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Tomodachi Game es un nuevo anime de suspenso para el Temporada primavera 2022. Está basado en un manga con el mismo nombre, escrito por Mikoto Yamaguchi y dibujado por Yuuki Satou. Antes de esta adaptación de anime, Tomodachi Game había recibido algunas adaptaciones de acción en vivo en 2017. Por lo tanto, esta adaptación de anime tardará mucho en llegar. Tomodachi Game en sí es una historia sobre un grupo de amigos que se ven obligados a jugar un juego que pondrá a prueba su amistad a cambio de reducir o incluso borrar su deuda. Sin embargo, la mayoría de las veces, este juego terminó destruyendo las relaciones personales e incluso aumentando su deuda varias veces. Este tipo de historia puede considerarse parte del género Death Game. Entonces, ¿qué es el”Juego de la Muerte”y puede el Juego Tomodachi aportar algo diferente y refrescante a este género obsoleto?

¿Qué es el género”Death Game”?

Death Game es una historia que involucra a un grupo de personas que se ven obligadas a participar en un juego en el que el incumplimiento de ciertas tareas u objetivos resultará en un castigo severo, generalmente con violencia física. Algunas historias incluso llegarán a convertirlo en un juego de muerte literal en el que los participantes se ven obligados a matarse entre sí. Ha habido numerosas iteraciones de este género en la cultura popular. Algunas de las películas de acción real de este género que logran alcanzar el estatus de éxito mundial son la franquicia Saw y la serie The Hunger Games. Otro gran éxito de este género que cautivó al mundo recientemente fue Squid Game de Netflix. En cuanto al mundo del manga y el anime, bueno, este género ya es prácticamente un elemento básico. Cada dos años más o menos, se publicará un nuevo manga y anime de Death Game en Japón. Algunos de los títulos más destacados son Battle Royale, Psyren, Future Diary, Deadman Wonderland, As The Gods Will, Btooom! y, ahora, Tomodachi Game.

Los tropos más comunes en la historia de un juego de muerte

Participantes despistados. Uno de los tropos más comunes que existen en la mayoría de las historias de los juegos de la muerte es el hecho de que habrá al menos algunos participantes despistados que no saben por qué están allí, ¡como Sakamoto de Btooom! y Katagiri de Tomodachi Game. Incluso si supieran hasta cierto punto por qué están allí, realmente no entienden lo que el juego tiene reservado para ellos, como los estudiantes de Battle Royale y Ganta de Deadman Wonderland. Violencia desmesurada. Death Game emplea algunas tareas u objetivos que requieren un pensamiento analítico de vez en cuando, pero la mayoría de las veces prosperan en la violencia. Cuanto más extraño y exagerado sea, mejor. De hecho, esto es más o menos lo que los fanáticos del género están emocionados de ver. Uno de los mejores ejemplos de esto es definitivamente As The Gods Will. Desde volar las cabezas de todos los estudiantes en una clase hasta dejar caer lentamente a personas desde paneles flotantes en el cielo, esta serie ha encontrado muchas formas creativas de matar a sus personajes. Encontrar aliados es crucial. La gran mayoría de las historias de este género elaboran la historia para que los personajes principales tengan que encontrar aliados que puedan ayudarlos a lo largo de las historias. De hecho, este es prácticamente uno de los componentes clave que los personajes tienen que hacer para completar el juego. Este hecho es cierto para casi todos los ejemplos mencionados anteriormente.

¿Qué hace que el juego Tomodachi sea diferente de otras historias de juegos de muerte?

Énfasis en los juegos mentales. A diferencia de otras historias de juegos de la muerte que a menudo involucran algunos juegos o tareas físicamente exigentes, Tomodachi Game va por el otro camino y pone un mayor énfasis en los juegos mentales. Los juegos como dar deliberadamente una respuesta incorrecta a preguntas sencillas o contar los secretos más profundos y vergonzosos de un amigo no pondrán a prueba el cuerpo, pero ciertamente son pesados ​​para la mente. Política de no violencia. Como se mencionó anteriormente, la gran mayoría de las historias de juegos de muerte prosperan en la muerte y la violencia. Pero ese simplemente no es el caso en el juego Tomodachi. Desde el comienzo del juego, el maestro del juego prohíbe estrictamente la violencia. Después de todo, el objetivo principal del Juego Tomodachi no es matar a sus participantes, sino destruir por completo sus relaciones personales y cualquier sentido de confianza que puedan tener en otras personas. Los aliados son el enemigo. Al igual que otras historias de juegos de la muerte mencionadas anteriormente, Tomodachi Game también insta a sus participantes a hacer amigos y encontrar algunos aliados. Sin embargo, el juego Tomodachi le agrega un giro siniestro. Después de todo, cuando los juegos están diseñados para romper tu corazón y la relación con tus amigos al obligarte a elegir entre tus secretos más profundos y oscuros y los de ellos, con la amenaza adicional de que tu deuda se multiplique, es difícil permanecer leal a tu amigos. Incluso si puedes, no hay garantía de que ellos puedan hacer lo mismo. Por eso es difícil diferenciar entre aliados y enemigos en el Juego Tomodachi.

