Trop d’héroïnes perdantes !/Les comédies romantiques effrontées de Makeine cachent un côté dramatique, un mélange que son jeune réalisateur prometteur appelle une nostalgie lumineuse et joyeuse. Pour transmettre ce sentiment déjà canalisé par l’auteur original, son équipe a ancré physiquement et émotionnellement la série dans son cadre réel à un degré rarement vu dans des œuvres similaires.
Qu’imagineriez-vous Makeine
Construire un récit autour des filles qui avait été rejeté dans une configuration plus standard du genre n’est pas un exercice de déconstruction de ses normes, mais plutôt une manière de raconter une histoire dans ce cadre sous un angle qui ne serait normalement pas exploré. Cela lui permet souvent de se moquer des conventions de genre et donne un ton ridicule à sa comédie, mais cela imprègne également la série d’une douleur intrinsèque ; après tout, ils ont déjà perdu une fois. La légèreté et le romantisme, le bon et le mauvais, le mince et le gros : la comédie romantique de Makeine comprend ces dualités.
Alors, quelle est la réponse exacte à la question ? Lorsqu’il s’agissait d’envisager la totalité de Makeine, le terme choisi par Kitamura lors de la pré-production était nostalgie joyeuse. Il l’a révélé dans une interview pour le le numéro de septembre 2024 de Newtype où il a expliqué comment il avait abordé son premier projet. ; puisque la prestation enchanteresse vous a peut-être donné une mauvaise idée, il n’est jamais trop tôt pour rappeler aux gens qu’il s’agit de ses débuts en tant que réalisateur de la série. Directeur de la série: (監督, kantoku): La personne en charge de toute la production, à la fois en tant que décision créative-créateur et superviseur final. Ils surpassent le reste du personnel et ont finalement le dernier mot. Il existe cependant des séries avec différents niveaux de réalisateurs: réalisateur en chef, assistant réalisateur, réalisateur d’épisodes de série, toutes sortes de rôles non standards. La hiérarchie dans ces cas-là est un scénario au cas par cas. Au cœur de sa vision, on retrouve le mot nostalgie évoquant un mélange de sentiments contradictoires, à la fois agréables et douloureux. En plus de cela, il y a un regard inhérent sur le passé avec tendresse, ce qui est logique lorsqu’il s’agit d’un groupe de filles qui abandonnent des sentiments romantiques précieux qui n’ont pas été réciproques. En ajoutant de la gaieté comme modificateur, vous faites pencher la balance vers le chaos amusant qui est courant dans la série, sans pour autant invalider son côté plus pensif. Ajoutez les deux mots ensemble, et je dis que vous avez un assez bon résumé des idées de Makeine.
Maintenant que nous connaissons le but que Kitamura visait avec ce terme large et quelque peu vague, la prochaine étape consiste à comprendre comment il a tenté d’évoquer ces sentiments. Pour ce faire, il est utile de considérer d’où vient le réalisateur, ce qu’il a récemment fait lui-même, dans la première partie d’une interview pour Febri. Interrogé sur ses origines et ses mentors, il a cité des œuvres comme Utena et son propre intérêt pour les entretiens avec le personnel comme raison de poursuivre l’animation en premier lieu, et le studio OLM comme sa porte d’entrée dans l’industrie. Alors qu’il travaillait sur des dessins animés pour enfants sans prétention, il se souvient avoir beaucoup appris de Norihiko Sudo (directeur de la sérieDirecteur de la série : (監督, kantoku) : la personne en charge de l’ensemble de la production, à la fois en tant que décideur créatif et superviseur final. Ils surpassent le reste du personnel et ont finalement le dernier mot. Des séries avec différents niveaux de réalisateurs existent cependant : directeur en chef, réalisateur adjoint, réalisateur d’épisodes de série, toutes sortes de rôles non standard. instances est un scénario au cas par cas de Zoids Wild, le projet qui a permis à Kitamura de commencer à gérer les tâches créatives) et un Naohito Takahashi. Si vous connaissez ce dernier, beaucoup de choses sur le style de Makeine vous ont peut-être immédiatement mis en place.
La carrière de Takahashi est celle d’un héros méconnu exemplaire. C’est le genre d’artiste avec un héritage d’un ordre de grandeur plus important que ce que les gens pensent ; quelque chose qui est malheureusement peu susceptible de changer, maintenant qu’il a pris sa retraite aussi tranquillement qu’il travaillait. Son mandat au Studio Giants dans les années 80 et 90 parle de lui-même: un directeur d’animation attrayant et raffiné qui a dérivé un style de mise en scène naturaliste qui n’éteignait pas le plaisir de projets plus excentriques. En plus de cela, il était à l’époque un mentor déjà excellent, mais finalement négligé. Bien que la plupart des gens désignent (à juste titre) Kazuya Tsurumaki comme l’un des plus grands protégés de Hideaki Anno, peu de gens prêtent attention au fait qu’il a appris l’animation directement auprès de Takahashi pendant de nombreuses années. années-quelque chose qui a également influencé le style de mise en scène qu’il développera plus tard, avec son collègue membre des Giants Masayuki comme pont entre ces écoles de mise en scène interconnectées.
Bien que relativement mieux connu pour un lien , il est facile d’affirmer que Takahashi n’obtient pas non plus suffisamment de crédit pour avoir soutenu la carrière du célèbre concepteur de personnages et directeur de l’animation Yuriko Chiba. Après avoir appris avec lui, les deux sont devenus un duo tueur qui épaterait tous ceux qui prêteraient attention à leurs projets, que ce soit dans les épisodes individuels ou dans les productions qu’ils ont dirigées ensemble. Cela inclut notamment ceux qui les inviteraient à la fondation du studio OLM, et des réalisateurs de tous les temps voient leur production comme un défi. Malgré cet immense respect à huis clos, il est juste de dire que Takahashi n’a jamais été reconnu par un large public.
