10 vuotta sitten projekti aloitti liikkeen. Nyt tuloksena on yksi kuivan japanilaisen elokuvan suurimmista ohjaajista, joka tekee yhteistyötä animaation nousevan tähden kanssa rotoskooppisessa elokuvassa löydetystä perheestä, vanhempien roolista ja hauskimmasta kunnioittamattomasta oranssista kissasta.
Nobuhiro Yamashita on nimi, jonka pitäisi olla tuttu japanilaisen elokuvan ystäville. Vaikka hänet tunnetaankin parhaiten hillitystä, mutta erittäin kohottavasta elokuvasta Linda Linda Linda, suurin osa hänen teoksistaan koostuu kuivemmasta, fakta-asioista arkielämän esittelystä, joka kattaa sen muodostavat kiusalliset hetket..
Yamashita on ansainnut maineen laiskojen elokuvien tekijänä, ja siihen on hyvä syy – alkaen hänen debyyttiteoksestaan Hazy Life, joka kuvaa epätodennäköistä ystävyyttä hyvien ihmisten välillä.-ei mitään, joka kuitenkin päättää jatkaa elämistä. Samankaltaisia kuvioita ilmenee hänen filmografiaan: The Drugery Trainin itsetuhoinen tarina seksuaalisen saalistajan pojasta, joka boikotoi itseään joka käänteessä eikä korjaa mitään elämässään, mutta on kuitenkin saanut yhden pienen harrastuksen. elokuvan loppuun mennessä; No One’s Arkin kaksi kelvotonta sopimatonta, joiden rikastumissuunnitelmille nauretaan sekä kaupungissa että maaseudulla, jonne he pakenevat; jopa Tamako in Moratorium-elokuvan päähenkilö, joka on työttömänä valmistumisen jälkeen ja joutui pahoinvointiin, joka ei anna hänen löytää tietä eteenpäin.
Huolimatta taipumuksesta hahmoihin, joita yhteiskunta pitää häviäjinä, Yamashita ei tee heidän tilanteestaan pommittavasti eikä rajoitu perinteisesti ilkeisiin, laiskoihin hahmoihin. Ilmeinen esimerkki on hänen sovitus elokuvasta Cream Lemon, joka kuvaa paria hyvin sopeutunutta sisarusta, jotka heittävät kaiken pois intohimoisen, tabu-rakkautensa vuoksi – eivätkä lopulta onnistu olla samalla sivulla. Olipa kyse rappeutumisesta, ei-toivotuista luonteenpiirteistä tai yksinkertaisesti sopimattomuudesta yhteiskunnallisiin standardeihin, Yamashita on kiinnostunut hahmoista, jotka ovat poikenneet odotetulta polulta eriasteisesti. Ei koskaan täysin lunastamattomia edes silloin, kun he lähestyvät tätä äärimmäisyyttä, ja aina virheellisiä, kun he ovat lähempänä toista. Jopa teoksessa, josta tulisi hänen suuri debyyttinsä animaatiossa, tämä omituisten asioiden maku on muuttanut perusteellisesti tarinaa, jonka he aikoivat kertoa.
Toinen näkökohta, joka hyppää välittömästi esille. katsoja oikeassa kaikissa Yamashitan elokuvissa ovat taukoja. Vaikka hän tuskin on ainoa ohjaaja, joka omaksuu hitaamman rytmin, hänen mieltymyksensä pitää laukausta niin kauan, että näyttelijätkin muuttuvat näkyvästi kömpelöiksi, antaa hänen työlleen hyvin omituisen maun.
