L’anime Summer Hikaru Died/HikaNatsu a été conceptualisé autour de la mise en scène aventureuse de Ryohei Takeshita, mais sans perdre de vue les idées fondamentales de l’auteur. Avec une suite à l’horizon, il est temps d’en apprendre davantage sur une production fascinante.
Il existe une série de termes que vous avez peut-être rencontrés en écoutant les commentaires des créateurs d’anime, surtout s’ils s’adressent à des médias spécialisés avec un public très investi. Ce n’est pas parce que ce sont les expressions les plus techniques. Au contraire, ils sont légèrement absurdes lorsqu’ils sont analysés à travers la réalité littérale de la production, mais les artistes impliqués dans le processus les apprécient comme une terminologie utile et évocatrice. Bien sûr, sakugaSakuga (作画) : techniquement, dessiner des images, mais plus spécifiquement de l’animation. Les fans occidentaux se sont depuis longtemps appropriés le mot pour désigner des exemples d’animation particulièrement bonne, de la même manière que le font un sous-ensemble de fans japonais. Assez intégré à la marque de nos sites. l’anime s’appliquerait techniquement à tout travail avec des composants d’animation 2D, et cela interprète déjà le mot avec un sens plus étroit qu’il ne peut potentiellement avoir. Cependant, lorsque vous voyez des gens de l’industrie ou en orbite autour de celle-ci utiliser cette expression, cela dresse un tableau spécifique : celui de l’anime où la prouesse et l’intention du mouvement, ainsi que la qualité de l’œuvre d’art, sont les pièces maîtresses de l’expérience.
Bien qu’il s’agisse de la version la plus courante du terme, vous en rencontrerez aussi parfois des versions plus spécifiques, ainsi que des frères et sœurs qui mettent en valeur différents angles d’accent. Il est juste de considérer l’anime de mise en page comme un sous-ensemble du sakugaSakuga (作画) : techniquement, dessin d’images mais plus spécifiquement animation. Les fans occidentaux se sont depuis longtemps appropriés le mot pour désigner des exemples d’animation particulièrement bonne, de la même manière que le font un sous-ensemble de fans japonais. Assez intégré à la marque de nos sites. l’anime, faisant ici référence à des œuvres où la représentation physique de l’espace est un attrait majeur ; que ce soit parce que cela correspond à la psychologie du personnage ou par pure excellence technique, de telles œuvres brillent par un cadrage d’une manière qui transcende leurs storyboards. Dans les cas où les peintures d’arrière-plan sont non seulement belles mais aussi mises en valeur, il n’est pas rare de parler de bijutsu/anime artistique. Vous pouvez même trouver des cas de montage d’anime, comme le très divertissant Pompo The Cinephile de Takayuki Hirao. En tant que film qui dépeint littéralement l’acte de monter un film, tout en étant construit autour du flux décalé et agréable de Hirao, il n’est pas surprenant que ce soit le cadrage adopté par le réalisateur lui-même.
Encore une fois, ces termes ne font pas référence à des tâches propres à de telles œuvres, car ce sont des aspects présents dans toute production. Elles ne doivent pas non plus être interprétées comme les seules étapes importantes du processus ; en repensant à l’exemple de Pompo, il est clair qu’une grande partie de la satisfaction viscérale des transitions de Hirao commence avec ses propres storyboards, bien avant que la phase de montage n’ait lieu. Ces expressions ne font que souligner l’aspect qui sera central dans l’expérience du spectateur, ce qui les rend également très utiles pour les réalisateurs qui ont besoin de communiquer avec leurs équipes dès les premières étapes d’un projet.
Et, dès le début de The Summer Hikaru Died /HikaNatsu, directeur de la sérieDirecteur de la série : (監督, kantoku) : La personne en charge de l’ensemble de la production, à la fois en tant que décideur créatif et superviseur final. Ils surpassent le reste du personnel et ont finalement le dernier mot. Il existe cependant des séries avec différents niveaux de réalisateurs: réalisateur en chef, assistant réalisateur, réalisateur d’épisodes de série, toutes sortes de rôles non standards. La hiérarchie dans ces instances est un scénario au cas par cas. Ryohei Takeshita avait quelque chose de clair : ça allait être un anime enshutsu. C’est-à-dire un spectacle mettant l’accent sur l’expérience immédiate à travers des mises en scène délicates et des outils uniques. Celui où l’aspect sensoriel devient la pièce maîtresse indéniable. Cette idée était si fondamentale qu’il l’a transmise non seulement à l’équipe, et éventuellement aux téléspectateurs à travers les choix d’exécution, mais même aux producteurs lorsque le projet n’était qu’un pitch. En fait, c’était aussi l’une des toutes premières choses que Takeshita a communiquées à l’auteur original, qui a trouvé que c’était un excellent moyen d’enrichir une adaptation que l’on pouvait regarder encore et encore.