Son œuvre la plus connue, Berserk (1997), avec Chiba en tant que directeur de l’animation en chef est rarement lié à son nom et reste curieusement sous-estimé pour une série aussi populaire ; peut-être parce que son naturalisme poli, parfois poétique, est confondu avec une négligence, confondue avec une production conservatrice. Les véritables chefs-d’œuvre où l’élégance du duo brille le mieux, comme To Heart de 1999, sont adorés par les superfans, sont historiquement influents au sein de l’industrie, mais restent inconnus de la plupart des gens. D’une certaine manière, un résumé de Takahashi lui-même.
Au cours des dernières étapes de sa carrière, Takahashi sombre encore plus dans l’obscurité. Au moment où Kitamura a commencé à apprendre les ficelles du métier de réalisateur, il s’était effectivement éloigné du quotidien de l’anime télévisé, travaillant principalement sur des films dirigés par d’autres personnes d’OLM. De temps en temps, il relevait la tête à la télévision avec des storyboards ; Par exemple, le seul épisode de Zoids Wild dans lequel il est monté juste avant que Kitamura n’obtienne des opportunités similaires. Et pourtant, ce vétéran presque à la retraite est un mentor qu’une star montante vante comme l’une des principales raisons pour lesquelles il est capable d’accomplir ce qu’il fait avec Makeine. Un spectacle qui, incidemment, conserve le côté amusant et farfelu du matériel source tout en l’imprégnant de dramatisations élégantes et poétiques du quotidien – cela vous semble familier maintenant, n’est-ce pas ?
Bien qu’il ne l’ait pas qualifié de mentor parce qu’il l’a rencontré à un À un stade ultérieur de sa carrière, il est clair que Kitamura s’inspire également beaucoup du style de Mamoru Hatakeyama après avoir coïncidé avec Kaguya-sama. Dans des interviews comme celle-ci récente pour Mantan Web, il a souligné la gamme extrêmement nuancée de niveaux d’ombrage comme un moyen de moduler le réalisme et de faire fonctionner la dualité des tons de Makeine ; quelque chose de commun aux œuvres kagenashi/zenkage de Hatakeyama, qui appliquent des ombres plates mais sont très prudentes dans le contrôle de leur opacité pour déterminer le ton. Et regardez ça, Kaguya-sama est une autre comédie romantique effrontée avec un côté dramatique surprenant !
Au-delà de ces similitudes stylistiques, comprendre d’où vient Kitamura peut vous aider à comprendre pourquoi cette adaptation a abordé Makeine sous un angle très particulier. Il existe rarement une seule voie correcte dans un processus créatif. Pour un réalisateur de série animéeRéalisateur de série : (監督, kantoku) : la personne en charge de l’ensemble de la production, à la fois en tant que décideur créatif et superviseur final. Ils surpassent le reste du personnel et ont finalement le dernier mot. Il existe cependant des séries avec différents niveaux de réalisateurs: réalisateur en chef, assistant réalisateur, réalisateur d’épisodes de série, toutes sortes de rôles non standards. La hiérarchie dans ces cas est un scénario au cas par cas. Cela signifie que vous pouvez d’abord examiner une histoire en termes spécifiques, puis déterminer quels choix créatifs les expriment le mieux… mais vous pouvez également commencer par une ambiance abstraite, une atmosphère et les techniques qui le transmettent naturellement, puis façonnent la narration pour conserver le sentiment intangible que vous recherchez. Étant donné que Kitamura a recherché ce type de concept abstrait sur tout terme spécifique lié à l’intrigue comme point de départ, vous pouvez facilement deviner où tendent ses instincts. Et encore une fois, cela a beaucoup de sens compte tenu de toutes ces influences : des œuvres de Kunihiko Ikuhara qu’il admirait dans sa jeunesse au maître atmosphérique auprès duquel il a appris, Kitamura gravite vers l’expression de l’immatériel, vers les conteurs. dont les choix matériels passent sans doute en premier.
Attention, cela ne veut pas dire qu’il ne se soucie pas de l’histoire originale. Il est clair que Kitamura a abordé le matériel source avec respect, et au contraire, il s’est d’abord demandé pourquoi une comédie romantique avec de belles filles lui avait été proposée en particulier. S’adressant à Newtype, il a révélé que la proposition initiale — par quelqu’un de A-1 Pictures, il y a à peine 2 ans – l’a un peu surpris compte tenu de ses tendances et de son désir connu de les utiliser pour raconter des histoires dramatiquement chargées. Cependant, quand il a réellement lu les livres, il a immédiatement vu une compatibilité entre son style et les qualités moins évidentes qui se cachent sous la surface mièvre de Makeine, alors il a accepté le poste avec plaisir. Même s’il ne serait pas facile de le formuler en termes précis, étant donné qu’il s’agissait de son premier projet, la relation entre l’écriture de Takibi Amamori et le cadre physique de l’histoire parlait à un réalisateur qui avait le goût pour des ambiances spécifiques.
