En 2011, Nichijou était une expérience ambitieuse, grandiloquente, mais aussi réfléchie, visant à faire correspondre le style unique de Keiichi Arawi avec l’approche tout aussi distinctive – et à certains égards opposée – du processus créatif de Kyoto Animation.. Depuis lors, les deux parties ont évolué en tant que conteurs, et il est maintenant temps pour leur prochaine collaboration : CITY The Animation.
Le mignon de Keiichi Arawi le surréalisme est unique en son genre. Mieux connu pour Nichijou, Arawi a progressivement perfectionné un style qui vous facilite la vie avec des personnages adorables et des scénarios banals, histoire de vous couper l’herbe sous les pieds de la manière la plus grandiloquente imaginable-ou, parfois, avec nonchalance. retournez-vous et vous dites qu’il n’y a jamais eu de tapis.
Lors de la conversation avec le public, le travail d’Arawi a atteint un point où il bénéficie de la nature scandaleuse de l’humour absurde, tout en établissant un sentiment de structure non trop différent de ce que l’on pourrait trouver dans une comédie plus classique. À peu près tout peut arriver dans ses sketchs, donc l’élément de surprise sauvage demeure toujours. Et pourtant, avec juste un peu d’expérience, on ne peut s’empêcher de remarquer la cadence spécifique de son travail, rendant la comédie aussi lisible que la blague la plus classique ; vous ne savez peut-être pas ce qui va se passer, ni même s’il optera pour une escalade insensée ou une déflation impassible, mais vous pourrez ressentir quand les tournants viendront. De nature subversive, mais avec une formule si raffinée que vous obtenez le meilleur des deux mondes. Et le plus important : vraiment drôle.
Au fil du temps, l’art d’Arawi a évolué pour correspondre au mieux à son approche. Ses créations sont devenues plus stylisées, raffinées en formes volumineuses plus cohérentes, puis transformées en fonction de ses compétences techniques de plus en plus diversifiées. Avec ces silhouettes bien définies comme norme, il est désormais capable d’impliquer des mouvements spectaculaires dans ses scénarios sans prétention ; vous rencontrerez souvent des trajectoires entières tracées dans un seul panneau à travers des multiples sur tout le corps, une utilisation plus efficace des frottis grâce à des formes par ailleurs cohérentes et une grande élasticité comique. Il n’est pas surprenant que cette croissance en tant qu’artiste capable d’incorporer des idées de mouvement dans les bandes dessinées ait été accompagnée de cascades impressionnantes en tant qu’animateur lui-même.
Comme il en est venu à le faire souvent aussi pour ses mangas, Arawi peut sans effort passez de ces principes d’animation naturels à des exagérations de planéité à des fins de dessin animé charmant. Bien qu’il puisse regrouper toutes ces qualités dans un vide amusant, sa dernière étape d’évolution a été de maximiser son imagination et de créer des images denses pleines de détails fantaisistes. Que ce soit en tant que mangaka, illustrateur ou animateur, Arawi est resté fidèle à sa tendance à dessiner des formes simples, mais la façon dont elles s’assemblent désormais pour construire des décors plus vastes, des communautés ou simplement des réactions plus complexes le distingue comme l’un des le meilleur du secteur. Une évolution d’un comédien situationnel à un curieux bâtisseur de monde qui, comme nous le verrons plus tard, a également influencé le type d’histoires qu’il raconte.
En novembre 2023, Arawi a dessiné un joli gif pour promouvoir le festival de musique de KyoAni mettant en vedette Hakase – dont le spectacle était bien sûr présenté lors de l’événement – et les deux mascottes du studio. Ce que les gens ne réalisaient pas à l’époque, cependant, c’est qu’une adaptation pour le prochain ouvrage de l’auteur était déjà en cours d’animation.