Ikään kuin ottaakseen asian esille. siitä, kuinka monet keskustelut tosielämässä eivät suju, hänen hahmonsa sijoitetaan jatkuvasti epämukavaisiin, liian pitkiin otoksiin – niitä pelataan paikoin oudolla huumorilla, mutta sitä käytetään myös rakennuspalikkana hänen kertomuksissaan. Edellä mainitussa Tamakossa hänen elämänsä usein pysähtynyt tahti saa sinut hänen ajattelutapaansa: uneliaan nuoren aikuisen ajatteluun, joka tarvitsee rekonstruoida rutiineja mimikriin, mikä lopulta antaa hänelle voimaa vain ehkä siirtyä eteenpäin. The Drudgery Trainissa päähenkilön pysähtyminen on dramaattista ja tuskallista; häntä ympäröivät onnistuvat edistymään, kun hän on juuttunut itsetuhoisiin vanhoihin tapoihinsa näiden loputtomien kuvien sisällä. Enemmän kuin puhtaasti tyylillinen piirre, jota se myös on, että rytmi on olennainen osa Yamashitan tarinankerrontaa.
Jos otamme”hidas ja epätasainen eteneminen”ja”maku sopimattomuuteen”, olemme täydelliset. valmis aloittamaan puhumisen Bakeneko Anzu-chanista, lokalisoituna nimellä Ghost Cat Anzu. Jopa tuotantotasolla, joskaan ei niin tarkoituksella täällä, tämä elokuva on kestänyt aikansa saavuttaakseen tavoitteensa; ei aina liiku samaan tahtiin tai liiku ollenkaan. Animation Magazine-lehden informatiivisen haastattelun ohjaajat huomauttivat, että heitä pyydettiin noin 8 vuotta sitten tämän elokuvan pitchillä. Tiimi esitteli elokuvan Annecyn kansainvälisellä animaatioelokuvafestivaaleilla 2024 päätuottaja Keiichi Kondo totesi, että on kulunut vuosikymmen siitä, kun hän aloitti muotoilemaan projektia Takashi Imashiron
Koska Kondo on nimenomaan animaatiotuottaja studiossa Shin-Ei, pitch ei kuitenkaan ollut Yamashita yksin. Animation Magazine-haastattelussa toinen ohjaaja huomauttaa, että jo tuolloin hänen ideana oli tehdä yhteistyötä live action rotoskooppimishankkeessa jonkun kanssa, jonka tämän sivuston lukijat saattavat hyvinkin tuntea: Yoko Kuno >.
Kunon kykyjä on monia, ja ne näkyvät välittömästi. Animaattorina ja ohjaajana sekä 2D-että 3D-animessa, kuvittaja, mangaka, suunnittelija ja mihin rooliin hän päättääkin ryhtyä, hänen tyylinsä pysyy ylellisenä ja huokuu lapsellista ihmetystä. Hänen jatkuvasti muuttuva animaationsa on tyypiltään hengästyttävä, ja sitä on jo käytetty usein antamaan erityisille hetkille erityisen maaginen laatu; unelma, vieras maailma, parisuhteen oneirinen tislaus tai lapsen rajaton mielikuvitus. Hän on sen tyyppinen taiteilija, joka saa heti lavalle astuessaan tuntemaan, että jotain erityistä on tekeillä.
Sen lisäksi Kuno on erittäin perehtynyt rotoskooppiin; tekniikkaa, jota hän on usein käyttänyt henkilökohtaisissa teoksissaan, samoin kuin hänen alkuperäinen maineensa animeteollisuudessa Shunji Iwain:n The Case of Hana & Alice. Vaikka hänen työnsä kaupallisessa animaatiossa on ollut enimmäkseen toisten alaista, olisi väärin antaa ymmärtää, ettei hänellä ole ollut mahdollisuutta paljastaa omaa näkemystään – tai pikemminkin, on mahdotonta, että hänen herkkyytensä ja lumoava toteutus eivät varasta valokeilassa ja kuljettaa sinut hänen maailmaansa. Hän on sen tyyppinen taiteilija, johon käsityölle omistautuneet tuottajat luonnollisesti vetävät puoleensa, ja siihen sisältyy myös Kondo. Aikajanalla on selvää, että hän lähestyi häntä hyvin varhain hänen ammattiuransa aikana. Kunon kommentti projektin käynnistämisestä, joka on vielä saatavilla virallisilla sivuilla, vihjaa myös, että hänen on täytynyt hyväksyä nopeasti, koska hän oli myös lähdemateriaalin fani.