Ce n’est un secret pour personne, Amamori a grandi à Toyohashi, dans la préfecture d’Aichi. Cela ne veut pas simplement dire qu’il en parle ouvertement dans des interviews où il professe son amour pour un lieu qu’il trouve unique, mais aussi que Makeine elle-même déborde d’amour pour la ville et ses environs. Pas un seul événement ne se produit dans un lieu indistinct, mais plutôt dans des lieux précis qui construisent progressivement l’image de ce Toyohashi romancé. Pour une série obligée de représenter une grande variété d’aliments par une loutre gloutonne, Makeine fait tout son possible pour s’en tenir aux produits trouvés dans son paramètre ; même les téléspectateurs japonais ont été pris en embuscade par cette minutie, découvrant soudain que Black Thunder barre à la fois Yanami et Asagumo adore manger comme collation a toujours été une histoire marquante pour une entreprise Toyohashi.
Bien que précieux en soi, le processus de construction d’un décor crédible-parce qu’il est réel, comme le voit un auteur qui l’aime beaucoup-n’est que la première étape du plan d’Amamori. Comme on le voit dans le texte ainsi que dans ses postfaces, l’auteur a tendance à établir des liens directs entre les rythmes spécifiques des personnages, les piliers de l’atmosphère et les marqueurs matériels du décor. La la première limonade d’amour des adultes qui fait son apparition dans l’émission (et ça le personnel a également a obtenu des échantillons de) a été présenté par Amamori dans une scène qui décrit la maturité perçue d’une personne tombée amoureuse. Parmi toutes les bibliothèques de la ville, Nukumizu et Komari visitent spécifiquement celle centrale ; après tout, celui-là est le plus ancien et le plus intrinsèquement nostalgique, un point que l’auteur a également cherché à souligner avant même que Kitamura ne l’identifie comme l’âme de Makeine. Des réflexions similaires ont conduit à l’inclusion d’autres détails fortuits de la ville, comme les marchés nocturnes qui évoquent un moment spécifique d’excitation dans l’après-midi pendant que vous les regardez s’installer. La série utilise la ville comme un simple élément supplémentaire de son langage, donc une adaptation devait simplement l’incorporer.
Bien que les références les plus explicites soient parfois estompées dans l’anime, l’accumulation de réalité dans la série télévisée de Kitamura se produit tout de même. Comme il l’a noté pour la première fois dans une interview avec un journal local et y a fait allusion à plusieurs reprises depuis lors, son équipe a effectué pas moins de 10 voyages de repérage pour se familiariser en profondeur avec le décor. Grâce à cette minutie, ils ont pu fusionner ce processus de pré-production avec la réalisation du spectacle lui-même ; De nombreux plans dans Makeine utilisent des photos de leurs lieux réels avec des membres de l’équipe se faisant passer pour les personnages, car les voyages constants à travers le projet leur ont permis de les cadrer comme les réalisateurs le souhaitaient dans les storyboards.
Il convient de noter que reproduire objectivement Toyohashi n’était pas vraiment l’objectif. Des ressources telles que Google Maps ont facilité l’incorporation de documents photographiques comme arrière-plans, mais même si vous évitez les pièges les plus grossiers, comme l’inclusion accidentelle de filigranes et d’erreurs similaires, une inclusion irréfléchie ne permettra pas d’ancrer les événements de manière significative. Ce que réussissent des efforts exceptionnels comme Makeine (pour la plupart), c’est de sélectionner des éléments si caractéristiques qu’ils ne peuvent être lus que comme un lieu authentique, tout en trouvant également des moyens d’évoquer la familiarité à travers ce cadre très spécifique. Cela, tout en faisant en sorte que les visuels s’assemblent agréablement, bien sûr.
Kitamura lui-même a noté qu’il n’était même pas allé à Toyohashi auparavant, mais en tant que personne originaire d’une ville relativement petite, il s’est immédiatement senti à l’aise. maison. Une grande partie de la pré-production a été consacrée à définir les éléments qui évoqueraient le plus une sensation estivale ; non seulement parce que c’est la saison dans laquelle se déroulent les deux premiers arcs, mais aussi parce que l’idée d’être dans une ville de taille modeste pendant les vacances serait pertinente pour de nombreux téléspectateurs. Ils ne font peut-être pas ce lien consciemment, mais se souviennent encore vaguement du temps passé dans des endroits similaires, ou se rapportent simplement à la sensation universelle – mais si précisément capturée – de chaleur estivale que Makeine irradie avec désinvolture. C’est le type de nostalgie qu’ils cherchent à capturer, pour plaire à un auteur qui pense aussi qu’en capturant l’atmosphère du décor avec une telle la finesse, la jeunesse éphémère et brillante des personnages qui l’habitent est véhiculée.
Dans le processus d’affinage de ce concept de nostalgie joyeuse en été à Toyohashi, Kitamura s’est appuyé sur le duo qu’il appelle leur armes secrètes armes. Aoi Otani et Keigo Arihara sont les deux artistes conceptuels qui ont rejoint le projet si tôt que l’identité de l’émission n’avait pas encore été déterminée. Ceci est particulièrement facile à apprécier dans le rejeté échantillons de d’Otani planches, qui sont belles en elles-mêmes mais arborent des couleurs très différentes de celles du look distinctif du spectacle. Ce ne sont pas seulement leurs discussions constantes avec le réalisateur et leurs voyages à Toyohashi qui ont permis de réduire le résultat: l’interaction entre les deux artistes conceptuels les a également aidés à atteindre l’équilibre parfait. Commentant un autre vieux plan de travail, Arihara a noté qu’Otani avait l’habitude de peindre un monde plus sombre pour Makeine alors que c’était le contraire pour lui. Finalement, ils se sont rencontrés au milieu pour ce qui serait l’esthétique incomparable de Makeine.
