Premios de animación Sakugabooru 2023

Es hora de echar un último vistazo al 2023 con los Sakugabooru Animation Awards. Hemos reunido a directores, animadores, diseñadores, productores y fanáticos apasionados para compartir sus obras de animación favoritas y más resonantes del último año (¡y de otros años, francamente!). En resumen: ¡hora del Sakugabowl!

Entradas: — Franziska van Wulfen
— ちな
— jamal
— Kerorira
— Relux
— Blou
— Fede
— Akihiko Sudo/Kasen
— Geth
— Ken 🍁 Yamamoto
— Maki
— Natasha
— Kevin

Franziska van Wulfen

Diseñador de personajes, animador, Vtuber, Astarion Liker [Twitter] [Etiqueta de Sakugabooru]

Mejor episodio: Scott Pilgrim Takes Off #03 Las fortalezas y la singularidad de

Scott Pilgrim siempre radicaron en su divertida interacción entre la mundanidad de los pueblos pequeños de principios de la década de 2000 y sus vuelos hacia la lógica fantástica de los videojuegos. Lo que en realidad es real, lo que es sólo metáfora; no importa siempre que sirva para explorar el estado emocional de los personajes hasta lograr un efecto dramático completo. El Episodio n.º 03 encarna ese principio de principio a fin. La atmósfera acogedora y soñolienta de la cafetería y la tienda de videos choca con el dolor crudo de Roxie y Ramona peleándose en el contexto de varias películas. Curiosamente, ese contraste se vuelve más notable en el enfoque de sus diseños. Diseños (レイアウト): Los dibujos donde realmente nace la animación; expanden las ideas visuales generalmente simples del guión gráfico al esqueleto real de la animación, detallando tanto el trabajo del animador clave como de los artistas de fondo. Hay una cantidad sorprendente de diseños intrincados y detallados. Diseños (レイアウト): Los dibujos donde se encuentra la animación. realmente nacido; amplían las ideas visuales generalmente simples del guión gráfico al esqueleto real de la animación, detallando tanto el trabajo del animador clave como de los artistas de fondo. que se encuentra en este episodio, dando la sensación de que estos personajes en realidad frecuentan un espacio físico real a pesar de tener un diseño de dibujos animados. Este realismo luego se ve destrozado por los fondos planos de la pelea, centrándose a su vez por completo en los personajes y sus emociones. Fuerte tanto en animación como en estética, pero particularmente en su abordaje, este fue el episodio que me incorporó por completo al programa.

Mejor espectáculo: Frieren: Más allá del fin del viaje

Frieren es el raro tipo de espectáculo en el que puedes señalar casi cualquier parte singular de la producción y encontrarla en perfecta sinergia con la visión y la atmósfera del resto del proyecto. Cada elección es deliberada y decidida, manteniendo al mismo tiempo la calidad y coherencia de su producción; es el tipo de adaptación con la que la mayoría de los materiales originales sólo pueden soñar.

El personaje principal, al ser un elfo increíblemente viejo, ve el mundo de manera muy diferente a nosotros, los simples mortales, lo que plantea un desafío en cuanto a la relación. Entonces, ¿cómo representar una experiencia de vida tan fundamentalmente diferente? Si bien las paletas de colores apagados y el enfoque lento de la narración ciertamente son una gran parte, es difícil imaginar que Frieren tuviera el mismo impacto si no fuera tan fuerte en su departamento de animación en particular. Lo que más impresiona no son tanto las impresionantes secuencias de acción, sino la animación de los personajes. Hay algo muy comprensible y táctil en muchos de los pequeños movimientos cuidadosamente representados. Cada acción pequeña, aparentemente sin importancia, de repente se vuelve preciosa, algo que tanto Frieren como el espectador aprenden a observar y apreciar.

En una industria donde a menudo hay poco espacio para una animación de personajes delicada como esta, Frieren es una auténtica delicia.

Mejor apertura: Magical Destroyers OP ( link)

Siempre seré un fanático de una apertura que también funciona fácilmente como un video musical genial. Aunque la introducción de Magical Destroyers es posiblemente más estilo que sustancia, ¡es muy buena en el departamento de estilo! Con sus hermosos y nítidos dibujos, composiciones audaces e incluso un uso divertido de técnicas mixtas, rápidamente estalla en una sobrecarga de imágenes impactantes, ayudadas por una canción cada vez más desorientadora, lo que la convierte en una experiencia de apertura bellamente surrealista.

Mejor estética: Helluva Boss

Haciendo un poco de trampa aquí ya que Helluva Boss no es estrictamente un programa de 2023, sin embargo, es una producción independiente que lanza solo un par de episodios. Un año quería darle una mención. Si bien el enfoque de este programa de lo que cariñosamente llamo maximalismo vanguardista de dibujos animados no es del agrado de todos, sin duda se ha desarrollado con su propia voz visual única, más este año que nunca. Es extravagante, ruidoso y no se anda con rodeos, lo que le da a cada escenario y diseño de su versión del infierno un sabor muy distintivo; no sólo en lo que respecta a los fondos, sino también a las paletas de colores en un sentido más amplio. Sin duda, es emocionante ver un gran proyecto como este prosperar en la esfera de la animación independiente año tras año.

Mejores diseños de animación: Bungou Stray Dogs (Nobuhiro Arai)

Siempre adoré El enfoque divertido y elegante de Bungou Stray Dogs en sus diseños bishounen. Ahora que el programa está en su quinta edición, esto ciertamente no ha cambiado. Impresionantemente versátiles, los diseños de Nobuhiro Arai se prestan a acentuar la frialdad de los personajes, al mismo tiempo que los deforman sin esfuerzo hasta convertirlos en caricaturas bufonescas de sí mismos en un abrir y cerrar de ojos. No hace falta decir que esto encaja perfectamente con el enfoque de Takuya Igarashi tanto para la acción como para la comedia. Si bien puede que no sean los más fáciles de animar, ciertamente siempre son llamativos y divertidos de posar. Sin mencionar que, a pesar de ser diseños adaptativos, tienen su propio estilo único, sin perder la esencia de sus ya bastante atractivos homólogos de manga originales.

ちな

Animador, Guionista gráfico, Director, Escritor, ¿bueno en todo? [Twitter] [Etiqueta Sakugabooru] Mejor episodio: Jujutsu Kaisen #44 (T2 #20 )

En medio de un montón de episodios tensos llenos de animación intensa, se necesita un tipo especial de dirección hábil para poder dar un paso atrás de esa animación apasionada y provocar risas inesperadas.

En resumen, este es el episodio de comedia número uno del año.

Gracias, Yuji Tokuno…

Mejor película: Detective Conan: Black Iron Submarine

Parece que las películas de Detective Conan de los últimos años tienen rostros más nítidos que nunca.

En particular, las películas de Conan dirigidas por [ Yuzuru] Tachikawa son geniales porque las historias se basan relativamente más en el suspenso, similar en ese sentido a los viejos tiempos, cuando Kenji Kodama las dirigía.

A medida que vemos cada vez más películas animadas de alta calidad, las películas de Conan no solo han elevado el listón en lo que respecta a los valores de producción, sino que también siguen centrándose en el entretenimiento puro, para que pueda relajarme y disfrutar. ellos.

Mejor vídeo musical Neko to Wakai se na (link)

Había estado esperando este desde el año pasado, y fue tan bueno como esperaba.

Sin restricciones por una apariencia de animación de celda normal, con alta-Animación de calidad, diálogos interesantes y su cohesión narrativa como cortometraje, Neko to Wakai se na tiene que ser el MV número uno de este año en todos los aspectos.

Mejor estética: Película conmemorativa de Fate/Grand Order 2023 (link)

Excelentes imágenes que llegan al corazón del aspecto de la animación cel. Hay un hermoso contraste entre los diseños simples y las texturas mate favorecidos por animadores talentosos y las lujosas armaduras y adornos de metal. Es tan delicioso verlo que casi olvido lo difícil que debe ser para las personas que tienen que dibujarlo todo. Incluso como miembro de la industria, es pura diversión ver cómo llega tan lejos.

Mejores diseños de animación: Kusuriya no Hitorigoto/The Apothecary Diaries (Yukiko Nakatani)

Cuando recibí Cuando me ofrecieron dirigir un episodio, vi las hojas de modelos de Nakatani-san e inmediatamente pensé: “¡Lo haré!”

Sus diseños tienen un fuerte atractivo universal, con todos los aspectos como novedad, nostalgia y destreza técnica combinadas. Son diseños audaces y encantadores que atraen a todas las personas de todas las generaciones.

Las hojas de diseño dan la sensación de que todos y cada uno de los personajes cobran vida. Son diseños fantásticos que estimulan mi mente como director y me hacen querer capturar a estas personas con la cámara.

Como animador, espero poder dibujar así algún día.

Premio Obra No Contemporánea: Las aventuras de Tintín (2011)

La vi por primera vez este año. Se pueden aprender todos los trucos y giros de la narración y, además, es muy interesante. Spielberg es el maestro en crear emoción. Ojalá hubiera seguido en esta dirección para hacer más obras animadas…

Creator Discovery: Seiko Yoshioka (link) [Seiko] El trabajo de Yoshioka-san en Frieren es realmente excelente. Sus tableros de arte publicados en Twitter tienen una atmósfera maravillosa. Crear fondos para mundos de fantasía fue algo con lo que luchamos para Detarame na Sekai no Melodrama (enlace), así que sé mejor que nadie lo increíble que es…

Entonces, no solo para ella sino para todos los creadores y fanáticos del anime, ¡por un feliz año nuevo!

jamal

Supuestamente en el mecha [Twitter] Mejor episodio: Scott Pilgrim despega #03

Desde el debut como director de mokochan en Heike Monogatari hace dos años, mi misión es realizar un seguimiento de todo en lo que trabajan. Si bien nunca hubiera imaginado que lo tercero para lo que iban a dibujar los guiones gráficos sería una nueva entrada en la franquicia de Scott Pilgrim, el episodio está lleno de sorpresas, como siempre.

Una de las características más intrigantes de su trabajo anterior es cómo aprovechan al máximo los dibujos estáticos, por lo que presenciar la escena de pelea cuerpo a cuerpo de alta energía que construyeron fue una experiencia emocionante. Los cortes de Azoura, presentados al comienzo del choque entre Ramona y Roxie, tenían un aura maravillosamente salvaje como resultado del espaciado errático que aplicaron. Las difamaciones agresivas utilizadas en la escena del accidente aéreo también hicieron un gran trabajo al caracterizar a Roxie, retratándola como un personaje que tiene tanto miedo al cambio como enojo por él. Sin embargo, hasta cierto punto, el trabajo de mokochan todavía muestra su aprecio por la quietud en la forma en que numerosos disparos en la pelea se realizaron durante un poco más de lo que uno podría esperar para transmitir la fuerza y ​​la emoción que cada combatiente pone en sus acciones. Este enfoque también se extendió a momentos más alegres, como se vio en la sesión improvisada entre Knives y Kim. A pesar de la naturaleza caótica de este episodio, aprecié las decisiones del director que se tomaron para permitir que brillaran las emociones acaloradas de los personajes.

Quizás mis cinco minutos favoritos de anime de este año provengan del mundo del cine.’escenas que se presentaron en la relación de aspecto 21:9. Como resultado de estar en un contenedor de 16:9, el espacio reducido hizo que todos los cortes de acción de movimiento rápido pareciera aún más espontáneos ya que podían moverse a las esquinas del marco aparentemente mucho más rápido. Esto, además de todos los demás elementos que mencioné, creó un episodio cautivador que me hizo comenzar a comprender todo el atractivo de Scott Pilgrim como un híbrido de acción y comedia romántica ligeramente incómodo.

Menciones de honor: Tsurune: The Linking Shot #05 y #12 también podrían haber estado aquí, ¡pero pensé que sería una mejor opción no convertir mi lista de nominaciones en’Los Premios Tsurune’! Ambos episodios me robaron el corazón y hablaron de la rapidez con la que el director Takuya Yamamura había perfeccionado sus habilidades en los últimos años.

Mejor programa: Tsurune: The Linking Shot

La segunda temporada de Tsurune se sintió como un nivel técnico superior en casi todos los sentidos en relación con el primero. La dirección de Takuya Yamamura se sintió aún más hábil que antes con su énfasis en accesorios y elementos ajenos a los personajes para ayudar a la narración. Esto llegó en el momento perfecto ya que esta parte de la serie se centró bastante en el concepto de artes marciales”ikiai”, que se transmite mucho mejor visualmente. Con los nuevos personajes también llegó nuevo personal que contribuyó con nuevas versiones de la visión del anime. El undécimo episodio, que fue el primero de la serie cuyo guión gráfico fue escrito por Minoru Oota, fue lo más destacado para mí porque fue capaz de aportar una idea única (es decir, una secuencia de células armónicas) a la mezcla mientras se sincronizaba con el Dirección impulsada por accesorios de Yamamura. Lo mismo puede decirse de los dos primeros episodios de la serie con guión gráfico de Tatsuya Ishihara, que incluso logran armonizar entre sí en algunos puntos. Tsurune: The Linking Shot resultó ser una secuela refrescante y un anime independiente gracias a este enfoque.

Algunas de las áreas de crecimiento más notables fueron el trabajo de cámara y el uso de fondos 3D. La animación de Taichi Ishidate al principio y al final del programa es un ejemplo de cómo se hizo que estos momentos clave se sintieran aún más inmersivos; El seguimiento de la trayectoria de las flechas desde el momento en que salieron del arco del sujeto brindó una visión más fuerte y física de la convicción y la pasión que se puso en el disparo, agregando una capa adicional de personalidad a los involucrados. Otros momentos, como hacer que la cámara emule el flujo metafórico de sinergia en forma de viento, demostraron un esfuerzo decidido por parte de Yamamura y compañía. para darle a su audiencia una idea de las emociones indescriptibles que a menudo invaden a los jugadores de kyūdō. Esto funcionó bien para mí, ya que a veces era difícil resonar con la quietud que ocupa gran parte del lenguaje visual del programa.

Incluso si fue solo por coincidencia, esta ejecución del programa me pareció bastante autorreferencial. La trayectoria actual y el futuro esperanzador de Kyoto Animation. La existencia misma de esta continuación resultó bastante agridulce considerando la desafortunada conexión de la serie con el ataque incendiario de 2019 y la pérdida de algunos de los miembros principales de la producción, incluido el supervisor Yasuhiro Takemoto y el director de animación Yuuko. Myoken. Si bien lo último que quería hacer era trivializar un asunto tan serio, era difícil no conectar algunos de sus contenidos con la situación del mundo real. La forma en que casi todos los personajes principales pasan por el proceso de aprender que tienen gente que los apoya, aunque sea desde lejos, fue particularmente conmovedora si tomamos en cuenta los últimos años. La capacidad de The Linking Shot de ser tan optimista sobre la tragedia y las conexiones establecidas entre otras personas apasionadas resonó mucho más allá de los límites de la historia para mí. El anime personifica lo que significa volver aún más fuerte que antes desde el punto de vista narrativo y de producción.

Mejor vídeo musical: Detarame na Sekai no Melodrama (link)

Como gran admirador de las obras modernas que utilizan relaciones de aspecto fuera de 16:9, China ha sido mi director de animación en 4:3 desde que se estrenó Just Call It Love en 2020. Detarame na Sekai no Melodrama fue una hermosa continuación que utilizó Imágenes y técnicas que se remontan a títulos inspirados en Kenji Miyazawa, como Revolutionary Girl Utena o Spring and Chaos. El ejemplo más reconocible de esto fue su homenaje a la estética de Shichiro Kobayashi en el programa anterior. La dirección de arte de TJ capturó extremadamente bien el encanto de los antecedentes del difunto artista; Casi podía sentir la presión de las pinceladas utilizadas para crear los degradados en las paredes, pisos y techos, lo que contribuía a la autenticidad de la arquitectura y de la pieza en su conjunto.

