Después de estrenarse en cines de todo Japón en diciembre del año pasado, la última película de Studio Ponoc, The Imaginary, llegó a Netflix en julio de este año. No solo finalmente permitió que el público internacional lo viera, sino que también nos dio una gran razón para entrevistar al fundador del estudio, Yoshiaki Nishimura. Nishimura-san, que trabajó anteriormente con Studio Ghibli, produjo y escribió el guión de la película, que adapta el libro homónimo de A. F. Harrold.
Debido a su estilo caprichoso y preferencia por las adaptaciones de obras para niños , Studio Ponoc ha sido considerado el sucesor de Ghibli. El nombre del estudio proviene de la palabra croata que significa medianoche:”ponoć”, una palabra que Nishimura-san eligió después de intentar aprender más sobre el país.
Durante sus días universitarios, vio un documental en la televisión japonesa sobre un artista croata que dibujó paisajes croatas sobre vidrio y se inspiró lo suficiente como para visitar una biblioteca donde se topó con un diccionario. Más tarde, mientras estudiaba cine en los Estados Unidos, fundó un grupo Ponoc filmmedia, reuniendo a otros entusiastas.
Sus vidas los llevaron por caminos diferentes y el grupo se disolvió, pero cuando le llegó el momento de iniciar su propio estudio en 2015, recordó la palabra. Puedes leer nuestra conversación con él a continuación.
P: Para empezar, ¿qué te atrajo específicamente de la historia de The Imaginary y te hizo querer adaptarla?
R: Cuando leí por primera vez la obra original, la encontré muy interesante, entretenida y conmovedora. Esa fue mi impresión inicial. Sin embargo, para que se convirtiera en una película, eso por sí solo no fue suficiente. Lo que me atrajo fue algo especial de la historia original. El aspecto más distintivo es que trata sobre un amigo imaginario, una entidad invisible para los humanos. Esto fue lo primero que me llamó la atención. Muchas películas han retratado a amigos imaginarios, pero la mayoría lo ha hecho desde una perspectiva humana. Sin embargo, esta obra es única porque representa el mundo desde la perspectiva del amigo imaginario. Pensé que si podíamos crear una película con el amigo imaginario como protagonista, podríamos hacer algo diferente a todo lo que se haya visto antes.
Esa es la razón por la que queríamos hacer una película basada en este concepto.
Al hacerlo, podríamos explorar cosas que son invisibles para los humanos, como el amor, la tristeza y la alegría. Estos son aspectos importantes de la vida, pero a menudo son intangibles. Si pudiéramos encapsular estas emociones humanas en la metáfora de un amigo imaginario, creímos que podríamos crear una película animada que resonara en una audiencia amplia, desde niños hasta adultos.
Las películas animadas nos permiten profundizar en diversas emociones, ya sea que se relacionen con el amor, la amistad u otros sentimientos similares. Queríamos explorar estas emociones a través de esta película. Los aspectos invisibles de la vida también sirven como metáforas de las cosas importantes de la existencia humana. Esto es algo que las películas animadas están en una posición única para retratar.
P: En esta película, usted participó no sólo como productor, sino también como guionista. ¿Qué tiene The Imaginary que te hizo querer escribir personalmente el guión y cómo fue tu proceso creativo?
R: No estoy seguro Si el concepto de “amigo imaginario” es bien conocido en otros países, en Japón en realidad no es muy común. Tuve que explicar al director y a los creadores lo fascinante que sería hacer una película con un amigo imaginario como personaje principal. Mi primer paso fue escribir un escenario de 4 páginas para intentar convencer al director y a los creadores.
Sin embargo, lo que pretendía que fuera un escenario de 4 páginas terminó convirtiéndose en 40 páginas. La razón de esto es que, para transmitir completamente el encanto de esta historia, tuve que considerar y explicar todo: trabajo de cámara, diálogos, situaciones y más. Entonces, cuando le mostré el escenario de 40 páginas al director, me dijeron: “¿No es esto ya un guión? Si tienes tantas cosas que quieres hacer, deberías escribir el guión tú mismo”. Y así fue como terminé escribiendo el guión.