Le résultat de ce processus est un style artistique – et surtout, une ambiance associée – que vous pouvez fermer les yeux et immédiatement image. Grâce aux plans de travail d’Otani et Arihara, la série est capable de peindre un monde cohérent en interne ; un avec une gamme reconnaissable de verts et bleus mourir les personnages et cela, sans être brûlant, fait passer l’idée d’un été humide. Les couleurs ambrées de la salle du club, que les personnages ont tendance à visiter plus tard dans la journée, se démarquent par contraste. Cela s’applique également aux scènes spéciales ainsi qu’au troisième arc dans son ensemble : étant passée à la saison d’automne, la palette devient plus terre, tandis que les après-midi brillent profond rouges que nous n’avions jamais vus auparavant, quelque chose qui correspond également à l’intensité émotionnelle de l’arc. Même sans tenir compte de leur environnement, un simple coup d’œil à l’heure du déjeuner de Yanami et Nukumizu peut immédiatement vous dire quand cela se produit et ce que l’on ressent.
Même si nous disons que la série fait un travail fantastique pour incarner le sentiment recherché par l’auteur et le réalisateur, il y a une partie qui le fait encore mieux: les séquences d’ouverture et de fin. Les deux se complètent, formant une dualité à l’image de celle de la série. Pour commencer, nous avons une intro dynamique réalisée et scénarisée par Takayuki Kikuchi, que nous’est déjà apparu comme l’un des artistes les plus audacieux de cette chaîne de production A-1 dirigée par son collègue Yuichiro Kikuchi. Bien qu’elle soit enracinée dans le cadre physique, tout comme le spectacle lui-même, l’esthétique pop art joyeuse de l’ouverture, l’animation rebondissante et quelque peu diégétique La typographie dégage un sentiment de farce amusant qui la distingue immédiatement. Dès le départ, ou plutôt après le deuxième épisode où il a fait ses débuts, il présente la première moitié de la joyeuse nostalgie de Kitamura.
Et l’autre moitié, alors ? Comment matérialiseriez-vous ce sentiment de nostalgie romancée dans l’animation ? Un excellent moyen, par exemple, serait de ramener la méthode de production qui a défini l’apparence de l’anime pendant des décennies, et qui nous sommes passés à autre chose il y a si longtemps qu’il est désormais impossible de le recréer. La nostalgie de l’animation sur celluloïd et du film réel est si courante à l’heure actuelle que les créateurs de gauche et de droite tentent de retrouver leur look, mais faute d’outils physiques pour créer le premier, il s’agit plutôt d’un mimétisme numérique ; quelque chose qui peut donner des résultats intéressants dans le droite mains, remarquez.
Des créateurs comme Junchukan Bonta appartiennent cependant à la résistance qui refuse de laisser la méthodologie réelle se perd, même s’ils doivent la réinventer en bricoler leurs propres outils. L’année dernière, leur apparition dans un certain court métrage vtuber a attiré notre attention ; Faire tout son possible pour utiliser du vrai film pour un type de plan que tout le monde simule numériquement de nos jours est le signe d’un créateur intéressant, d’un fou, ou des deux. L’assistant de productionAssistant de production (制作進行, Seisaku Shinkou): Effectivement, le rôle de « producteur » le plus bas, et pourtant un rouage essentiel du système. Ils vérifient et transportent le matériel, et contactent les dizaines et dizaines d’artistes nécessaires pour terminer un épisode. Gérant généralement plusieurs épisodes des émissions dans lesquelles ils sont impliqués. pour ce Chronoir spécial était Yuutarou Ito, un autre membre de l’équipe de direction de Kaguya-sama qui a occupé le poste de directeur de production dans une émission télévisée pour la première fois avec Makeine.
Sans surprise, c’est Ito qui a approché Bonta pour la séquence finale, et il a obtenu exactement ce dont l’équipe avait besoin : un magnifique , version idéalisée de la série love in romcom, vue à travers de véritables lunettes teintées en rose. Fidèle à l’esprit de la série, la composante live-action de la séquence stop motion est la véritable école qui sert de décor, avec le duo d’art conceptuel susmentionné derrière l’animation ; alors que c’était Otani qui dessinait et peignait les cellulos cette fois-ci, Arihara les a également aidés dans le processus. Même la chanson embrasse l’angle nostalgique de cette séquence, car toutes les fins de la série se trouvent être des reprises d’anciennes chansons d’amour (et de chagrin) du principal perdant.
Mais qui sont ces échecs bien-aimés ? Le premier arc de Makeine a suffisamment de temps pour introduire et couler toutes leurs relations. Nous découvrons d’abord la série à travers une belle séquence qui, à partir d’un vecteur différent de la fin, idéalise l’amour juvénile des comédies romantiques. Après tout, c’est le monde que Nukumizu, le protagoniste du roman léger, aime contempler – un monde qu’il sépare du sien. Au lieu de cela, la réalité du protagoniste le fait s’asseoir dans un restaurant alors qu’il est accidentellement témoin de l’histoire d’amour dramatique de quelqu’un d’autre… et de sa descente dans une comédie pathétique. La dynamique qui s’y établit immédiatement résume la série : Anna Yanami entre effrontément pour se débarrasser de son traumatisme et exposer ses opinions radicales, et Nukumizu pourrait tout aussi bien se plaindre dans une langue étrangère perdue parce que ses plaisanteries grossières n’ont pas leur place dans son esprit sacré. palais.
