Ahora que el primer arco del anime Dandadan ha terminado, podemos mirar hacia atrás y ver cómo representa la extraordinaria obsesión del director de la serie con la lógica interna, la forma en que eso ha permitido decisiones creativas y también las limitaciones que tiene su equipo para navegar..
En nuestro primer artículo sobre Dandadan, nos centramos en presentar a los miembros principales del equipo, así como las motivaciones detrás de sus elecciones creativas. El principal de ellos era el director novato de la serie. Director de serie: (監督, kantoku): la persona a cargo de toda la producción, tanto como tomador de decisiones creativas como supervisor final. Superan en rango al resto del personal y, en última instancia, tienen la última palabra. Sin embargo, existen series con diferentes niveles de directores: director jefe, subdirector, director de episodios de la serie y todo tipo de roles no estándar. La jerarquía en esos casos depende de cada caso. Fuga Yamashiro, cuyo perfil artístico es tan propenso a malentendidos que él mismo ha intentado en repetidas ocasiones aclararlo. El director niega ser un autor brillante y radical y se presenta a sí mismo como un tipo extremadamente lógico; solo tendría que agregar que es incómodo para hacer que el corazón de Momo dé un vuelco. Sus compañeros están totalmente de acuerdo con esa evaluación y se refieren a él afectuosamente como un enshutsu otaku: un geek que se obsesiona con los detalles técnicos, que ha recopilado las técnicas de todos los creadores que admira y luego ha creado un enfoque de dirección que se centra en reutilizar esos trucos almacenados./p>
Aunque destacamos múltiples aspectos a través de los cuales Yamashiro canalizó esa mentalidad lógica, ninguno de ellos destacó tanto como el uso del color por parte de Dandadan. Después de todo, es difícil pasar por alto que la pantalla esté completamente teñida de un color, o tal vez dividida en dos, lo que representa claramente un choque entre un par de personajes. Basándonos en el uso señalado durante el estreno, después de haber visto más episodios gracias a la preselección y también armados con la información proporcionada por los videos promocionales, hicimos algunas suposiciones informadas sobre la visión de Yamashiro. Es decir, supusimos que su enfoque ordenado lo había llevado a regular con precisión el uso del color, asignando un tono específico a cada ser sobrenatural.
Al otro lado del En las entrevistas bastante regulares que Yamashiro concede (una ventaja de que Dandadan es una serie popular y su producción está lo suficientemente avanzada como para permitírselo), ha estado abordando esas decisiones creativas con una precisión cada vez mayor. Si bien en las entrevistas que destacamos en el artículo anterior se centró más en que la filosofía fuera su dirección, a estas alturas (y gracias a un buen número de episodios que ya se han estrenado ampliamente) el director de la serieDirector de la serie: (監督, kantoku): La persona en a cargo de toda la producción, tanto como tomador de decisiones creativas como supervisor final. Superan en rango al resto del personal y, en última instancia, tienen la última palabra. Sin embargo, existen series con diferentes niveles de directores: director jefe, subdirector, director de episodios de la serie y todo tipo de roles no estándar. La jerarquía en esos casos depende de cada caso. Puedo hablar sobre cómo eligió manifestar esas ideas. En el proceso, ya confirmó nuestra especulación anterior; No es tanto una señal de que estamos atentos por nuestra parte, sino una prueba de que la entrega de Yamashiro es muy clara en su intención. Y, como suele ser el caso, los aspectos más interesantes estuvieron en las ideas adicionales que compartió.
Hablando con Mantan Web en esta entrevista reciente, Yamashiro subrayó por primera vez lo obvio: los cambios radicales de color son una representación visual de la acto de entrar en lo sobrenatural. Al asignar a cada grupo de este cóctel paranormal un color propio, no solo facilitan composiciones visuales marcadas cuando chocan, sino que también subrayan la idea de que esas especies o incluso individuos tienen sus culturas y características únicas.