Pour un auteur à l’identité aussi forte, et dont l’exécution brillante est indissociable de l’écriture, l’idée d’une adaptation en anime devrait être synonyme de danger. Ces inquiétudes seraient apaisées dans une certaine mesure avec la révélation que c’était une équipe exceptionnelle de Kyoto Animation qui relèverait le défi – et pourtant, ce choix a soulevé de nouvelles questions. Au moment de ce projet, personne n’osait remettre en question la cohérence inégalée du studio ; Nichijou était en préparation depuis 2009 pour une diffusion en 2011, juste après plusieurs événements qui ont bouleversé l’industrie dans Haruhi et K-ON !, et amassant par ailleurs des succès respectables comme si c’était une évidence. Ils avaient clairement développé un modèle soigné qui garantissait une production constante de haute qualité, et leur minutie unique dans la représentation des personnages et des mondes dans lesquels ils vivaient a trouvé un écho auprès du public otaku.
Bien que ces résultats couvrent plusieurs genres et formats de sources. , ils se conformaient tous vaguement aux mêmes standards de la fiction narrative. Les efforts considérables de KyoAni pour rechercher des lieux renforceraient l’atmosphère de l’histoire, qu’il s’agisse d’un voyage à Hong Kong pour Full Metal Panic ou d’un voyage beaucoup plus proche qui se transformerait accidentellement en Lucky Star. en une icône du pèlerinage anime. L’animation nuancée des personnages de leur équipe pourrait tout de même humaniser un casting aussi ordinaire que celui de K-ON et une figure divine comme Haruhi, leur permettant de vendre des histoires très différentes avec à peu près le même niveau d’impact. Mais que se passerait-il si on leur confiait une œuvre sans histoire globale et sans intérêt particulier pour ses personnages au-delà d’être un véhicule de scénarios ridicules ? Car, aussi terre-à-terre et à faibles enjeux que soit le récit de certaines de leurs œuvres, il s’agissait toujours d’une série séquentielle d’événements avec une croissance du personnage et un objectif épanouissant attendant à la fin-et, aussi brillant que soit Nichijou, il n’offrait pas vraiment tout cela.
Une grande partie des discussions précédant la série portait sur la façon dont une équipe créative avec des sensibilités distinctes s’adapterait à la saveur unique et apparemment incompatible de quelqu’un d’autre. Attention, ce n’était pas seulement parmi les fans ; étant donné la popularité du studio, il y a eu beaucoup de reportages dans des magazines comme Animedia et Newtype avant même que sa diffusion ne commence, réfléchissant avec enthousiasme au résultat de ce mélange inhabituel. En fin de compte, cet enthousiasme otaku s’est retourné contre lui car Nichijou n’a pas fait grand bruit au sein de ce groupe démographique, qui a plutôt adopté les nouveaux succès du studio comme le K-ON ! film, Hyouka, Chu2Koi et Free!.
La série a rapidement été qualifiée d’échec commercial, qui, bien que vrai dans une certaine mesure, parle principalement d’un manque de communication entre les créatifs et les producteurs. Depuis le début, directeur de la sérieRéalisateur de la série : (監督, kantoku) : la personne en charge de l’ensemble de la production, à la fois en tant que décideur créatif et superviseur final. Ils surpassent le reste du personnel et ont finalement le dernier mot. Il existe cependant des séries avec différents niveaux de réalisateurs: réalisateur en chef, assistant réalisateur, réalisateur d’épisodes de série, toutes sortes de rôles non standards. La hiérarchie dans ces instances est un scénario au cas par cas. Tatsuya Ishihara a clairement exprimé son souhait de créer une série dont on pourrait écouter des extraits pour se détendre après le travail, plutôt qu’une série permettant de s’engager dans une forme d’otaku plus traditionnelle et obsessionnelle. C’est dans ce contexte familial qu’il a connu assez rapidement le succès ; après tout, sa version (certes moindre) de Director’s Cut pour NHK-e était si populaire que la demande des fans a poussé la station à la rediffuser simplement quelques mois après sa fin..
Des années plus tard, la série jouit d’une popularité durable dans le monde entier. Nichijou continue de prospérer dans un scénario plus favorable, en grande partie grâce à la facilité avec laquelle ses sketchs grandiloquents peuvent devenir viraux à l’ère des médias sociaux. Ce à quoi il n’a jamais été préparé, cependant, c’est de justifier la façon dont des sociétés comme Kadokawa et Lantis ont tenté de exploiter davantage leur marché national des otaku en 2011 que lors des précédents succès de KyoAni ; 13 volumes BD/DVD et un déluge de CD destinés à un public qui ne s’intéresse pas particulièrement à ces choses étaient une recette pour brûler les mains avides, et c’est ce qui s’est produit. De manière amusante, l’artiste Hyadain a profité de son apparition au festival de musique de KyoAni 2023 pour remercier le studio d’avoir gardé en vie les chansons de ses personnages-ce n’est pas un mensonge, même si ce sont des incidents comme celui-ci qui ont effrayé les producteurs de cette tradition.