Le premier épisode établit déjà que Nukumizu est du genre à éviter les contacts étroits avec les gens à l’école autant que possible et que Yanami est du genre à ne pas s’en soucier du tout. Cette relation pourrait-elle alors prendre une direction romantique ? Si vous demandiez à Makeine elle-même, cela nierait effrontément cette possibilité… tout en clôturant ce premier épisode avec une représentation affectueuse de Yanami sur le toit ; sa beauté dans les yeux de Nukimizu mise en valeur par quelques coupures animées sur les 1, et une ambiance rappelant directement la romance qu’il idéalisait au début de l’épisode. Après cela, ils se rapprochent sensiblement tout au long de la série – et pas seulement après avoir officiellement scellé leur amitié avec un rejet (?) Pour mettre fin au premier arc. Cette relation de plus en plus étroite a une représentation visuelle nette de la proximité avec laquelle ils sont assis l’un contre l’autre, car l’approche négligente de Yanami (surtout pendant leur déjeuner ensemble) est quelque chose contre laquelle Nukumizu finit par renoncer à lutter.
Ces taquineries vont-ils-gagner C’est quelque chose qui arrive aux autres héroïnes introduites dans le premier épisode, au milieu à la fois de la folie et du drame. Lemon est une fille douce qui a troqué toute sa matière grise contre des aptitudes sportives, désespérément amoureuse d’un gars dense qui a récemment eu une petite amie certainement pas criminelle. Komari, quant à lui, est une créature tragiquement timide qui a été à la fois sauvée et éviscérée par le couple en développement responsable du club de littérature ; elle est, après tout, amoureuse de son vice-président Shintarou mais aussi profondément redevable à sa future petite amie et président Koto. Après un seul épisode, il y a déjà vraiment trop d’héroïnes perdantes.
Ce mélange improbable de gens extravertis, de nerds, de gagnants et de perdants rassemblés autour du club de littérature font leur première grande sortie ensemble dans l’épisode 03 : celui qui est également particulièrement intéressant du point de vue de la production. Le bureau de production Ito a personnellement demandé à Shinichiro Ushijima de créer un storyboard. Storyboard (絵コンテ, ekonte) : Les plans de l’animation. Une série de dessins généralement simples servant de script visuel à l’anime, dessinés sur des feuilles spéciales avec des champs pour le numéro de coupe de l’animation, des notes pour la portée et les lignes de dialogue correspondantes. il; les deux s’étaient rencontrés pendant les débuts d’Ito dans la production de Je veux manger ton pancréas, et il pensait avoir démontré la gamme dont vous avez besoin pour une série comme Makeine. Cependant, là où l’épisode se démarque vraiment, c’est du point de vue de l’animation.
Les séquences de Yanami à la fin du premier épisode que nous venions de mettre en avant ont été animées par Hiroaki Gouda, l’un des membres les plus renommés de cette équipe. Voir des personnages époustouflants comme celui-ci en mouvement résume pourquoi il jouit d’une si solide réputation en tant que concepteur de personnages et illustrateur, en plus de ses prouesses en animation. Ce que cela ne peut pas transmettre, cependant, c’est qu’un Gouda véritablement déchaîné a tendance à avoir une élasticité amusante dans l’animation. Makeine s’en tient à la réinterprétation agréable et standard des créations d’imigimuru par Tetsuya Kawakami, mais dans des occasions exceptionnelles, l’équipe est prête à permettre à quelqu’un d’autre de prendre le contrôle. L’un des deux épisodes sans la supervision de Kawakami est précisément ce troisième, qui se rend compte que l’idée de corriger Gouda est absurde et que l’équipe aurait plutôt intérêt à apprendre de son excellence. En conséquence, l’animation de l’épisode est beaucoup plus ludique, de forme plus souple, mais également soutenue par des poses plus confortables. La séquence phare de Lemon par Yasuyuki Kai et Yuichiro Ida prouve que cette approche est également compatible avec le côté plus romantique de Makeine.
Le premier arc arrive à une fin avec un autre storyboard remarquableStoryboard (絵コンテ, ekonte): Les plans de l’animation. Une série de dessins généralement simples servant de script visuel à l’anime, dessinés sur des feuilles spéciales avec des champs pour le numéro de coupe de l’animation, des notes pour la portée et les lignes de dialogue correspondantes. par Kitamura, qui excelle à représenter le Une séparation que Nukumizu a décidé égoïstement doit exister entre son monde et celui de Yanami. Après avoir clairement indiqué qu’ils étaient sur un pied d’égalité – prétendument comme deux amis rejetés – la série passe à l’arc de Lemon. Mais avant de l’aider à gérer sa misère, en grande partie de sa propre création, l’épisode #05 met déjà un point d’honneur à souligner une autre grande qualité de Makeine: l’humour accessoire. Encore une fois, cela est vrai pour la série dans son ensemble ; le premier arc, par exemple, comportait déjà des gags de fond sur la réussite impossible des étudiants, ce qui rend juste drôle que nous’suivons la vie des rares perdants parmi eux.
Connu comme un réalisateur extravagant, Masakazu Ohara passe au niveau supérieur avec peut-être le storyboard le plus drôleStoryboard (絵コンテ, ekonte ): Les plans de l’animation. Une série de dessins généralement simples servant de script visuel à l’anime, dessinés sur des feuilles spéciales avec des champs pour le numéro de coupe de l’animation, des notes pour la portée et les lignes de dialogue correspondantes. dans toute la série. L’idée ridicule selon laquelle le père de Yanami a reçu l’intégralité de son salaire sous forme de nouilles et qu’elle est maintenant piégée dans l’enfer des pâtes est présentée à le début, et sans jamais l’aborder correctement, mène à une scène de club hilarante ; Des boîtes pleines de ces restes sont partout dans le club, mais ohara trouve des moyens à cadre un tout contournement tout en conservant les expressions de chacun visibles, mais sans s’adresser hilarant à ne jamais s’adresser à ce qui se passe autour d’eux. Cet esprit dérangé est maintenu jusqu’à la fin, avec la blague NTR désormais tristementuse. L’équipe avait décidé de mettre fin à chaque épisode avec une punchline ou un cliffhanger final, et comme celui-ci allait culminer avec un malentendu sur l’infidélité, À l’étape de l’écriture de script elle-même , ils cherchaient déjà un mot qui contenait ces trois lettres pour que le storyboarder fasse encadrer la mode comique .