P: Adaptar una obra existente significa respetar los elementos originales pero también insertar tu toque personal al mismo tiempo. ¿Cómo lograste el equilibrio entre esas dos cosas?
R: Sabes, esa no fue una tarea particularmente difícil para mí. Cuanto más amé la obra original, más la aprecié y más evidentes se hicieron los elementos más importantes de la obra original. Se podría decir que el mensaje o concepto central empezó a aclararse. Damos gran importancia al mensaje o concepto central que pretendía el autor original.
Dentro de ese contexto, era cuestión de añadir lo esencial y necesario para adaptarlo a una película. El mensaje que transmite la película y el mensaje de la obra original son fundamentalmente el mismo. Sin embargo, dado que la obra original es texto y la película es visual, es necesario contar la historia a través de imágenes. Entonces, incorporé los elementos necesarios para transmitir la narrativa visualmente.
P: ¿Aún sentiste cierta presión al adaptar un trabajo existente debido a la base de fans existente y sus expectativas?
R: Cuando hago una película, no suelo sentir presión. Sin embargo, si hay algún tipo de presión en particular, está relacionada con el hecho de que esta obra original trata sobre la imaginación, que es muy importante. La imaginación difiere de persona a persona. Lo que cada individuo imagina al leer la obra original varía, ¿verdad? Pero cuando lo conviertes en un medio visual, esa imaginación se fija en una forma particular.
No estamos presentando solo una versión de la imaginación. Si esa visualización termina siendo menos impresionante de lo que el lector imaginó al leer el original, podría pensar: “¿Qué? Fue más interesante cuando lo imaginé”. Entonces, cuando se trata de manejar una obra famosa, existe la presión de crear imágenes que superen la imaginación del lector. La necesidad de crear algo que vaya más allá de lo que los lectores imaginaron fue algo que asumimos como un desafío personal.
P: Cuando tienes una idea para una adaptación por primera vez, ¿cómo haces para presentarla, especialmente si hay creadores originales involucrados? ¿Cómo es ese proceso? ¿Viene con desafíos únicos que tal vez los fanáticos del anime promedio no considerarían o desconocen?
R: Primero , empezamos ganándonos su confianza. Comenzamos haciendo que los autores originales confíen en nosotros. La razón por la que confían en nosotros es que ven los trabajos que hemos creado anteriormente. Les transmitimos a los autores originales:”Este es el tipo de trabajo que hemos realizado”. Piensan:”Si este es el tipo de personas que crean tales obras, podemos confiar en ellos y creer que no harían algo extraño con nuestro trabajo original”. Después de eso, no les mostramos nada hasta que el guión esté completo.
P: Para The Imaginary, Studio Ponoc colaboró con el estudio francés Les Films du Poisson Rouge para crear una técnica innovadora en creando luces y sombras. ¿Cómo surgió esta colaboración y por qué crees que era necesario ese enfoque?
R: Creo que todos aquí están familiarizados con la animación japonesa, que, a lo largo de los años, últimos 30 años, ha experimentado un grado limitado de progreso y desarrollo. Si bien los fondos se han vuelto extremadamente detallados, los personajes todavía se representan principalmente usando líneas y colores. Aunque la animación japonesa se ha mejorado con el uso de efectos y gráficos por computadora, sentí que las imágenes fundamentales no habían evolucionado mucho. Siempre quise explorar también nuevas formas de evolucionar las expresiones de los personajes, así que esta fue la premisa subyacente.
Mientras pensábamos en estas ideas, nos topamos con el trabajo de Poisson Rouge. Nos dimos cuenta de que su técnica y tecnología complementarían bien el estilo japonés de animación 2D. Intentar lograr lo que pueden hacer nos habría requerido crear manualmente decenas o incluso cientos de miles de fotogramas de luces y sombras, lo que habría llevado una inmensa cantidad de tiempo. Esta comprensión fue lo que al principio me pareció la ventaja más significativa.