Niin nopeasti kuin kaikki ovat saattaneet olla mukana ohjaajan puolelta, ei kuitenkaan ole mikään salaisuus, että rahoituksen saaminen ja täysi tiimin kokoaminen alan kaupallisista normeista poikkeavat projektit ovat painajainen. On syytä huomata, että näiden ydintekijöiden väliset suhteet etenivät sujuvasti. Kunosta tuli säännöllinen avustaja, jolla oli yhä tärkeämpiä rooleja Shin-Ei-sarjassa, kuten Shin-chan, erityisesti Kondon tuottamissa elokuvissa. Molemmat merkitsivät Yamashitan toiselle teokselle: mainosvideon Culture City of East Asialle Toshimassa, joka taas näyttää paikan houkuttelevuuden lapsen mielikuvituksen kautta. Mitä tulee heidän päätehtäväänsä, he eivät kuitenkaan päässeet eteenpäin vuonna 2017 alkaneen esituotantoprosessin jälkeen.
Ei ole liioiteltua sanoa, että heidän saapuessaan projektiin vuonna 2021 Ranskalainen studio Miyu Productions pelasti Anzu-chanin. Vasta silloin tuotanto jähmettyi, ja se teki sen melko ainutlaatuisella tavalla: Shin-Ei hoiti cel-varat – eli animaation ja sen värityksen – kun taas Miyu vastaisi taiteen suunnasta. , taustat ja värisuunnittelu. Tämän monimutkaisen järjestelyn lisäksi puhumme edelleen elokuvasta, jonka kentällä arvostettu ohjaaja kuvaisi ensin live-action-muodossa ja jonka sitten rotoskooppaisi toinen rohkea ohjaaja animaation ruorissa. Tämä oli ensimmäinen kerta käytännössä kaikille mukana oleville; ensimmäinen suuri animaatioprojekti, ohjaajadebyytti, ensimmäinen tämän tyyppinen yhteistuotanto. On vaikea kuvitella projektia, jossa olisi enemmän potentiaalisia kitkan lähteitä, joten millainen on tulos? Lyhyesti sanottuna: hämmästyttävän hyvä.
Tarkemmin sanottuna Anzu-chan tuntuu elokuvalta, jossa kaikkien oli myönnettävä jonkin verran, vaikkakin tavalla, joka johti hurmaavaan tulokseen, johon kukaan yksittäinen avustaja ei olisi voinut päätyä. omillaan. Yamashitan ominainen rytmi on erittäin vahvasti läsnä elokuvassa, vaikka se ei olekaan niin äärimmäistä kuin hänen yksittäisissä teoksissaan; jotain, joka saattaa järkyttää katsojia, jotka eivät ole täysin perehtyneet hänen tyyliinsä, koska aiot silti tuijottaa hahmoja, jotka tuijottavat sinua kiusallisesti sekunti kerrallaan. Hänen yleistä kuivuuttaan on myös lievennetty jonkin verran, koska hän on kosketuksissa Kunon paljon loistokkaampaan ohjaajalähestymistapaan. Jopa hänen luonnollisia taipumuksiaan muokattiin jonkin verran, sillä hänen halunsa kylmiin väreihin joutui antamaan tilaa Miyun paljon lämpimämmälle taiteen suunnalle – jollekin, mikä helpottaa kertomuksen nielemistä, jolloin tuntuu siltä, että koet todella joskus synkän tarinan. lapsen silmät.
Mikä tuo tarina sitten on? Ensinnäkin se ei ole lähdemateriaalia. Adaptoituna – varsinkin sellaisena, jota johti kaksi ohjaajaa, jotka olivat ihastuneet siihen jo aiemmin – se on kiehtova uudelleenkontekstualisointi kertomaan, minkä tyyppiseen tarinaan he vetoavat. Anzu-chan seuraa nimikissaa, vaikka mainosmateriaalia nähneet tietävät jo, ettei hän ole tavallinen kissa; luostarista noudettaessa Anzu jatkoi huolimattomasti eliniän odotteensa jälkeen… ja näennäisesti silmänräpäyksessä hänestä oli kasvanut antropomorfinen, täysikokoinen aavekissa.