La imperfección era un tema recurrente. que se incrustó en los otros componentes visuales del video musical. Las delicadas líneas que componían los diseños de los personajes de Moaang no solo imitaban las imperfecciones naturales que surgirían al poner un lápiz sobre el papel, sino que también ayudaban a transmitirlos como seres sensibles. Aunque los diseños no parecían aspirar al realismo, sus expresiones sutiles y la mano ligera utilizada para construirlos ciertamente hicieron que el amor mutuo de las niñas pareciera genuino.

Como probablemente lo es Como ya se sabe, la característica definitoria de un trabajo para mí era la relación de aspecto en la que está contenida la animación. China demostró cuán en contacto están con el atractivo del 4:3 combinándolo con cortes de salto ligeramente incómodos y composiciones recortadas para emular el ambiente relajado. sensación que viene con el vídeo casero. Las escenas que presentaban a ambos personajes juntos se sentían aún más íntimas como resultado del pilar en ambos lados. Detarame na Sekai no Melodrama hizo un trabajo fenomenal al reconocer el atractivo artístico de los títulos a los que rindía homenaje, al mismo tiempo que aportaba nuevas ideas al nicho del anime 4:3 contemporáneo.

Mención de Honor: El arte de Bani-chan en The Greatest Living Show (link) estaba literal y figurativamente fuera de este mundo hasta el punto de que ni siquiera estoy seguro de tener las palabras adecuadas para hacerle justicia. El vídeo musical es un digno sucesor de 1001 Nights de Yoshitaka Amano.

Mejor película: The First Slam Dunk

The Boy and The Heron no llegó lo suficientemente rápido a la sombría isla en la que vivo, por lo que no pude tener en cuenta todas las películas de peso pesado del año al tomar mi decisión para este premio. Dicho esto, del puñado de películas nuevas que tuve la oportunidad de ver, The First Slam Dunk fue la más memorable y atrevida desde una perspectiva visual. Esta fue la primera vez que sentí que el trabajo 3DCG eclipsaba a sus respectivas secciones 2D. Aunque mi experiencia con la animación de personajes 3D en el espacio del anime es bastante limitada, creo que la razón por la que gravité mucho más hacia esas secciones es por cuánto tomó prestado de muchas sensibilidades existentes que son estándar en el anime 2D. Las decisiones estéticas tomadas, como la composición plana y discreta y los contornos atrevidos que se aplicaron a los diseños de los personajes, ayudaron a evitar que el cambio entre los dos enfoques pareciera un shock para mi sistema. Además, la sincronización más familiar del movimiento hizo que las escenas más intensas de la película parecieran aún más ágiles. El First Slam Dunk me convenció del potencial que tiene 3DCG en el espacio del anime y me ha impulsado a tener una mente un poco más abierta sobre lo que se puede hacer con él.

Premio al Trabajo No Contemporáneo: Junkers Come Here

De vez en cuando me gusta hacer el esfuerzo de ver una colección de programas realizados por directores o animadores particulares para tener una mejor idea de su estilo y, con suerte, obtener algo de contexto para su trabajo futuro. Debido a otros compromisos este año, todavía no tuve la oportunidad de sumergirme en otra de esas madrigueras de conejos, pero casualmente logré ver tres obras en las que Jun’ichi Satou participó: Mahou Tsukai Tai! (1996), Tamayura: Hitotose y Junkers Come Here, mi elección para este premio. La película presenta animaciones de algunos de los mejores animes, desde Mitsuo Iso hasta Osamu Tanabe e incluso Takashi Nakamura. Sin embargo, la mayor parte de la razón por la que la película ha ocupado continuamente tanto espacio en mi cabeza este año es por lo quieta que logró ser, lo que encontré que la hacía aún más apasionante como película realista.

Fue fascinante observar la paciencia que Satou empleó en su secuenciación, ya que era una forma tan sencilla pero efectiva de retratar la estancamiento de Hiromi como una víctima impotente de once años del matrimonio desmoronado de sus padres. Como consecuencia del estilo pausado de la película, los momentos surrealistas y más cinéticos, incluida la secuencia especial de vuelo de Manabu Oohashi, resultaron más gratificantes. Junkers Come Here tiene un grado de ineficiencia que desearía profundamente que volviera al panorama del anime contemporáneo (aunque no tengo tantas esperanzas de que alguna vez lo haga).

A pesar de que era vagamente consciente de que Keisuke Hiroe ha estado involucrado en muchos proyectos comerciales de alto perfil en los últimos años, nunca me tomé el tiempo para investigar qué estaban haciendo. Todo eso cambió este año debido a sus créditos como director en el vídeo musical que acompaña a Frieren: Beyond Journey’s End, así como en la secuencia de apertura de My Happy Marriage. Dado que su portafolio de animación tiene una marcada inclinación hacia proyectos orientados a la acción, me pareció bastante sorprendente ver cómo las dos piezas que dirigieron tenían un énfasis tan fuerte en acciones fundamentadas, considerando que gran parte de su trabajo anterior había consistido en desafiar el límites de peso y forma. Hiroe tuvo la oportunidad de mostrar su variedad este año y no decepcionaron; Tengo la esperanza de que tengamos la oportunidad de presenciar más de lo que son capaces de hacer como director en un futuro próximo.

Kerorira

Animador, diseñador de personajes, el estudio unipersonal más rápido del mundo [Twitter] [Etiqueta de Sakugabooru] Mejor episodio: Tengoku Daimakyou #10

Este El año estuvo lleno de grandes episodios, incluido el de China para Kusuriya #04, el de Nobuhide Kariya para Frieren #10 y el de Kazuto Arai para Jujutsu Kaisen #37. , pero fue otro que personalmente me dejó la mayor impresión: Tengoku Daimakyou #10.
La dirección de Kai Ikarashi brilla en todas partes. Y con una animación de Tetsuya Takeuchi que se acerca más al estilo de Ikarashi de lo habitual en la mezcla, el resultado es un nivel de genialidad sin precedentes.

Cada escena está repleta de ideas sutiles y divertidas. Y combinado con lo bueno que es el trabajo original, por supuesto, ¡fue el episodio que se sintió más completo como un todo autónomo!

Mejor película: The Boy and the Heron

Ver el logo de Studio Ghibli al comienzo de El niño y la garza me llenó de una emoción increíble, ya que me di cuenta de que realmente estaba a punto de presenciar un nuevo trabajo del estudio. p>

Estoy seguro de que las opiniones estarán divididas sobre esto, pero personalmente, ¡salí del cine sintiéndome positivo!

Mejor estreno: Tengoku Daimakyou OP (link)

Cuando lo vi por primera vez, quedé impresionado por el tremendo sentido artístico de Weilin Zhang que rezuma de la animación y la dirección visual.

¡Es realmente maravilloso, con su variedad de ideas novedosas y detalles visuales!

Mejor final: Undead Unluck ED (link)

La última obra de arte de Taiki Konno. La belleza y la elección de colores en cada cuadro son justo lo que esperarías.

Mejor estética: Frieren: Beyond Journey’s End

Los degradados azules de un hermoso cielo sin nubes; bosques abundantes; edificios que cuentan historias de las costumbres de sus habitantes, puntos de vista religiosos, estilos de vida, etc. La serie aún no ha terminado, pero a nivel de narración visual ya es insuperable. Por supuesto, no se puede ignorar la dirección de Keiichiro Saito, pero los diseños conceptuales de Seiko Yoshioka juegan un papel importante a la hora de dar vida al mundo de Frieren.

Mejores diseños de animación: ¡Onii-chan wa Oshimai! (Ryo Imamura)

Parece que los diseños de Ryo Imamura deberían haber existido antes, ¡pero son revolucionarios por derecho propio!

Sus diseños han llevado al nacimiento de una serie de nuevas formas de representar simbólicamente expresar personajes, y me siento muy influenciado por él también. Traducen hábilmente formas 3D realistas y texturizadas a un espacio bidimensional.

Estoy seguro de que muchas personas que se dediquen al anime en el futuro habrán estudiado los diseños de Imamura al menos una vez.

Premio a la Obra No Contemporánea: Kodomo no Omocha

Kodomo no Omocha es uno de los primeros trabajos de Akitaro Daichi como director, que obtuve alrededor de ver por primera vez este año. Tiene un ritmo increíblemente bueno, con los alegres monólogos de Sana Kurata marcando el ritmo.

Pasa desde un aluvión de chistes extravagantes hasta golpearte repentinamente con escenas sinceras, y esa montaña rusa de emociones es francamente adictiva. Puro y buen entretenimiento.

Relux

Del sakugaSakuga (作画): Técnicamente dibujo, pero más específicamente animación. Los fanáticos occidentales hace tiempo que se han apropiado de la palabra para referirse a casos de animación particularmente buena, de la misma manera que lo hace un subconjunto de fanáticos japoneses. Bastante integral para la marca de nuestros sitios. kind [Twitter] Mejor episodio: Jujutsu Kaisen #40 (T2 #16)

Meses de constante controversia y discurso seguramente han infligido una intensa fatiga de Jujutsu Kaisen a los espectadores, a los no espectadores que no han podido evitar el tema y, especialmente, a cualquiera que haya estado involucrado en llevar cada episodio a la televisión semanalmente.. Dicho esto, entre todo el pesimismo hay varios triunfos que sólo son posibles gracias a la fuerza de las personas apasionadas que continúan superando circunstancias tan desfavorables. En última instancia, fue el número 16 de Itsuki Tsuchigami el que saltó a la cima de mi lista al mismo tiempo que me sacó las lágrimas de los ojos solo con su poder de animación.

Los esfuerzos de dirección de Tsuchigami, aunque poco frecuentes, han impactado consistentemente a todos los ritmos adecuados para prender fuego a mi cerebro. Fue Mob Psycho 100 II #11 el que aseguró firmemente su posición como uno de los directores de acción más prometedores de la industria. Más tarde, sus esfuerzos para FGO Camelot 2 de Kazuto Arai resultaron en un enfrentamiento culminante que no puedo evitar volver a ver regularmente hasta el día de hoy. Las oportunidades para proyectos como estos son pocas y espaciadas, pero era difícil no preguntarse si llegaría su próximo episodio de acción completa o cuándo. Da la casualidad de que ese momento llegó en medio de la catástrofe de producción más publicitada en años.

Casi todos los personajes que aparecen en el n.° 16 están consistentemente fuera de modelo de una manera que siempre me encanta ver en los medios más populares. episodios destacados. El sombreado se deja al mínimo y las características se definen principalmente mediante el arte lineal, un enfoque que depende totalmente del dibujo del número sorprendentemente pequeño de artistas participantes (al menos en relación con los créditos de las novelas de los episodios circundantes). Esta filosofía minimalista se traslada también al diseño de color y al posprocesamiento del episodio. Es decir, hasta que se desata el infierno en la parte B.

El par de secuencias de acción que sirven como piezas centrales para cada mitad están tan bien construidas como cabría esperar de Miso, pero no son obra exclusiva de él.. Nakaya Onsen, más o menos dirigida por una unidad y en solitario, animó la pelea de Megumi con su hijo y su padre que abusa de los animales, mientras que el explosivo enfrentamiento de la maldición fue más un esfuerzo de colaboración entre Miso y Sou Miyazaki. Miyazaki, por supuesto, esbozó numerosos cortes de acción potenciales para que Miso los revisara simplemente porque podrían ser geniales. Los cortes completos fueron tan geniales como candentes fueron los eventos en pantalla.

No debería pasar mucho tiempo después de la secuencia de artes marciales del conejo que la mayoría de los espectadores se dan cuenta de que les espera algo especial, y los 2 minutos de Miyazaki. de locura más que sellar el trato. Si bien la presencia de Onsen habla por sí sola en este punto, la aparición de Miyazaki marca la primera vez que se suelta por completo en una producción de anime para televisión. Fue gratificante ver su trabajo caracterizando el clímax de un episodio como este después de seguir sus proyectos web y MV durante algún tiempo. De hecho, fue su interpretación de la icónica secuencia Birdy Decode de Shingo Yamashita la que provocó el derramamiento de lágrimas antes mencionado al verla por primera vez. Después de 15 minutos de tus artistas favoritos tocando exactamente según tus gustos personales, una muestra fiel de reverencia hacia tu proyecto de anime favorito de todos los tiempos es demasiado para soportar.

Acción a un lado, hay gracia en cómo menos También se manejaron momentos grandilocuentes. Masami Mori concluye una ruidosa batalla con una tranquila aceptación del final. Entre todo el espectáculo hay una visión coherente que se distingue del resto de la temporada, y a la vanguardia está la producción aparentemente ilimitada de varios artistas por cuyo trabajo ya viví.

Menciones honoríficas:

Jujutsu Kaisen T2 #05 es una muestra pura de la destreza artística de Takuya Niinuma y Souta Yamazaki, así como de la experiencia de Shota Goshozono en el guión gráfico mientras entrelaza el decadente estado mental de Geto en el episodio. presentación momento a momento. Tengoku Daimakyou #10 es un episodio de Kai Ikarashi, y en todos los sentidos continúa aplastándolo con el elemento añadido de la magistral dirección de animación de Tetsuya Takeuchi Dirección de animación (作画監督, sakuga kantoku): Los artistas supervisan la calidad y consistencia de la animación en sí. Pueden corregir los cortes que se desvían de los diseños demasiado si lo consideran adecuado, pero su trabajo es principalmente para asegurarse de que el movimiento esté a la par sin parecer demasiado duro. Existen muchos roles de dirección de animación especializados: mecha, efectos, criaturas, todo enfocado en un elemento recurrente particular. Verá todo el año. Mejor espectáculo: una pieza

Vi un número de anime estacional agradable este año. tengoku daimakyou y sousou no frieren son experiencias inmersivas con valores de producción encomiables. Bungou Stray Dogs logró mantener su consistencia artística habitual al tiempo que llevó un arco de una historia verdaderamente loco a una conclusión satisfactoria incluso antes de su material fuente. El apasionado equipo apasionado de Vinland Saga S2 sacó lo mejor en una ficción ya estimulante. A pesar de todo eso y más, me di cuenta al considerar mi selección de que ninguno de ellos resonó lo suficiente como para escribir un respaldo apasionado para el Bowl ™.

Lo que me encuentro ansioso por discutir es uno El 2023 excepcionalmente climático de Piece estaría mintiendo si afirmara que el programa no encontraba puntos difíciles y luchas en todo momento, pero considero que una parte insustituible de la experiencia de anime de larga duración. La rápida metamorfosis de producción encabezada por el director de directores de la serie: (監督 監督 監督 監督 監督 監督 監督 監督 監督 監督 監督 監督 監督 監督 監督 監督 監督 監督 監督 監督 監督 監督 監督 監督 監督 監督 監督 監督 監督 監督 監督 監督 監督 監督 監督 監督 監督 監督 監督 監督 監督 監督, 監督 監督 監督 監督 監督, 監督, 監督 監督 監督, 監督, 監督, 監督, 監督, 監督, 監督, kantoku: la persona a cargo de toda la producción. Outlige al resto del personal y, en última instancia, tienen la última palabra. Sin embargo, existen series con diferentes niveles de directores: director principal, director asistente, director de episodios de la serie, todo tipo de roles no estándar. La jerarquía en esos casos es un escenario de caso por caso. tatsuya nagamine y ayudado significativamente por el productor de línea tetsuji akahori junto con innumerables contribuyentes inspirados es lo que permitió espectáculos tan frecuentes hasta este punto. Cuando finalmente llegó la conclusión del arco de Wano, fue empujado a su límite absoluto y llegó a través de más fuerte que nunca.