Dans une interview pour Anime Corner, le producteur de CyberAgent Manami Kabashima date ces premières discussions sur une adaptation d’anime en mai 2022, notant également que la production ne commencerait vraiment que beaucoup plus tard, lorsque le réalisateur de la sérieRéalisateur de la série : (監督, kantoku) : la personne en charge de l’ensemble de la production, à la fois en tant que décideur créatif et superviseur final. Ils surpassent le reste du personnel et ont finalement le dernier mot. Il existe cependant des séries avec différents niveaux de réalisateurs: réalisateur en chef, assistant réalisateur, réalisateur d’épisodes de série, toutes sortes de rôles non standards. La hiérarchie dans ces instances est un scénario au cas par cas. a clarifié leur planning vers octobre 2023. Dans une conversation plus large pour le numéro de septembre 2025 de PASH!, impliquant non seulement Kabashima mais les producteurs de Kadokawa Chiaki Kurakane et Toshinori Fujiwara, ce dernier confirme avoir contacté différents studios autour de la sortie des deux premiers volumes du manga (mars 2022 à octobre 2022). avant de s’installer dans cette équipe de Cygames Pictures dirigée par Takeshita.
Lorsqu’il a fallu faire ce choix, la clarté de la vision de Takeshita a donné confiance aux producteurs. Plutôt que de rechercher un réalisateur doux qui se plierait à leurs choix, ils semblent avoir compris que capturer l’attrait de HikaNatsu repose sur des éléments incorporels qu’il vaut mieux laisser à des créateurs brillants avec des idées spécifiques. C’est pourquoi ils ont trouvé réconfortant que Takeshita soit très vocal et opiniâtre sur le processus de recrutement, l’orientant de manière préventive vers cette idée d’anime enshutsu. Les avantages des choix faits à l’époque seront l’un des points centraux lorsque nous examinerons les épisodes eux-mêmes, mais avant d’en arriver là, nous devons dissiper un mythe tentant : l’idée que Takeshita a adopté cette approche pour contourner les limites de la production.
Il est important d’être clair sur le fait que les productions CyPic ne sont pas toujours aussi glamour que beaucoup pourraient l’espérer, et qu’un réalisateur comme Takeshita n’a pas besoin de motivation externe pour expérimenter. Alors que l’essor d’un studio soutenu par une entreprise massive et la sortie de joyaux éblouissants comme le projet Beginning of a New Era créent une aura de productions coûteuses et de grande envergure, tous les projets CyPic ne sont pas créés de la même manière. Et pour être précis, la forte augmentation de leur production ces derniers temps a obligé beaucoup d’entre eux à prendre des raccourcis notables.
Ces limitations se manifestent de diverses manières ; commencer les projets tôt, mais aussi fixer des délais qui limitent les possibilités du personnel, refuser de participer aux guerres d’enchères actuelles pour obtenir des animateurs haut de gamme, lésiner quelque peu sur les studios de support et, en général, placer la barre plus basse en matière de finition que ne le souhaiteraient les projets de plus grande envergure. Attention, c’est quelque chose avec lequel ils s’en sont sortis-pas toujours, désolé pour le genre d’adaptation écrasante de Cendrillon Gray-parce qu’ils ont travaillé avec de nombreuses équipes intelligentes et ingénieuses. Et donc, le mérite devrait en revenir davantage à eux qu’à l’environnement.
Cela est également vrai pour HikaNatsu. Il y a beaucoup de personnes exceptionnelles au sein de cette équipe de base choisie par Takeshita, mais lorsqu’il s’est agi d’étoffer le reste de l’équipe, il s’est contenté d’un effectif plus modeste. En ayant une vision aussi claire, cependant, il pourrait intégrer des connaissances parfaitement adaptées, encore négligées, à la réalisation d’épisodes. Direction d’épisode (演出, enshutsu): une tâche créative mais aussi de coordination, car elle implique de superviser les nombreux départements et artistes impliqués dans la production d’un épisode – approuver les plans d’animation aux côtés du directeur d’animation, superviser le travail de l’équipe de photographie, du département artistique, du personnel de synthèse… Ce rôle existe également dans les films, faisant référence aux personnes également responsables de segments du film. devoirs. La première à elle seule est la preuve à la fois de leur succès et de leurs limites. Ses personnages quelque peu bruts peuvent sembler en contradiction avec la renommée du projet, en particulier avec les quelques grands invités d’animation qui font leur apparition. Le réalisateur n’a jamais caché à quel point le calendrier est devenu plutôt problématique à l’approche de la fin, mais il convient de noter qu’ils ont atteint un sentiment de stabilité malgré ces circonstances. Bien sûr, l’anime HikaNatsu ne peut pas égaler le vernis de l’anime télévisé le plus prestigieux – sans parler de la qualité illustrative du manga – mais il parvient à rester au même niveau acceptable pour l’ensemble de la diffusion. S’ils avaient été trop ambitieux avec leurs standards dans ces épisodes précédents, la série aurait pu s’effondrer dans la moitié arrière.
La flexibilité qui leur a permis de s’adapter aux circonstances de la production est une qualité positive, que nous pouvons associer à la fois à l’équipe de Takeshita et au personnel de direction de CyPic. Cependant, comme nous l’avons mentionné précédemment, nous ne devrions pas attribuer une causalité là où il n’y en a pas. C’est-à-dire que Takeshita a toujours voulu créer un anime d’horreur atmosphérique et expérimental – un genre pour lequel il a montré son intérêt en discutant avec ANN. Franchement, une telle confirmation n’était même pas nécessaire, car c’était quelque chose qui se faisait toujours sentir dans son travail ; bien sûr que le réalisateur excentrique qui adore émuler des caméras portables aimait l’horreur immersive. Il y a une raison pour laquelle il était si certain de vouloir faire un anime enshutsu bien avant même d’avoir un avant-goût de ces circonstances de production: c’est là que résidaient les intérêts de Takeshita, et la nature de cette série était l’excuse parfaite pour les exploiter.