En plus de clarifier la réputation d’un titre qui semble si apprécié tout en ayant également la réputation d’un échec, comprendre le public cible réel est important pour appréhender les choix créatifs de l’équipe. Ishihara, assistant réalisateur de la sérieRéalisateur de la série : (監督, kantoku) : la personne en charge de l’ensemble de la production, à la fois en tant que décideur créatif et superviseur final. Ils surpassent le reste du personnel et ont finalement le dernier mot. Il existe cependant des séries avec différents niveaux de réalisateurs: réalisateur en chef, assistant réalisateur, réalisateur d’épisodes de série, toutes sortes de rôles non standards. La hiérarchie dans ces instances est un scénario au cas par cas. Taiichi Ishidate et le compositeur de la série Jukki Hanada considéraient la nature déconnectée des sketches d’Arawi dans Nichijou comme faisant partie intégrante de son charme ; coudre du tissu conjonctif entre ses gags risquait d’atténuer ses punchlines ridicules, limitant également ce sur quoi ils pourraient de manière réaliste passer ensuite. Plutôt que de le modéliser d’après un anime ou même tout autre type de narration sérialisée, ce sont des émissions de variétés destinées au grand public qu’ils ont modelées sur l’anime. Dans une longue interview pour Monthly Anime Style 5, Ishihara a cité des programmes irrévérencieux des années 70 comme Calicula Machine et Kyosen x Maetake Gebageba 90 Pun comme les influences qu’il avait en tête, ajoutant en outre que les camées de doublage scandaleux de Nichijou étaient également destinés à des talents qu’un téléspectateur régulier pourrait reconnaître.
Et ainsi, oubliez d’adapter les sketches déconnectés de Nichijou tels qu’ils étaient dans le manga: l’anime les réarrangerait constamment, accentuant encore ce caractère décousu en insérant toutes sortes de ruptures. L’équipe imiterait les illustrations d’Arawi avec des accroches tout aussi absurdes, inclurait d’autres de ses œuvres courtes comme l’emblématique Helvetica Standard comme moyen d’accélérer le rythme et de créer des coins originaux à des fins similaires. Ceux-ci allaient de tout, des ciseaux à papier à la fois mignons et surréalistes aux caméras fixes représentant des instantanés photoréalistes en mouvement du monde ; bien que ces derniers ne signifient nécessairement rien en eux-mêmes, l’inclusion d’extraits qui semblent proches de la vie réelle entre des burlesques stylisées et à indice d’octane élevé inciteraient le public à y réfléchir. Pour une série qui alterne entre de nombreux styles différents, Ishihara ne considérait pas qu’ils franchissaient un nouveau terrain au niveau technique-au contraire, c’était cet effet psychologique dans leur déploiement de styles distincts qu’il considérait comme une force sur laquelle se concentrer..
À travers ce mélange éclectique, et tout en essayant de respecter le timing unique de son humour, l’équipe a voulu traduire l’attrait de Nichijou sous une forme nécessairement différente. En faisant tout cela, il aurait certainement une chance de ressembler au travail d’Arawi… mais aurait-il un style KyoAni distinct ? Il s’avère que cet aspect viendrait tout simplement naturellement à son équipe. Dans une interview pour le numéro de juillet 2011 de Newtype, le réalisateur a présenté un concept auquel il revenait souvent lorsqu’il parlait de la réalisation de Nichijou: l’instinct humain d’organiser une histoire en un tout cohérent.
Que ce soit Ishihara avait raison de qualifier cela d’impulsion universelle ou non, il est certainement vrai que la plupart de ses pairs du studio ont tendance à enchaîner des histoires sur les gens s’ils sont laissés à eux-mêmes. Chaque réalisateur peut les aborder sous son propre angle, mais il est tout à fait naturel qu’un studio construit autour de la philosophie de feu Yoshiji Kigami regarde dans cette direction ; Lorsque le jeu nuancé est l’épine dorsale de votre travail, lorsque des politiques plus humaines sont appliquées et que l’observation des gens est encouragée, raconter des histoires sur les personnages est ce que vous êtes susceptible de faire. Plutôt que d’abandonner complètement ces tendances, l’équipe de Nichijou a cherché des moyens de les incorporer dans l’adaptation sans compromettre l’esprit d’Arawi.