Como habíamos explorado antes, la mezcla ecléctica de géneros de Dandadan nació de la afición del autor original por películas extravagantes como Sadako vs Kayako, que amplió para incluir youkai, extraterrestres (con un fuerte ángulo tokusatsu) y todo tipo de poderes psíquicos. Aunque la superposición entre estos seres de otro mundo es parte de la narrativa misma, esto expone un poco un binario en la premisa; por un lado, están los espíritus terrenales, a menudo ligados a mitos muy locales, y por el otro, los invasores extraterrestres que buscan genitales.
Para representar esa división, Yamashiro y su equipo decidieron asignar colores cálidos para la fantasía youkai y fríos para los extraterrestres en el lado de la ciencia ficción. Si has leído el material original, volver a ver los videos promocionales del anime te dirá que esto es lo que realmente están haciendo… en su mayor parte, ya que incluso el lógico Yamashiro admitió que tales reglas deben modificarse en aras de una ejecución visualmente convincente. Si vas a teñir pantallas enteras en una pequeña cantidad de colores para que combinen de manera interesante, será mejor que las elijas correctamente. Como le explicó a Mantan, el primer episodio que se centró en un contraste universalmente entendido entre rojo y azul fue muy a propósito, para que la audiencia pudiera aclimatarse a este enfoque.
Sin embargo, ¿no es eso precisamente? ¿El tipo de dirección caprichosa y conveniente que Yamashiro proclama evitar? Hasta cierto punto, la respuesta sería sí, pero la verdad es más complicada (e interesante) que eso. Para empezar, es importante comprender que no existe una dicotomía clara entre directores guiados por una lógica estricta y regulada similar a Yamashiro y virtuosos puramente instintivos. No busque más, Naoko Yamada, una de las creadoras sobre las que más hemos escrito en este sitio, y una de ellas curiosamente relevante aquí, ya que la producción de su última película se superpuso con la de Dandadan en el mismo estudio.
Como hemos explorado antes, el enfoque experimental de Yamada establece paralelismos entre los elementos centrales de la narrativa y los conceptos científicos; en Liz y el pájaro azul, dos personajes principales que fundamentalmente se aman pero que no se ven cara a cara están representados a través de la idea de números enteros coprimos, que solo comparten el número 1 como divisor común.. Lo personal se vuelve objetivo, absolutamente matemático, y eso luego se expresa a través de una mezcla igualmente amplia. En ese caso, por ejemplo, siguiendo la ruta numérica y transmitiendo esa discrepancia a través de diferentes bpm para la música de fondo que corresponden a las acciones de cada personaje, que luego la animación combina perfectamente. Ese lado más calculado está constantemente aderezado con un arte francamente impredecible, como el uso de calcomanías para expresar las historias de los personajes reflejadas.
En última instancia, la apreciación de Yamada por la mundanidad arbitraria le impide dar la impresión de ser una narradora que valora racionalidad sobre todo. En todo caso, ni siquiera está completamente convencida de la idea de que debe ser una narradora, porque se siente perfectamente cómoda priorizando la experiencia sensorial sin la estructura tradicional. Las reglas existen en sus obras, por eso una de las protagonistas de Liz suele juguetear con su cabello de forma reconocible, pero no deben convertirse en un dogma visible e incuestionable; cuando se le preguntó sobre ese gesto, negó que tuviera un significado específico dependiendo de qué lado de su flequillo estaba tocando porque ese nivel de certeza la convertiría en un robot a los ojos del director.
Cuando Yamashiro se llama a sí mismo un director con mentalidad técnica, entonces, vale la pena tener en cuenta que esto tampoco es una verdad absoluta. No se puede negar que es una tendencia fuerte en su caso, pero su particular enfoque de los roles de director añade fricciones interesantes a su visión clínica. Como individuo que ha construido un estilo impersonal recopilando técnicas que otros directores han utilizado en sus películas, para luego desmontarlas y reutilizarlas en sus propias obras, muchos de los trucos que toma prestados tienen una fantasía inherente. Es posible que Yamashiro no use una técnica en particular solo porque sus instintos le dicen que se siente bien, pero se inspira en directores que en ese momento la usaron por esa razón, por lo que la alegría es parte de Dandadan de todos modos.