Ce ne sont pas les limitations qui ont donné naissance à l’éclat de HikaNatsu, c’est plutôt inhérent aux personnes qui l’ont créé. Ses circonstances de production moyennes (très loin d’être les pires en ce qui concerne les anime télévisés actuels, pour mémoire) ne sont pas quelque chose à célébrer, car la série aurait pu être encore meilleure avec des horaires plus amples et plus de ressources. Ceux-ci n’émousseraient pas leur avantage, mais ouvriraient plutôt la porte au type de jeu nuancé qu’ils ne pouvaient pas réaliser, à des dessins immédiatement percutants qui pourraient rivaliser avec le matériel source à cet égard. Au contraire, cela aurait pu être encore plus expérimental, car les méthodes inhabituelles qui intéressent Takeshita ont tendance à prendre plus de temps pour se concrétiser. Même si je ne le prendrais pas pour acquis, vu à quel point cela devient une tendance au sein du studio, nous pouvons espérer que son succès motivera les producteurs à soutenir sa suite déjà annoncée autant qu’elle le mérite.
Compte tenu de l’angle explicitement exprimé par le réalisateur, nous avons simplement dû commencer à encadrer cette adaptation dans l’optique de l’anime enshutsu. C’est la façon dont il a envisagé l’adaptation depuis le début, et en plus, c’est une excellente façon d’aborder l’horreur. Après tout, nous parlons d’un genre où l’expérience immersive et instantanée est la clé. Même si elle peut être réussie entre des mains comme celles de Takeshita, l’obsession du micro au détriment du macro aurait pu finalement donner lieu à une expérience creuse. Un film où vous êtes entraîné dans chaque scène, mais dont vous vous éloignez sans une impression durable et résonnante. S’ils n’avaient pas non plus pris en compte ses thèmes généraux et les idées séduisantes présentées par l’auteur original Mokumokuren, cela aurait pu être le cas, même avec le niveau de storyboard inspiré que nous avons obtenu.
Takeshita n’était pas le seul à vouloir conserver les idées principales derrière la série. À ses côtés se trouvait par exemple l’auteur qui les a imaginés. Mokumokuren a répété à plusieurs reprises que, même s’ils n’ont pas d’expérience préalable en matière de projets d’adaptation, ils s’imaginent être bien plus impliqués que les auteurs ont tendance à l’être. C’est quelque chose indiqué dans le Newtype d’octobre 2025 mettant en vedette Mokumokuren, Takeshita et Murayama, mais illustré de manière plus amusante dans la Comic Natalie
Remarquez qu’il y a une raison pour laquelle nous parlons des concepts qui intéressent l’auteur plutôt que des spécificités du matériel source. L’anime HikaNatsu n’a jamais hésité à changer l’histoire originale, encore moins à ajuster l’exécution pour profiter de la nature de sa nouvelle toile. Dans la conversation Newtype susmentionnée, Mokumokuren se souvient de leur première rencontre avec Takeshita, où le réalisateur leur avait demandé s’ils pouvaient changer les choses dès le départ – « ne vous ouvrez pas avec ça ! », pensa l’auteur amusé. En vérité, tous deux étaient d’accord sur la nécessité de modifier certains aspects. Bon nombre des changements proposés (y compris ceux à plus grande échelle) sont nés des suggestions de Mokumokuren, ou du moins de leur étroite collaboration avec Takeshita. Je suis convaincu que certains de ces ajustements ont rehaussé l’émission télévisée. Et, quant à ceux qui, selon moi, ont des résultats plus mitigés, je peux toujours admirer l’intention claire et pointue dont ils font preuve. Une fois de plus, la leçon est que les auteurs comprennent mieux le besoin inhérent de changement dans les adaptations que les fans vocaux.
Qu’est-ce que HikaNatsu à la base, alors ? Son principe est aussi simple que convaincant. Nous sommes transportés dans un cadre rural plutôt isolé, à la suite du lycéen introverti Yoshiki Tsujinaka. Dans ce que nous découvrons peu à peu être le rituel secret de leur village, son meilleur ami Hikaru a disparu avant le début de la série. Une histoire potentiellement tragique qui semblait avoir une fin heureuse lorsqu’il réapparut, confus mais en assez bonne santé. Mais ce n’est en effet que la surface. Quoi que ce soit qui habite sa peau maintenant, ce n’est plus la personne que Yoshiki connaissait. En fait, ce n’est personne du tout ; « Hikaru » est un être surnaturel qui est venu au monde sans aucun sens de soi, sans parler de la moralité humaine. Les deux deviennent intrinsèquement liés dans cette reconstitution directe de l’expérience de pensée de Swampman, qui oblige le lecteur (et les pauvres enfants plongés dans cette situation) à réfléchir à ce qui fait réellement une personne.