37-vuotiaana Anzusta on kasvanut juuri sellainen, jota voit odottaa luonnostaan itsekkäältä olennolta, kuten kissalta, jolle on myönnetty niin kauan elinkaaresta, ihmisen kaltaisesta tilasta ja myyttisestä asemasta, kun olemme siinä. Eli hän on itsekeskeinen, kiivas, huonotapainen ja yhtä huono rahankäytössä kuin odotat lukiessasi tätä kuvausta. Varsinkin adaptaatiossa hän tuntee olevansa aidon näköinen, syvästi virheellinen keski-ikäinen mies, kuten ne, joita Yamashita rakastaa seurata kamerallaan.
Samalla tavalla hänen ominaisuudet kuitenkin loistavat kirkkaasti. Tämä kissan katastrofi saattaa pelastaa lapsen rahat pachinko-salissa, vaikka hän pohtii pitkän tauon jälkeen, että hänen ei pitäisi tehdä niin, mutta hän myös huijaa jumaluuden pitääkseen ystävänsä turvassa tai jopa sijoittaakseen itsensä fyysinen vaara tähän tarkoitukseen;”Olen kummituskissa, joten en kuole”on hyvä retorti sellaisessa tilanteessa, mutta myös silloin, kun hän on oikeutetusti suuttunut töykeälle lapselle niin, että hänet on käsketty hukkumaan.
Anzu-chan kuitenkin poikkeaa lähdemateriaalista juuri tuon töykeän lapsen suhteen. Vaikka Imashirolle on edelleen velkaa monia tilanteita ja yleistä maailmankatsomusta, animen taustalla oleva tiimi vaikutti edelleen molempien ohjaajien makuun lisäämällä lapsen uudeksi päähenkilöksi. Toisin kuin manga, joka seuraa kissan seikkailuja kaupunkilaisten kanssa, elokuva asettaa meidät 11-vuotiaan Karinin asemaan, joka on juuri saapunut kaupunkiin.
Puhtaasti Yamashita-tyyliin hän itse on huomattava kakara, vaikka hänellä on siihen hyvä syy; hänen ainoa elävä vanhempi on sotku, jossa mies pakenee lainahaita, omalla tavallaan hyvää tarkoittavaa, mutta myös laiminlyöntiä. Tämä näkökohta nostaa päätään uudelleen, kun hänen absurdi suunnitelmansa epäonnistuu ja hän kaataa Karinin nopeasti isoisänsä luostariin, kun tämä pakenee etsimään rahaa. Onneksi (ehkä) Karinille tämä sattuu olemaan Anzun asuinpaikka, ja tietty kissa on ottamassa hänet kainaloon. Karvainen, luultavasti haiseva.
Yamashitan tauot on toteutettu hauskoilla tavoilla Anzun hahmona luontaisten hauskojen piirteiden rinnalla. Jäädessään kiinni pissaamisesta minne ei pitäisi, massiivinen kissa hiljenee, nauraa kiusallisesti hänelle ominaisella tavalla ja jatkaa toimintaa useita sekunteja.
Elokuvan pääteema on siis vanhemmuus ja näiden hahmojen vaikutus lapsiin. Karinin kiihkeää hahmoa hän piilottaa vierailta ihmisiltä, kunnes hän arvioi heidän hyödyllisyytensä, vaikka ei vaadi paljon huomiota huomatakseen, että hänellä on Guinnessin ennätys eniten kielen napsautuksia minuutissa. Hän on manipuloiva tasolla, joka voi helposti ansaita hänelle joukon myyttisten olentojen myötätuntoa, mutta valitettavasti heidän rahojen saaminen ei ole hänelle aivan yhtä helppoa. Vaikka hän onkin oma persoona, on kristallinkirkasta, että monet näistä erityisistä ei-toivotuista piirteistä ovat jotain, jonka hän on poiminut kuolleelta, velkaantuneelta isältään.