Las expectativas de los fanáticos en esta etapa se habían vuelto no menos astronómicas y no hace falta decir que el equipo Quería que también se hicieran uno mismo. Una serie de batallas climáticas a gran escala consecutivas sería una sentencia de muerte para un largo corredor, y aunque no sería un viaje suave, sirvió como la oportunidad perfecta para sacar todas las paradas y efectivo en cada favor construido. A lo largo de los últimos 4 años.

Lo que realmente empujó a una pieza a ser mi programa favorito del año fue la experiencia única de presenciarlo todo en tiempo real. La celebración de la animación que fue los episodios debut de Gear 5, la celebración de Sakugasakuga (作画): técnicamente dibujando imágenes pero más específicamente animación. Los fanáticos occidentales se han apropiado desde hace mucho tiempo que se refieren a casos de animación particularmente buena, de la misma manera que lo hace un subconjunto de fanáticos japoneses. Bastante esencial para la marca de nuestros sitios. episodios que fueron Ryosuke Tanaka y de Katsumi Ishizuka #1062, nanami michibata ‘La hermosa resurrección de eds y megumi ishitani ‘s op to match, monstruosa, monstruosa Los esfuerzos individuales de Tu Yong-Ce y Vincent Chansard, todo habló con el deseo ilimitado del equipo de seguir presionando y evolucionando. A través de todos los altibajos, espero con ansias todo lo que viene a continuación.

Mejor película: Blue Giant

Blue Giant fue uno de Esas raras experiencias teatrales que te dejan aturdidas a medida que pasan los créditos. Como alguien completamente desconocido con el material fuente y menos bien informado con respecto al arte del jazz, lo que me llevó a un asiento frente a la pantalla grande fue el conocimiento de que el director Yuzuru Tachikawa entregaría absolutamente. Como era de esperar, hizo exactamente eso, pero me pusieron desprevenidos cuando cualquier otro aspecto de esta película procedió a golpearme más fuerte que un camión de exceso de velocidad.

La película está llena y trata sobre la juventud. Si alguna vez has vertido todo para lograr un sueño en particular, estás representado aquí. Si te encuentras sin dirección y comienzas a resentir lo que creías que era tu camino, estás representado aquí. No importa su situación, creo que los espectadores saldrán por el otro lado sintiéndose un poco más optimistas sobre estas cosas.

tropieza varias veces visualmente y el CG puede frotar algo de la manera incorrecta, pero eso es muy. Compensación por piezas irreales de animación 2D cuando cuenta: las actuaciones. Si bien experimentar Blue Giant en los cines ya no es trágicamente una opción, recomiendo ver solo con la pantalla más grande y el mejor sistema de sonido al que puede acceder. Permita que la banda sonora de Hiromi y las emociones de los personajes lo consuman. Vívelo. Absorbelo. Volverse azul. Convertirse en gigante.

menciones honoríficas:

Gridman Universe proporciona todo el servicio de fans que uno podría desear de una película cruzada/de celebración mientras de alguna manera entrega un Narrativa satisfactoria y el personaje convincente funcionan al mismo tiempo. Además, se ve excelente. The Boy and the Heron es una película que disfruté y aprecié, y francamente no estoy calificado para analizar. Mejor apertura: Destructores mágicos OP ( enlace )

Me gusta cuando Kenichi Kutsuna hace las cosas. Su Destructores mágicos presenta todas las cualidades que ya disfruto sobre sus proyectos de forma corta, pero con 30 segundos de indescriptibles? agregado al final y una canción que se ajusta milagrosamente al proyecto de ley. Este caso es lo que hace que el OP sea tan excelente (así como el final de Taiki Konno para el mismo espectáculo).

Una versión definida pero maleable de los caracteres se complementa con fondos granulados y un diseño de color de alto contraste. El primer minuto está relleno de tiros llamativos y fácilmente sería un favorito por sí solo, pero el colapso dramático de todo lo que acabo de describir realmente trae esta OP a otro avión.

menciones honoríficas:

La operación de debut de Weilin Zhang se emitió aproximadamente al mismo tiempo en tengoku daimakyou , y de manera similar hizo lo suyo. Lo que hizo es muy bueno. El OP no podría ser un mejor ajuste dada su propia historia profesional y la del equipo en general. Es una carta de amor, y el destinatario realmente trabajó en ello. Mejor final: jujustu kaisen s2 ed1 ( enlace )

La representación de la alegre vida cotidiana de nuestro elenco de siempre sufrimiento se ha convertido en algo de una tradición jujutsu kaisen a lo largo de su carrera, y debo decir que la toma de Yojiro Arai es fácilmente mi favorita. Por lo menos, la razón tendría que ser que simplemente se ve increíble.

rara vez estoy tan impresionado por la fotografía Photography (撮影, Satsuei): el matrimonio de elementos producidos por diferentes departamentos en una imagen terminada, implicando filtrar para hacerlo más armonioso. Un nombre heredado del pasado, cuando las cámaras se usaron realmente durante este proceso. y fondos solo. Pasamos de personajes contenidos por bordes blancos sólidos a hermosas tomas ambientales, y luego a los personajes que existen naturalmente dentro de ese entorno. Muchos de estos fondos son notablemente profundos y en capas con paralaje inteligentemente aplicado que simula un efecto de cámara convincente. La dinámica entre los caracteres y los desarrollos futuros se implica a través de indicadores visuales sutiles y paralelos menos sutiles.

Es sorprendente cuánto Arai pudo meterse en el tiempo de ejecución estándar de un final, ya que ocasionalmente noto nuevos detalles entre los detalles entre los cortes rápidos. Supongo que no tengo más remedio que seguir revisándolo más.

menciones honoríficas:

Cardfight !! Vanguard: Will+Dress S2 Ed1 es la combinación de dibujos de Kai Ikarashi, Kou Yoshinari, Mebachi , y la fotografía real (撮影, Satsuei): el matrimonio de elementos producidos por diferentes departamentos en los diferentes departamentos Una imagen terminada, que implica filtrarse para hacerlo más armonioso. Un nombre heredado del pasado, cuando las cámaras se usaron realmente durante este proceso. que siempre he querido sin saberlo. Necesita más EDS como este para existir. nanami michibata produjo un excelente regreso al formato ED para una pieza, y con Masami Mori supervisión, nada menos. Más que nada, me sorprende una estética reelaborada tan atractiva/coherente en su final de debut. Mejor estética: Frieren: Beyond Journey’s End

Este año hemos sido bendecidos por más de una historia centrada en un viaje largo y a menudo desviado a través de entornos impresionantes y con personajes con dinámica constantemente divertida. Los paisajes urbanos post-apocalípticos de tengoku daimakyou y el escenario de fantasía de frieren comparten pocas similitudes, pero ninguno sería tan efectivo sin la estética coherente que construye un mundo que vale la pena ser inmerso en.

La dirección de arte de Yuji Kaneko es siempre una línea de base fuerte para trabajar, especialmente en un entorno como la de Tengoku. A partir de ahí, es la fotografía involucrada de Kentaro Waki ​​ (撮影 撮影 撮影 撮影 撮影 撮影 撮影 撮影 撮影 撮影 撮影 撮影 撮影 撮影 撮影 撮影 撮影 撮影 撮影 撮影 撮影 撮影 撮影 撮影 撮影 撮影 撮影 撮影 撮影 撮影 撮影 撮影 撮影 撮影 撮影 撮影 撮影 撮影 撮影 撮影 撮影 撮影 撮影 撮影 撮影 撮影 撮影 撮影 撮影 撮影 撮影 撮影 撮影 撮影 撮影 撮影 撮影 撮影 撮影 撮影 撮影 撮影 撮影 撮影 撮影 撮影 撮影 撮影 撮影 撮影 撮影 撮影, Un nombre heredado del pasado, cuando las cámaras se usaron realmente durante este proceso. Lo que saca de buen gusto lo mejor en esos fondos y se detiene cuando sea necesario. Una de mis secuencias favoritas del año, la pelea de monstruos en el segundo episodio, hizo uso de la oscuridad completa y la luz limitada de una manera que simplemente sería imposible sin el toque de Waki.

en lugar de peleas de monstruos, sin embargo, sin embargo, Gran parte del tiempo de ejecución de Tengoku está ocupado por los pequeños momentos de la caminata algo sin rumbo de nuestra pareja principal a través de un Japón destruido. El valor del entretenimiento de tales momentos se basa no solo en la escritura encantadora, sino en el atractivo del entorno a través del cual se mudan.

El caso de Frieren es el mismo. A pesar de disfrutar de la pelea ocasional de estilo shonen, el valor de Frieren se origina principalmente en sus interacciones, temas y mundo. Cada montaje extendido encarna todas estas cosas. Un aspecto granulado y desvaído coincide con colores a menudo de bajo contraste que se liberan y se explotan cuando el momento lo requiere.’Surbos para la narración de cuentos.

mejores diseños de animación: Fate Grand Order GUDAGUDA 2023 CM (Namiko torii)

a través de todos los innumerables proyectos de destino de muchos grupos de creadores, Namiko torii Y Takahito Sakazume ha sintetizado lo que considero que son las imágenes más atractivas en la franquicia para un 30 segundos.

Probablemente no sea sorprendente considerar las opciones anteriores que los diseños redondeados y minimalistas son mi mermelada. Lo que inmediatamente se le vino a la mente al ver la toma de Torii fue una estrella sagrada de Milos , una película en la que los diseños de Kenichi Konishi definieron casi por sí solo lo que busco en los CD. Diseño de cabello/forma redondeado, recuentos de línea baja y un fuerte volumen definido por la dibujante en lugar de los detalles excesivos.

innecesario decir, estaré buscando lo que Torii haga a continuación. Si bien estos diseños pueden limitarse a un comercial, existen como prueba de que a pesar de ser relativamente nuevo en el trabajo de anime, ella ya sabe lo que pasa.

premio de trabajo no contemporáneo: tetsuwan birdy decode

Lo estropeé antes, pero no hay un trabajo animado que me encanta más que tetsuwan birdy decode . Este hecho solo se establece más después de cada rewatch anual. Birdy representa a un grupo de creadores idiosincrásicos en la parte superior de su juego, y en un entorno que permitió un nivel de autoexpresión sin precedentes. Es en programas como Birdy que el anime demuestra su potencial como medio para los artistas.

La primera reloj de episodios como 02 #07 y #12 es una experiencia reveladora. De repente, gran parte de la inspiración detrás de los ambiciosos esfuerzos modernos queda claro. En este último, una combinación de la animación sin restricciones de Norio Matsumoto y la animación sin restricciones de Shingo Yamashita dio como resultado 30 de los segundos más importantes de la animación de acción de los años 2000. Y Birdy, ese no es un espectáculo que se pueda hacer hoy. Es por completo un producto de su era y de las personas específicas involucradas. Elimine cualquier miembro del personal clave y le quede un producto irreconocible y diferencias potencialmente importantes en la industria del anime actual.

algo sobre el trabajo de Kazuki Akane habla a mi alma en un nivel único. Narrativamente, la primera temporada no es nada especial, pero las consecuencias de esos eventos se tejen perfectamente en 02 y forman una historia original genuinamente convincente para que coincida con la producción legendaria. Sin mencionar que cada anécdota de detrás de escena es tan entretenida como el programa en sí. Estaba lejos de la navegación suave, pero todos lo dieron todo y algo más.

Uno pensaría que mantener una visión coherente mientras se trata de tantos artistas individualistas hábiles sería casi imposible y, sin embargo, estos variados estilos cada uno en su lugar. El programa facilita inherentemente la experimentación y la expresión que comienza con los diseños fácilmente moldeados de Chimo. Birdy es un escaparate de talentos únicos y una obra de arte bien construida por derecho propio.

Habiendo elogiado previamente la evolución de la producción de One Piece, pensé que proporcionaría un ejemplo específico de cómo eso La reestructuración ha permitido que ciertos artistas evolucionen junto con él.

hace casi 2 años, Fasto y StroutoRarou Ban apareció por primera vez en el episodio 1006 del anime de una pieza junto con varios otros animadores en línea prometedores. En ese momento, la experiencia de Fasto en la industria era limitada y la Ban era inexistente, pero su inclusión era táctica. Dirigir 1006 era otro miembro del personal prometedor con el nombre de Ryosuke Tanaka .

en lugar de mantener el episodio limitado debido a su contenido sin importancia, se usó como algo de un campo de entrenamiento. La dirección de Tanaka y las fuertes exhibiciones de muchos de estos jóvenes artistas demostraron que el experimento exitoso.

Desde ese punto, Fasto y Ban continuarían apareciendo de forma semi-regular, a menudo realizando una especie de retransmisión tomando adyacentes cortes. Cuando llegaban los eventos climáticos de 2023, se les confiaría múltiples secuencias de alta prioridad (incluida una gran contribución al 1062 de Tanaka) y se encontrarían repetidamente con resultados cada vez más impresionantes.

confundiendo inicialmente su reciente árbol-La secuencia de transformación relacionada para la animación tocada por Masami Mori provocó la comprensión de que la pareja había recorrido un camino notablemente largo. Esto está lejos de ser el único ejemplo de crecimiento similar al que Wano ha progresado, y veo que es un gran beneficio del formato de larga duración. Cada miembro de un equipo tan ambicioso empuja a los demás a alcanzar mayores alturas, y observar que el crecimiento colectivo a medida que ocurre es inspirador. Su antiguo avatar desde que es lindo [ twitter ] mejor episodio: Frieren: Beyond Journey’s End # 07

Esto podría parecer una elección extraña teniendo en cuenta el número de episodios de alta calidad que Frieren nos ha tratado. Este no cuenta con un equipo de All-Stars como la mayoría de los otros episodios; De hecho, el Episodio #07 se subcontrata a una entidad relativamente desconocida. No se le otorga una gravedad especial al ser el clímax de acción de un arco como el episodio #09, ¡mucho de eso, ya que es la introducción a ese mismo arco! Y sin embargo, eso es exactamente lo que me atrae a este episodio. En la superficie, no tenemos una exuberante muestra de animación, pero los ojos más atentos reconocerán que cada escena eleva el guión para crear algo memorable.

Keisuke Kojima y Co-Ashoryboarder Naoto Uchida , creó un episodio lleno de ángulos intrincados , disparos que fluyen naturalmente con el diálogo, y particularmente involucrado trabajo de la cámara . Nunca se siente demasiado o muy poco, el episodio es perfecto de principio a fin. Este es el tipo de excelencia tranquila que anhelo en el panorama del anime de televisión hoy en día. Si bien parece que el número de espectáculos increíbles aumentó a lo largo de los años, la calidad promedio parece haber disminuido bastante. No me engañaré para pensar que este episodio es indicativo de una tendencia, ya que Kojima prácticamente ha dedicado su carrera a criar su propio equipo con su propia tubería, todavía estoy contento de verlo prosperar donde muchos, incluidos estudios completos, incluidos estudios enteros, Han fallado.

Mejor apertura: Spy X Family S2 OP1 ( enlace )

En la misma línea, la apertura de Spy X Family S2 no es necesariamente un espectáculo asombroso, especialmente según los estándares de una figura como idiosincrático como masaaki yuasa. El OP está animado por el equipo a cargo del programa en sí, como ciertamente se puede ver por el enfoque algo estéril de la animación y el arte del personaje, al menos por los estándares de Yuasa. No obstante, el concepto es tan fuerte que no importa mucho al final del día. Todos los cortes son divertidos en un nivel conceptual y tienen ideas simples para respaldarlos, como la paleta de colores pastel o los fondos de los pantalla. Combina eso con la canción animada de Ado y obtienes una pieza que trae alegría cada vez que la miras.