Incluso más allá de los matices y las pequeñas contradicciones de su filosofía, también vale la pena considerar dónde señala Yamashiro esas necesidades lógicas. Para decirlo claramente, la gran mayoría de los espectadores nunca tendrán idea del razonamiento detallado detrás de cada elección minuciosa de su trabajo, y el director está perfectamente contento con eso. Mientras el resultado esté sujeto a escrutinio si alguien intenta hacerlo, y mientras sus propios antojos sean satisfechos, el objetivo se habrá logrado. De hecho, Yamashiro puede evitar tomar una decisión estilística específica solo porque pensó que se veía genial, pero estará feliz de dejarte con la sensación de que así es, incluso si no cuestionas la mecánica interna que permitió esa frescura.
Como también escribimos anteriormente, Dandadan es un trabajo de puro entretenimiento que el autor original escribió después de múltiples fracasos para ser serializado, en un punto en el que su editor le aconsejó que se dejara llevar. Incluso si el director del anime es alérgico a Rule of Cool, está dando todo de sí para capturar la experiencia de una serie que trata sobre eso. Cuando hablamos de su enfoque lógico, entonces, estamos examinando un intento de racionalizar una serie absurda. Si bien esas perspectivas en competencia normalmente chocarían, el ingenio de Yamashiro le permite construir un andamiaje lógicamente sólido que refuerza la emocionante locura de la obra original. En algunos momentos, simplemente tiene que aceptarlo; después de todo, es una serie ruidosamente fantástica. Sin embargo, siempre que sea posible y con un grado de convicción que rara vez verás en un director de serie novato. Director de serie: (監督, kantoku): La persona a cargo de toda la producción, tanto como tomador de decisiones creativas como supervisor final. Superan en rango al resto del personal y, en última instancia, tienen la última palabra. Sin embargo, existen series con diferentes niveles de directores: director jefe, subdirector, director de episodios de la serie y todo tipo de roles no estándar. La jerarquía en esos casos es un escenario caso por caso. Hará todo lo posible para que todo sea interna y materialmente coherente. No es una ley absoluta, sino una inclinación fuerte y deliberada.
Al regresar brevemente al primer episodio, podemos apreciar las profundidades (y las limitaciones ocasionales) de la obsesión del director por la lógica. Anteriormente habíamos discutido los esfuerzos de Yamashiro por arraigar sus elecciones en las reglas y posibilidades del mundo en un sentido muy tangible, en ese intento suyo de que todo tuviera sentido. Por ejemplo, destacamos cómo esas representaciones de iluminación y color en el primer episodio se hicieron lo más diegéticas posible. Sin embargo, lo que estas entrevistas más recientes han dejado claro es que el equipo de Yamashiro está operando construyendo una red invisible de razonamiento lógico que facilita una elección tras otra, como si fueran secuenciales. Nuevamente, al director le parece bien que el público no se dé cuenta de nada de eso; quiere proporcionar una base que te permita imaginar cómo podría suceder cada pequeño detalle dentro del mundo de Dandadan, pero en realidad no le preocupa explicarlos en voz alta.
Para ejemplificar esto, simplemente podemos considerar Las aventuras separadas de Momo y Okarun para perseguir lo sobrenatural. Como señaló Yamashiro, lo primero que vemos en cada una de sus ubicaciones es la luna: un amarillo cálido cerca del túnel al que se dirige y un azul muy brillante pero frío en el edificio en el que se encuentra. Es obvio que esta distinción conduce a los eventuales enemigos (y, por lo tanto, a las paletas únicas) que los dos enfrentarán, pero hacer esto sin justificación perjudicaría al director. Entonces, ¿cómo podría justificar mostrar dos lunas claramente diferentes, en la misma noche, al mismo tiempo, en lugares relativamente cercanos?
Afortunadamente para él, una elección previa suya había permitido la solución este nuevo dilema. Como también habíamos comentado antes, Yamashiro había aprovechado un hueco en el cómic original (el hecho de que no vemos dónde estaba su nave espacial) para convertir la luna cerca del edificio en un OVNI camuflado. A su vez, sintió que esa era una elección adecuada porque esos mismos alienígenas se disfrazan para parecer naturales, por lo que probablemente también lo harían con sus vehículos.