Aussi important que cet aspect de la vie. l’histoire est que ces idées sont inséparables de quelque chose d’autre: l’horreur du conformisme et, à l’inverse, l’attrait d’une altérité effrayante. Si le bodysnatching est un classique de l’horreur, le lien entre l’atmosphère oppressante d’un environnement rural et le surnaturel l’est tout autant. Pour Yoshiki, le quotidien asphyxiant n’a pas commencé avec l’apparition de « Hikaru ». C’était le cas de nombreuses années auparavant, car il en avait assez de tous les adultes qui lui disaient de couper la frange avec laquelle il se sentait plus à l’aise. C’est ce qui s’est produit lorsqu’il a réalisé qu’il ne pouvait pas échapper aux chuchotements sur sa famille ; sa mère étrangère, sa sœur qui ne va pas à l’école, lui-même. Et surtout lorsqu’il a intériorisé que sa propre sexualité était inhabituelle et traitée comme un écart flagrant par rapport à la norme. Hikaru n’était pas seulement son ami, mais quelqu’un qui l’attirait romantiquement et sexuellement. Maintenant qu’il est parti et qu’il a été remplacé par une créature surnaturelle, les choses sont sur le point de devenir beaucoup plus compliquées.
À cet égard, Mokumokuren est devenu de plus en plus explicite sur ce qu’est HikaNatsu, ainsi que sur ce qu’il n’est pas. Si vous revenez à la lecture de son one-shot initial, vous remarquerez très certainement que de nombreuses pages sont exactement les mêmes qu’au début de la sérialisation. Ce que vous remarquerez également, cependant, c’est que les deux personnages principaux partagent rapidement un baiser et démarrent une comédie romantique aussi normale que possible dans de telles circonstances. Cependant, ce n’est pas le chemin qu’a emprunté l’histoire dans son ensemble. Comme Mokumokuren a été obligé de le dire à plusieurs reprises en raison de la pression des fans sous plusieurs angles, HikaNatsu est une histoire queer non romantique. De multiples raisons les ont poussés dans cette direction : la conviction qu’il est important de dissocier l’homosexualité de la romance, le désir de s’adresser largement à toutes sortes de personnes qui se sentent rejetées par les normes sociétales et, plus important encore, l’amour de Mokumokuren pour l’autre.
Ce dernier point est rendu plutôt explicite dans le récit de HikaNatsu, mais je pense que la conversation précédente avec Vaundy en est le résumé le plus drôle. Essentiellement spontané, l’auteur continue en divaguant contre la Belle et la Bête et contre toutes les histoires qui suivent des schémas similaires. En tant que personne attirée par les aberrations – percevant leur attrait et leur répulsion comme un cocktail enivrant – l’idée qu’une fin heureuse implique de les transformer en un être humain ordinaire est offensante pour Mokumokuren. Car aussi important soit-il de définir les sentiments de Yoshiki d’une manière précise, il l’était tout autant de protéger la nature anormale et incompréhensible de « Hikaru ». Une romance simple telle que comprise par la société humaine impliquerait inévitablement la démonstration de « Hikaru », ce que l’auteur déteste. Bien que la série parle beaucoup d’amour et que quiconque apprécie le piquant ne verra ce scénario que comme un BL encore plus savoureux, il est important de comprendre pourquoi l’auteur original n’est pas amoureux des étiquettes. Après tout, les pousser de manière agressive revient également à renforcer cette vision centrée sur l’humain qu’ils n’aiment pas.
Vous pourriez proposer une vision si intéressante et cohérente en interne tout en parvenant à tâtonner dans l’exécution. Mais il s’agit de HikaNatsu, la série qui a retenu l’attention de tous car sa prestation est tellement inspirée. Même avec ses propres intérêts allant dans cette direction, Takeshita n’aurait peut-être pas été obligé de se lancer dans l’angle de l’anime enshutsu si Mokumokuren n’était pas doué pour synthétiser ces thèmes en images qui vous collent. Parmi les nombreux outils que l’auteur utilise dans ce processus, il y en a un en particulier qui a été mentionné dans chaque interview que nous avons mentionnée jusqu’à présent. Et de manière réaliste, dans la plupart des cas que nous n’avons pas encore évoqués, comme la conversation de PASH avec le directeur artistique. Directeur artistique (美術監督, bijutsu kantoku) : la personne en charge de l’art de fond de la série. Ils dessinent de nombreux plans de travail qui, une fois approuvés par le réalisateur de la série, servent de référence pour les arrière-plans tout au long de la série. La coordination au sein du département artistique est indispensable: les décorateurs et les concepteurs de couleurs doivent travailler ensemble pour créer un monde cohérent. Kouhei Honda. Si vous avez déjà lu HikaNatsu, vous savez probablement que nous parlons de son utilisation des effets sonores, des onomatopées et de l’évocation générale du son.
Capturer toute la largeur de cet aspect dans un anime nécessiterait plus qu’une bonne direction sonore, mais ne nous leurrons pas, cela devrait commencer par cela. Takeshita l’a pensé lorsqu’il a trouvé le nom de Kouji Kasamatsu pour donner forme à ce son omniprésent et presque palpable ; et tout comme pour les choix précédents, aussi parce qu’il cherchait personnellement une excuse pour travailler avec lui. Vous avez peut-être remarqué que Takeshita est également directement impliqué dans cet aspect, ce qui lui a valu le rôle de directeur sonore (ongaku kantoku). Pendant ce temps, Kasamatsu est répertorié sous le rôle non standard d’ongaku enshutsu. Il s’avère qu’il s’agit véritablement du mot-clé de toute la production.