¡Mejor final: Cardfight! Vanguard: Will+Dress S2 ed1 ( enlace )

Después de tocar la importancia de la importancia de Buenas ideas y directores singularmente enfocados, cambio a una pieza que es el total opuesto de eso. De hecho, este final ni siquiera tiene un director acreditado. En pocas palabras, este ED es la reunión de 3 artistas extremadamente idiosincrásicos que hacen sus propias cosas. Y si bien no se puede negar la naturaleza ecléctica de este ED, todavía se une como una pieza sorprendentemente cohesiva.

Claro, no cuenta una historia y se siente más cerca de una sesión de JAM, pero la edición se vende todo el asunto excelente. Los 3 estilos no chocan, sino que se complementan entre sí de una manera que maximiza su atractivo. ED improbable, pero solo podemos estar agradecidos de que se haya hecho.

Los mejores diseños de animación: ¡adelantamiento! (Masako Matsumoto)

Hace dos años, dediqué esta sección a resaltar los diseños de personajes directamente dibujados por los animadores, a diferencia de las adaptaciones de las propiedades o ilustradores existentes que proporcionan borradores originales. Esta vez, en cambio, me encuentro alabando uno de esos casos, que está elevado por la ejecución Masako Matsumoto ; su regreso a las tareas de diseño de personajes casi 10 años después de su debut en ese papel en aldnoah cero , nuevamente junto con Takako Shimura .

La filosofía de Matsumoto sigue siendo la misma, si no más refinada con los años. Sus diseños son elegantes con un enfoque en las formas y curvas que son típicas de los diseñadores de personajes animadores. No solo las caras sino también el resto del cuerpo están bien construidos, hasta la forma en que Matsumoto dibuja The the the the extremidades . Sus diseños siguen siendo atractivos incluso cuando no está supervisando directamente; Ese no siempre es un hecho, especialmente con la tendencia de aumentar cada vez más el recuento de líneas a lo largo de los años. Matsumoto es parte del (tristemente) círculo raro de diseñadores de personajes carismáticos en una industria donde los ilustradores y el mangaka claramente se están apoderando, y solo puedo esperar que siga diseñando espectáculos originales en Troyca por un tiempo.

Premio al trabajo no contemporáneo: noein #01

Mientras miraba este episodio, cada minuto siguiente presentaba más evidencia de su caso: Kishida es un dios. Resulta que, quizás de manera totalmente era de esperar, que su adoración de culto se merece por completo. La animación es un trabajo de equipo, seguro, pero la presencia de Kishida domina todo en la pantalla. Su borrador se está desbordando en cada corte. El ángulo magistral de la cámara , El personaje que posa , La gran variedad de expresiones , hay mucho que amar y apreciar en este episodio. Si no has visto el primer episodio de Noein, hazte un favor y ve a verlo ahora; ¡O después de leer cualquier otra entrada en estos premios, si tampoco lo ha hecho!

Fede

traductor, coordinador de producción internacional, salvador de proyectos condenados [ Twitter ] El mejor episodio: Kusuriya no hitorigoto/The Apothecary Diaries #04, KUBO no me deja ser invisible #11 , Frieren: Beyond Journey’s End #14

El episodio de China y Moaang de kusuriya tuvo la interesante peculiaridad de ser un episodio de muy alta calidad, narración de cuentos pero bastante distante y simplemente elegante; Atributos que parecen antitéticos con los tiempos actuales, ya que seguimos recompensando los altos recuentos de dibujos y los festivales de Sabunga solo por el bien y los recursos se ponen en esos espectáculos. Comparado incluso con el algo Detarame na sekai sin melodrama , este nuevo esfuerzo Se siente mucho más maduro, tal vez incluso un abridor de una nueva”era”de menos lente juvenil de sus esfuerzos de dirección.

en cuanto a kubo-san #11, no lo hice Espere que Hirofumi Okita sea un director tan cuidadoso. Se muestra cuando se trata de sopesar las proporciones entre los elementos CEL y BG en la pantalla, o en la elaboración de iluminación meticulosamente precisa, incluso en cómo impuso ideas bastante difíciles pero simples en los Sakkans. ¡Todo resulta en un episodio maravillosamente saludable, ya atemporal! Me recordó a la más tranquila Sakugasakuga (作画 作画 作画 作画 作画 作画 作画 作画): técnicamente dibujando imágenes pero más específicamente animación. Los fanáticos occidentales se han apropiado desde hace mucho tiempo que se refieren a casos de animación particularmente buena, de la misma manera que lo hace un subconjunto de fanáticos japoneses. Bastante esencial para la marca de nuestros sitios. Festas de finales de 00’y principios de 10′, excepto con compuestas de vanguardia, y algunos dibujos que muestran las sensibilidades más ilustrativas y riesgosas de una nueva generación de artistas.

frieren #14 fue un gran recordatorio de cuánto de un excelente director de espacios tridimensionales buenos de Ponte es, especialmente después de lo que parece milenio de dr. Piedra deberes de Kantoku. Aprecié particularmente la forma en que compatieron el FXFX: la animación de efectos para los efectos: agua, fuego, vigas, ese tipo de corte. Un pilar de animación japonesa 2d. animación; Encontraron la combinación perfecta (al menos con mis sensibilidades) entre la composición centrada en CEL y la composición de FX COMP para escenas de acción, al tiempo que manejan los tonos más justos en las escenas de la vida diaria con el cuidado más alto para que tampoco se caigan de manera plana.. También fue increíblemente interesante ver el elemento Sakkan Ping-pong-ing entre la antigua guardia y la nueva generación de animadores no japoneses entre hirotoshi arai y eri irii. La producción de Arai en particular me recordó el tipo de elegancia que solíamos ver en Sakkans de Koji Matsunari shows.

Best Show: Skip y Loafer, o Loafer, o Loafer, Tal vez nada en absoluto

Esto es más un voto de protesta que cualquier otra cosa.

Estoy bastante decepcionado por la falta de anime de televisión original o pseudo-original que podría haber mostrado qué son los creadores de anime ¡Todo, maldita sea! Necesitamos luchar contra nuestra guerra para limitar la influencia de todos estos burócratas corporativos que solo quieren que seamos felices y productivos haciendo sus propias historias. ¡También deberíamos poder contar nuestras propias historias, no solo las suyas! ¡En este reino creo que solo encontré adelantado! ser una oferta verdaderamente interesante, lo cual es preocupante por múltiples razones; En primer lugar, tengo miedo de los autos rápidos.

En una nota más positiva, está el encantador Skip y Loafer . Realmente aprecié el momento cómico, combinado con tanta atención de supervisión de animación que fue capaz de evocar situaciones increíblemente realistas pero saludables que me pusieron suavemente en los zapatos de Mitsumi. Shima y ella eran tan lindas juntos gracias al esfuerzo combinado de dibujos, actuación de voz y un guión bastante inteligente y poco convencional que revirtió los tropos de monólogo habituales. Realmente tengo dificultades para enviar personajes juntos (especialmente personajes consecutivos) pero esos dos están hechos el uno para el otro.

menciones honorables : tengoku daimaikyou , Appero! , Frieren .

Mejor película: The Boy and the Heron

No creo que cometería un cardenal El pecado afirmando que la mayor parte de la producción de Hayao Miyazaki está compuesta por cuentos bastante separados. A menudo, los intereses personales y las referencias culturales del director son destronizadas por un deseo genuino de crear historias conmovedoras dirigidas a niños y sus padres por igual. Sin embargo, me sorprendió gratamente descubrir que kimitachi es una película increíblemente nerd.

No me refiero a esto solo según sus estándares, pero genuinamente nerd; Casi se siente como escuchar al tipo decir”Bueno, todos ustedes han expresado mucho sobre el tipo de cosas que te gustan, ¡y estoy haciendo lo mismo!”A medida que experimentamos referencias y acumulaciones increíblemente amorosas a las obras de Yoshie Hotta , Natsume Soseki , daijrou Morohoshi , Federico Fellini , fusao Hayashi, y el kojiki . Siento que como extraños, a menudo terminamos creando una imagen demasiado austera y gruñona de Miyazaki solo porque encuentra la subcultura de anime que ayudó a formar extranjeros. Hay una otra de los otros nerds, pero Kimitachi demostró que está locamente enamorado de los autores formativos de su juventud. Experimente cómo ciertos elementos de la película rima con miyazaki más antiguo funciona de la misma manera que Soseki describió su propio haiku juvenil en kusamakura con un significado nuevo. Sin embargo, el verdadero truco mágico se logró cuando presentó magistralmente por qué esta es una”adaptación”.

Cuando Mahito lee el clímax de la historia de Copper del Kimitachi original, termina llorando y cambia su actitud hacia un personaje importante. Experimentando eso me dio una alegría tan increíble y me hizo sentir que el anime aún puede lograr el tipo de escenarios extraños y poderosos que permanecen inexplorados en todos los medianos. Es algo que aún podemos lograr si confiamos en los creadores para contar sus propias historias, en lugar de encadenarlas para adaptar fielmente el popular Garbo du Jour. Es triste que el anime de la televisión parezca estar en desacuerdo con esta idea.

menciones honoríficas: The Concierge, Gridman Universe , ¡especialmente la escena Ikarashi!

Apertura: The Ancient Magus’Bride S2 OP2 ( enlace )

Un resultado sorprendentemente excelente a pesar de la separación siempre peligrosa de los deberes de dirección; Esta vez, entre el sólido Ekonte de Yuki Igarashi y el trabajo de supervisión magistral de Kazuaki Terasawa . Pudieron expresar la psique interior de Chise, jugando un juego de contrastes utilizando medios mixtos. Si bien esta claramente no es una nueva dirección per se, ya que el dúo de curry inu puede dar fe de (jajaja), siento que esta pieza definitivamente pudo superar la simple divergencia de gráficos cel <-> de movimiento que a menudo coronan tales obras, mezclando más y más influencias de diferentes formatos visuales. Gracias a algunos recortes más editados y compuestos cinematográficos, una representación más intrigante del teatro que se convierte en un leitmotiv de toda la apertura, y algunos cortes de acción inteligentemente cronometrados, la condición trágica de Chise se le otorga más profundidad emocional. Termina transformando la secuencia en un viaje muy intrigante que no debes saltar.

Esta mezcla de dibujos 2D 3D no exagerados y superficies increíblemente planas con paneles planos similares a manga es bastante similar a los Algo de cosas que quería dibujar cuando tenía 15-16 años, así que supongo que golpeó bastante cerca de casa (risas). También me encontré disfrutando de las similitudes entre la eclosión de los paneles planos de manga y las miniaturas medievales. Estos tipos están en algo, ¡eso es lo que siento!

menciones honoríficas: destructores mágicos , tengoku daimakyou , Kusuriya no hitorigoto.

Mejor final: El gato magistral está deprimido nuevamente hoy

en lugar de experimentar con compuestas agresivas y el uso de materiales 3D, esta encantadora pieza de El trabajo utiliza el departamento de color/lámpara del controvertido estudio de Osakan. Su trabajo aquí es capaz de proporcionar una sensación mixta distinta de calidez y frío al mismo tiempo, gracias al uso de iroshitei increíblemente seleccionados que hacen un uso frecuente del rastreo IRO. While the OG Shingo Suzuki and his fellow Kazumasa Yokomine handled the storyboardStoryboard (絵コンテ, ekonte): The blueprints of animation. A series of usually simple drawings serving as anime’s visual script, drawn on special sheets with fields for the animation cut number, notes for the staff and the matching lines of dialogue. and direction, I was particularly impressed by learning that the color designs were done by two relatively inexperienced artists in Kouki Koeda and Xueran Zhang, who debuted on in-house productions only that estación. The care for the proportions of the sakkan team really helped giving believability and character to the family of cats during the climax. Big props to them too!

Honorable Mentions: Magical Destroyers, Oniichan wa Oshimai! , Shingeki no Kyojin The Final Chapters, Cardfight Vanguard Will + Dress S2, Watashi no Shiawasena Kekkon.

Best Music Video: Detarame na Sekai no Melodrama (link)

Maybe it’s a bit fetishistic rather than just inspired by cel-era anime, and too reliant on older concepts and leitmotivs compared to a lot of other China-directed works, but I appreciated the more unconventional takes on the girls’ anatomy on Moaang’s side—especially in the practice scene. Their chins were quite interesting too, they seemed almost bean-shaped but in a lovely way, and I loved the compact silhouettes they end up creating once the camera grows apart from them. On the directorial side, the particular interest in the color red and its variations was also note-worthy, as it felt spacious and rich in a broader way than the director’s work with the more complex palettes of Heike Monogatari and Ai to Yobu Dake. However, what stole the show for me was the almost subconscious correlation between the birdcage and the beams that sustain the school (representing the system?), empowered using quite different field depths from cut to cut.

I know reading of me praising China every year may be getting boring. Believe me, I would love to find some other obsession, but they just refuse to slow down in their greatness.

Best Aesthetic: Oniichan wa Oshimai!

It’s very difficult to accept this due to my archenemy working on that cartoon, but It’s pretty much impossible to find another TV anime that was able to pull up an aesthetic rulebook that I feel will be as influential as Onimai’s. In particular, I feel the way the color and compositing departments were able to mimic the fatter, deeper, and slightly more violent pen strokes typical of Ryo Imamura’s sketches into shiage paint was something that can move the cel layer as a whole into a dimension of new aesthetic possibilities. It showed how we in a not-so-distant future could fundamentally change the look of the cel layer into something more prone to represent volume and especially anatomical volume, without having to rely on such high line-counts but just technology and some good-ass sakkan.

Maybe it was born to be horny I feel like it’s fated to be more that. This seed will grow into something majestic one day.

Honorable mentions: Jujutsu Kaisen S2, Frieren, Tengoku Daimaikyou, The Concierge, Gridman Universe—again, especially the Ikarashi scene.

Best Animation Designs: Pokemon: Paldean Winds (Takashi Kojima)

Takashi Kojima has been at the top of the game since his early sakkan days, but his most recent output is able to stylishly represent all sort of characters of different ways of life and physicality in appealing, interesting, yet a bit whimsical ways. I’d say that this is especially true when compared to his less recent design work on titles like Flip Flappers and Kiminami.

I could make this point about Heike Monogatari, which was a more complete experimentation of his visual ideas, but the designs of Pokemon: Houkago no Breath are uniquely interesting in how they toy with a similar line-count while retaining more realistic proportions, which better fit the lens of the world portrayed by Yuki Funagakure’s art direction. Other than that, I really appreciated the way some features of the hair for all co-protagonists differed in both silhouette and shading to better fit their partner Pokémon’s features in either shape-language or volume—rather than going for less subtle similarities like possessing similar colors, which allow to play with complimentary tones.

Honorable mentions: Shield Hero Season 3 with Franziska Van Wulfen-sama designs; I feel they do really represent a possible happy future for anime, only time will tell.

Non-contemporary Work Award: Shiawase Sou no Okojo-san

Shiawase Sou no Okojo-san is such a visually inventive show, able to present absurd situations and melodrama in ways akin to shoujo manga, but with a clear-cut late-night anime vibe that helps make the Takahiro Kishida output feel at home. In a way, it almost feels like a spiritual prequel to Yama No Susume with how three-dimensional spaces are portrayed, although with a bigger use of “pure” cel scenes, but has such a feminine (perceived) elegance that places it at a distance from the more otaku-centric output of late night anime. An incredibly cozy yet seductive watch that experimented with some rather curious visual tropes.

Creator Discovery: Saori Den

Don’t get me wrong, I was aware of the existence of this incredibly talented artist way before this year, but now I feel like I’m way more aware of Saori Den’s qualities and her quirks as a director compared to her enshutsuka days. Her compositions oftentimes work with unconventional center-right and center-left subjects, which are bound to leave as strong of an impression on the viewer as the peculiar timing of her multi-plane slides. She really made me re-evaluate how impactful a line of dialogue can be by adding a subtle motion of a different animation layer than the mouth, or when not showing the mouth of a character at all, which won’t even result on a more demanding workload than the usual serifu/flip flap mouth. Her constant use of POV hand shots created with just a still frame or a single cel moving aren’t as baroque as Ei Aoki’s more animated ones, but are quite more flexible and easily splash-able into more situations. I would bribe all around in order to get her some of her enshutsu instructions or kantoku bible!!!