Al pensar tan lógicamente, llegó a una posición donde la disposición de todas estas piezas es casi automática. Sus antojos lógicos podrían justificarse ajustando detalles para que las dos lunas tengan una muy buena razón para brillar en colores completamente diferentes; después de todo, uno de ellos no es la luna, sino el barco enmascarado de una especie enmascarada. Más allá de la solidificación de la acumulación, esto también permitió a Yamashiro usar la luz de la luna falsa con fines narrativos sin tener que preocuparse por una intensidad que no sería fiel a la vida real en absoluto. Este es el iceberg de la dirección de Yamashiro: una punta visible con estilizaciones convincentes para reforzar la narración, y bajo el agua, un cuerpo masivo de racionalización lógica. Puedes disfrutar de la belleza del primero sin ser consciente de lo que hay debajo, pero es interesante echar un vistazo y notar cuán profundo llega.
A decir verdad, esta mentalidad normalmente sería más una limitación que algo más. Los directores más destacados no dudarían en aplicar códigos de colores similares y modificar la iluminación simplemente porque se ajusta al tono y a los personajes que quieren subrayar; Es posible que algunos de ellos ni siquiera expresen nada de eso con palabras, porque valoran más la imaginación y, naturalmente, toman estas decisiones.
Personalmente hablando, tampoco creo que sea necesario; en todo caso, la obsesión. Justificar narrativamente cada elección de director puede conducir fácilmente a una entrega menos convincente, porque estás limitado a lo que puedes justificar. Lo más impresionante aquí, entonces, es la capacidad de nuestro director novato para imaginar convenientemente lo que puede existir dentro de los espacios naturales de la obra original, que luego puede utilizar para respaldar sus adiciones de manera coherente. Tiene una creencia que posiblemente hace que su trabajo sea más difícil con una fuerza notable y, cuando se trata de ello, ha demostrado que puede tener éxito en este desafío en cierto modo autoimpuesto. Primero resumimos a Yamashiro como lógico, pero el ingenio está entre sus cualidades definitorias.
Si pasamos al segundo episodio, esa mentalidad vuelve a estar a la vista. Después de todo, Yamashiro todavía está escribiendo el guión gráfico, esta vez con Rushio Moriyama como director del episodio; alguien que quizás conozcas como Tsukushi Yama, un animador que se destacó por primera vez en círculos independientes como Uguisu Kobo antes de emprender la ruta comercial junto a estudios como Science Saru. Los dos establecen un enfrentamiento que se regula de manera similar al del primer episodio, justo después de que Momo y Okarun se retiran al santuario donde vive su familia. Cuando otro ser extraterrestre les hace una visita, aíslan una serie de elementos del manga como punto de partida: a saber, el hecho de que están encerrados por paredes y que este nuevo enemigo arroja una niebla negra y venenosa. Siguiendo la visión de Yamashiro de codificar colores de manera que tenga sentido en el universo, estos elementos oscuros naturalmente los llevan a colores apagados por completo, lo que hace que la paleta única del Flatwood Monster sea blanca y negra que encaja vagamente en la idea de una sensación más fría para el extraterrestres.
Como suele ser el caso con estas elecciones estilísticas, hay un lado visceral en la experiencia de momento a momento, sobre todo en cómo resalta aún más los toques rojos que corresponden a los poderes de Okarun y Turbo Granny. También vale la pena señalar que, a pesar de toda su charla sobre lógica, Yamashiro a veces apela a los sentimientos de una manera más emocional y indirecta. Según él mismo admite, otra razón por la que la pelea de este episodio es monocromática es la inspiración tokusatsu. Al diseño del propio Okarun se le aumentaron los reflejos rojos en primer lugar porque quería evocar el diseño de cierto héroe incluso más que el original. lo hizo, y en esta primera pelea con un poco de sabor kaiju, quería que la audiencia se sintiera como la gente cuando vio la primera serie de Ultraman. Si bien esa serie fue técnicamente filmada en color, Yamashiro cree que la mayoría de la gente la asocia con recuerdos de verla en televisores antiguos en blanco y negro en los años 60, lo que hace que su apariencia sea inmediatamente más evocadora. Una vez más, tenemos pruebas de que incluso con sus fuertes inclinaciones, el director no es una máquina calculadora perfectamente fría que sólo puede trabajar a través de hechos.