Sin embargo, se volvió aún más efectiva dado que el tema era”amigos imaginarios”. Pensé que sus técnicas podrían usarse con un efecto aún mayor. Como mencioné antes, los “amigos imaginarios” no se ven, son invisibles: algo que uno cree que no existe. Pero cuando representamos a “amigos imaginarios” en la animación y luego trabajamos con Poisson Rouge para agregar efectos de luces y sombras, pudimos crear la sensación de que estos “amigos imaginarios” realmente existen, que están verdaderamente presentes. Debido a este efecto dramático, decidimos colaborar con Poisson Rouge.
P: Studio Ponoc y Netflix establecieron una asociación que está ayudando a llevar las obras del estudio a audiencias extranjeras que tal vez no tengan la oportunidad de disfrutarlas durante sus presentaciones en cines. ¿Cuál diría que es el mayor beneficio de una asociación como esta?
R: Primero, hay algo que quiero resaltar. Todavía estamos en una época de cambios y, a medida que navegamos por esta era de transformación, en lugar de centrarnos en lo que se disfruta o no, intentamos desafiarlo todo. En este momento, lo importante es aceptar los desafíos. Por lo tanto, estamos considerando constantemente si lanzar una película en los cines, transmitirla en línea o pasarla directamente a lo digital, y nos esforzamos continuamente con estos desafíos. Para The Imaginary, consideramos cuidadosamente si lanzarlo en cines o en línea y avanzamos al sopesar seriamente qué opción sería la mejor.
Para The Imaginary, decidimos optar por la distribución directa en línea. La mayor ventaja (el beneficio, a mi modo de ver) es el lanzamiento global simultáneo. Hoy en día, la información que se origina en Japón o en cualquier otro país se traduce automáticamente y se difunde por todo el mundo a través de las redes sociales.
Pero en el pasado, con los estrenos en cines, incluso si la gente en Indonesia supiera que una película como The Imaginary se completó hace un año, todavía había problemas con la distribución, como quedarse estancado en formatos 2D. Sin embargo, con Netflix, la información se difunde globalmente al mismo tiempo, permitiendo que todos vean el contenido simultáneamente. Creo que es una gran ventaja.
Ese fue el mayor beneficio: poder distribuir el calendario de lanzamientos globales simultáneamente.
P: Con Studio Ghibli, produjiste bastante Algunas adaptaciones de obras ya existentes y has continuado con esa tradición en Studio Ponoc. ¿Podemos esperar una obra original de Studio Ponoc en el futuro?
R: Crear obras originales se ha vuelto cada vez más difícil. Es un momento desafiante. Por ejemplo, en Japón hay un fuerte enfoque en el anime orientado al manga basado en obras existentes, mientras que en Occidente hay una fuerte preferencia por las franquicias: secuelas, precuelas y spin-offs. Hacer películas animadas originales se ha convertido en un verdadero desafío, pero ciertamente tenemos la intención de asumir ese desafío.
P: La cuenta oficial X de Studio Ponoc reveló que el próximo proyecto de Hiromasa Yonebayashi ya está en producción. Aunque es muy temprano, ¿puedes compartirnos algo al respecto en este momento?
R: Lo que has oído es correcto. De hecho, nuestro próximo proyecto será dirigido por Hiromasa Yonebayashi. Si bien no podemos compartir muchos detalles en este momento, puedo decir que será una película llena de acción y muy entretenida, así que espérenla con ansias.
P: Studio Ponoc fue fundado por usted y está formado por ex miembros de Studio Ghibli: las comparaciones son inevitables y sé que escucha bastantes de ellas, incluidas aquellas en las que se etiqueta a Ponoc como el sucesor de Ghibli. ¿Crees que ser etiquetado como tal conlleva presión y en cierto modo eclipsa la verdadera identidad de Ponoc, o en cambio, lo agradeces?
R: ¿Presión? Realmente no, no. En términos generales, la única presión que deberían sentir los cineastas es si el público disfrutará la película. Creo que está bien si sólo nos centramos en eso. En Studio Ponoc nos centramos en hacer películas para niños, que es lo más importante. Nuestra audiencia es Niños y Familias, por lo que solo debemos pensar en crear contenido que los niños disfruten. Por centrarme en esto, nunca me he sentido presionado.