Encore une fois, il convient de noter que ce processus a commencé de manière essentiellement inconsciente. Ishihara a déclaré à plusieurs reprises qu’il s’était retrouvé à donner plus de cohésion à la série pendant la pré-production, comme s’il s’agissait d’une envie qu’ils devaient contrôler. Finalement, ils sont parvenus à une conclusion similaire quant à l’état d’esprit derrière le mélange délibéré de styles: si de temps en temps vous rencontrez une pépite de développement de personnage doux au milieu de gags surréalistes, cela vous surprendra forcément et vous restera. Comme ils avaient décidé qu’ils ne voulaient pas faire de compromis sur la nature déconnectée de chaque épisode, les changements subtils devaient provenir d’un niveau plus structurel. En conséquence, l’équipe a non seulement modifié l’ordre des sketches pour s’assurer que chaque épisode changeait constamment de vitesse, mais a également reconstruit des événements initialement déconnectés en intrigues qui présentaient une croissance quotidienne et occasionnelle tout au long de la série.
Plus notoirement, cela impliquait de réinventer la vie de la fille robot Nano et de son inventeur, le précoce Hakase. Les deux vivant ensemble, coincés entre le désir du premier d’être normal et le second désirant un dessert, sont restés les mêmes que l’original, tout comme l’inclusion de Sakamoto-san, le malheureux chat qu’ils ont adopté. Et pourtant, le sentiment d’appartenance dans leur foyer donnait une saveur sensiblement différente à des aventures similaires, agissant souvent comme de jolis moments de répit dans la folie de Nichijou. Alors que Nano avait toujours voulu mener une vie normale, l’anime a considérablement augmenté le poids de ses souhaits en les laissant mariner pendant un cours entier, puis en construisant lentement son amitié avec le trio principal composé de Yuuko, Mio et Mai au fil du temps. les 13 derniers épisodes. Même si un résumé de leur vie dans les deux formats semblerait assez similaire sur papier, ces petits changements ont fait une énorme différence ; et si vous ne le pensez pas, essayez de dire aux gens qui ont seulement regardé l’anime que Nano allait à l’école depuis le premier chapitre et observez leur réaction.
Tout comme la façon dont Arawi lui-même a ajusté son style pour répondre à ses besoins. , une version KyoAni de Nichijou devrait suivre la fine ligne de la modification de l’esthétique pour amplifier ses forces sans obstruer la voix de l’auteur original. À première vue, les dessins d’animation de feu Futoshi Nishiya semblent assez similaires au manga, mais une inspection plus approfondie révèle un degré de tridimensionnalité plus élevé qu’à l’origine, leur permettant d’habiter de manière crédible l’espace plus monde tangible. D’une certaine manière, cela correspond aux ajustements apportés aux personnages eux-mêmes, en leur donnant subtilement une dimension supplémentaire, au propre comme au figuré. Cela a permis à l’équipe de passer gracieusement de l’animation soignée de ses personnages à des moments classiques de dessin animé plat Arawi, de moduler le réalisme et de styliser la folie sans avoir l’impression de s’être trop éloignés de leur forme habituelle.
La séquence finale de Zzz est un autre exemple de la malléabilité des créations de Nichijou ; en les dépouillant de leurs contours visibles, Ishidate a pu construire une nouvelle esthétique qui semble toujours pouvoir raisonnablement exister dans le monde de la série.
À ce sujet, Ishihara a commenté l’inclusion d’une animation naturaliste de personnages dans cette même interview Anime Style. Il a admis qu’il n’y avait pas de grand plan initial pour créer un contraste entre cette approche terre-à-terre et les scénarios dérangés de Nichijou, mais plutôt que c’était quelque chose sur lequel ils étaient tombés par hasard lors de la production de la série. En tant que vétéran de KyoAni, il a évoqué en plaisantant cette habitude de leurs animateurs et réalisateurs comme s’il s’agissait d’une propension incurable, de fondamentaux si profondément enracinés qu’ils vont se répercuter sur le travail d’une manière ou d’une autre. Encore une fois, de telles choses n’étaient pas nécessairement considérées comme négatives ; bien sûr, il faudrait de la finesse pour faire correspondre ce style avec la vision du monde d’Arawi, mais c’était précisément ce type de réaction chimique entre différents éléments qu’ils recherchaient dans l’adaptation.