Otro aspecto consistente de la dirección es el ritmo característico, que marca bajó de la falta de aliento del primer episodio a simplemente enérgico durante el tiempo de inactividad del episodio n.° 02. El equivalente del programa a una pausa para establecer el escenario es esta entrega rítmica y muy divertida de un paseo de regreso a casa, más relajada. que nada en el estreno y, sin embargo, avanza constantemente. Por otro lado, su acción continúa dándote el tiempo justo para ser consciente del entorno y así disfrutar del aspecto más de resolución de acertijos de estas peleas, siendo por lo demás una experiencia frenética.
Tanto como Sin embargo, momentos como ese se destacan, la regulación del ritmo de Yamashiro a través de los guiones gráficos también es clara en los momentos más tranquilos. El director ha expresado un profundo cariño por los trabajos de directores como Steven Spielberg y Robert Zemeckis de los años 80 y 90. Si bien sus películas no son relativamente largas, en su opinión se sienten muy densas debido a la capacidad mecánica de los directores para incluir naturalmente tanto en cada toma individual que no necesitan detenerse y dedicar otras más para transmitir más información..
También hubo destellos de esta mentalidad en el primer episodio de Dandadan, cuando Yamashiro omitió pequeños paneles de establecimiento y en su lugar los condensó en tomas más grandes retirando la cámara y siendo inteligente con el bloqueo. En esta segunda, esto se muestra mejor en una escena que también bebe de sus constantes justificaciones lógicas. La necesidad de Momo de vestirse pero sin que un Okarun la mire con los ojos con los ojos se resuelve añadiendo un espejo, lo que permite que toda la escena se reproduce de una forma más eficiente, forma aún natural y, al mismo tiempo, utiliza un espejo como una representación más abstracta de la idea. de mostrar (y ocultar) su verdadero yo.
Dado un director de serieDirector de serie: (監督, kantoku): La persona a cargo de toda la producción, tanto como tomador de decisiones creativas como supervisor final. Superan en rango al resto del personal y, en última instancia, tienen la última palabra. Sin embargo, existen series con diferentes niveles de directores: director jefe, subdirector, director de episodios de la serie y todo tipo de roles no estándar. La jerarquía en esos casos depende de cada caso. con una visión tan clara fue directamente el encargado de montarlo, el episodio #02 manteniendo exactamente el mismo espíritu no es una sorpresa. Pero ¿qué pasa entonces con el tercero? #03 fue uno de los primeros esfuerzos de guión gráfico y dirección de Daiki Yonemori también conocido como Mol, el hermano menor de cierto prodigio sobre el que hemos escrito varias veces. Mol aborda el papel desde un ángulo diferente, ante todo como ilustrador y no como un animador de personajes sumamente articulado, pero este episodio también demuestra su adaptabilidad. Como si fuera el propio Yamashiro, Yonemori toma un lugar predominantemente verde y lo tiñe con colores más cálidos, creando la anticipación del enrojecimiento de Turbo Granny. La lógica general brilla mejor a través del uso en el universo del encendedor y el cigarrillo de la abuela para ese propósito, lo cual es tan claro como ejecución de esas ideas como cualquier cosa el director de la serie Director de serie: (監督, kantoku): La persona a cargo de toda la producción, tanto como creativo tomador de decisiones y supervisor final. Superan en rango al resto del personal y, en última instancia, tienen la última palabra. Sin embargo, existen series con diferentes niveles de directores: director jefe, subdirector, director de episodios de la serie y todo tipo de roles no estándar. La jerarquía en esos casos depende de cada caso. se le ocurrió. Incluso cuando se trata del humor agudo que se desprende del marcado contraste, el trabajo de Yonemori es tan bueno como siempre.
Vale la pena volver a la escena final del episodio 02 por un momento, sólo para admirar la excelente ejecución ( la articulación inhumana del cuerpo de Okarun cuando está poseído, ¡y ese magnífico plano donde la deformación de la lente está animada!) acompañando las ideas habituales del espectáculo. En ese sentido, recibimos una nota reveladora que señala con razón que Momo jacked se inclina hacia Okarun con colores. que recuerda a los asociados con sus poderes queda completamente dominado cuando se desmaya y ya no puede contener a Turbo Granny. Espectáculo inteligente, este.