Honorable Mentions: Yume Bakui, G-ko, the real potential of Mahmoud Moftah, Aaron Rodriguez, and Idlkllr.

Akihito Sudou

Animator, Storyboarder, Episode Director, Person With Good Taste [Twitter] [Sakugabooru Tag] Best Episode: Tengoku Daimakyou #10

A veritable threat of an episode that fuses Kai Ikarashi-san’s overwhelming artistic talent with idiosyncratic animation.

This episode depicts the inner workings of Juuichi as a character, and it leaves a lasting impact on the audience, as if gouging their hearts out.

Best Show: My Love Story With Yamada-kun at Lv999

Directed by Morio Asaka.

The conversations between characters have a snappy, pleasant tempo to them, and I was able to enjoy the story throughout all of the episodes without ever growing bored.

Best Movie: Gridman Universe

Akira Amemiya’s first time directing a theatrical work, for the Gridman series at Trigger.

The dry approach of the TV series remains intact, and there’s a lot of fanservice for the long-time Gridman fans. I remember clearly how satisfied the audience looked leaving the theater when I went to watch it.

Best Opening: Spy x Family S2 OP1 (link)

Storyboarded and directed by Masaaki Yuasa, I was impressed by the wealth of animation ideas present.

The art style, with its exaggerated silhouettes and perspective, makes you remember the primitive joys of animation.

Best Animation Designs: Skip and Loafer (Manami Umeshita)

The wonderful designs from Manami Umeshita, who served as character designer and chief animation directorChief Animation Director (総作画監督, Sou Sakuga Kantoku): Often an overall credit that tends to be in the hands of the character designer, though as of late messy projects with multiple Chief ADs have increased in number; moreso than the regular animation directors, their job is to ensure the characters look like they’re supposed to. Consistency is their goal, which they will enforce as much as they want (and can)., were the first things that left an impression on me when watching the anime.

In my opinion, the soft designs help to further accentuate the pure-hearted nature of the characters.

Geth

Always Purple [Twitter] Best Episode: Kusuriya no Hitorigoto/The Apothecary Diaries #04

A lot has already been said around the internet about why Kusuriya #04 is so special—on this very blog, even! So, to keep it succinct, I appreciate the extent to which this episode goes to craft a complete, personal work, as it is exceedingly rare these days to have as much drawing incongruence as this does with the surrounding anime. Moreover, the skill on display to emphasize characterful movement is second to none. It’s the best animated episode of the year.

Best Show: Tengoku Daimakyou

The 2023 calendar year marked the least number of currently airing anime I have watched since becoming a habitual seasonal enthusiast back in 2016. In terms of concrete numbers, this year I finished 18 of these things between TV, film, and OVA. Still a decent amount (kvin seems to think I’m still qualified!), but regardless, it’s about a 50% drop from last year. While it’s true that the state of TV anime has deteriorated significantly in just a few years, it would be unfair to attribute this sudden decline in interest entirely to that. The truth is, I simply have less free time. And when you have less free time, you tend to reserve it for unique and interesting stories. Tengoku Daimakyou is both of those things. I was enamored by the mystery established in the first episode and quickly took to the manga, binging until catching up. Overall, it’s not without its flaws, but even a flawed story told well can be fun to follow, and that’s exactly what it was for me.

Best Movie: The Boy and the Heron

As someone who goes out of their way to have zero expectations for basically everything in my life, I cannot say it has ever paid dividends quite to the extent that it did with The Boy and the Heron. Without delving into spoilers myself either, I would encourage anyone who is able to see it with as little knowledge of the material as possible. Hyperbole has always followed Hayao Miyazaki wherever he goes, but in this case, it truly was an unforgettable experience. The actual greatest to ever do it.

Best Opening: Hikari no Ou OP (link)

The directorial works of Kenichi Kutsuna regularly find their way into my yearly awards. I most appreciate the fact that there is a certain intangible wisdom that can be felt resting beneath the surface. Especially for anyone with a vested interest in the craft side of this hobby, that purposefulness tends to be extremely alluring. Part of Kutsuna’s genius is his being abundantly comfortable with breaking convention. For instance, I had an interesting discussion with Shengmeng Chen recently where he pointed out the lack of a book slide within the snowy field cut in Vlad Love’s OP. He thought it must be a mistake since, with the character walking across the screen, it feels a bit uncanny to not have the background slide in the opposite direction. Instead of guessing as to Kutsuna’s motives, I consulted my copy of the doujinshi dedicated to this OP that he released at a previous Comiket. It’s full of insights, and sure enough, he mentions intentionally keeping the background fixed so that it would feel misaligned. All this to say, Kenichi Kutsuna’s opening sequences are a reminder of the incredible minutiae intrinsic to animation.

Returning to Hikari no Ou, this OP reinforces the degree to which flora and greenery are a staple of his work—both in and of themselves and also as a means to depict full cel backgrounds. The presentation is so confident that it foregoes the need for robust animation, which is fortunate, or perhaps intentional, considering he was working with a much more modest crew than his previous OP. As a historian and scholar of sakugaSakuga (作画): Technically drawing pictures but more specifically animation. Western fans have long since appropriated the word to refer to instances of particularly good animation, in the same way that a subset of Japanese fans do. Pretty integral to our sites’brand., Kutsuna also managed to fit a reference to the iconic Record of Lodoss War OP.

On a final note, this may not even be the last time Kenichi Kutsuna directs an OP for Hikari no Ou, as the series is returning in the new year. Regardless of whether he reprises his role, though, we can only hope he once again publishes his thoughts and creative process!

Best Aesthetic: Skip and Loafer, Frieren: Beyond Journey’s End

These two series sharing an award make a lot of sense since they’re designed similarly: simple, unobtrusive filtering, and colours that agree with each other. This tends to be the winning formula as far as I’m concerned. Skip and Loafer in particular makes great use of pastels for fun and creative cutaways, which was also a major factor in my selecting Cool Doji Danshi for this award last year.

Keiichiro Saito may have inherited Shingo Natsume’s production line at Studio Madhouse, but Frieren’s art direction ended up with Sawako Takagi of Studio Wyeth rather than Studio Pablo (ACCA 13, Sonny Boy). There are few background studios remaining that are capable of painterly brilliance, such as those on display regularly in Frieren, so, more than any of the other blessings the series has incurred, it’s fortunate to have landed in very capable hands.

Best Animation Designs: Overtake! (Masako Matsumoto)

There weren’t any designs this year that genuinely floored me, but Masako Matsumoto’s interpretation of Takako Shimura‘s original illustrations on Overtake! caught my atención. It certainly helped feed my bias when her skilled supervision enabled the cast to move perpetually and gratuitously throughout the premiere!

Non-contemporary Work Award: Eureka 7

This is an easy category for me to write about since I have an ongoing, massive thread on Twitter chronicling my first full experience with Tomoki Kyoda’s mid-’00s landmark anime. If you have been following said thread, then I don’t need to tell you that it has been a frustrating rollercoaster-like undertaking as I witness one of the most expertly crafted anime repeatedly fail to connect the storytelling pieces in a satisfying or even coherent way.

Eureka 7 was made at a time when Masahiko Minami’s Studio Bones had found a comfortable footing. With strong ties to reliable supporters such as P.A. Works and DogaKobo, the studio was able to ensure consistent, quality animation even across their longer productions. Moreover, the high-end talent pool they had access to grew with each production, to the point where it could be argued that Eureka 7 is their most ambitious in that regard. With Eiji Nakada and Kenichi Yoshida responsible for mecha and character, respectively, the series’ animation was under the leadership of two of the greatest craftsmen to ever do it. In addition, the ancillary departments such as photographyPhotography (撮影, Satsuei): The marriage of elements produced by different departments into a finished picture, involving filtering to make it more harmonious. A name inherited from the past, when cameras were actually used during this process., art, music, and colour design were all riding in harmony along the same trapars. It’s a damn well-put-together anime, which makes it all the more tragic that its attempt at narrative is without focus. A major contributing factor to this is the fact that Eureka 7 was originally planned as a two-cour series and later stretched to four. It isn’t known exactly how late into the planning phase their quota doubled, but the multitude of aimless episodes speaks for itself. Perhaps there is a 24-episode cut of Eureka 7 out there that tells the succinct story of romantic techno-environmentalism that it so desperately wants to be, but until then, I’ll continue to appreciate the otherworldly craftsmanship that went into the design of this great series.

This is far from a proper discovery award, as Hirokazu Sato has been on my radar for a long time; truth is that I had a semi-viral tweet of their sneezing animation on Ganbare Douki-chan (2021) that I impulsively deleted a while ago. So rather than that, consider this my attempt to direct some deserved attention towards one of the three main animators for Undead Unluck, a series with no shortage of impressive animation (despite the art direction’s unfortunate inclination to spoil their efforts). Also in that role are two action veterans, Kazuhiro Miwa and Hiroyuki Okaji, who happen to be somewhat household names among the animation-enthused, so it’s fair to say Sato is at risk of being overshadowed.

In any event, the focus of my aforementioned deleted tweet was the Tetsuya Nishio-like efficiency in their animation. Sato often draws in a clean way that emphasizes shorthand movement. It’s worth noting that this Nishio comparison is purely observational, and it’s entirely possible Sato isn’t consciously aware of the sakugaSakuga (作画): Technically drawing pictures but more specifically animation. Western fans have long since appropriated the word to refer to instances of particularly good animation, in the same way that a subset of Japanese fans do. Pretty integral to our sites’brand. leyenda. If only their Twitter gave off the impression of being even remotely approachable! (lol)

Ken 🍁 Yamamoto

Animator, Storyboarder, Director, Aikatsu Respecter, A Leaf [Twitter] [Sakugabooru Tag] Best Episode: Jujutsu Kaisen #37 (S2 #13), The Magical Revolution of the Reincarnated Princess and the Genius Young Lady #03, The Idolm@ster Cinderella Girls U149 #04

Jujutsu Kaisen #37 is an episode that feels extremely well-realized, with its vision clear-cut from the start. Episodes 40 and 41 by Miso-san [Itsuki Tsuchigami] were great as well, but my personal belief is that the low-brow nature of commercial anime is its greatest charm, so this is more to my liking.

Similarly, there’s Tenten Kakumei #03. By their very nature, commercial anime makes it very difficult to depict beautiful subjects in all their beauty (I think only a very limited number of titles, such as [Isao] Takahata’s Princess Kaguya, even makes an attempt). The standard approach is to construct visuals using artistic iconography to some degree. This episode has a very high level of directorial sense, composing shots using framing and spacing as iconographic devices. With Tsurugi Katou-san’s hand-drawn effect animation (I believe) on top, it’s full of the charms of commercial anime, and just a plain good-looking episode.

As for the last one: the animation, storyboarding, and direction are all amazing so just go watch it. Even if you don’t know anything about iM@S, you’ll fall in love with Momoka-chan. Also, Arisu makes some good, dumb faces.

Best Show: The Iceblade Sorcerer Shall Rule the World

So good that every other commercial anime belongs in the past now. It’s been burned into my memories as the greatest work of visual entertainment out of countless works. This is the first name that would come to mind when asked about the all-time best things I’ve seen in my life.

Just when I felt myself getting sleepy at the long-winded exposition at the start of episode #01, the sudden encounter with his buff friend perked me up a bit, and by the time the main character was running in what looked like a parody of Get Out, it had completely captured my heart.

From there, I could do nothing but watch as I was overwhelmed by the drama of the main character, Ray White, regaining emotions appropriate for his age; the drama of his friends and acquaintances as they grow and develop; the endless barrage of surreal gags. Tan increíble. This might be the first time as an adult that I thought of a work of media as just pure fun from the bottom of my heart.

Since this is an animation blog, on a visual level, [Nobuhiro] Muto-san’s episodes, 5 and 11, are easily the best, with the timing for pans and tracking shots clearly on another level. You also get to witness [Tomonori] Kogawa-san’s AD work , and very rarely there are cuts mixed in where you feel the efforts of young animators, so personally I enjoyed it a lot on a visual level. However, it might take some time to adjust if you’re too used to watching dull anime from recent years with loads of post-processing and overly detailed cel art.

I can infer that most likely that there were some unfortunate circumstances with the schedule or whatnot, but the episode directors must have done a pretty good job, because stuff like the timing of the drawings and emoting is all on point. It really is an incredible anime.

By the way, the manga adaptation is really fun as a hot-blooded battle manga along the lines of s-CRY-ed, with really good art, so I recommend it as well.

Editor (Kevin’s) note: The manga is fun as hell, genuinely one of the most expressive things I’ve read lately.

Best Movie: ¡Aikatsu! 10th Story ~Mirai e no Starway~, Girls und Panzer Das Finale Part 4, Detective Conan: Black Iron Submarine

I can’t think of a better treat for original fans who have since become adults than the Aikatsu 10th Story movie. I cry every time I watch the scene of Ichigo repeating the same words over and over like a bird singing, accompanied by birdsong in the background. Fans of the series should definitely, absolutely, and by all means watch it.

As for Girls und Panzer Das Finale Part 4, I’d describe it as Mad Max: Fury Road but with cute girls and tanks. Hands down this year’s best in terms of entertainment. By far the most fun movie this year, despite not having watched the previous parts of Das Finale.

Finally, there’s the latest Detective Conan film. To borrow the words of Naoto Uchida-san, it’s very well-constructed. There’s not a moment of boredom, and the way especially in the first half, it goes from action to car chase scenes is just plain awesome.

Best Opening and Ending: A whole lot of them The Idolm@ster Cinderella Girls U149 OP: Cute, cheerful, the best. From the character introductions, the producer POV, to the very U149-ish answer to the series staple of having everyone show up and dance for the chorus, it’s all amazing. The Magical Revolution of the Reincarnated Princess and the Genius Young Lady OP: Love the way they compare and contrast the two main characters, the way they hold hands in the past and present, and the beautiful art filled with felicidad. Onii-chan wa Oshimai! OP: Too good. Miton-chan’s long rotation shot, for example, would be hard to pull off without really good animation, but it’s really, really impressive. The song is fun, too. Tonikaku Kawaii S2 OP: I only watched episode 1 of the first season, but after watching this OP, I bought all the volumes of the manga. Sequences that thematically touch on the long passage of time are always up my alley, no questions asked. Rokudou no Onna-tachi OP: Extremely high level of precision in the key animationKey Animation (原画, genga): These artists draw the pivotal moments within the animation, basically defining the motion without actually completing the cut. The anime industry is known for allowing these individual artists lots of room to express their own style., AD corrections, and in-betweensIn-betweens (動画, douga): Essentially filling the gaps left by the key animators and completing the animation. The genga is traced and fully cleaned up if it hadn’t been, then the missing frames are drawn following the notes for timing and spacing.. The timing and action for the action part where the bike goes flying in the chorus is really cool. I often look back on it as a reference. The level of care shown here must be really difficult to pull off in modern times. Gotoubun no Hanayome ∽ OP: Seeing all the unexplained light effects flying around makes me appreciate the brute force of Hiroto Nagata-san (storyboards/director) introducing his own field of expertise. The part in the intro with all five having the same eye color, as well as the juxtaposition of all five of their torsos while running, are both visual effects you could only pull off for this show, with these quintuplets. Realmente me gusta mucho. Dekoboko Majo no Oyako Jijou OP: I was impressed at the decision to parody the OP2 of the 2000 Saiyuki anime today. Animation-wise, Alyssa shifting her weight in the walk cycle loop in the first verse is good, and the shadows on Giriko’s crossed legs in the pre-chorus is beautiful in a stylish way that reminds me of [Kazuchika] Kise-san. Fate/Samurai Remnant OP: Nakaya Onsen is unbeatable when you let him make awesome sequences. Undead Unluck OP, as well as the ED: It takes the motifs present in the manga and expands upon them in an interesting and very fun way. The classic style in which it introduces the characters with the action during the chorus is the ideal way to show off the atmosphere of the original manga, and I like it a lot. Tenpuru ED3: Filling up 90 seconds with just walk cycle loops, a number of cuts as punctuation, and different backgrounds is super neat and I love it. Best Aesthetic: Hirogaru Sky! Precure

Hirogaru Sky Precure is, in fact, good.