Un aspect qui devient malheureusement aussi pertinent avec ce cinquième épisode est le mauvais calendrier de production de Makeine. Cela ne veut pas dire que l’épisode est particulièrement de mauvaise qualité-si quoi que ce soit, c’est un autre exemple d’une équipe que nous appelons ingénieuse depuis des années d’être obligé de compenser un autre exemple de mauvaise planification. Pour être juste, cependant, c’est plus comme une autre équipe a été faite pour venir de l’aide; littéralement et figurativement, une fausse équipe à ce stade. Un regard sur les crédits pourrait vous dire que pas mal de créateurs et managers de l’équipe Fate/Strange Fake sont apparus dans cet épisode. Un plus attentif, surtout si vous tenez compte de tous ceux qui ne sont pas crédités des superviseurs aux réalisateurs eux-mêmes, révélerait que cet épisode était de tous les moyens animés par cette ligne de production. Avec leur propre projet dans un terrible limbes et cet autre titre populaire au studio dans un besoin urgent d’aide, cette jonglerie en interne d’urgence a dû sauver la journée. Les résultats sont bons, mais comme d’habitude, les circonstances qui y ont conduit ne l’ont pas été.
Sur une note plus lumineuse, le passage à l’arc du citron signifie également les débuts de Une autre fin fantastique . Le sien est un amour non partagé qui a grandi progressivement, comme les fruits homonymes dans la séquence. Aussi magnifique ici, elle a essayé de retenir son désir-mais si elle se déchaînait et poursuivait la personne qu’elle aime? Ces sentiments la hantent à travers cet arc, mais en cette fin, nous voyons le bel avantage de ces rêves. Lemon elle-même est idéalisé sous une forme beaucoup plus adulte , en tant que réalisateur akihito”kasen”sudou Sought> Un spécialiste de l’élimination du réalisme comme souta yamazaki pour réinterpréter son look. un processus de conception de manière densément emballée de sens Exécutez la majeure partie de celui-ci dans le même plan d’animation rend cette séquence entière nostalgique sous un angle différent de la fin précédente, et pas moins excellent que elle.
pour Lemon elle-même, la fin résume également magnifiquement ses hauts et ses bas. Bien sûr, le motif d’eau qui était si libérateur dans la poursuite de son amour l’amène finalement devant se réveiller seul . Mais cela vient après avoir expérimenté sa forme idéale de romance , aussi active et joyeuse que l’athlète joyeuse qu’elle est. Tout cela est baigné dans un ciel étoilé, quelque chose qui dérive des paroles de la chanson mais aussi de son propre arc; C’était une visite au planétarium qui l’a amenée à révéler accidentellement son béguin, et c’est parler des étoiles qu’elle commence à Passez de cette relation.
Nous pouvons également faire un certain temps, car à ce stade, le spectacle atteint l’arc de Komari. Comme toutes les autres héroïnes perdantes, elle obtient une magnifique séquence de fin. Cette fois, c’était le manager de Settei de Makeine Kazuki Kawagishi qui a été chargé de son sort, et quand on pensait au noyau du personnage-dans la surface acerbique d’une fille qui peut à peine articuler des mots autres que Die-He ne pouvait que penser aux aquarelles de kiiro aose ; Comme le personnage, ceux qui se sentent gentils, fragiles mais vaillants. Comme on le voit dans le maquillage , la séquence étonnante est composée d’un nombre ridicule de peintures qui changent progressivement, est parfois à l’aide d’une animation traditionnelle sous-jacente par Megumi Maeda .
Comme mentionné précédemment, Le passage à l’arc final est également perceptible dans le monde lui-même. Kitamura a noté que, bien que récemment, il a été difficile de ressentir un contraste entre septembre et la chaleur d’été précédente due à autre Un temps extrême, il voulait souligner le côté le plus froid de la saison pour le faire se sentir aussi spécial que pour lui à l’époque. Alors qu’Arihara était un peu plein de remords à propos de ses artboards Pour l’automne, il contenait toujours des éléments de la version estivale, ils étaient finalement très utiles pour Le directeur du directeur de la série: (監督, Kantoku): La personne responsable de toute la production, à la fois en tant que décideur créatif et superviseur final. Ils dépassent le reste du personnel et ont finalement le dernier mot. Les séries avec différents niveaux de réalisateurs existent cependant-directeur en chef, directeur adjoint, réalisateur d’épisode de la série, toutes sortes de rôles non standard. La hiérarchie dans ces cas est un scénario de cas par cas; Le mélange apparemment contradictoire de température, d’éclairage et d’humeur a capturé la vision du changement synonyme d’automne pour le directeur. Cela est également vrai pour Komari, car l’environnement où elle s’est sentie quelque peu à l’aise est sur le point de perdre les étudiants de troisième année qui l’ont accueillie.
pour leur dire au revoir comme ils le méritent, Komari prévoit de Allez tout avec la préparation du prochain festival scolaire; Une exposition de club selon laquelle Yanami finira par surmonter une lettre d’amour à son ancien béguin et que Nukumizu choisira d’interpréter dans une vitrine plus positive et plus large de gratitude envers ses aînés. Lorsque Komari se pousse sans surprise au-delà de ses limites, il est temps que le protagoniste présumé commence à rassembler les étudiants excentriques qu’il a rencontrés dans des arcs précédents-quelque chose qui semble héroïque jusqu’à aux autres. Pas étonnant que Komari soit énervé que vous ne lui donnez pas une bonne raison de vous louer, Midwater.