Sin embargo, si hay un elefante en la habitación, es que en realidad la habitación está llena de elefantes. La relación entre el estado de los créditos y la salud de la producción es un tema polémico sobre el que los fanáticos siempre son reduccionistas, hasta el punto de ignorar el contexto y confundir causa y efecto. La verdad es que los créditos de animación de Dandadan siempre han parecido una zona de guerra, con un número muy elevado de supervisores y nada parecido a una rotación ordenada del personal. Es algo que nunca antes habíamos visto en este estudio, incluso en sus momentos más disfuncionales; Japón se hunde en 2020, te estoy mirando. Es un desastre más parecido al que atraviesan los lugares de trabajo más tradicionales hoy en día, pero todavía profundamente ligado a los problemas únicos de este estudio.
El carácter agridulce de Science Saru ha sido un tema recurrente en este sitio: un estudio fundado por la leyenda viviente Masaaki Yuasa para proteger a su equipo del duro comercialismo y las condiciones de trabajo despiadadas, construido alrededor de un oleoducto eficiente para permitirlo. Y, sin embargo, su naturaleza adicta al trabajo y el éxito que finalmente alcanzaron inundaron el estudio con trabajo, hasta el punto de que sus proyectos superpuestos a veces causaban el mismo sufrimiento en su estudio supuestamente especial. Como Yuasa ya no está al mando, Saru ha aumentado aún más su carga de trabajo, lo que significa aún más dependencia de personas externas y fricciones ocasionales internas.
Como señalamos antes, el exterior llamativo de Dandadan, su gran promoción y el El hecho de que este primer curso ya esté animado no debería hacerle creer que fue un esfuerzo cómodo y de alto perfil; En todo caso, el último punto junto con la admisión de Yamashiro de cuán recientemente lo contactaron por primera vez para dirigir la serie es una gran revelación sobre lo rápido que exigieron que fuera el equipo. Un equipo directivo todavía bastante inexperto y un estudio por lo demás muy ocupado, en algunos casos con títulos como Kimi no Iro que tenían una atracción gravitacional inmensamente superior, dejaron que este equipo comparativamente menos glamoroso resolviera las cosas. Y hay que darles crédito: ¡lo hicieron! Sin embargo, para lograrlo, hay episodios como este tercero en los que tuvieron que quitar un poco el pie del acelerador, lo que llevó a resultados innegablemente más duros.
En términos más precisos, eso significa que el episodio #03 es un episodio de menor prioridad, un término que también ha sido envenenado por el discurso del fandom, pero que es un tema para otro día, donde ciertas tomas parecen lamentar profundamente las necesidades tridimensionales inherentes a Naoyuki Onda. s diseños. Aunque algunos han atribuido la disminución del dibujo del tercer episodio a la falta de supervisión de Onda, lo cierto es que tampoco está presente en el cuarto, que como veremos ahora luce espectacular de todos modos. Estamos hablando de un talento excepcional cuyo dominio técnico siempre es bienvenido, pero un equipo sólido y con los recursos y el tiempo suficientes pueden compensar su desaparición; y como pueden atestiguar obras menores, él por sí solo tampoco puede salvar una producción completamente condenada al fracaso. Onda regresará ocasionalmente a Dandadan y será muy bienvenido cuando eso ocurra, pero la situación siempre es más complicada que la gran cantidad de personas y si un animador específico estaba presente o no.
¿Por qué lo considerarían adecuado? ¿Sin embargo, retrasar el tercer episodio en particular? Eso debería ser obvio para cualquier espectador, ya que es la calma antes de la tormenta; si contamos a los ancianos veloces y a los crustáceos como un evento meteorológico, claro está. Aunque presentamos a todos los demás miembros principales del personal en el primer artículo de Dandadan, optamos por omitir a su asistente del director de la serie. Director de serie: (監督, kantoku): la persona a cargo de toda la producción, tanto como tomador de decisiones creativas como supervisor final. Superan en rango al resto del personal y, en última instancia, tienen la última palabra. Sin embargo, existen series con diferentes niveles de directores: director jefe, subdirector, director de episodios de la serie y todo tipo de roles no estándar. La jerarquía en esos casos depende de cada caso. sabiendo que él sería quien concluiría este primer arco. Es decir, el director y guionista gráfico del episodio n.° 04 es Moko-chan, una figura prometedora e intrigante de Science Saru.