Best Animation Designs: Skip and Loafer (Manami Umeshita), Bungo Stray Dogs (Nobuhiro Arai), Tenpuru (Masako Katsumata)

Skip and Loafer‘s designs are simply beautiful. [Manami] Umeshita-san, who was in charge of them, once did key animationKey Animation (原画, genga): These artists draw the pivotal moments within the animation, basically defining the motion without actually completing the cut. The anime industry is known for allowing these individual artists lots of room to express their own style. for me on The Promised Neverland S2 OP (if I may brag). I was blown away by how good she was, so I’m happy to see so many people enjoy her work.

As for Bungo Stray Dogs, the characters’ faces and silhouettes are leagues above when it comes to how pretty they are. I have enough fun just looking at those faces, but when you combine that with [Takuya] Igarashi’s direction, it makes me want to draw really cool drawings. Not that I can draw them.

Meanwhile, Tenpuru‘s designs are stylish, cute, and surprisingly classy for a fanservice anime. It felt weird being able to watch it with my mind at ease.

Non-contemporary Work Award: Bakusou Kyoudai Let’s & Go!! WGP

At the time, I enjoyed watching it off of recorded videos I had sent to me from Japan. In terms of animation, it’s fun watching all of the Sunrise/IG/Tatsunoko/Xebec people going wild, and it’s a very 90s anime in how well-made it is. It’s a work that I aspire to reach.

Creator Discovery: Masahiro Takata

With the resources available to him, Masahiro Takata tries to create the best anime posible. In the modern anime industry, where manpower and time are both lacking, yet the demands keep increasing without end, his work embodies the attitude that is needed the most.

Iceblade Sorcerer and Dekoboko Majo really served to open my eyes, and in my mind, I now see everything as either pre-or post-Iceblade Sorcerer.

Maki

Professional Homo [Twitter] Best Episode: Oniichan wa Oshimai! #01

With a complex storyboardStoryboard (絵コンテ, ekonte): The blueprints of animation. A series of usually simple drawings serving as anime’s visual script, drawn on special sheets with fields for the animation cut number, notes for the staff and the matching lines of dialogue. that took far longer than director Shingo Fujii anticipated, immediately drawing cries of panic from the storyboardStoryboard (絵コンテ, ekonte): The blueprints of animation. A series of usually simple drawings serving as anime’s visual script, drawn on special sheets with fields for the animation cut number, notes for the staff and the matching lines of dialogue. artists for the following episodes, and as the only episode of the series to have character designer Ryo Imamura as solo sakkan, Onimai #1 was a bombshell. There are so many things to highlight: Fujii’s layoutsLayouts (レイアウト): The drawings where animation is actually born; they expand the usually simple visual ideas from the storyboard into the actual skeleton of animation, detailing both the work of the key animator and the background artists., the fantastic opening sequence with work by Miton, FukurouP, Kaori Imai, and Yuki Matsubara; Ann Nakai’s dress-up portion; Miton’s work on the lingerie scene; Kay Yu’s comical acting; basically all of Imamura’s corrections…. It’s all brough together under Fujii’s directing—a knockout of a first episode, and one that perfectly draws the viewer in to the rest of the series. My personal highlight would be Ann Nakai’s sequence; I absolutely love the movement of the fabric and the cartoony comedy of Mihari’s reaction, as well as small bits like how Mihari’s hair gently blows up then settles as she quickly crouches down.

Honorable mentions: Uma Musume Pretty Derby Road to the Top #4, Tengoku Daimakyou #8, Oniichan wa Oshimai! #12.

Best Show: Oniichan wa Oshimai!

Really the only choice for me. I loved this show from start to finish; beyond simply being a collection of pieces made by all-stars (though it certainly was that), I loved the way first-time director and first-time character designer Shingo Fujii and Ryo Imamura—both by all respects ace animators, trying something new for the first time here—approached both the content and the production. In the BD booklet interviews, Fujii discusses how it was part of their production plan to have Mahiro’s physical acting be more masculine at the beginning of the series, and to slowly bring out more feminine movements over the first number of episodes, which ended up subtly building up both the language of the show and the gradual shifts in Mahiro’s character over time, making the decision in the last episode hit all the harder—in a way that it never did in the manga.

Of course, with Fujii and Imamura heading the show, and with Toshiya Otomo (Yama no Susume, Mushoku Tensei) as animation producer, a dazzling lineup of their friends and other young animators were chomping at the bit to work on the show with them. Of note is how the flexibility built into their production plan allowed for some of the scenes that attracted the most attention, like the bathing suit scene in #03 that Miton was in charge of and which garnered a huge reaction online. When discussing the scene it was pointed out to Fujii that Kaede’s chest was, at the character design stage, not anywhere near as large as it’s depicted here, Fujii says that while Miton had already drawn it particularly large during the genga stage, he gave the OK to make her bust even larger, since that fit the directorial vision of it being seen from Mahiro’s perspective. Gotta love it.

I could go on and on about this show—the cuts and changes in content that elevate it over the simple (but of course still good!) gender-bender comedy of the original manga; the research the team did into transgender issues to nail certain aspects of Mahiro’s character; the way Fujii and Imamura used it as an opportunity to train newbie animators; how the 250-cuts-or-less per episode limit that they imposed helped to bring out the slower pace that ended up being so characteristic for the series; and of course, Mahirochan kawaii. There’s far more to talk about, but I’ve already written a lot, so I’ll leave it here. I look forward to seeing what Fujii directs next! 😉

Best Movie: Hibike! Euphonium: Ensemble Contest

This may be cheating since this is technically an OVA (that just so happened to earn more than some of the more hyped-up movies of the year in its limited theatrical run—Eupho strong); but man oh man was it absolutely wonderful to take in that Kitauji air once again. With Taiichi Ogawa taking up the post as assistant director in addition to Tatsuya Ishihara reprising his seat as director, and with a whole slew of both new and familiar faces in the trenches, this was exactly the return that Eupho fans had been waiting for, showing off exactly how far KyoAni has been able to come since the tragedy of the arson in 2019. Filled to the brim with that inspired, natural character acting that’s like a calling card for the studio (I obviously couldn’t help but fall in love with Kanade’s shadowboxing) and, in classic Eupho fashion, showing us Kumiko’s growth as she becomes used to her role as the newly appointed club president, it was the perfect transitory interlude between the previous film and the upcoming third season. (Thank you for the Minami Middle content. Thank you. Thank you. Thank you…)

Best Opening: Tengoku Daimakyou OP (link)

This probably needs no introduction. Weilin Zhang’s OP for Tengoku Daimakyou is an instant success on all fronts, with a lineup that most would kill for. Moaang, soty, and Shingo Yamashita is like a rotation from my dreams; I particularly love the intensity of Hakuyu Go’s running sequence, which echoes the conflict that’s core to Kiruko’s character. All of it is unified under Zhang (who did the composite himself), with an aesthetic that’s ideal for the strange, emotional-but-funny-but-wow-that’s-fucked-up space that Tengoku Daimakyou ocupa. I had been a fan of the manga for a while, and I could not have asked for a better intro for this series.

Honorable mentions: Oniichan wa Oshimai! OP, Uma Musume Pretty Derby Road to the Top OP, Shounen yo Ware ni Kaere, live performance by Tsukino Mito and Lize Helesta atにじさんじ 5th Anniversary LIVE「SYMPHONIA」. As for endings, Gundam: The Witch from Mercury ED2!

Best Aesthetic: Little Goody Two-Shoes

Okay, yes, this is a video game, but hear me out: Little Goody Two-Shoes was my surprise of the year—an exquisitely done RPG Maker-style horror game with an exceptionally realized nostalgia-bend of an aesthetic; admittedly two things that are laser-targeted toward me in particular, as I both am of a Certain Age and have loved RPG Maker horror games for years now. Produced by a 5-person Portuguese team (AstralShift), who previously released Pocket Mirror ~ GoldenerTraum, LGTS‘ aesthetic hits a home run on all fronts for me. Whether it’s the environments that evoke storybooks or, perhaps, 90s adventure games, the absolutely gorgeous hand-painted backgrounds that harken back to classic World Masterpiece Theater shows like Anne of Green Gables and Heidi: Girl of the Alps, or the nostalgic mini-games being presented as literal arcade cabinets, this is a game that knows exactly how it wants to present itself to the player. And yes—it is indeed gay.

It’s a gorgeous, incredibly impressive game that has clearly had endless amounts of love poured into it; it borrows from classic anime in spades, but none of it ever feels heavy-handed or too close to what it’s borrowing from, which is a testament to how seamlessly integrated the aesthetic is to its entire experience. I found myself constantly surprised and delighted as I found my way into new and entirely different environments or discovered new visual elements over my playtime. I haven’t even touched the character designs or the opening movie—the latter of which was produced by Studio Nostalook, whose 2021 Dua Lipa music video didn’t do all that much for me personally, but whose work here I feel hits just the right notes. By the way, did I mention that the character sprite work is excellent too?. LGTS is easily my pick for the best aesthetic of the year; probably the past several years, even. I must say, it’s by far my favorite work in general to come out of the larger ‘anime nostalgia’ trend of the past decade or so.

This one is definitely cheating, since Minoru Ota has been around for a while, with his first credit as an inbetweener on Nichijou’s episode 0. (As an aside, he also did a favorite scene of mine in Liz.) However, what I want to highlight here is how, with Ensemble Contest, he has succeeded Hiroyuki Takahashi in his role as Eupho’s instrument animation director, a role that Takahashi held—and was outrageously good at—through both the K-On! and Eupho series up until now. (Note that Ota actually worked alongside Takahashi on Violet Evergarden, as they were jointly in charge of the accessory settei there, a role he reprised in both Haruka Fujita’s Violet Gaiden and the 2020 movie.)

Not content to simply accept the torch from his predecessor, he’s also intentionally bringing his own touch to the series. This comment of his from August shows how his approach might differ from Takahashi’s technical precision; for Ensemble Contest, he says that he worked particularly on developing the ‘radiance’ of the instruments even further than previous entries in the series, which is evident immediately, with the textures of Kumiko’s eupho in the very first scene dazzlingly dancing as she plays. I—along with I think most Eupho fans—am overjoyed to see Ota take up the mantle of instrument AD, and I cannot wait to see his work develop even further in the upcoming third season.

Honorable mention: I’d also like to use this space to mention Ann Nakai, who, despite being a complete newbie when starting work on Onimai, consistently produced seriously stunning work as part of the show’s core team. I became a fan immediately, and am really looking forward to seeing more of her in the future!

Natasha

Ah, Satan [Twitter] Best Episode, And Also Creator Discovery: Jujutsu Kaisen S2 #01 And Shota Goshozono

Ever since 2011, I have been in search of a creator who matches the imagination, skill, and mind of horror-lover Masashi Ishihama. Very few people match his unabashed love for the dark and the surreal, and his knowledge of how to evoke fear in the medium of animation. It’s come in blips and flares throughout the decade, but Jujutsu Kaisen‘s second season was where I really saw that potential arrive through the eyes and hard work of Shota Goshozono, who also happened to storyboardStoryboard (絵コンテ, ekonte): The blueprints of animation. A series of usually simple drawings serving as anime’s visual script, drawn on special sheets with fields for the animation cut number, notes for the staff and the matching lines of dialogue. what I consider one of the most striking pieces of horror of 2023. So, let me merge categories and quickly explain why this was such an impactful episode for me, and how it allowed me to discover a talent I’d been looking for.

JJK S2 episode #01 sets the tone for a 90’s-esque X Files investigation with warped perspectives, lengthy cuts, cinematic layoutsLayouts (レイアウト): The drawings where animation is actually born; they expand the usually simple visual ideas from the storyboard into the actual skeleton of animation, detailing both the work of the key animator and the background artists., and the usage of analog home video and distorted narration clips. Combining a blending of 3D camera work with masterful sound design, Goshozono creates an episode that has filled me with the same kind of dread I haven’t felt since Ishihama’s work on Occultic;Nine or From the New World.

Goshozono’s talents extend beyond this episode, but there’s been enough coverage of Jujutsu‘s strained production conditions for me to comment any further. This has been a wild ride, pairing the mindset of efficient storyboarding against unmatched levels of rushed scheduling demands, with flashes of genuine auteur craftsmanship. At the end of this tunnel, though, I see a bright future for someone as talented and resourceful as Goshozono.

Best Show: Vinland Saga S2, Pluto

It feels a little unfair to weight the likes of Vinland Saga and Pluto against other titles; they are built after all, on the sinew, muscle and bones of what I personally consider to be two of the best mangaka of recent decades. But beyond the inherent excellence of the material, both shows do a solid job of briefly elevating their respective manga, and cover themes that I’ve yet to see covered in recent anime.

Episode #17 of Vinland Saga in particular, showcases the effects of toxic masculinity, the insurmountable loss of war and discrimination, and the endurance of love across these moments of brutality. In a year where these topics become increasingly relevant, Vinland Saga feels like a slow balm; it eases that pain, but doesn’t cure it—on the contrary, it reminds me of why these topics are so critical to discuss in the first place. Pluto, for similar reasons, is here, with not-so-subtle references to the Iraq war and a discussion on the ever so fraught relationship between humanity and technology.

Honorable mention: On the other side of the spectrum, Skip and Loafer is unabashedly earnest and warm in everything it chooses to have dialogue about, and those dialogues are often refreshing. Charming character designs and a bright colour palette serve as a fantastic backdrop against an unconventional coming-of-age story, and it would be an understatement to say that this show was a much-needed bright half-hour in my life for three months.

Best Movie: Spider-man: Across the Spiderverse

I admittedly didn’t get much of a chance to see many of this year’s film darlings (namely Suzume and The Boy and the Heron) but somehow, I also know that even if I had, the neon-streaked and dazzling Spiderverse would still remain glued to the back of my eyeballs.

Into the Spiderverse was already an ambitious feat; putting animation and its connotation as a medium, not just as a source of family-friendly adventures, but back on the map for the world. Across the Spiderverse plants that reminder firmly into the ground, albeit not without severe consequences. Every character comes with their own personality that’s deeply embedded into distinctive animation styles, rules, and design. Then layer on the aspect of multiple worlds, all blended with references to art in reality, blended with CG composite as much as real materials (xerox machines, Indrajal comics, screen tones, etc). What you get is a product of dazzling proportions, and a story that utilises the often-stale trope of the multiverse as an honest celebration of diversity.

Perhaps the most memorable part of Spiderverse, personally, was not just the movie—it was the culmination of hundreds of artists on Twitter showcasing their individual efforts to bring a scene to life, often during the time of the pandemic when collaboration was hindered, if not impossible. Spiderverse is possibly the year’s most innovative achievement, and a reminder of not just the limitless potential animation has, but that of diverse creators bringing together their experiences and perspectives into a medium that can be bold as much as beautiful.

Best Opening: Tengoku Daimakyou OP (link), One Piece OP25 (link)

If I had to choose any singular anime as the one that dominated 2023, it would unmistakably be One Piece; having finished the immense Wano arc in both the manga and anime, and landing the first successful live action anime adaptations we’ve seen in years. Nothing feels more celebratory of these feats than the 25th opening, which marks the rise of Megumi Ishitani as not just a fan-favorite in the world of One Piece animation, but as a full-fledged opening maestro in su propio derecho. A montage of detailed compositions, threaded together by evocative symbolism, shows not just how inventive and thoughtful of a storyboarder Ishitani can be, but also how she fundamentally grasps the soul of One Piece this year.

