont désormais devenues l’épine dorsale de la direction de sa série. Comme pour résumer cette approche, l’auteur de Dandadan a pris plaisir à le qualifier d’enshutsu otaku, un nerd de l’acte de direction technique lui-même.
À l’époque où il cherchait à être embauché par Saru, Yamashiro a été surpris. L’attention de Yuasa en sortant un épais cahier dans lequel il avait recréé des séquences qui avaient attiré son attention à partir de divers médias (en particulier des films d’action réelle) depuis qu’il était étudiant. À ce jour, il tend encore régulièrement des embuscades aux intervieweurs en le sortant et en leur montrant son dictionnaire de techniques, quelque chose qu’il a identifié comme son arme unique, une arme pour compenser ses faiblesses par rapport aux animateurs ayant de meilleures compétences en dessin. De telles études seraient quelque peu naturelles pour des artistes comme eux, mais la passion ringard de Yamashiro passe au niveau supérieur et surprend tous les vétérans qu’il rencontre. S’adressant à Switch, le célèbre compositeur de la série Hiroshi Seko a admis qu’il n’avait jamais vu quelqu’un gribouiller en détail ses choix de réalisation pour chaque scène dans les coins du manga original. Plutôt que d’être simplement une curiosité, cette approche obsessionnelle leur a permis d’incorporer déjà bon nombre de ces choix dans les scripts, consolidant ainsi la vision de la série à un stade précoce.
Encore une fois, l’approche de Yamashiro était un point d’intérêt. nous avons souligné quand il était un nouveau venu, car c’était déjà évident. Eizouken #04 traite précisément de la connaissance, semblable à une base de données, du protagoniste de méthodes de production spécifiques, lui permettant de donner une nouvelle vie à son propre projet d’animation en empruntant ce qu’elle a appris des autres. L’amour de Yamashiro pour le cinéma se manifeste dans l’esprit lorsqu’ils projettent leur travail à un public qui se plonge comme dans le mythe entourant L’Arrivée d’un train en gare de La Ciotat des frères Lumière, et aussi sous une forme plus matérielle dans son utilisation familière de techniques comme le coupe d’allumettes pour transmettre cela. Son approche méthodique s’appuie sur deux piliers que ceux qui travaillent avec lui, même un peu, remarquent rapidement: il peut puiser dans un bassin d’influences plus large que la norme et, lorsqu’il s’agit d’affronter son travail, il est capable de se reconvertir. ces pépites de connaissances archivées en idées qui correspondent aux trous qu’il trouve sur son chemin. Plus succinctement : c’est un nerd et il a beaucoup d’idées-les mots de ses pairs, pas les miens !
Une raison pour laquelle il semble particulièrement important de souligner la philosophie de Yamashiro est que, chaque fois qu’un anime coloré fait le tour , les fans s’empressent de qualifier le réalisateur d’auteur radical. Dans ce cas, il s’agit non seulement d’une vision erronée qui pourrait vous empêcher de tirer le meilleur parti de son travail, mais aussi d’une affirmation selon laquelle le directeur de la série de Dandadan. Directeur de la série: (監督, kantoku): La personne en charge de l’ensemble de la production, à la fois en tant que un décideur créatif et un superviseur final. Ils surpassent le reste du personnel et ont finalement le dernier mot. Il existe cependant des séries avec différents niveaux de réalisateurs: réalisateur en chef, assistant réalisateur, réalisateur d’épisodes de série, toutes sortes de rôles non standards. La hiérarchie dans ces instances est un scénario au cas par cas. a déjà réfuté. Au cours de l’interview qui a précédé la présélection, Yamashiro a expliqué le processus de stockage des techniques qu’il a déjà vu auparavant, s’opposant directement à ce type de profilage et se qualifiant à la place de directeur technique. Si je devais résumer son approche en un seul mot, cela pourrait être logique.
Ces choix stylistiques qui peuvent paraître excentriques en surface peuvent être facilement décryptés et transformés en déclarations simples et concrètes. Ne cherchez pas plus loin que ces couleurs vives, qui rappellent l’énergie des couvertures de manga et sont utilisées dans leur contexte à des fins narratives. La série utilise les scripts couleur de Sophie Li pour que tout le monde soit sur la même longueur d’onde que le réalisateur et permette une mise en scène évocatrice, mais fondamentalement, elle est réglementée par des règles strictes. Une certaine grand-mère malveillante est associée au rouge, tandis que les premiers extraterrestres que nous voyons sont bleus — et le pouvoir s’est réveillé pour combattre les deux, un magnifique turquoise. Les choses deviennent monochromatique pour l’être extraterrestre suivant, tandis que les prochains épisodes auront roses, oranges et verts spécifiquement liés à une créature surnaturelle. En les combinant tous ensemble, ils peignent le type d’image chaotique que tout le monde imaginait être Dandadan, mais le processus du réalisateur pour y arriver est extrêmement logique. Confondre l’analyse artistique avec l’idée de « résoudre » le problème est une erreur qui pourrait conduire à passer à côté de nombreuses créations exceptionnelles motivées par l’instinct, mais si vous aimez comprendre le raisonnement spécifique derrière les choix de mise en scène, Dandadan pourrait être le spectacle qu’il vous faut.