Al considerar su papel, es Es interesante recordar Eizouken, donde Yamashiro fue acreditado de manera similar. En aquel entonces, asumió el desafío junto con la animadora Mari Motohashi, y ambos trabajaron directamente bajo las órdenes de Yuasa. Al colocar a dos jóvenes con diferentes orígenes bajo la supervisión del brillante fundador del estudio, pretendían forjar un futuro para el estudio mediante prueba y error. Dandadan hasta ahora parece un argumento a favor de su éxito, pero la reaparición de este mismo papel no significa que la situación sea en absoluto similar. Si bien Yamashiro había descrito su papel en Eizouken como esencialmente el de secretarios de Yuasa, la dinámica de poder es bastante diferente en el caso de Moko-chan: después de todo, ambos se unieron al estudio aproximadamente al mismo tiempo, incluso si Moko-chan ahora tiene un un poco menos de experiencia como director. Como único asistente en Dandadan, en lugar de una experimentación como en estos casos anteriores, esto se siente más como una prueba para alguien que ya está en ascenso.
Estilísticamente, el trabajo de Moko-chan se acerca más a lo que uno podría esperar de un estudio fundado por Yuasa, con un mayor grado de abstracción y el tipo de exageración que todavía le caracteriza. Como único director de animación en Japan Sinks #08 (acreditado allí claramente como Moko), se apoyó más en formas más sueltas y redondas, con extremidades exageradas muy familiares. Al mismo tiempo, sin embargo, la tendencia hacia una calidad ilustrativa intrincada cuando los personajes permanecen quietos se desvió de la norma y de lo que se esperaba del líder del estudio, lo que demuestra que Moko-chan también tenía su propio personaje. Lo que muestran episodios como el elegante Heike Monogatari #05 es la capacidad de adaptarse a un todo más amplio regulado por la visión idiosincrásica de otra persona, sin extinguir sus propias peculiaridades en el proceso. Como puedes imaginar, ese fue el caso de Dandadan #04; una serie en la que es plenamente consciente del enfoque del director de la serie, como la única persona que lo acompaña durante toda la producción del programa.
Esto se traduce en un final emocionante para este primer arco, con picos más salvajes que los episodios anteriores. y aflojando las restricciones formales, pero aún conforme a la filosofía con la que se comprometió Yamashiro. De buenas a primeras, puedes apreciar cómo interactúan los dos estilos. Uno de los primeros puntos que el director notó fue la admisión de que su equipo no podía competir directamente con el gran impacto de la obra de arte original de Yukibobu Tatsu, especialmente no contra las ilustraciones de página completa que Se desata cada vez que hay un giro impactante. En el primer episodio, Yamashiro optó por igualar el efecto a través de un ángulo más orgánico, regulando la visibilidad y creando un poco de miedo desde un ángulo diferente. Moko-chan hace algo similar para comenzar esta aventura, aunque de una manera que también refleja sus antecedentes; sólo tienes que mirar la encantadora animación del personaje que precede a Momo iluminando accidentalmente a una enorme abuela.
La naturaleza orientada a los detalles que habíamos visto en episodios anteriores también brilla en detalles como los zapatos de Okarun que estallan debido a su poder sobrenatural. dedos de los pies, que luego se usa para comunicar que su transformación se deshizo incluso antes de que la cámara se mueva. Lo que más destaca en contraste, sin embargo, es lo agresivos que son los diseños. Diseños (レイアウト): Los dibujos donde realmente nace la animación; amplían las ideas visuales generalmente simples del guión gráfico al esqueleto real de la animación, detallando tanto el trabajo del animador clave como de los artistas de fondo. son; empequeñeciendo a los personajes frente a su enemigo, dando dinamismo en sus contraataques solo para hacer que la impotencia sea más impactante, y encontrar ángulos entretenidos para enmarcar su situación para que puedas ver que De hecho, están atrapados. La eficiencia que Yamashiro siempre busca está allí en detalles como usar Momo’s Eye para recordar el consejo de su abuela sin alejarse de la acción, pero Dandadan se siente más caótico que nunca bajo la dirección de Momo-chan.