Elokuvan kirjoitus osoittaa yllättävän aliarvioitua syvyyttä. tässä suhteessa tiettyjen yksityiskohtien kanssa, jotka korostavat tätä vaikutusta. Heti elokuvan alussa Karinin isä ilmestyy täysin ilmoittamatta isoisänsä luostariin. Hänen tylsä, välinpitämätön tervehdys kuulostaa henkilöltä, joka uskoo olevansa todellisuuden päähenkilö – ja se, että hän pyytää kohtuuttoman paljon rahaa kotitaloudessa, jossa hän antoi äitinsä kuolla yksin, ei anna aivan positiivista kuvaa. hänen luonteestaan. Karin vihaa isänsä käyttäytymistä, ja silti hän yrittää toistuvasti kiristää ihmisiä rahaksi. Paljon myöhemmin elokuvassa, kun hän raivaa tietä isänsä asuntoon kaupunkiin, hänen ytimekäs tervehdys on samanlainen kuin alussa. Olivatpa he tietoisia siitä tai eivät, vaikka he eivät pidä siitä, lapset väistämättä imevät käyttäytymistään heitä ympäröiviltä aikuisilta.
Ja se on yhtä lähellä opinnäytetyötä kuin Anzu-chan. haluaa muotoilla. Pelkästään vanhemman hahmon läsnäolo – keitä he ovat – on välttämätöntä, jotta lapsi voi muodostaa oman persoonallisuutensa. Näin ollen Anzun valinta pysyä Karinin kanssa, vaikkei hän itse ole minkäänlainen pyhimys, tekee ilkeästä antropomorfisesta kissasta paremman vanhemman hahmon hänen elämässään siitä lähtien, kun hän menetti äitinsä.
Kaikista hänen äitinsä menettämisestä huolimatta. vikoja ja hänen hankalaa persoonallisuuttaan, tämä dynamiikka johtaa luonnollisesti elokuvan johtopäätökseen, joka vahvistaa tätä kohtaa. Kumpikaan ohjaaja ei halua tarjota täydellistä ratkaisua tilanteeseen, eikä aio saada näyttelijöitä kasvamaan ulos monista puutteistaan, mutta pääkakso saa kiistatta matkan varrella jotain. Jossain vaiheessa elokuvaa köyhyyden jumala ahdistelee omituista jengin jäsentä tavalla, joka uhkaa pahentaa hänen kurjaa elämäänsä. Anzu onnistuu saamaan jumaluuden pakenemaan ja lupaa palauttaa ystävänsä onnen vain keskimääräiseksi sen sijaan, että suottaisi hänelle onnea. Tämä on tämäntyyppinen elokuva, jonka kanssa olemme tekemisissä, ja suuri osa sen viehätysvoimasta.
Jos puhumme elokuvan viehätysvoimasta, emme kuitenkaan voi lopettaa tätä osaa ilman uutta nyökkäys visuaalista. Kuten aiemmin todettiin, tästä epätavallisesta yhteistuotantojärjestelystä eri mantereilla syntynyt tyyli on ihana; saatat huomata hieman ristiriitaa cel-väreissä ja upeissa taustoissa heijastuvissa väreissä, mutta se on pieni määrä kitkaa muuten erittäin harmoniseen elokuvaan – jälleen, varsinkin jos otetaan huomioon, että se oli ensimmäinen kerta, kun tiimi teki jotain vastaavaa. Tämä. Animaatio noudattaa samanlaista kaavaa pieneen kitkaan asti. Mainosmateriaalista lähtien oli jonkin verran havaittavissa, että animaation emotionaalinen volyymi ja ääninäyttelijät eivät aina vastanneet täydellisesti. tämä pätee erityisesti dramaattisiin kohtauksiin, kuten Karin napsauttaa Anzua, joka saa hänet reagoimaan äänekkäästi, kun taas piirustukset pysyvät taustalla olevien live-toiminnan ilmaisujen hillittyinä. Loppujen lopuksi se trailereissa oleva hetki on kuitenkin pahin tekijä (ja tuskin iso ongelma sinänsä) iloisesti animoidussa elokuvassa.