Pendant le processus d’édition de cet article, une nouvelle interview de Yamashiro pour Animate Times fait surface. Le réalisateur y résume son idéal de réalisateur comme celui où les plans sans signification précise n’ont pas leur place, où tout ce qui ne fait pas avancer le récit ou ne nous dit pas quelque chose de spécifique sur ses personnages et son monde est un élément étranger qui devrait être éliminé. De plus, il note qu’il n’utiliserait jamais une technique particulière pour des raisons vagues comme la fraîcheur ou simplement parce qu’elle lui semble bien – tout doit avoir un sens pour lui, et pour y parvenir, il faut une raison tangible. Cet état d’esprit est exactement ce à quoi nous avons fait référence en parlant de lui comme d’un créateur extrêmement logique, et pourquoi l’approcher en tant qu’auteur expérimental est, de son propre aveu, une mauvaise idée ; s’il y a quelque chose de radical chez Yamashiro en tant que réalisateur, ce sont ces vues utilitaires et ordonnées sur la narration.
En comparant le premier épisode, réalisé et scénarisé par Yamashiro lui-même, avec son homologue manga, nous pouvons obtenir une meilleure lecture. sur la manière dont ces idées se manifestent. L’anime Dandadan ne perd pas de temps pour présenter son premier principe lorsqu’il s’agit d’adapter l’œuvre de Tatsu, précisément parce qu’il a beaucoup à voir avec le temps lui-même. Le manga est une lecture rapide, avec un tempo très caractéristique, et aux yeux du réalisateur, ce vagabondage joyeux entre les registres n’était pas une simple bizarrerie mais toute son identité. Par conséquent, l’anime Dandadan a une allergie aux tirs d’établissement, réduits au minimum de la même manière qu’une personne intolérante au lactose s’engagerait honteusement dans sa faiblesse, mais seulement de temps en temps. Cependant, le seul oreiller que vous verrez dans cette émission sera celui sur le lit que vous vous évanouirez après une expérience visuelle aussi épuisante et confiante. Oui, c’est une évaluation positive.
Comme nous l’avons noté au début de cette pièce, il n’y a aucune rupture entre le début et le combat entre la fougueuse protagoniste Momo et son futur ex-petit-ami.. Ce rythme est maintenu pendant toute la durée de son épisode et, dans une moindre mesure, le restera pendant toute la série. Pour accélérer davantage le manga et correspondre idéalement à son impact sous forme d’anime, Yamashiro a choisi d’augmenter la densité de la représentation. C’est-à-dire que, par exemple, les petits panneaux qui préparent le terrain dans le matériel source sont incorporés à l’action sous forme d’anime, permettant à l’adaptation d’avancer constamment. Ce saut constant le rend certainement plus drôle à certains moments, comme le changement immédiat entre la position agressive de Momo et sa position dégonflée.
Bien sûr, le rythme enchanteur de Dandadan ne se limite pas à être rapide, et c’était un défi. pour l’équipe d’animation également. Tatsu s’appuie sur une formule spécifique pour ses coups illustratifs qu’il n’a aucune raison de changer ; plusieurs fois au cours de chaque volume, vous trouverez une séquence qui soit crée la peur pour une poignée de panneaux, soit le dégonfle de la même manière devant une subversion évidente, auquel cas l’auteur vous frappe avec une superbe illustration pleine page. Il peut s’en sortir constamment parce qu’il est un artiste exceptionnel, mais même avec une équipe solide, l’adaptation ne peut tout simplement pas rivaliser avec les compétences en dessin. Au lieu de cela, Yamashiro choisit d’utiliser l’éclairage et une visibilité limitée pour que la Turbo Granny révèle un moment choquant, en incorporant le code couleur dont nous avons parlé plus tôt dans la direction de la scène. Un peu à l’inverse, Momo attaqué par les extraterrestres utilise également la limitation rythmique de la visibilité pour augmenter l’inconfort. En guise de remarque moins chanceuse, la violence sexuelle dans ce premier épisode/chapitre donne l’impression qu’elle n’appartient pas à une série que Tatsu veut être édifiante – et il semble d’accord car il s’en est rapidement éloigné. Cela pourrait très bien être un artefact gênant de ces premières étapes imprévues, même s’il est dommage que cela se produise dans le premier épisode.