Vale la pena Señalando que este enfoque más rimbástico no hace que el episodio se sienta menos ingenioso. A medida que los dos cables comienzan a huir, en una secuencia animada por Kyohei Ebata , tenemos una serie de trucos ordenados que lo demuestran. El uso de las capas de primer plano hace que la amenaza en el túnel se sienta tan ineludible como se anuncia, y los tentáculos que atrapan a Momo solidificando de CEL a BG son una técnica clásica para que parezca que un elemento ahora es inmune, algo que las capas de animación débiles no pueden Masado más tiempo con.
Lo que es notablemente diferente es la sensación de que todas las apuestas están fuera una vez que la acción realmente comienza. A pesar de las excelentes escenas como el animador principal de facto momofuji shase, señalaría este brillante momento de excelencia al estilo de Yuasa como el mejor ejemplo de la calidad distinta de este episodio. El trabajo surrealista y las estilizaciones específicas como el escorenimiento extrema de las extremidades (una peculiaridad recurrente para el director del episodio, como observamos antes) se sienten como un giro radical, pero las ideas enloquecedoras de la obra Tipo de arte. Una vez que llega a este punto, el Episodio #04 se niega a soltar un solo segundo, con Storyboardstoryboard de Moko-Chan (絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ 絵コンテ, Una serie de dibujos generalmente simples que sirven como guión visual de Anime, dibujados en hojas especiales con campos para el número de corte de animación, notas para el personal y las líneas de diálogo coincidentes. sentirse como un relevo de ideas para transmitir la conmoción; Un entorno 3D adornado con espectadores cómicamente planos, momentos de sobrecarga de CEL para hacer que la destrucción se sienta más tangible, construcciones de múltiples capas que encarnan el caos para todas estas partes, y una disposición recurrente de reducir el conteo de dibujo para hacer que las criaturas como el cangrejo se sientan más grandes. Sorpresa constante, deleite constante.
tan emocionante como es visualmente, de nuevo de una manera más suelta que la animación de cualquier episodio anterior, debemos el saludo final a la música durante este episodio, y el programa en general para el caso. Si nos referimos a nuestro artículo inicial por última vez, puede recordar que el compositor Kensuke Ushio había hecho una asociación mental entre la mezcla de géneros de Dandadan y Big Beat, un tipo de música electrónica que se caracteriza entre otros aspectos por su prodigioso uso de muestreo. ¿Qué mejor manera de evocar una batalla rápida final, entonces, que construir alrededor de Giochino Rossini’s William Tell Averture: Finale , con jacques offenbach ‘s puede arrojado a la mezcla por si acaso. Si esta escena no hubiera sido un viaje increíble gracias a las imágenes ya, las elecciones de Ushio habrían convertido en una experiencia realmente divertida de cualquier manera.
Con nuestro primer villano explotando en bolas y cenizas, podemos despedirnos Dandadan por ahora. En retrospectiva, este tramo de episodios subraya bien sobre todo lo que podría querer saber sobre esta adaptación. La filosofía del director de la serie es cristalina, y aunque no siempre sabemos el razonamiento lógico exacto detrás de cada elección creativa que haga, sabemos el alcance de ellos, y es tremendo. Dicho esto, hemos visto cómo esas tendencias nunca son absolutas, por lo que incluso Yamashiro está dispuesto a apelar a una sensación de frialdad de una manera más visceral de vez en cuando. Todos los demás en el equipo están siguiendo su ejemplo, desviando de la norma tanto como sus instintos les dicen, pero nunca abandonan las ideas centrales. Como los episodios como #03 (y ciertos futuros en un par de semanas) lo hacen evidente, las circunstancias con las que han tenido que trabajar no siempre han sido ideales, pero aún han tenido éxito en general.
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