Dans une interview avec JINS PARK, Kasamatsu révèle comment il a croisé la route de l’anime, ainsi que pourquoi il privilégie ce crédit spécifique. Sa carrière professionnelle a débuté en tant que technicien d’effets sonores dans des programmes télévisés, même si sa véritable passion était le cinéma. Et parce qu’il était passionné, il était également critique – c’est pourquoi il trouvait le son des films japonais plutôt décevant. En bricolant une Digital_audio_workstation”>Station de travail audio numérique de pointe que son patron avait acquise, il faisait des expériences comme éditer sa propre bande-annonce de Patlabor : The Movie tout en remplaçant l’audio par quelque chose qui était à la hauteur de ses standards. Ce faisant, il a attiré l’attention des fabricants de la machine, et finalement de l’équipe audio de Patlabor elle-même.
Grâce à cet incident amusant, les portes de l’animation et du cinéma se sont ouvertes pour Kasamatsu. Étant si particulier, il aime être impliqué dès les premières étapes (en tant que partie proactive dans la planification de la bande originale) jusqu’à la toute fin, peaufinant le dialogue et le timing sur les montages finaux. Il est conscient qu’une telle position a tendance à être qualifiée de ongaku kantoku particulièrement influent, mais comme il n’est pas un grand fan de l’aura imposante de ces mots, il préfère opter pour l’ongaku enshutsu, plus humble. C’est ainsi qu’il a été crédité dans plusieurs projets Ghibli, y compris la fois où Miyazaki lui a demandé de conceptualiser tous les effets sonores de Le vent se lève comme des bruits d’origine humaine. Il est devenu la personne privilégiée et incontournable des icônes de l’animation théâtrale japonaise. Et avec HikaNatsu, il est à l’avant-plan d’un anime télévisé pour la première fois depuis plus d’une décennie. Vous pouvez compter le nombre de fois que cela s’est produit avec une seule main, et vous aurez encore des doigts en réserve. Même le personnage de la série qui aime un peu trop sacrifier des parties de son corps pourrait y parvenir.
Un autre aspect central de l’adaptation partage le rôle principal avec le son pour une scène tout aussi percutante, en particulier pour les téléspectateurs qui ne connaissent pas le principe de la série. C’est ce qui donne forme à la vraie nature de « Hikaru »: une forme distinctement gluante et fascinante. Au moment où l’adaptation a été annoncée, tous les fans ont immédiatement compris pourquoi Takeshita avait personnellement repéré Masanobu Hiraoka comme artiste chargé de ce rôle spécifique. Sa maîtrise du mouvement de morphing dans des œuvres indépendantes lui a parfois valu une place dans des projets commerciaux de haut niveau, même si c’est aussi ce style unique qui le rend incompatible avec la plupart des anime.
La plupart des anime, mais pas HikaNatsu, où il s’intègre avec une (non)naturalité parfaite. Les formes fluides d’Hiraoka sont fascinantes, tout comme l’actuel « Hikaru », qui attire Yoshiki malgré le danger évident. Les formes changeantes rappellent les structures biologiques que l’on pourrait trouver dans les cellules ; et pourtant, ils sont fondamentalement différents, correspondant à l’effet obtenu par les horreurs fractales de Mokumokuren. L’anime passe à ces coupes spéciales chaque fois qu’il a l’intention d’accélérer l’horreur, mais elles sont peut-être plus efficaces lorsqu’elles coexistent avec les événements ordinaires. À cet égard, peu de scènes sont aussi mémorables que l’adaptation de la scène qui a initialement aidé HikaNatsu à décoller: « Hikaru » fond alors que Yoshiki demande qui il est vraiment.
Je pense qu’il est important de voir ces piliers de l’horreur de HikaNatsu non pas comme des éléments distincts, mais comme une partie du réseau interconnecté qu’ils forment. Malgré la grande diversité des techniques utilisées par chaque réalisateur d’épisode, elles se fondent toutes en une seule texture unificatrice étroitement liée aux thèmes évoqués plus tôt. HikaNatsu est collant, visqueux. Un fluide qui s’infiltre partout. Tout comme la chaleur de l’été, capturée si précisément par la direction artistique de Honda, le design des couleurs de Naomi Nakano et le compositing de Tomohiro Maeda. Écraser les noirs dans l’ombre et ajuster le contraste de manière inconfortable pourraient être des choix indésirables dans d’autres séries, mais correspondent au malaise discret et global de HikaNatsu. Même le rôle de Hiraoka reçoit le nom d’animation dorodoro, d’après l’onomatopée du manga. Encore une fois, cela relie étroitement l’horreur qui s’infiltre à une forme sonore. Les deux aspects partagent cette texture, comme la pression sociétale qui suinte autour de Yoshiki, peu importe où il se trouve. Tout cela est désagréable, mais vous ne pouvez pas détourner le regard. C’est la relation complexe avec l’inconnu que Mokumokuren veut évoquer.
Même avec Takeshita étant si au courant de tout, l’anime HikaNatsu ne serait pas aussi convaincant si chaque épisode entre ceux qu’il a scénarisés n’était pas une expérience immersive à part entière. Heureusement, le processus de recrutement qui avait donné confiance aux producteurs s’est avéré aussi rigoureux qu’ils l’espéraient. Les épisodes suivants montrent comment l’arrivée d’autres réalisateurs n’empêche pas la production de danser de manière inventive autour de ses limites, renforçant ainsi ses idées. Attention, la deuxième pomme n’est pas tombée loin de l’arbre ; l’épisode n°02 a été monté et réalisé par le prometteur Mitsuhiro Oosako, un animateur Dogakobo qui a absorbé de nombreux traits des réalisateurs actuellement actifs dans le studio. Étant donné que l’un des protagonistes les plus notables de ce groupe est Takeshita lui-même, il n’est pas surprenant qu’Oosako ait si bien trouvé sa place dans cette série.