Alors qu’un réalisateur de sérieRéalisateur de la série: (監督, kantoku): La personne en charge de l’ensemble de la production, à la fois en tant que décideur créatif et superviseur final. Ils surpassent le reste du personnel et ont finalement le dernier mot. Il existe cependant des séries avec différents niveaux de réalisateurs: réalisateur en chef, assistant réalisateur, réalisateur d’épisodes de série, toutes sortes de rôles non standards. La hiérarchie dans ces instances est un scénario au cas par cas. a compris comment intégrer organiquement ces tendances, l’autre a adopté une attitude plus combative envers l’idée qu’elles existaient. Il est tout à fait juste de dire que l’environnement de KyoAni a favorisé le développement de conteurs attentifs et centrés sur les personnages, mais cela ne signifie pas que les goûts de chacun seront les mêmes. En tant que réalisateur débutant, Ishidate avait l’impression que dire à l’équipe qu’ils excellaient dans ce type de travail était une sorte d’éloge détourné, comme si cela impliquait également qu’ils ne seraient pas capables de faire quelque chose de différent. En tant que disciple le plus radical de Kigami, Ishidate a toujours été le piment du travail du studio ; leur animateur le plus reconnaissable, quelqu’un qui s’est déchaîné et en était fier. Bien qu’il ait progressivement affiné cet avantage, ni sa promotion au poste de directeur d’épisode ni ce premier combat au niveau de la direction de la série n’ont réussi à l’émousser. Ainsi, dans ses remarques finales pour la série, il a admis que l’un de ses principaux objectifs avait été de renverser ces attentes.
Qu’impliquait alors sa rébellion personnelle ? Ishidate a souligné les nouveaux défis qu’il a tentés, tels que le sketch du château de cartes magnifiquement inutile et fièrement complexe ; un gag sans dialogue pendant plus de 4 minutes, où tous les sons proviennent d’une chanson qui a été composée selon l’animation brute puis ajustée pour qu’elle corresponde parfaitement. Mais plus que toute autre chose, c’est son amour sans faille pour l’animation qui a fortement influencé la façon dont Nichijou a joué. Les productions de KyoAni ne sont pas avares en ce qui concerne le mouvement, mais l’une de leurs plus grandes réussites est la façon dont elles le déploient – un moyen d’amplifier ses nuances et de réguler son économie d’un seul coup. Même s’il peut comprendre cela, Ishidate était à l’époque quelqu’un qui appréciait la simple idée des images animées, donc il poussait toujours l’équipe dans cette direction. Comme tous ceux qui ont regardé Nichijou peuvent en témoigner, cette influence est très visible ; vous ne saviez peut-être pas que la série contenait le plus de dessins de toutes les productions de KyoAni à l’époque, mais il y a de fortes chances que cette révélation ne vous ait pas du tout choqué.
Si nous parcourons tous les Après quelques ajustements esthétiques et les idées parfois contradictoires qui les sous-tendent, la direction artistique mérite également une note. Même si Ishihara a nié avoir toujours prévu d’introduire des frictions derrière un jeu d’acteur prudent et un slapstick surréaliste, mais plutôt avoir trébuché là-dessus en travaillant, ils ont toujours eu l’intention d’avoir un peu de contraste avec les arrière-plans. Dans son interview sur Anime Style, le réalisateur a déclaré que si vous deviez animer Nichijou avec un décor aussi vaguement défini que dans l’original, vous risqueriez que tout paraisse trop ridicule, d’où la raison pour laquelle les arrière-plans apaisants de la série sont aussi détaillés que ceux d’Arawi. le style artistique le permet. En ancrant visuellement les scènes dans la réalité dans une certaine mesure, le surréaliste ressortirait également davantage, lui donnant une saveur que même l’œuvre originale n’a pas. Bien qu’il n’y ait pas de ressemblance étroite au niveau stylistique, le réalisateur l’a comparé à l’effet que les ombres techniquement compétentes et réalistes ont dans les peintures de Salvador Dalí, un effet qui met en valeur la qualité onirique de son travail, rendant cela ressemble à ce que nous connaissons tout en étant si différent.