Tengoku Daimakyou‘s opening is also a banger in every sense, but for different reasons: it’s, to me, a highlight of how impactful Shingo Yamashita has been on the world of webgenWebgen (web系): Popular term to refer to the mostly young digital animators that have been joining the professional anime industry as of late; their most notable artists started off gaining attention through gifs and fanmade animations online, hence web generation. It encompasses various waves of artists at this point so it’s hardly one generation anymore, but the term has stuck. arte. Weilin Zhang takes careful measures to highlight that inspiration with an opening that nostalgically dazzles but also makes his own mark. Vivid colouring, a usage of silhouettes, and an emphasis on the basics of highlight, shadow, and shape—these are all classic Yamashita moves, but Zhang takes them to a new level to create chaotic and yet controlled energy in this opening, paired with an equally raw song.

Honorable mention: I can’t leave out how much I adore Masaaki Yuasa‘s Spy x Family opening. Spy x Family has had the fortune where every opening highlights the versatility of the show’s strengths—it’s sometimes a fun thriller, sometimes a beautiful appreciation of the mundane—and Yuasa adds to the mix by emphasising the warmth of a seemingly dysfunctional and wacky family. Shin-chan inspired designs, silly retro pop art backgrounds, tight sequencing, and snappy animation, all create a zany opening imbued with Yuasa’s signature charm.

Best Aesthetic, And Also Best New Medium: Alan Wake 2

Continuing on the horror train that I started me entry with: I admit, I’m biased when it comes to this selection. Alan Wake is one of my favourite games of all time, though in my heart it’s registered less as a traditional collection of interactive mechanics, and more as an experience. Alan Wake 2 ramps that concept up to 100%, but to give clarity as to how or why would also rob everyone of the much-deserved chance to “play” this new….thing for themselves. So, I won’t do that, but I will end this bit on: Alan Wake 2 is possibly my favourite experience this year that pushes the envelope of art engagement, storytelling, and the ever-evolving medium of video and audio.

Aesthetically, it’s stunning. It combines unmatched technical fidelity with striking art direction to create immersive landscapes of nonstop tension and intrigue. It both is deeply inspired by film noir and the 90s era of television, and challenging of it, with moody environments that pulse with volumetric fog, ray-traced and puddle-ridden streets, glossy neon flickering signs in dim alleys, and chromatic aberrated shadows, itching to destroy your soul. I have never been drawn in by such a grand metanarrative survival story that’s so clearly in tune with its own aesthetic; if there’s one flaw to this, it’s that I could wipe what I’ve played so far of Alan Wake 2 from my brain and experience it fresh again.

Kevin

Me [Twitter] Best Episode: Tengoku Daimakyou #08, Kusuriya no Hitorigoto/The Apothecary Diaries #04, The Idolmaster Cinderella Girls U149 #11

If there is any recipe to put together something likely to be remembered as the episode of the year, it would likely entail the overlap of significant narrative developments with memorable delivery—not the only way to achieve success by any stretch, but arguably the most straightforward one. Multiple episodes of Tengoku Daimakyou hover around that continuum, with Kai Ikarashi and Tetsuya Takeuchi’s #10 oozing charisma like no other episode this year, and several others landing genuine setting-shifting reveals alongside still impressive craftmanship. The one that resonated the most with me, though, is more akin to a side story; one that does make fascinating implications about the world, but a shift in focus nonetheless. It’s not the loudest showing in such an outrageous series, yet it hits like no other. And that is episode #08, the first full storyboardStoryboard (絵コンテ, ekonte): The blueprints of animation. A series of usually simple drawings serving as anime’s visual script, drawn on special sheets with fields for the animation cut number, notes for the staff and the matching lines of dialogue. by Haruka Fujita ever since she left Kyoto Animation.

It would be an understatement to say that she understood the assignment. Acting as the storyboarder but not sticking around to oversee its execution can get in the way of having one’s vision properly realized, especially if the production is done at a studio they don’t actually work for. But Fujita didn’t remain an outsider—not to the making of this episode, and certainly not to this story. She left a simply ridiculous amount of notes for the staff who had to eventually bring to life her boards; a genuine study of the characters across the entire series, explanations about the imagery that she herself had come up with to embody the recurring themes, and amusingly, even some notes expressing regret that she couldn’t stick around to direct the episode.

The result is nothing short of stunning. The elegance we’ve come to expect from Fujita makes an entire episode about death feel ethereal, and yet still so personable through her detail-oriented storyboarding. The episode is Tengoku Daimakyou at its most touching, and due to the show’s structure and Fujita’s gentle delivery, it’s bound to age like fine wine. While other episodes made a stronger splash—because they’re damn good, mind you—I feel like this is the one that will have the strongest legacy. It’s a given in my heart, at the very least!

If elegance is the name of my favorite episodes of 2023, there is only another one I’d put on this level; or rather, there’s one episode and an entire series, but I can show love to that show in the next category. Truth to be told, I don’t even have to say much about Kusuriya #04 either, mostly because I’ve already done so already.

The series as a whole is already one of my favorites this year, but its winning formula of procedural mystery and amusing character interactions transforms into something entirely different for a special episode led by China and Moaang. As funny as ever, but so much more deliberate in its framing. Acted with precision rarely seen on TV, which allows it to convey details that normal episodes would have to speak out loud—or simply fail to convey. It’s one of the most lavish episodes you can treat yourself to this year, with thought put into every little motion. And yet, it also stands out for its mindfulness of animation economy, for its ability to dance around limitations elegantly. It accidentally sparked a debate about shortcuts in animation around the industry, but I feel like debating works like this purely from an angle of “concessions” and “shortcuts” is giving too much credence to a quantitative, simply boring view of art. The choices of what should be drawn in detail have an aspect of guidance of the eye, and in a broader way, an austere beauty that is resonant before it’s smart.

This episode accomplishes all of this while retaining the intangibles to convey a story about love in a way that goes beyond all those specific, material details. It’s easy for this type of meticulous, detail-oriented direction to veer into overcalculated and cold; something that can have its uses too of course, but would have clashed both with the tenderness and bursts of fury that we witnessed in this episode had Chinashi not kept everyone’s emotions in the foreground. Outrageously good work spearheaded by one of the greatest (still!) young duos in anime.

My final shout-out has to go to The Idolm@ster Cinderella Girls U149 #11; directed and storyboarded by Atsushi Kobayashi, who has also been doing brilliant work on the likes of Vinland Saga S2, but also in an active conversation with the imagery that series directorSeries Director: (監督, kantoku): The person in charge of the entire production, both as a creative decision-maker and final supervisor. They outrank the rest of the staff and ultimately have the last word. Series with different levels of directors do exist however – Chief Director, Assistant Director, Series Episode Director, all sorts of non-standard roles. The hierarchy in those instances is a case by case scenario. Manabu Okamoto already established in the first episode. In my experience with the Imas franchise at large, I’d never bought onto Arisu’s character in the way others seemed to, but she finally clicked for me over the course of this episodes. They refuse to embrace a cheap twist about her parents having loved her all along, and instead empathize with a child prone to misunderstand the situation, and eventually shatter her misconceptions about adults in a way that lifts a load from her shoulders. The way Sheng Meng Chen’s animation abstracted her feeling of alienation is one of the most stunning moments of the year, but it’s also one that would only land in an episode that carefully depicts her psyche, and in a show that has set the foundations for that.

Honorable mentions: Basically every episode of Tsurune: The Linking Shot. Nobuyuki Takeuchi’s surprising (but not entirely) solo episode #09 of Kawagoe Boys Sing. Hirofumi Okita building the best, most authentically crowded city of 2023 for Kubo-san #11, not for its own sake but to contrast it to the world of two that the cute couple loses themselves in. Makoto Kato’s most stunning episode to date, Overtake! #09, for making me have an excellent awful time that is canceled out by just as uplifting of an ending. And, while its greatest episodes are in the first arc—#05 in particular—I must shout out Jujutsu Kaisen S2’s team for their work on episode #16. At a point in the production where the struggles they faced were tremendous, and even accounting for the prioritization of the episode, the degree of realization of Miso’s vision is truly amazing. It’s a sad context, but also one that emphasizes just how great of a feat they accomplished. Kind of like Zom 100 #01 in that way—another banger!

Best Show: Tsurune: The Linking Shot, Overtake!, Vinland Saga S2

The first season of Tsurune was a very enjoyable experience, a solid directorial debut Takuya Yamamura. It was archetypical in its sports narrative beats, but applied to a contemplative activity like kyudo, which made for interesting contrast. At the end of the day, though, its simplicity made me assume that it had a certain ceiling; and that might have made me assume something similar about Yamamura himself. The Linking Shot, to put it plainly, has pierced through those assumptions.

Besides presenting a new group of rivals with compelling conflicts of their own, this second season manages to peel away layers from preexisting characters and reveal a degree of internal complexity that you could have guessed from their first adventures. Their struggles, as well as those of the new rivals, tend to have the shared trait of contrast; sometimes it’s between social standings, a major theme across this series, and sometimes simply a clash in personalities. The team put lots of thought on how to translate that not just into the storyboards—most of them drawn by Yamamura himself, who got so carried away he nearly singlehandedly handled them all—but into the aesthetic of the show itself.

Carrying over the theatrical production energy they’d built up when making the (not really) recap film that preceded season 2, the team reformulated the show’s aesthetic and landed on something noticeably more complex. Again, this isn’t intricacy for its own sake, but an attempt to embody that idea of contrast into the world they inhabit; for example, art directorArt Director (美術監督, bijutsu kantoku): The person in charge of the background art for the series. They draw many artboards that once approved by the series director serve as reference for the backgrounds throughout the series. Coordination within the art department is a must – setting and color designers must work together to craft a coherent world. Shouko Ochiai didn’t just increase the level of detail in the backgrounds to better showcase the gap between fancy equipment and weary, scrambled together tools depending on the school, but also emphasized the contrast in right about every BG. That implied further collaboration with the digital department and a bigger workload for them, hence why photographyPhotography (撮影, Satsuei): The marriage of elements produced by different departments into a finished picture, involving filtering to make it more harmonious. A name inherited from the past, when cameras were actually used during this process. director Kouhei Funamoto went as far as coding applications to make the more involved process speedier for everyone. The story of The Linking Shot’s production is one of deliberate choices and collective, cohesive greatness.

This extends beyond anime itself, but there’s always been that idea that brilliant directors are necessarily tyrannical figures who are justified in their harsh behavior, because that’s just what genius is like. Though professional relationships are up to the people involved above anyone else, I have to say that I appreciate cases like Tsurune and Yamamura that strongly refuse that conclusion. In every interview with the team, the representatives of each department explained that a big reason why they were able to raise the bar was the director’s inadvertently motivational attitude. Yamamura would constantly swing by other people’s desks, praise their accomplishments, and also motivate them to share their own ideas; he would do so in a way they compared to a dog happily swinging its tail, or perhaps an excited kid. Though the ingredients were always there for an excellent show, I don’t think that its thesis could have permeated it so thoroughly without that extra push, nor would the quality have risen so much. I really hope Yamamura manages to bring that attitude to new projects in the future.

It’s only been a few days since we published a lengthy write-up about Overtake!, so I don’t think I have it in me to reiterate why it’s one of the best shows of the year; if you’re interested in confident scriptwriting that doesn’t hold your hand as anime tends to clumsily do, and bold direction that underlines those subtleties, you should simply give it a try. So instead, let me talk briefly about something else I recently did and am in the process of digesting still. After dragging my feet for so long, I finally watched Vinland Saga, and I couldn’t not give a nod to one of the best anime of the year. I’d initially stopped watching the first season after a couple of episodes, feeling some friction with the material I already loved, but I’m happy that a friend pushed me to watch this together.

The adaptation headed by Shuhei Yabuta dares to be in an actual conversation with the original work’s themes, making adjustments that may appear minor but come together to assemble the team’s own interpretation of this series. In an era where the demand for faithfulness often prevents adaptations to actively engage with the worldview of the original works, Vinland Saga is refreshing, and proves you can do that without the type of major rewrites that fans are so scared of. Someone yell at me to write about this show at length when I’ve got time, because this is a fascinating topic. I don’t have a secretary to issue these reminders, you know.

Honorable mentions: If we had a Rawest Anime Of The Year category, that would have gone to Uma Musume Road To The Top; and maybe we should add it after all, since it’s getting a spiritual successor bound to be even more aggressive in the next few months—maybe too soon given the schedule, but that’s a discussion for another day. I considered way too many episodes of The Idolm@ster Cinderella Girls U149 as potential favorites not to give it a nod as one of the best shows, especially since it does stick its landing very nicely; a story about kids, and even brattier adults, submerged in an often cynical entertainment industry but still emerging with a positive outlook.

Best Movie: The Boy and the Heron, The First Slam Dunk

It couldn’t be any other way: my movie of 2023 is Hayao Miyazaki’s The Boy and the Heron. I’ve written at length about the movie from the angle of Miyazaki’s often dreamlike, empowering physics, and how a movie that examines his own legacy feels weightier on a literal and figurative sense. I’ve read multiple writeups approaching it from different directions and finding just as much depth to it, and can even intuit the space to tackle it from many other angles. The Boy and the Heron feels like hanging out with a passionate friend over a drink, hearing a story that gets lost in one tangent after the other but that keeps you engrossed through the vast knowledge and whimsical turns. Except, in this situation, your friend also happens to be arguably the greatest director in anime history. It’s insane that this movie exists. So, rather than trying to make sense out of its abnormal existence, let me instead praise the most entertaining movie I’ve watched in 2023—while also ranting about the state of commercial anime, through the state of the biggest studio in the industry.

The current Toei Animation is uniquely depressing. That’s not because their cynicism is unlike what we see in other creative industries, nor because the studio’s inner workings are more reprovable than the norm in the world of anime, but rather because they’re in a position where it’s easy to see the potential for something greater—something they stifle themselves. While we constantly condemn the anime industry’s inability to properly train younger creators, Toei has built a very impressive mentorship regime; one that can only raise a small fraction of the manpower they need to keep such a large studio running, but still a very thorough, deliberately slow process to absorb all the knowledge one needs to become a capable animator or director.

When they get to that stage, though, their personal voice is either silenced or forcefully channeled through someone else’s worldview. The studio’s evolution towards a model where everything is sustained by large franchises that have spanned for decades upon decades can’t possibly be walked back, but even in that stage, they always used to make room for passion projects on the side. This is particularly important for the younger, most creative members at the studio; ones who would need an escape valve to avoid burnout, as otherwise their job is to keep returning to the same established works—which often have narrower artistic constraints—over and over.

Toei themselves understand that, hence why this has traditionally happened, and why just a few years ago they announced a program for their younger staff to create original works. Megumi Ishitani is now known across the world for her contributions to One Piece, but her short film Jurassic! precedes those contributions. Much like her Geidai graduation film Scutes on my mind, it’s built around her love for dinosaurs, and could have been the start of something larger. That didn’t happen, and despite being billed as the first of multiple showcases of young talent, it was never followed up.

Toei has never stopped raising brilliant creators, but we’ve gone from a place where Rie Matsumoto and Yuki Hayashi could unleash their unique ideas onto Kyousougiga, to a studio that convinced Koudai Watanabe to pursue independent animation instead—bless Hanabushi’s work, don’t get me wrong—and that has kept Haruka Kamatani in the awkward position of being a clearly exceptional director, but one whose name remains obscure to even many dedicated fans, as she’s never done something truly of her own.