Ce n’est pas un hasard si ce groupe improbable se réunisse dans l’épisode # 09, storyboard par kei oikawa . Si vous avez suivi cette chaîne de production, vous saurez qu’il est encore un autre invité avec l’expérience de Kaguya-sama, et si vous connaissez sa carrière en tant qu’individu, vous vous rendrez compte que ce matériel est très dans sa ruelle. Oikawa est connu pour sa capacité à favoriser le sentiment d’une famille trouvée dans des gangs comiques, et ce festival n’a qu’une chance d’être un succès pour nos personnages principaux précisément en raison des relations qui ont été construites jusqu’à présent. En tant que Ying de ce Yang sain, l’épisode # 09 présente également Action Star Takashi Torii en train de s’accompagner de son expérience avec d’autres types d’action avec le rôle d’explication du coordinateur de Karen Himemiya Bust. Soit dit en passant, des tâches spécialisées comme celle-ci existent même lorsqu’ils ne sont pas publiquement donnés un nom drôle, bien qu’ils soient beaucoup plus drôles lorsque cela se produit-vous pouvez remercier l’assistant de production d’assistant de production (制作進行, Seisaku Shinkou): Effectivement, le producteur le plus bas du Classement’«Rôle, et pourtant un rouage essentiel dans le système. Ils vérifient et transportent les matériaux et contactent les dizaines sur des dizaines d’artistes nécessaires pour terminer un épisode. Gérer généralement plusieurs épisodes des émissions avec lesquelles ils sont impliqués. Tetsuya tamura pour cela.
Un autre aspect de cet arc qui se démarque pendant le festival et ses préparatifs est le sentiment d’une école vécue, débordant d’étudiants et de leurs aventures individuelles. Bien que la série n’ait pas l’attention presque psychotique accordée aux personnages de fond d’une production de Kyoani, où l’idée d’une foule est essentiellement interdite, les animateurs ont été encouragés à s’adapter avec des étudiants sans nom pour donner plus de vie au cadre. Pour ce festival, cela a été élevé à un niveau de réalisateur, ce qui rend ces lieux de mise en page peu peuplés et spacieux (レイアウト): les dessins où l’animation naît réellement; Ils étendent les idées visuelles généralement simples du storyboard dans le squelette réel de l’animation, détaillant à la fois le travail de l’animateur clé et des artistes d’arrière-plan. une priorité. À cet égard, le dixième épisode a été conçu par le storyboard par l’animateur affilié Tatsuya Murakami , qui aussi a mis en place des modèles 3D 3D du festival pour trouver les angles droits pour encadrer son premier storyboardstory (絵コンテ, Ekonte): les plans d’animation. Une série de dessins généralement simples servant de script visuel de l’anime, dessinés sur des feuilles spéciales avec des champs pour le numéro de coupe d’animation, des notes pour le personnel et les lignes de dialogue assorties. Cette approche joue aux forces de cet arc, mais aussi de Murakami se; Bien qu’il soit un storyboard recrue, Murakami a travaillé sur des projets où ce type de cadrage 3D par les réalisateurs eux-mêmes est la clé de la production, comme Spy X Family .
Bien que ce soit cet arc en particulier qui le souligne, Makeine dans son ensemble s’est également appuyé sur la mise en page 3D (レイアウト): les dessins où l’animation est réellement née; Ils étendent les idées visuelles généralement simples du storyboard dans le squelette réel de l’animation, détaillant à la fois le travail de l’animateur clé et des artistes d’arrière-plan. Dans le cadre de cet effort pour ancrer de manière réaliste ses événements. La vérité est que depuis # 04, tous les épisodes ont crédité un artiste de mise en page spécifique pour avoir fourni des directives 3D pour renforcer cet aspect. La personne derrière elle est le mystérieux Tomoko Torii , qui apparaît comme un vétéran veteran caché sous un nom de stylo évident. Leur première apparition créditée a jamais été lorsqu’ils ont à lui seul à lui seul, un nouveau boss, mon nouveau patron est Goofy # 02, sans nettoyage supplémentaire ni intervention d’un directeur d’animation. Au sein de Makeine, ils ont occupé ce rôle primordial tout en contribuant à l’animation depuis le tout début. Torii est en fait le premier animateur crédité dans la série, donc ils ont peut-être contribué à son impressionnante intro; Après tout, le jeune A-1 A-1 Mirai Harashima est juste derrière eux, et nous savons pertinemment qu’elle a contribué à la scène de la cafétéria entre Nukumizu et Yanami selon l’interview de NewType de Kitamura.
Mis à part les membres suspects du personnel, l’arc de Komari prend fin sous les mains expertes de Kitamura encore une fois. Komari a réussi à offrir au revoir à ses aimables seniors, mais qu’en est-il maintenant? Elle hérite efficacement de la position de présidente par défaut, mais c’est quelque chose qu’elle n’est ni préparée ni un objectif qu’elle veut vraiment atteindre. Bien qu’il soit probablement le meilleur écrivain d’entre eux, elle ne se soucie pas particulièrement du club de littérature; C’était un endroit où elle chérissait parce qu’elle se sentait à l’aise avec les membres précédents, et même si elle aime aussi son groupe actuel, son insécurité lui fait craindre qu’un tel gang de ragogue puisse s’effondrer à n’importe quelle seconde.