Il ne faut pas plus de temps que les 2 premiers épisodes pour avoir un bon avant-goût de la plupart de ces qualités, et elles n’en deviennent pas moins charmant pour les 24 suivants. Après un rapide gag absurde pour donner le ton, la série vous accueille avec un regard sur deux de ses personnages les plus importants: Nano et Hakase. Encore une fois, la première apparition de la première n’est pas celle d’une camarade de classe excentrique comme dans le manga, mais à travers une représentation de sa routine dans leur foyer commun. C’est une vie paisible et une atmosphère typiquement KyoAni le montre, même si c’est aussi une vie qui lui fait apercevoir des enfants normaux et renforce son souhait de leur normalité ; puisqu’il s’agit de Nichijou, cependant, ces rencontres fortuites avec le banal sont littéralement explosives. Cette combinaison de burlesques ridicules avec des traces convaincantes d’écriture de personnages constitue la base d’une grande partie du scénario assemblé par le studio. Petit à petit, ces gags la rapprocheront de l’entrée à l’école. Plus tard, et avec encore plus de naturel, elle commencera à sortir avec le trio principal et à nouer une belle amitié avec eux.
Ne vous méprenez pas, cependant : n’importe quel épisode de Nichijou est toujours en cours. être une collection variée d’humour surréaliste, et cela est vrai depuis le début. Dans le premier épisode, on peut déjà voir une multitude de segments ultra-courts que l’équipe jugeait nécessaires pour obtenir une diversité digne d’une émission de variétés et perturber le flux. Parfois, ceux-ci s’apparentent simplement à 4koma, en particulier des sketches décalés insérés entre des gags plus longs. À certains moments, la série passe carrément à son frère Arawi, Helvetica Standard, avec ses morceaux emblématiques, un son plus texturé. un style artistique alternatif et un sens de l’humour encore plus décalé.
Ce premier épisode comprend également les débuts de la mini-série pierre papier ciseaux de la série, toutes sortes d’accroches et, plus important encore, les plans de caméra fixes susmentionnés. Au-delà de l’effet psychologique de leur inclusion auquel faisait allusion Ishihara, il est immédiatement évident qu’ils ont aussi des applications pratiques. D’une part, ils donnent au public un regard curieusement réaliste sur les événements qui se déroulent dans les coulisses. En y revenant constamment, il donne à un spectacle par ailleurs décousu une vague impression du passage du temps, qu’il peut ensuite utiliser pour certaines punchlines ; c’est après avoir vu ces implications progressives qu’une journée entière s’est écoulée que l’enfant que nous avons vu pris dans une explosion au début est montré coincé quelque part tard dans la soirée, avant de passer gracieusement à la fin. Dans les épisodes suivants, toutes ces astuces sont rejointes par d’autres petits passages comme des bribes de films romantiques qui peuvent ou non être authentiques, des cris à des choses que les personnages trouvent cool mais qui ne le sont certainement pas, et juste à propos de tout ce que le personnel voudrait. trouver pour renverser les attentes du public.
Si des moments comme les intenses difficultés de Yukko pour le déjeuner dans le premier épisode ne l’avaient pas montré assez clairement, l’arrivée d’Ishidate pour réaliser le deuxième épisode fait une déclaration claire sur l’amour de Nichijou pour l’animation.. Nous avons des poursuites surréalistes qui déforment le monde lui-même, ainsi qu’une abondance d’animations d’arrière-plan qui exploitent l’aspect stylisé de la série. Si cela n’est pas à votre goût, sa gamme de 2DFX s’étend des expressions comiques et farfelues (quelque chose pour laquelle Arawi est particulièrement doué) aux explosions amusantes et réalistes. Si c’est l’animation de personnages qui vous intéresse, vous allez vous régaler ; il y a des plans délicats et des mouvements réalistes articulés autant qu’il y a de l’exagération, qu’il s’agisse d’un joli vecteur de dessin animé ou du caractère scandaleux de ces scènes d’action. Il est difficile d’imaginer que Nichijou ne pourra pas vous épater d’une manière ou d’une autre, car il excelle dans tous les domaines sur lesquels il pose les yeux, et ceux-ci sont nombreux !