Heureusement, la captivité de Momo illustre également d’autres qualités intéressantes. Si nous revenons à l’idée selon laquelle Yamashiro extrait des idées précédemment stockées dans son chapeau de réalisateur, il est important d’ajouter un détail intéressant: il essaie de le faire d’une manière qui corresponde thématiquement à une scène particulière. Un exemple évident ici serait la représentation des pouvoirs de lavage de cerveau, censée avoir le flair des effets d’une vieille série de tokusatsu ; après tout, nous avons déjà établi que tous ces créateurs sont très conscients du fait que ces œuvres sont l’inspiration du côté science-fiction et extraterrestre de Dandadan.
Le code couleur du réalisateur est peut-être plus évident que jamais. alors qu’Okarun, désormais possédé, le co-protagoniste ringard de la série, fait irruption pour sauver la situation ; ou plutôt d’échouer de manière amusante. Comme avait déjà été laissé entendre lorsque Momo était au téléphone avec lui et qu’une lueur rouge émanait de son téléphone , ce combat entre êtres surnaturels est aussi un combat entre couleurs. Le vaisseau spatial bleu est contaminé par ce yôkai rouge, dont la violence déclenche une alarme qui fait éclater diégétiquement cette couleur dans la scène. Une fois vaincu, Okarun est écrasé contre ces panneaux, ce qui éteint également les lumières de manière organique. Et pourtant, cela conduit finalement à une autre couleur qui traverse l’espace et le temps pour dominer la scène: le turquoise de Momo, éveillé en tant qu’utilisateur psychique. Lorsqu’elle bat les extraterrestres – avec un coup de pied qui correspond à celui du début de l’épisode – et que ses pouvoirs spéciaux disparaissent, nous revenons à un vaisseau spatial en niveaux de gris… jusqu’à ce que les problèmes de Youkai le teintent en rouge pendant une seconde encore.
Nous devons noter que tout cela est soutenu par un excellent storyboard simple, qui, grâce à l’obsession de Yamashiro pour une livraison significative, est également toujours assez lisible. Le désir d’Okarun de sauver Momo, par exemple, est véhiculé à travers ses lunettes d’une manière simple mais élégante ; lorsqu’il explique qu’aucun extraterrestre n’est venu à sa demande désespérée d’ami, un ciel vide se reflète sur eux, mais cela change lorsque la seule personne qui l’a défendu à l’école est montrée à travers eux. Plus tôt dans l’épisode, Momo s’ouvrant sur elle-même à lui s’appuie sur des images que nous voyons souvent dans de telles situations: entrant littéralement dans la lumière, les reflets, et dans un moment amer d’introspection, elle faisant face à son ombre. Au moment où elle en a le plus besoin pendant l’apogée, qu’est-ce qui est utilisé pour entrer et sortir des souvenirs qui débloquent ses nouveaux pouvoirs ? Encore une fois, les ombres projetées par sa grand-mère et elle.
Alors que l’épisode se termine, nous obtenons les dernières informations intéressantes sur l’approche de Yamashiro. Dans leurs interviews sur Switch, le réalisateur et le scénariste ont exprimé leur désir de ne pas s’éloigner de la vision du monde du matériel source, mais plutôt de le compléter en ajoutant des lacunes à ses lacunes. Ils ont souligné, par exemple, la nouvelle idée de l’anime selon laquelle le vaisseau spatial des Serpoiens s’était camouflé en lune ; quelque chose qui n’est pas mentionné dans le matériel source, mais qui s’intégrerait logiquement dans son monde, et qui permet également de l’intégrer dans les décors amusants de la série.
Bien que nous ayons parlé plus tôt du storyboard qui augmente la densité en tant que signifie contrôler le rythme, Yamashiro a également vu cette approche comme un moyen de garder les téléspectateurs immergés. Ne cherchez pas plus loin que le moment où Momo découvre que sa nouvelle amie porte le même nom que l’acteur badass qu’elle idolâtre. Cette punchline s’appuyait à l’origine sur le pouvoir d’illustration de l’auteur pour la vendre comme un moment de comédie romantique traditionnel à travers le vent soufflant. Une interprétation littérale de cela n’aurait peut-être pas eu autant d’impact sous forme d’anime, tandis que passer à une présentation plus dramatique et farfelue aurait risqué de briser le flux naturel. Au lieu de cela, l’anime s’est assuré de garder le vaisseau spatial qui s’était écrasé dans un endroit indistinct dans l’original juste derrière eux – et bang, le moment palpitant est maintenant une explosion. Même s’il y aura encore plus à explorer dans les prochains épisodes (et nous serons là pour le faire, peut-être à la fin de ce premier arc), je pense que cela devrait être plus que suffisant pour savoir si vous souhaitez ou non rejoindre cette aventure folle..
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