El futuro del género Death Game después de Tomodachi Game

Hay un encanto único en Death Game como género que siempre hará que la gente se sienta atraída por él. Claro, puede que no sea del agrado de todos, pero a los fanáticos de este género les encanta. Por eso siempre habrá un lugar para las historias del Juego de la Muerte en la cultura popular. Dicho esto, en lugar de la violencia sin sentido habitual y la elaboración de formas extrañas de matar a los personajes, la popularidad de Tomodachi Game probablemente marcará el comienzo de las historias de Death Game que pondrán más énfasis en los juegos mentales. Porque como Tomodachi Game ha demostrado con éxito, la sangre no es lo único que puede hacer que el público sienta el dolor del personaje.

Pensamientos finales

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Con su enfoque de no violencia y un mayor énfasis en los juegos mentales, Tomodachi Game logra aportar algo diferente y refrescante al género Death Game. Nadie sabe qué depara el futuro para este género nicho, pero una cosa es segura, Tomodachi Game sin duda abre nuevos caminos que los futuros autores de este género pueden explorar e implementar en sus historias. ¿Te consideras un fanático del género Death Game? ¿Cuáles son algunas de tus películas, series de televisión, anime o manga favoritos de este género? Asegúrese de compartir sus pensamientos en la sección de comentarios a continuación.

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[es]Lo que necesitas saber: [/es][es]Lo que necesitas saber: [/es]

La parte 2 de la caja Blu-ray de Combat Mecha Xabungle, el anime televisivo del director Yoshiyuki Tomino, estará disponible el 27 de julio de 2022 (JST). Después de la Parte 1, que se estrenó el 20 de abril, la Parte 2 incluye la segunda mitad de la serie de televisión de 50 episodios (episodios 26 a 50), así como la película Xabungle Graffiti (lanzada originalmente el 9 de julio de 1983), lo que hace es una compra obligada para los fanáticos que deseen disfrutar de la serie completa. Naturalmente, el video tiene la misma alta calidad que la Parte 1, con nuevas impresiones maestras, escaneos 2K y remasterización HD. La caja y el digipak están ilustrados por el diseñador de personajes Tomonori Kogawa.

Combat Mecha Xabungle

Ejecución original: febrero de 1982-enero de 1983 (50 episodios) La película Xabungle Graffiti se estrenó el 9 de julio de 1983

Personal

Director: Yoshiyuki Tomino Diseñador de personajes: Tomonori Kogawa Diseñador mecánico: Kunio Okawara Diseñador mecánico invitado: Yutaka Izubuchi Música : Kōji Makaino

Información del producto

Título: Combat Mecha Xabungle Blu-ray Box Part 2 Fecha de lanzamiento: 27 de julio de 2022 5 discos Blu-ray/VTXF-125～129/¥39,600 (impuestos incluidos)/POS: 4582575 38527 1 Especificaciones: Color, 4:3 Mono (Disco 5 Mono + Surround) Contenido: Disco 1: Episodios 26-31 Disco 2: Episodios 32-37 Disco 3: Episodios 38-43 Disco 4: Episodios 44-50 Disco 5: Xabungle Graffiti (duración: 84 minutos ) y trailers

[en]Fuente: [/en][es]Fuente: [/es]Offic Comunicado de prensa ial

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Cuando hablamos de los grandes directores de anime japoneses, entonces el difunto Satoshi Kon siempre será mencionado en esa conversación. Es posible que el legendario director solo tenga cuatro títulos en su haber, pero todos ellos son clásicos oportunos que siempre han sido un elemento básico en las listas de”lo mejor de”para películas de anime. De las cuatro películas de Satoshi Kon, dos de ellas tienen un estilo visual realmente surrealista y, sin embargo, la historia general sigue siendo perfectamente coherente y puede ser digerida fácilmente por la mayoría de los espectadores. Entonces, ¿cómo puede crear una imagen tan única y alucinante y aún así lograr transmitir la historia correctamente a la audiencia? Este artículo explorará algunas de las posibles respuestas a esa pregunta.