Alors que Yoshiki tente de comprendre tout ce qui s’est passé, depuis l’enlèvement de corps jusqu’à un meurtre qui n’est certainement pas lié à « Hikaru », Oosako met l’accent sur sa subjectivité à travers récurrents tirs via sa frange. C’est le type de choix de cadrage si évident que personne ne peut en ignorer le sens, et pourtant, les illustrations les plus efficaces de l’épisode de l’espace libre de Yoshiki sont encore une fois celles qui traduisent la pression asphyxiante qu’il ressent en son. Le choix le plus brillant de l’épisode littéralise les blagues de Yoshiki sur les entrailles surnaturelles ressemblant à du poulet, grâce à l’utilisation de plans de viande en direct. Ce qui est amusant au départ devient une imagerie obsédante lorsqu’il craque sous la pression. Les mains tendues deviennent des morceaux réalistes de viande de poulet étirée, avec une photographie plus réelle. Photographie (撮影, Satsuei) : Le mariage d’éléments produits par différents départements dans une image finie, impliquant un filtrage pour la rendre plus harmonieuse. Un nom hérité du passé, lorsque des caméras étaient effectivement utilisées lors de ce processus. des interstitiels transformant l’ordinaire en quelque chose de révoltant. Les dessins répulsifs incarnent l’étrange effet de vallée que Mokumokuren utilise souvent comme arme, mais à travers sa perception subjective, nous pouvons toujours ressentir une attirance enivrante. De mauvaises choses se produisent, et notre garçon en est tragiquement accro.
En revanche, le troisième épisode est un choix de personnel un peu plus risqué. Il convient de noter que Asaka Yokoyama est une grande fan de la série, ce n’est donc pas une grande surprise qu’elle en ait si bien compris la nature. L’équipe a dû être d’accord, étant donné qu’elle a déjà animé le grand rebondissement de la première aux côtés d’Hiraoka. Et pourtant, la façon dont elle s’est retrouvée là-bas n’était pas aussi sûre que le réalisateur de la série. Réalisateur de la série: (監督, kantoku) : la personne en charge de l’ensemble de la production, à la fois en tant que décideur créatif et superviseur final. Ils surpassent le reste du personnel et ont finalement le dernier mot. Il existe cependant des séries avec différents niveaux de réalisateurs: réalisateur en chef, assistant réalisateur, réalisateur d’épisodes de série, toutes sortes de rôles non standards. La hiérarchie dans ces instances est un scénario au cas par cas. confier un épisode à un de ses élèves. Lorsque l’anime a été annoncé pour la première fois (quelques mois après le début de son processus de production), elle l’a célébré et a immédiatement supplié l’équipe de la laisser travailler dans la série. Ce n’était même pas une nouveauté pour elle, car elle espérait publiquement pouvoir dessiner des storyboards pour une hypothétique adaptation de HikaNatsu depuis 2022, alors que seuls quelques chapitres avaient été publiés. Bien qu’elle n’ait que peu ou pas d’expérience en réalisation à l’époque, Asaka apparaît comme une artiste pleine d’idées, c’est pourquoi l’équipe l’a rapidement accueillie (par l’intermédiaire du producteur d’animation Kenta Ueuchi) dans leurs rangs.
Ce pari a été payant, peut-être parce qu’elle avait vraiment passé des années à imaginer ce qu’elle ferait de HikaNatsu s’il devait être animé. D’une manière semblable aux escalades progressives de terreur dans le manga, son épisode établit un rythme clair par la répétition. Les images et les souvenirs récurrents deviennent de plus en plus corrompus à mesure que nous les voyons, dans une cadence qui semble inconfortable en soi. Cela conduit à l’explosion des sentiments humains et des instincts inhumains ; transmis à travers des réimaginations de panneaux mémorables, ces outils récurrents comme le son et celui d’Hiraoka suintement, ainsi que ses propres ajouts comme le dessin au trait qui évoque l’inhumanité. Overall, Yokoyama’s sharpest choice may be the expression of the connection between HikaNatsu’s horror and the setting. Yoshioka’s forms morph from mountain to person, set to photographic materials gathered during every director’s scouting trips to the location of this tale. It’s in moments like this that you can feel how long she has spent imagining this series in motion.
Even with more measured delivery, the fourth episode continues to unravel the mysteries about the village in a compelling way. Rather than the adventures of Yoshiki and “Hikaru”, though, it’s about time we mention the part of the story that has seen the most fundamental changes in the anime. As far as the manga is concerned, both the reader and protagonist spend a fair amount of time completely in the dark, without any idea of the truth about the nature of “Hikaru” and how that relates to local beliefs, rituals, and the past. Contrary to that, the anime immediately dangles a parallel narrative thread. One that features adults in the village scrambling to solve this issue, the mysterious Tanaka, and even the existence of a company with an eerie desire to control the supernatural.
The loss of the disorienting feeling in the early stages of the original is a genuine shame. There is real value to the mystique you can only evoke when the audience doesn’t even know what it doesn’t know, merely feeling that they’re lost in a scary place. However, Mokumokuren and Takeshita’s interesting justifications make it easier to buy into this change. In spoon.2Di vol.125, the author confirms that they were the one who asked for Tanaka’s introduction to happen much earlier. With a second chance to visit their own story, they wanted to showcase the width of its world faster than they originally unraveled. Despite being a very particular creator and thus likely to plan ahead as much as possible, it’s clear that HikaNatsu‘s scope grew a bunch after its earliest stages. With the anime, Mokumokuren hopes to encompass all of it from the beginning, as opposed to a manga where you’re confined to specific viewpoints and plotlines at the beginning.