Cela est vrai pour l’ensemble de la série. , bien que différents réalisateurs l’aient abordé sous leurs propres angles ; un accent plus marqué sur le travail de caméra dynamique dans les épisodes de Kigami, une gentillesse autoritaire dans ceux de Naoko Yamada et Yukiko Horiguchi (le personnel les a encore une fois pointés du doigt comme étant des démons moe déchaînés), plus utilisation radicale des couleurs chez Hiroko Utsumi, un côté émotionnel chez Yasuhiro Takemoto, et ainsi de suite. Peut-être plus que toute autre série sur laquelle nous avons écrit, Nichijou est axé sur cette expérience diversifiée du moment, nous ne pouvons donc qu’encourager les gens à (re)regarder le reste par eux-mêmes, idéalement avec une meilleure compréhension des idées qui se cachent derrière. après cette pièce. Et qui sait, peut-être y reviendrons-nous pour une analyse plus approfondie épisode par épisode. C’est d’ailleurs ici que nous faisons un clin d’œil au public pour indiquer que cela se produira.
Mais pourquoi écrire sur la grandeur de Nichijou maintenant, en 2024 ? Tout d’abord, parce qu’il a un charme intemporel et que son savoir-faire – en particulier au niveau conceptuel comme nous avons tenté de le faire – n’est pas souvent exploré bien qu’il soit largement considéré comme un chef-d’œuvre de l’animation. Mais peut-être plus important encore, le studio a justement passé l’année dernière à animer la suite d’Arawi à Nichijou : l’ensemble urbain de folie connu sous le nom de CITY.
L’un des La raison pour laquelle il était si important d’établir l’évolution du style de l’auteur original est qu’au moment de la publication de cette nouvelle série (2016-2021), il s’était déjà quelque peu éloigné de son prédécesseur. Les améliorations techniques sont notables, tout comme cette évolution vers des dessins plus densément peuplés – et quelle meilleure application que de réaliser une série qui suit chaque habitant d’une métropole ? Arawi avait déjà montré un penchant pour les histoires interconnectées, comme on le voit au tout début de Nichijou lui-même ; bien que les circonstances et l’exécution diffèrent, le manga et l’anime commencent avec la fille robot explosive Nano se heurtant à un passant innocent, envoyant tout le monde voler et atterrir des débris sur un pauvre protagoniste à quelques intrigues plus loin. Si vous n’avez jamais fait l’expérience de CITY, vous devez vous attendre à ce que ce genre de chose se produise constamment à une plus grande échelle, avec plus de personnages impliqués que vous ne pourriez l’imaginer.
Cette concentration accrue sur le monde va de pair avec un accent accru sur la narration globale, ainsi qu’un plus grand intérêt pour les arcs de personnages ; c’est-à-dire, même s’il y en a un ordre de grandeur plus important à développer potentiellement. Après avoir lu le processus complexe d’adaptation de sa série précédente, ces changements peuvent sembler familiers. Après tout, ne s’agit-il pas essentiellement de tendances que Kyoto Animation a ressenti le besoin de réguler avec Nichijou et a finalement décidé d’incorporer autant que possible ? Même si cela ne veut pas dire qu’Arawi a délibérément changé son approche pour leur bien ou en raison de leur influence, cela amène certainement cette série dans un espace beaucoup plus naturel pour le studio à qui on a de nouveau confié son travail.