This is all to say that there is no one more skeptical than Toei Animation’s reliance on nothing but iterative franchises, reboots, remakes, revivals, and any other word you can apply to marketable series of old being revisited. Add to that the choice to pursue 3DCG animation, and trailers being bafflingly misrepresentative, and I think you can guess how I felt about The First Slam Dunk before watching it. Now, here’s an important detail, though: that movie is goddamn excellent.

As has been the case for the most interesting Toei revivals, The First Slam Dunk doesn’t just seek to deliver more of the same; and it’s especially not here to deliver a lesser version of the exact same thing you’ve already seen. Although it doesn’t incorporate its relationship with the fanbase explicitly into the narrative like Looking for Magical Doremi, nor builds everything around the idea of time having passed for everyone and everything like Otona Precure: Kibou no Chikara recently did, the movie still interrogated what it means to return to Slam Dunk after all this time. The series was a genuine phenomenon, directly responsible for an uptick in interest in basketball for entire countries, but enough time has passed that a straightforward sequel wouldn’t have the same impact—and let’s not even consider a remake.

The solution was to indeed return to the manga at a point after the original anime had ended, but not so consecutively to make it a regular sequel. And more importantly, to reconstruct the story in a way that shifts the lens of the protagonist from the fiery Sakuragi to Miyagi, temperamental in his own way. By focusing on his story and that of his family, the movie has an excuse to reintroduce the rest of the cast as well, who appear ever so slightly different from a point of view unlike that of previous Slam Dunk. It’s a movie that will feel familiar to preexisting fans, yet constructed as an onboard point for new generations. I can’t imagine the writing process was easy; despite having the foundation of a great manga, there are countless adjustments to make it a self-contained experience, and you need to play loose with time in a movie that is both about exactly one match of basketball and the entire lives of some people. Fortunately, the result is the most exciting singular game of basketball you’ll see.

The First Slam Dunk is an event movie to me. Though I’m not used to cheering during movie screenings—no judgement for those who do, as long as it’s agreed upon that it’s fine—I consider myself lucky to have first seen it at a special stage; well over a thousand people packing a large theater for the Catalan dub premiere, featuring the original dub actors and their fun stories about having aged so much since then that their children now kicked them out of the basketball court for their sorry display. Once the movie itself started, it came time for alternating cheers, laughter, and tense silence. Though I’ve experienced it in silent environments too and it remained as entertaining of a movie, the collective ectasis during the movie’s cathartic end to the match felt like the right way to experience it. It’s no wonder that it has been granted one of the longest screening runs in anime history.

The movie also ended up being a lot more technically interesting than the first trailers made it look, but I’ll save this talk for whenever the bluray release is out and we can point at specific scenes. I think I’ve made my point regardless: despite Toei’s obsession with the marketable past being such a depressing topic, The First Slam Dunk is a genuinely excellent movie.

Honorable mentions: Gridman Universe is a beautiful culmination of not just this story (for now!), but also of the relationship between the franchise, its creators, and the fandom. I’m not sure whether other people would count it as a movie or not, but the theatrical OVA Hibike! Euphonium: Ensemble Contest is a beautiful return to form; without being all that significant of an advancement in the overarching narrative, its thoughtful acting—leaning on the team’s accumulation of carefully depicted gestures of the past—makes a series that had been missing for a while feel immediately familiar and charming.

Best Opening/Ending: Shounen yo Ware ni Kaere, live performance by Tsukino Mito and Lize Helesta atにじさんじ 5th Anniversary LIVE「SYMPHONIA」

If you think I’m being cheeky with a choice outside the realm of actual openings, let me assure you that there is a genuine argument to give it these honors. Many of these performances have traditionally been accompanied by intricate, fun VFX recreations of iconic anime intros and outros. There is an interesting relationship with the performers themselves too, as they will often be involved in the creative pre-production; this is particularly true of Tsukino Mito, my one and only president, who is known for being very involved in the conceptual stages of the imagery, and has essentially drawn anime-like storyboards for all sorts of creative endeavors. Even beyond the aspects that directly track to anime craft, there’s some fascinating innovation going on in these events. The live augmented reality effect—now with more reciprocity with the projection of live comments—still feels like actual witchcraft to me, and its combination with actual props and traditional tricks like fog machines makes for an interesting blend. Plus, it’s inherently funny to combine virtual people with real pyro.

That specific performance is elegant with its imagery, and as impressive of a technological feat as the rest, but the truth is that it’s here because it’s the one that made me scream the most; especially as the two of them started dancing while singing. Is that enough reason to give it this award? The song is the second opening for Penguindrum, so I say it is. If you don’t like it, make your own list.

Honorable mention: Okay, fine, my favorite regular opening is Megumi Ishitani literally going full circle with her One Piece opening, flexing her composition skills while toying with that visual motif.

Best Ending: My Happy Marriage ED (link)

Shiori Tani is the type of artist you can tell holds a masterpiece within herself before the opportunity to unleash it actually comes. Her contributions to other people’s visions at studio Kinema Citrus are already great in their own right, and My Happy Marriage is no exception, but the real glimpse of her potential wasn’t so much in the actual episodes but the ending sequence; one she redesigned the series for, co-animating it alongside Ayaka Tsuji. As if shedding its skin, the series is distilled into a beautiful sequence that elegantly hits the same notes. While I do enjoy the show a lot, this is the type of ending that makes you wish for this separate interpretation of the story. The real wish, though, is something else: for Tani to be granted the canvas she deserves—and Tsuji too, for that matter!

Honorable mention: The second Gundam: The Witch from Mercury ending is a beautiful mix of its well-known external influences with the show’s own visual language, of commercial artists with more alternative figures. Da una bofetada. Also, Attack on Titan The Final Season FINAL CHAPTER ED: Good! ¡Excelente! Love it!

Best Aesthetic: Frieren: Beyond Journey’s End, Skip and Loafer

This year I’ve gravitated towards aesthetics that play an active role in the storytelling; meaning, something more involved than the inherent power that they always have over the feeling of any given work. I could easily highlight Tsurune: The Linking Shot for reasons I’ve already exposed before, so instead let me shout out… two shows I’ve also written about at length, but that definitely deserve that honor.

It goes without saying that one of those is Frieren, an anime that is as beautiful as it is thoughtfully conceived. The harmony in the colors—with a palette designed by Harue Oono—and the painterly, textured background art led by Studio Wyeth’s Sawako Takagi would be enough to depict a soothing, physically aging world, but it’s Seiko Yoshioka’s work on a conceptual level that I believe takes it to the next level. As I’ve written about at length, it was her duty to imagine Frieren’s setting beyond its original boundaries. What are the fauna and flora like in every corner, and how do they evolve day to day, season to season, year to year? What are the customs of the people in this world, and the objects they’ve built for those customs and daily necessities? How does their faith physically manifest? In essentially every episode of the show, there’s a detail answering these questions that was added through her extensive design work and collaboration with series directorSeries Director: (監督, kantoku): The person in charge of the entire production, both as a creative decision-maker and final supervisor. They outrank the rest of the staff and ultimately have the last word. Series with different levels of directors do exist however – Chief Director, Assistant Director, Series Episode Director, all sorts of non-standard roles. The hierarchy in those instances is a case by case scenario. Keiichiro Saito. Together, they’ve arrived at a breathtaking, noticeably lived-in world which perfectly embodies Frieren’s themes.

Although the ways in which it enrichens the narrative experience aren’t so easy to pinpoint, I also think that Skip and Loafer’s aesthetic excellence is as important as any other aspect to its storytelling. Series directorSeries Director: (監督, kantoku): The person in charge of the entire production, both as a creative decision-maker and final supervisor. They outrank the rest of the staff and ultimately have the last word. Series with different levels of directors do exist however – Chief Director, Assistant Director, Series Episode Director, all sorts of non-standard roles. The hierarchy in those instances is a case by case scenario. Kotomi Deai has earned a reputation for her exceptional eye for color, and here she reunites with color designerColor Designer (色彩設定/色彩設計, Shikisai Settei/Shikisai Sekkei): The person establishing the show’s overall palette. Episodes have their own color coordinator (色指定, Iroshitei) in charge of supervising and supplying painters with the model sheets that particular outing requires, which they might even make themselves if they’re tones that weren’t already defined by the color designer. Yuko Kobari for perhaps their best work yet. The ability to interpret the tones implied by the source material makes the series come across visually as gentle as it’s written, and when it comes to more precise shifts in color for the sake of a narrative point, the whole team responds properly. Skip and Loafer is a beautiful adaptation in a way that feels natural and effortless, and yet when you compare it to so many other shows out there, it’s clear that what they’ve achieved isn’t something you can take for granted.

Honorable mentions: I may not condone the apocalypse, but if it were to happen, can we arrange it so that Yuji Kaneko oversees its art direction? His work on Tengoku Daimakyou is but a reminder that if you want a beautiful wrecked city with overgrown vegetation, he’s the person to look out for. Also, in a less visible way and from a different angle, Nekotomi Chao raised the aesthetic bar for the Oshi no Ko anime with her color scripts and direction, which very often coincide with the most poignant moments in the show. While the series on the whole isn’t up to my taste when it comes to art direction and colors in the way that all the previously mentioned ones are, Nekotomi’s sense is always a homerun for me.

Best Animation Designs: Onii-chan wa Oshimai! (Ryo Imamura)

Whenever designs really speak to artists, you can notice a spike in fanart that doesn’t merely track to the overall popularity of the title. And when specific stylistic traits of animation designs enamor the audience in that way, then you see them carry over onto all sorts of drawings; aspiring animators, other folks in the industry, and regular fanartists will start applying them not just to drawings celebrating that title, but even personal art as well. In the same way that all sorts of people embraced Kerorira’s geometrical shapes, stark profiles, and even his painting tendencies after the Bocchi madness, I’ve noticed quite a few artists being fully on-board with the traits Imamura chose for Onimai’s designs, like the short dyed lines to give volume in an organic way. Also, Kaede, cute.

Honorable mention: There is no Oshi no Ko without Kappe. This is no hyperbole: the project quite literally owes its existence to her push to adapt it, and the entire production rested on the shoulders of one of the fastest and more impactful chief animation directors you’ll find in the anime industry. Beyond just how much work she did, though, is the arguably more important fact of what she accomplished. For Oshi no Ko’s very special first episode to land, and for the following ones to live up to it, the performers in the story need to be overflowing with visual charisma—something inherent to Kappe’s design work and intricate art. Also, she made Arima Kana cuter, which successfully widens the gap that makes her a funny pitiful existence.

Non-contemporary Work Award: Detective Conan

Any time you see someone asking a question in that format, the question is going to be Of course you jackass, you just described a common occurrence. I don’t think I’m particularly unique in choosing Detective Conan for that purpose; it has built up a ridiculously large backlog, its format leans itself nicely to it, and it just so happens to be one of the most popular series in the goddamn planet. Although Conan being enjoyable is not exactly surprising to me, since I’ve been watching it since I was a child, I’d been ignoring the TV show for long enough to think that it would be a good idea to rewatch the entire thing, however episodes a day I’d stay awake for. And let me tell you: it has been a great idea.

Conan isn’t only good, it’s also the type of franchise that has lasted for long enough to face changes in technology, distribution, and culture, so you get to experience how creators react to those—from its writing, having had to adapt the mysteries to a world where everyone has cellphones, to all sorts of visual changes due to the evolution of anime’s craft. The switch from 4:3 to 16:9, and the more granular evolution to embrace digital elements have forced this team to adapt their ways of expression; the show is simply not directed, framed, and certainly not animated in the same way as it once was, and a rewatch highlights every single one of those new steps.

Mind you, sometimes those are inarguably missteps, but the series finds ways to recover and reform an identity that remains appealing despite the limitations of an endless production. Even as someone who naturally gravitates more towards cel and rounder, more stylized design work like the one in the early stages of the show, I find the sharper linework with heavy lineweight variation of modern Conan to be an interesting way to capture the appeal of Gossho Aoyama’s artwork. I even find the many original cases in the series, every one goofier than the previous, to be pretty entertaining. Conan is just fun, yall. Probably the best batting average when it comes to OP/ED song selection for a long runner too!

Creator Discovery: Jeon Jinkyu (Sakugabooru tag), Danny Cho (Sakugabooru tag), The Fact That Morio Asaka Still Kicks Ass & Other Fun Directors At Yamada-kun Lv999

When it comes to the sheer surprise factor of encountering a creator whose work you were completely unprepared for, a couple of animators from very different fields have particularly stood out to me this year. I always keep an eye to GEIDAI ANIMATION students as it’s undoubtedly Japan’s leading program when it comes to mentoring alternative artists, and so this year I’ve once again encountered multiple individuals with resonant work that boldly steps into places that commercial animation prohíbe. And, out of them all, it was Jeon Jinkyu’s The House of Loss—produced by the legendary Koji Yamamura—that left me most speechless. Immersive, deeply uncomfortable, capable of giving a physical dimension to the feeling of alienation, and again embodying the potential only independent works hold. I only remembered to breathe back after it was over, and it still took me an extra few seconds to be able to do it normally.

Within the commercial animation space, my best discovery came attached to a realization: studio Dogakobo may employ some sort of dark magic. Back in their sakugaSakuga (作画): Technically drawing pictures but more specifically animation. Western fans have long since appropriated the word to refer to instances of particularly good animation, in the same way that a subset of Japanese fans do. Pretty integral to our sites’brand. heyday, the studio’s exuberant character animation made a lot of sense; they did excellent scouting beyond the regular premises of the industry, at a time when that wasn’t so common, and had quickly built a reputation for their bouncy, cute animation that attracted like-minded artists. But in many ways, those days are long gone. Key individuals behind that scouting process, such as everyone’s beloved Shouta Umehara, have left Dogakobo. Their brand has shifted from their original position, and the studio is stuck in an overproduction cycle that never helps. So, exactly how do they manage to keep raising one exceptional character animator after the other, at a rate that is far above industry standards? Black magic, I’m telling you.

Within that character-centric paradigm, Danny Cho burst into the scene with a stronger dash of fantasy; still with a knack for acting, but mixing in effects-heavy abstraction to make those potent emotions into something larger than life. His role in Oshi no Ko simply makes no sense for a newbie, who normally would have no place in animating so many pivotal scenes—but if there’s one thing that remains from Dogakobo’s golden age, is that if a youngster shows promise, you let them swing with all their strength. Really looking forward to what he can accomplish in the future, because his potential appears to be tremendous.

The sweetest surprise of the year, though, has been the realization that a historically significant director hasn’t lost his tocar. Morio Asaka is an all-time great and the director of some of my favorite shows of all time, but I’ve been rather critical of the way his modern output had gradually slid into an inelegant reliance on genre markers. Be it due to the gaming theme or whatever other reason, his approach to My Love Story with Yamada-kun at Lv999 has felt incredibly fresh in contrast to preceding works, making it into one of my favorite shows this año. His layered style allowed for playful delivery, encouraging other directors to do the same; Koji Sawai is a big veteran, but the framework Asaka built enabled his most inspired storyboards to date. Watching a creator whose best days you thought were behind rise back to their peak, encouraging others to do the same, is a feeling like no other.

Honorable mention: You, the reader, for surviving another year & another endlessly long awards presentation.

Support us on Patreon to help us reach our new goal to sustain the animation archive at Sakugabooru, SakugaSakuga (作画): Technically drawing pictures but more specifically animation. Western fans have long since appropriated the word to refer to instances of particularly good animation, in the same way that a subset of Japanese fans do. Pretty integral to our sites’brand. Video on Youtube, as well as this SakugaSakuga (作画): Technically drawing pictures but more specifically animation. Western fans have long since appropriated the word to refer to instances of particularly good animation, in the same way that a subset of Japanese fans do. Pretty integral to our sites’brand. Blog. Thanks to everyone who’s helped out so far!

Become a Patron!