A fair stance, though it’s Takeshita’s input—as someone who was also onboard with this change—that I find most interesting. The director instead framed it in relation to the fact that the HikaNatsu anime doesn’t exist in a vacuum. The manga blew up in popularity coming out of nowhere, from a completely unknown author. The readers who stumbled upon it were immediately hooked by its initial twist, spreading the series through word of mouth to equally unprepared newcomers. Compared to that, this anime adaptation is being released at a point where HikaNatsu is a massive hit. Even if you haven’t read it, chances are that you’ll at least know about the gooey nature of “Hikaru”; and if you don’t, any promotional video for the anime will show as much. Since this environment lessens the original hook, he was partial to frontloading the mystery aspects so that new viewers felt strongly drawn to the series, even if they were already familiar with the imagery that once shocked readers. Again, I believe that the manga’s progression is more effective, but you can’t deny that a lot of thought went into this adaptation.
The sixth episode is instead led by an in-house regular in FuKarenki Kataoka, assisted in episode directionEpisode Direction (演出, enshutsu): A creative but also coordinative task, as it entails supervising the many departments and artists involved in the production of an episode – approving animation layouts alongside the Animation Director, overseeing the work of the photography team, the art department, CG staff… The role also exists in movies, refering to the individuals similarly in charge of segments of the film. duties by Shinya Kawabe. It begins on a more contemplative note, leaning on tricks like associating the movement across physical space to metaphorical sliding in and out of memories, as well as shifts in tone. You can only go so far in this show before things get really tense, though, and so that calmer delivery makes way for more unsettling framing. “Hikaru” feels like a member of their group of friends at school may have found out about its nature and nearly kills her, being stopped at the last second by Yoshiki. The latter is forced to accept that the person he cared for is long gone, replaced by a creature who doesn’t even comprehend the concept of life, let alone its weight. To complete HikaNatsu’s contradictory puzzle, the episode dedicates a gorgeous sequence to illustrate the world as perceived by this otherworldly being. At a point where Yoshiki fears “Hikaru” may be beyond redemption, with inhumanity becoming synonymous with ruthlessness, there is so much beauty to its perception. Mokumokuren can rest assured—this show really gets the conflicting nature they wanted to capture.
Following up on that, episode #07 marks the return of Takeshita to storyboarding duties. This was an episode brought up by multiple staff members as the one they’d been looking forward to, and it’s easy to understand why. It’s also among the ones that begin on a quieter note, but you can immediately tell that something is off. That numb dread continues until we see that, in his desperation to take responsibility for the monster he has been hiding, Yoshiki attempts to kill “Hikaru”. The most viscerally upsetting moment in Takeshita’s delivery isn’t Yoshiki’s failure to do so, but “Hikaru” responding by tearing himself apart, making himself less dangerous so that he can remain with Yoshiki. As he accepts this deal, proposing to research its true nature, Takeshita’s direction takes a turn for the ominous; did you expect a comforting, pleasantly romantic framing? Sorry, we do things a bit messier over here.
Through his contributions to anime like 86, KoiAme, and G-Witch’s first cours, Ryo Ando has become a bit of a favorite on this site; and for the record, because of Pripara and Love Live as well, since those are the ones that actually tell us about his directorial school. Skilled as he is, being entrusted with an episode sandwiched by high-priority moments in the story forced him to take a more moderate stance for HikaNatsu #08. Regardless, you can still feel his compositing-focused direction with a particularly red sunset; dyed in the blood corresponding to the first murder by “Hikaru”, with consequences it still isn’t capable of understanding. Those two aren’t the only ones casting eerie shadows either, as Tanaka has investigated enough to find out that they’re involved with the supernatural happenings in the village. As its ghoul nearly catches them, the usual unnatural sound is accompanied by appropriately inhuman movement.
While other regulars had to assist him this time around, episode #09 marks the return of Oosako to directorial duties. This seems to confirm the suspicion that he’s a very effective sponge. Not one that regurgitates the exact same tricks used around it, but rather one that absorbs from its surroundings and synthesizes new things. Using the camera’s physical traversal (and putting that reference footage to good use) to transition through different points in time is something we’ve observed in previous episodes, but Oosako’s touch makes it all more gripping. Even the supernatural equivalent of a heads-up can become an unsettling relay of techniques. The reason why the staff were particularly giddy about the broadcast of this episode, though, was to feast upon people’s reactions as the protagonists’ investigation is truncated… and so is someone’s head, when Tanaka arrives and beheads “Hikaru”. Oh dear.
The tension from that event immediately carries over to episode #10, which was effectively co-produced by studio NUT. Its mainstay creators Yutaka Uemura and Hitomi Taniguchi storyboarded it, and the studio was involved in its management as well, so it’s fair to say that it draws a meaningful amount from a different company altogether. There’s always a risk of diluting your carefully crafted identity when reaching out, but the first scene should be enough to lessen those worries. Again, you only need to witness the role of sound in establishing the chaos of the moment. As the two recover, surprisingly left alone by Tanaka, the episode leans on striking imagery to give some spice to the investigation of the legends behind “Hikaru”. Even in that regard, it understands that it would be a betrayal of HikaNatsu’s identity if they uniformly stuck to a more standard style. By using the adaptation’s favorite tools and boarding a few remarkable shots, an episode conceived elsewhere manages to slot in nicely within this show. Better than the actual outsiders do in this village, at any rate.