Kokonaisuudessaan rotoskooppiprosessin abstraktio on erinomaista, pysyy maadoittuneena silloin, kun sen pitäisi, mutta myös löystyy aina, kun elokuva haluaa pitää hauskaa. Animaatiotiimi näyttää useammin kuin kerran alkuperänsä puhtaasti Shin-chan-ilmeillä kaupungin lapsilla, ja se on edelleen toissijainen Anzun liikkumista katselevan hauskan spektaakkelin jälkeen. Rotoskooppimisen synnyttämä naturalismi on luonnostaan hauskempaa, kun sitä sovelletaan antropomorfiseen kissaan, jonka luontoa kukaan paikallisista ei koskaan kyseenalaista, ja se nousee seuraavalle tasolle, kun se yhdistetään hänen äkillisiin kissankäyttäytymiseensä ja yksinkertaisesti sekaisin persoonallisuutensa kanssa. On vaikea olla nauramatta spektaakkelille, kun hän ryöstetyksi ajateltuaan vuorotellen puukottelee veitsellä täysin viatonta tatami-ovea ja juoksee nelijalkain harjaillen. Ehkä on mahdollista olla nauramatta, kun hän rennosti nuolee ala-aluettaan, mutta lähinnä siksi, että se saa sinut miettimään, onko sekin rotoskooppinen.
Ja se on viimeinen yllätys sen ammatista, jota kannattaa korostaa. Vaikka he käyttivätkin live-action-perustaa suurimmassa osassa elokuvaa, tietyt kohtaukset, jotka hyötyisivät täysin alkuperäisestä lähestymistavasta, animoitiin perinteisellä tavalla. Tähän sisältyy hetkiä, kuten söpö, tarkoituksella epämääräinen montaasi valokuvien välillä selittääkseen, kuinka kulkukissasta tuli myyttinen omituinen – mutta tunnetusti vauhdikkaammat kohtaukset loppua kohti. Vaikka se on jälkikäteen ilmiselvää, sillä hänen teoksiaan esitettiin jo peräkärryissä, Kai Ikarashin työ on innostava autotahti, kun taas hyvämaineiset veteraanit ala Hisashi Mori valmistavat myös ajoneuvoja liittyviä esiintymisiä. Tämä toimituksen leveys ilmentää projektia, jossa on kaksi erillistä johtajaa, jotka on tuotettu yhteistyössä eri ympäristöissä ja sopivan monipuolisella hahmoyhdistelmällä. Aivan kuten tuo näyttelijä, se ei ehkä ole täysin täydellinen – mutta heidän tavoin se on kuitenkin erittäin viehättävä.
Tue meitä Patreonissa, jotta voimme saavuttaa uuden tavoitteemme ylläpitää animaatioarkistoa Sakugaboorussa, SakugaSakuga (作画): Teknisesti kuvien piirtäminen, mutta tarkemmin sanottuna animaatio. Länsimaiset fanit ovat jo kauan sitten käyttäneet sanaa viittaamaan erityisen hyviin animaatioihin, samalla tavalla kuin osa japanilaisia faneja. Melko kiinteä osa sivustojemme brändiä. Video Youtubessa sekä tämä SakugaSakuga (作画): Teknisesti piirretty kuvia, mutta tarkemmin sanottuna animaatio. Länsimaiset fanit ovat jo kauan sitten käyttäneet sanaa viittaamaan tapauksiin erityisen hyvistä animaatioista, samalla tavalla kuin osa japanilaisia faneja. Melko kiinteä osa sivustojemme brändiä. Blogi. Kiitos kaikille tähän mennessä auttaneille!