P: Volviendo a The Imaginary, sabemos que la película se pospuso para mejorar aún más la calidad; una elección que ahora sabemos que dio sus frutos. Pero en ese momento, ¿qué tan difícil fue la decisión?
R: Tomar la decisión de retrasar la producción fue muy difícil. Si extendiéramos el periodo de producción, los costes se dispararían. El presupuesto de producción se duplicaría. Si planeáramos hacer algo en un año y lo extendiéramos a dos, los costos se duplicarían. Y si extendiéramos un proyecto de dos años a cuatro años, los costos se duplicarían nuevamente. Los costos de producción realmente aumentaron. Cuando se retrasa, los costos siguen aumentando. Entonces, fue una decisión difícil entre elegir calidad o elegir negocio.
Fue tan difícil que le pedí consejo a mi hijo. Le dije: “El trabajo que hace papá se ha vuelto muy duro. Puede que no se complete. Si intento terminarlo rápidamente, la calidad podría verse afectada. Pero si intento mejorar la calidad, podría costar mucho más dinero y podríamos salir perdiendo. ¿Cuál debería elegir papá? Le pregunté eso a mi hijo.
En ese momento, él tenía unos nueve años. Le pregunté a mi hijo de nueve años: “Si elijo calidad, necesito mucho dinero y nuestra empresa podría quebrar. Si decido completar la película rápidamente, tal vez pueda ahorrar dinero y salvar la empresa”. Entonces le pregunté cuál elegiría y me dijo: “Bueno, papá, es una pregunta fácil. Deberías hacer una gran película. Si haces una gran película, incluso si pierdes dinero y la empresa está en una mala situación, el público estará feliz y disfrutará de tu película. Y si el público disfruta de tu película, tu empresa tendrá éxito”.
Y como dijo eso, decidí: “Está bien, voy a elegir crear una gran película. Voy a extender el período de producción y asumir los costos adicionales”. Después de eso, hablé de esta decisión con los inversores y el personal de producción.
P: Para ser honesto, comencé al anime a finales de 2021. Recuerdo que vi Your Name de Makoto Shinkai y Eso se convirtió en un catalizador y una experiencia que me cambió la vida. ¿Cuál fue un anime que te enamoró del medio o incluso te hizo seguir una carrera en esta industria?
R: Cuando tenía 11 años , vi una película dirigida por Isao Takahata: La tumba de las luciérnagas. Esa fue la película para mí. Me enseñó que una película animada puede expresar emociones profundas como pena y alegría, incluso en los niños. La tumba de las luciérnagas sobresale en eso.
A menudo, los creadores, directores o productores de animación se centran en el lado feliz de las emociones de los niños, como la felicidad o la diversión. No quiero dar ejemplos, pero creo que una película de animación puede hacer mucho más que eso. Los niños experimentan una gama mucho más amplia de emociones. Si podemos crear películas como las que hizo Isao Takahata, esas películas legendarias, seremos felices como cineastas.
Puedes pensar que no estás familiarizado con las obras de Nishimura-san, pero probablemente sí. Después de todo, la mayoría de nosotros vimos El castillo ambulante (donde comenzó), El cuento de la princesa Kaguya, Cuando Marnie estuvo allí y la película debut de Studio Ponoc, María y la flor de la bruja. Y ahora tienes una razón perfecta para ver The Imaginary.
Nos gustaría agradecer a Nishimura-san y Studio Ponoc por tomarse el tiempo para programar esta entrevista y hablar con nosotros. ¡Esperamos ver qué sigue para ellos!
La entrevista fue realizada por Rakha Alif, con la asistencia de traducción de Eli (Anime Corner) y el Sr. Geoffrey Wexler (Studio Ponoc).
Puede encontrar los enlaces oficiales de Studio Ponoc a continuación:
Sitio web: ponoc.jp/ponoc.jp/Rudger/en/
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