And indeed, this feel-good moment ends halfway through the episode. Through the neck wound Tanaka left as a present to “Hikaru”, its most dangerous instincts begin leaking. With it, and under the direction of Aimi Yamauchi, so do the more radical stylistic choices; the Hiraoka-like morphing horrors, the aggressive sound direction, and involved camerawork to enhance the chase. Although the situation is quickly under control, “Hikaru” is shocked over having come close to harming Yoshiki yet again. It may lack a human grasp of mortality, but it understands that Yoshiki’s death would put an end to a relationship it treasures. And so, it makes a decision: it’ll leave this village, hopefully attracting all the supernatural beings away from Yoshiki in the process. Incidentally, the production of this episode was managed by friend of the site Hayato Kunisada aka eichiwai, which explains the much higher participation of animators recruited online. Solid job, at a point where the schedule had clearly decayed.
The situation wasn’t any easier for Takeshita in the finale, but that didn’t stop him from writing, storyboarding, and directing it on his own. Right off the bat, he nails the melancholy of a planned goodbye. His casual emphasis on the elements that represent the end of a school term coincides with “Hikaru” bidding goodbye to everything that has conformed its human-like routine for the entire show. Subtlety has hardly been his game across this project, though, so he quickly shifts to the real footage he recorded in the setting to depict “Hikaru” and Yoshiki’s promised trip to the ocean. This, of course, recontextualizes the show’s ending sequence—one he directed and storyboarded himself as well. While its mixed media and focus on real-life locations had always felt fitting for the HikaNatsu anime, it’s only with the details revealed by the final episodes that the meaning of their destination (and their clothes!) hits.
The final conversation between the two leads starts with ingenious Takeshita storyboarding. As “Hikaru” talks about its otherworldly nature to make a point about needing to leave, the camera travels through a body overlaid with nightmarish textures. However, when it reveals that this is something it wants to do to keep Yoshiki safe, it pulls away from its eye to reveal a regular, kind-looking boy. Although Mokumokuren keeps denouncing human values as the absolute, singular form of goodness, there’s no denying that the being hidden in Hikaru’s body is dangerous. And so, it doesn’t feel like a misstep to use its inhuman appearance to signal threats.
That said, Yoshiki is in too deep to accept a safe, standard human life. He’s someone who has always felt like a bit of a monster who hides his real self—our poster boy for internalized homophobia—and thus felt kinship for a being like “Hikaru”. Through imagery that is reminiscent of previous visual synthesizations of societal pressure, his reflection appears to agree with this proposal. And by his reflection, I mean a deeply unsettling figure with its mouth swapped for a real person’s; thanks for the nightmares, Takeshita. After his refusal to part ways (and a fight that mirrors one he had as a child with the real Hikaru), Yoshiki embracing his own twisted feelings is conveyed through the overlap of a clearly drawn silhouette over that photorealistic body. Again, the two natures that always coexist in HikaNatsu. As they swear to remain together despite their messy situation, their moment of intimacy is likely animated by the superlative Takashi Kojima. It’s rougher work than we’re used to from him, though understandably so given the circumstances of the production. But most importantly, it captures how much this relationship means for both of them.
That puts an end to an excellent first season of HikaNatsu; not without its flaws and limitations, but so inspired as an adaptation that those become minor inconveniences at worst. Again, this isn’t to say that we shouldn’t hope for the better—especially given that the timing for the sequel will be somewhat tricky. It’s worth pointing out that Mokumokuren planned the series around 10 volumes, with this show adapting the first five thus far. The immediate announcement of a sequel makes it sound like it’ll come in the form of a second season, which would complete the series while keeping a consistent sense of pacing.
How could they adapt events that won’t be published until late 2026 or perhaps even 2027 and still broadcast it in a timely fashion, though? The arrangement could be as simple as Mokumokuren sharing undisclosed information with them. A detail we’ve neglected to mention is that something along those lines has already happened. The specifics of the design for characters like Yoshiki’s mother were something that the author was particular about; after all, she’s meant to feel like an outsider whom the village never accepted. Despite being around for the early events, the manga avoided depicting her face for a long time, meaning that she didn’t have a visible design by the time the production of the anime started. Given that its team found it necessary to feature her properly—obscuring her face constantly might have come across more unnaturally than in the manga—Mokumokuren sent them extensive design sheets for a character manga readers had yet to see properly.
Of course, sharing a design and detailing the entire story aren’t quite on the same level, but I have my suspicions that Mokumokuren has already been instructing Takeshita in that égard. The two have worked too closely to keep secrets, especially given that a lack of knowledge about future events could have caused accidental incongruences in the anime. Since it’s clear that they always planned a full adaptation, and considering how we’re dealing with an author who plans everything obsessively, I would bet on this being their strategy; otherwise, they immediately announced a sequel that everyone would have to wait 3+ years for. This strategy would allow for a timely release of the sequel, though with a bit of an unforgiving production schedule attached to it. We’ve seen what this team could accomplish with limited resources and time, but as the story gets even crazier, I’d love to see more confident support from the studio and committee. Let this team cook something unsettling, bewitching, and possibly deadly for all of us.
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