L’écriture La réponse à cette situation est certes un peu désordonnée. Nukumizu est exhorté pour avoir pris le contrôle égoïstement de la présidence, et pour une bonne raison à cela. Komari essayait sans aucun doute de s’améliorer en tant que personne en formant ses compétences sociales. Et pourtant, la décision de Nukumizu est finalement correcte également, ce qui conduit à une maladresse commune dans ce genre en ce qui concerne l’agence des filles. Cela dit, les sentiments des adolescents sont un putain de gâchis, et Makeine est une série bien intentionnée avec un réalisateur fantastique, il n’est donc pas surprenant que cet arc ait si quoi que ce soit plus fort que tous les précédents.
Plus tôt, nous avons souligné que le troisième épisode de Gouda était une exception dans la façon dont il était autorisé à contourner le style d’animation habituel de l’émission. Épisode n ° 10, avec Yumiko «Nozumi» Yamamoto en tant que directeur de l’animation du directeur de l’animation en chef (総作画監督, Sou Sakuga Kantoku): souvent un crédit global qui a tendance à être entre les mains du concepteur de personnage, Bien que les projets désordonnés tardifs avec plusieurs annonces en chef ont augmenté en nombre; Moreso que les directeurs d’animation réguliers, leur travail consiste à s’assurer que les personnages semblent être censés le faire. La cohérence est leur objectif, qu’ils appliqueront autant qu’ils le souhaitent (et peuvent)., Est le seul autre épisode où les dessins n’étaient pas finalement filtrés à travers le style de Kawakami. C’est sensiblement plus détaillé, d’une manière qui ressemble au style bien-aimé de son bon ami Kappe . Outre les cils évidents et les mèches de cheveux, les yeux sont dessinés avec des élèves plus grands que la norme du spectacle. Pour des raisons évidentes, c’est assez similaire à Lycoris Recul , une autre série avec Imigimuru Designs où elle a mené les efforts d’animation. Assez clair Lorsque vous regardez ce joli fantôme Yanami !
Alors que les aventures de Komari ont été l’arc final, Makeine a toujours trouvé une certaine énergie à visser avec un dernier épisode qui, à bien des égards, agit comme une valve d’évasion. Cette aventure originale écrite par l’auteur original-qui lui a effacé le même titre que la série avait avant d’être correctement publiée-ne s’éloigne jamais trop des règles globales de Makeine, mais il est clair à l’œil qu’elle a donné plus de liberté aux animateurs pour se déchaîner. Aux côtés du Kitamura, toujours présent, il y a un réalisateur que vous aimeriez avoir à une telle occasion: le Kasen susmentionné, qui l’a condamné et a codirigé pour suivre sa fin de citron.
compte tenu de sa formation à Studio Trigger et le goût de ses amis pour la lutte contre l’animation, Kasen est supposé être une autre star d’action flashy. Il a prouvé à plusieurs reprises que c’est un rôle qu’il peut très bien gérer, mais aussi que c’est au mieux un côté de lui. Jusqu’à ce point, son travail le plus renommé était Une séquence de fin pour attaque sur Titan -L’un des plus grands succès d’action ces derniers temps, mais aussi une séquence avec tendresse tangible et belle stylisation. Alors que nous regardons les photos tendance de Yanami Devolve en Adorable scrunkly Demons Avec des formes plus lâches, sa volonté de laisser l’équipe déformer les personnages plus loin que même Gouda n’avait osé devenir évident. Dans un spectacle qui a favorisé une représentation naturaliste de son monde dans la façon dont Makeine a, une scène d’horreur ridicule qui semble directement d’un titre de décrochage se transforme en une tournure encore plus drôle qu’elle ne le serait normalement.
Mais encore une fois, Kasen est un artiste de nombreux talents. Les storyboards précédents s’étaient démarqués pour sa capacité à capturer des moments d’intimité avec un travail de caméra très poli; Framer qui obscurcit les parties des personnages lorsqu’ils sont les plus vulnérables afin que cela ne ait pas l’impression que nous y entrons avec force. Entre ses moments de folie plus lâche, cet épisode désinvolte .com/85bmyx9.jpg”> Construire un bâillon final effronté autour de cette idée de visibilité limitée . Avec un résultat aussi élégant et drôle, vous ne pourriez jamais dire qu’il a été terminé la veille de la diffusion.
Une série régulière aurait pu se terminer avec l’arc climatique de Komari à la place, mais en terminant à la place Avec cette sortie finale maladroite mais étrangement romantique ressemble à la bonne façon pour Makeine de partir. C’est aussi la fin appropriée d’un point de vue du personnel, avec une curieuse accumulation d’inspirations. En tant qu’auteur original, Amamori a professé son amour pour Kaguya-sama, une série qui a été animée par cet équipage, et pour konobi -un manga du concepteur de Makeine, qui avait également une adaptation dirigée par l’un des membres Les réalisateurs dont nous venons de parler. Une autre source d’inspiration connue était bokuyaba , une grande romcom qui a présenté sa meilleure direction absolue dans le sixième épisode de la première saison. La personne en charge? Kasen, tout comme cette finale. La fille principale? Un glouton dont le prénom est Anna, tout comme Yanami. Je pense que je crois en Dieu après avoir tapé tout cela. Je vais prier pour une suite, je suppose.
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