Las historias de Paprika y la actriz Millennium

Empecemos con la historia primero. Millennium Actress es una película estrenada en 2001 y cuenta la historia de Chiyoko Fujiwara, una mujer de 70 años que solía ser una de las mejores actrices de su época. La película comienza con una entrevista a la legendaria actriz sobre su infancia, cómo se inició en el cine, sus trabajos pasados ​​y su trágica vida amorosa. A medida que avanza la historia, las líneas entre la realidad y la ficción comienzan a desdibujarse. Los recuerdos confusos de Chiyoko terminaron entretejiendo sus experiencias pasadas de la vida real con los papeles que había interpretado en sus películas. El resultado es una historia surrealista y desgarradora de amor que nunca tuvo la intención de ser. Paprika fue la cuarta y última película de Satoshi Kon. Se estrenó en 2006 y, al igual que Millennium Actress, esta película también prospera al combinar a la perfección la realidad y la ficción. Sin embargo, a diferencia de Millennium Actress, que entreteje las películas y la realidad, Paprika mezcló los sueños y la realidad en un cóctel caótico mediante el uso de un dispositivo llamado DC Mini. El dispositivo fue creado para ayudar a los pacientes psiquiátricos mediante el análisis de sus sueños. Desafortunadamente, alguien roba algunos de los dispositivos y los usa para invadir los sueños de otras personas y hacer que no puedan distinguir entre los sueños y la realidad. Depende del personaje titular, Paprika, resolver todo este lío y despertar a todos de la loca pesadilla.

Cómo Satoshi Kon cuenta una historia surrealista

1. Transiciones inteligentes

De todas las cosas divertidas y confusas que suceden en ambas películas, la técnica más obvia utilizada por Satoshi Kon para vender el concepto caótico de ficción versus realidad son las transiciones inteligentes entre escenas. Esta técnica obligó a los espectadores a retroceder y decir:”Vaya, ¿qué está pasando aquí?”y, por lo tanto, darse cuenta del hecho de que ahora estamos en un reino diferente. Algunos de ellos son cortes ocultos sutiles y cuidadosamente calculados, como el momento en que Chiyoko habla con su esposo en su casa pero de repente se convierte en un escenario de película, o cuando un personaje habla con Paprika a través de una computadora portátil pero de repente se sienta bien. frente a ella y le habla directamente. Por otro lado, también hay algunas transiciones duras y directas que obligan a los personajes a pasar de una escena a la siguiente, como Chiyoko, que comienza la escena cuando era una adolescente atrapada en un tren que choca camino a Hokkaido, pero terminó como una emperatriz afligida en lo alto de un castillo sitiado durante el período de guerra Sengoku. O el momento en que Paprika entró en el sueño de un hombre como cinéfilo y luego las escenas cambiaron repentinamente entre diferentes películas cuando Paprika y el hombre asumieron diferentes roles en cada una.

2. Diferencia tonal

La siguiente cosa notable que indica cuál es real y cuál es ficción son las diferencias tonales. Satoshi Kon proporciona una diferencia notable en el tono general de la historia y la animación entre los dos reinos de la historia. Curiosamente, tanto Paprika como Millennium Actress usan esta técnica, pero la utilizan de una manera diferente. Las diferencias entre el mundo real y el mundo de los sueños son mucho más evidentes en Paprika. La atmósfera del mundo real es mucho más sombría con colores y animaciones relativamente tenues. El mundo de los sueños, por otro lado, es mucho más emocionante, colorido y ruidoso. Millennium Actress, sin embargo, tuvo como objetivo combinar a la perfección los dos mundos desde el principio, y dado que es una historia bastante trágica, el tono general también es bastante sombrío. Dicho esto, todavía puedes notar la diferencia entre los dos. El ritmo, la música y las imágenes de la historia durante los momentos en que Chiyoko está en el mundo del cine son mucho más dramáticos que cuando está en los flashbacks regulares.

3. Diálogos Oportunos

Una de las pruebas más interesantes en el mundo del cine que puedes usar para ver si tu historia es fácil de seguir o no es dejar que la audiencia la vea puramente a través de lo visual, sin ningún sonido y diálogo. Paprika y Millennium Actress fallarán fácilmente en esta prueba. Porque ambas películas fueron diseñadas para ser consumidas como un todo. Después de todo, el sonido es una de las formas en que los espectadores diferencian entre el mundo real y el ficticio, mientras que los diálogos son lo único que hace avanzar la historia. Millennium Actress usa bromas y comentarios oportunos de los entrevistadores para hacernos saber dónde estamos en la historia e incluso explicar algunas de las extrañas imágenes que vemos en la pantalla. Paprika también usa el diálogo para relativamente los mismos propósitos. Solo prestando mucha atención a lo que los personajes dicen en realidad podemos entender lo que realmente está sucediendo. Es por eso que el momento de cada oración es extremadamente crucial para cada película. Porque sin él, nos perderemos en las imágenes deslumbrantes.

Pensamientos finales

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Esas son algunas de las herramientas que Satoshi Kon parece usar para contar una historia significativa mientras usa una animación tan vertiginosa. En cierto modo, en realidad es un testimonio de cómo Satoshi Kon impulsó lo que el medio de la animación puede hacer en términos de narración visual. Porque algunas de las escenas de Paprika y Millennium Actress son extremadamente difíciles de replicar en una película de acción real. Esta combinación de una historia interesante y una narración visual creativa es lo que hace que estas películas sean tan atemporales e icónicas. ¿Has visto Paprika o Millennium Actress? Si es así, ¿qué piensas al respecto? Comparta sus pensamientos en la sección de comentarios a continuación.

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