Et qu’en est-il de l’équipe derrière ce nouveau projet, alors ? Alors qu’Ishihara est occupé ailleurs, c’est Ishidate qui revisite l’auteur de ses débuts en réalisation de série – cette fois-ci, en tant qu’unique leader. Depuis la diffusion de Nichijou, il alterne son rôle d’animateur as de l’animation avec celui d’un réalisateur de plus en plus important ; plus notoirement, à la tête du hit Violet Evergarden. L’éclat et l’esprit rebelle dont il a fait preuve à l’époque n’ont pas disparu, mais il a trouvé de nouvelles façons de les canaliser. Dans un studio réputé pour sa maîtrise de la capture de l’atmosphère des décors locaux, il était le réalisateur qui insistait pour le même niveau de précision, mais plutôt pour une Allemagne victorienne quelque peu fantastique. Aux côtés d’un prodige comme Akiko Takase, il a décidé d’incarner les excès de l’époque dans l’esthétique elle-même, avec des designs notoirement détaillés qui évoquaient néanmoins les besoins. Sa passion pour les images qui bougent est toujours là et on devrait donc s’attendre à ce que l’humour toujours absurde de CITY s’y penche à nouveau, mais la bizarrerie du réalisateur se manifeste désormais de multiples façons.
Noriyuki Kitanohara n’a pas discrètement rapporté ses progrès sur CITY sur le blog du studio, depuis l’année dernière jusqu’au début de 2024. Il s’adapte naturellement à la nature trépidante d’Arawi, comme il l’a prouvé dans les 4 épisodes de Nichijou qu’il a réalisé ainsi que dans ses contributions à l’animation dans les précédents, comme l’un des sketches les plus inoubliables de la série, où il a assuré l’animation précisément pour Ishidate.
Alors que les récents projets KyoAni se sont démarqués par leur capacité à intégrer leurs plus jeunes membres dans des postes où ils peuvent expérimenter et s’entraîner en toute sécurité, CITY pourrait être le moment pour un grand nombre d’entre eux de jouer davantage un rôle de premier plan. Tamami Tokuyama était devenue l’une de nos préférées en raison de son toucher remarquablement doux avant de recevoir un rôle majeur, et adapter les adorables créatures d’Arawi semble être l’occasion idéale d’occuper enfin une telle position. Bien que l’on ne puisse pas prendre pour acquis les débuts de nouveaux arrivants comme le sien, la tendance d’Ishidate à encadrer personnellement les jeunes avec lesquels il travaillera bientôt est une tendance plutôt visible. Avant de se lancer dans l’aventure Violet Evergarden, les premières sorties de Takase en tant que directeur d’animation ont eu lieu lors de la deuxième saison d’Euphonium, toujours aux côtés de la figure d’Ishidate. Étant donné que Tokuyama a disparu de la troisième saison de cette franchise à un stade étrangement précoce, juste après un bel épisode aux côtés d’Ishidate, il est suspect de dire le moins. Soit ça, soit la fiable Kadowaki à la rescousse !
Il convient également de noter qu’elle n’est pas la seule artiste prometteuse sous l’aile d’Ishidate qui est vouée à se mobiliser pendant CITY. Il se trouve que deux des trois réalisateurs d’épisodes récemment formés sont le type d’otaku d’animation avec lequel Ishidate a commencé, ce qui fait d’un projet comme celui-ci une excellente toile pour eux. Bien que l’histoire relativement plus solide de CITY l’empêche d’atteindre les sommets de la folie de Nichijou, il reste toujours Arawi de bout en bout, et a donc grand besoin d’animateurs qui aiment se déchaîner. Et ceux-ci fonctionneraient bien sous la direction de Ryo Miyagi et de Kohei Okamura ; le premier, un disciple direct d’Ishidate avec une large palette d’expression, et le second, un créateur aux multiples talents qui a développé le désir de partager la joie du cinéma. Les deux se sont entraînés à ce nouveau rôle à travers l’Eupho S3, et bien que la pré-production de City ait été finalisée, a utilisé ses extras Blu-ray pour devenir pleinement acclimatés à ces responsabilités.
Beaucoup de choses ont changé au cours des 14 ans entre la diffusion de Nichijou et la prochaine ville. L’auteur lui-même a évolué, éliminant une certaine folie mais devenant un maître plus complet mais très spécifique de son métier. Peut-être que par l’évolution convergente, ces changements sont comparables au processus d’adaptation minutieux qui a autrefois permis à son style unique et à un studio avec autant de personnalité à se rencontrer au milieu. Cette équipe a également été forcée de changer, mais préserve toujours une série d’instincts de narration qu’ils ont dû réglementer la dernière fois qu’ils ont rencontré Arawi. Maintenant que les deux parties sont dans une position plus étroite, je suis déjà fasciné par ce qui pourrait arriver.
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