Mamoru Hosoda und Takayuki Hirao, Pompo the Cinephile und One Piece Baron Omatsuri and the Secret Island: Zwei der brillantesten Anime-Filmemacher nutzten ihr persönliches Unglück, um sehr unterhaltsame Filme zu befeuern, und verarbeiteten ihre dunkleren Gefühle durch lebendige Animationen.
Eiga Daisuki Pompo-san, lokalisiert als Pompo the Cinéphile, war einer der unterhaltsamsten Anime-Filme in einem Jahr 2021, in dem es nur so wimmelte von unterhaltsamen Animes Filme. Das allein sollte als Empfehlung dienen, aber wenn Sie nach einem konkreteren Pitch suchen, fühlt sich Pompo einem hoch angesehenen Film eines der beliebtesten Regisseure unserer Zeit sehr ähnlich.
Gegeben dass Pompo von Takayuki Hirao inszeniert, geschrieben und vollständig mit dem Storyboard versehen wurde, wäre es vernünftig anzunehmen, dass ich mich auf die Werke seines ersten Mentors in der Branche beziehe – Satoshi Kon. strong>, einer der größten Filmemacher, die jemals Anime gesegnet haben. Während Kons Einfluss auf Hirao bis heute anhält, insbesondere in seinem Verständnis von Zeit und Raum als künstlichen Stoff, den man nach Belieben schneiden und nähen kann, sind es nicht seine Filme, die einem zuerst in den Sinn kommen, wenn man Pompo sieht. Es sind auch nicht die von den anderen Regisseuren, die er offen als Einflüsse nennt, noch diejenigen, die er entspannt leiser.
Am Ende fühlt sich der Film, der Pompo am nächsten kommt, One Piece: Baron Omatsuri and die geheime Insel und damit auch ihr Direktor Mamoru Hosoda; Werke ohne Ähnlichkeiten zum Nennwert, mit im Wesentlichen keinen direkten kreativen Verbindungen zwischen Regisseuren, und doch teilen sie etwas ziemlich Tiefgründiges.
Um diese Parallele zu verstehen, müssen wir zum Anfang dieser Geschichte zurückkehren, die in Dieser Fall bezieht sich auf das Jahr 2000. Zu diesem Zeitpunkt erlebte ein junger Hosoda bereits ein treibendes Wachstum als Regisseur bei Toei Animation und entwickelte sich in einer verrückten Zeitspanne von nur ein paar Jahren von einem neuen Episodenregisseur zu einem bewunderten Projektleiter. Das erregte die Aufmerksamkeit wichtiger Produzenten, weshalb er sich in der Position befand, seine Karriere auf eine ganz neue Ebene zu heben, indem er im legendären Studio Ghibli bei Howl’s Moving Castle Regie führte; genau die Firma, der er vor der Zusammenarbeit mit Toei nicht beigetreten war, und mit der er nie mehr Glück haben würde.
Seit Beginn des Projekts stieß Hosoda mit einem Studio zusammen, das im Grunde gebaut wurde, um die zu besänftigen Launen und Bedürfnisse seiner beiden legendären Anführer. Während er Storyboard (絵コンテ, ekonte) fertigte: Die Blaupausen der Animation. Eine Reihe von normalerweise einfachen Zeichnungen, die als visuelles Skript des Animes dienen und auf speziellen Blättern mit Feldern für die Nummer des Animationsschnitts, Notizen für das Personal und die passenden Dialogzeilen gezeichnet sind. Mehr als drei ganze Akte von dem, was seine Sicht auf das Material gewesen wäre, kämpfte er ständig darum, ein Team aufzubauen und die Mittel zu sichern, die er brauchte, um seiner Vision gerecht zu werden, was den Zeitplan immer wieder negativ beeinflusste. Von Hosoda wurde erwartet, dass er jemand ist, der er nicht ist, jemand, den niemand sonst nachahmen kann, in einer Umgebung, die vielleicht nicht aktiv böswillig war, aber dennoch gegen ihn manipuliert wurde; ein ungleicher Kampf, wie er selbst angedeutet hat.
Im Frühjahr 2002 wurde Hosodas Howl gestrichen, und dank Freunden wie Produzentin Hiromi Seki und Regisseur Takuya Igarashi. Zu einer Zeit, als seine Karriere zu bröckeln schien und Hosoda sich nicht sicher war, welchen Weg er einschlagen sollte, boten sie ihm die Gelegenheit, an Ojamajo Doremi Dokkan zu arbeiten – eine, die er nahm und diese Gefühle in einem entlud eine der bewegendsten TV-Anime-Episoden aller Zeiten. Folge #40, Doremi und die Hexe, die es aufgegeben hat, eine Hexe zu sein, bringt die Titelfigur in eine ähnliche missliche Lage: Alle ihre Freunde haben ein Ziel gefunden, das sie leidenschaftlich verfolgen und das sie in Zukunft verfolgen können, aber sie fühlt sich ziellos und grob inkompetent an ihrer Seite, am Scheideweg des Lebens stecken geblieben. Diese einfache, aber brillant ausgeführte Metapher, die er später in „Das Mädchen, das durch die Zeit sprang“ wieder aufgriff, stammte aus einer sehr persönlichen Zeit, zu einer Zeit, in der Hosoda auch überlegte, was er mit seinem Leben anfangen sollte.
Nachdem er Regie geführt hatte Nach dieser großartigen Episode arbeitete Hosoda noch eine Weile mit Toei – und anderswo unter seinem bekannten Pseudonym Katsuyo Hashimoto – zusammen und konzentrierte sich auf kleinere Projekte, bevor er mit seiner nächsten großen Arbeit betraut wurde. Und Major war es, als er ausgewählt wurde, den sechsten One Piece-Film zu leiten: den bereits erwähnten Baron Omatsuri und die geheime Insel. Während er erst in das Projekt einbezogen wurde, nachdem das Szenario bereits festgelegt war, machte Hosoda es sich schnell zu eigen und formulierte die bereits auf dem Tisch liegenden Ideen in etwas um, mit dem er seine damaligen Gefühle ausdrücken konnte. Wenn Doremi Dokkan #40 eine Kristallisation seiner Unsicherheit über die Zukunft gewesen war, wurde Baron Omatsuri zu seinem Ventil, um Groll und Ängste abzubauen, indem er den Fokus der Serie auf Kameradschaft nutzte, um seinen Gedanken darüber, was es bedeutet, ein Team zu führen, Form zu geben – zu sein es Piraten oder Animatoren.
Da Hosoda dies glasklar gesagt hat, macht es keinen Sinn, um den heißen Brei herumzureden. Wie er in Interviews wie diesem für AnimeStyle zugegeben hat, das Sie übersetzt lesen können hier drüben, Baron Omatsuri ist analog zu seiner Erfahrung mit Ghibli. Im Film werden Ruffy und seine Crew auf eine vermeintlich paradiesische Urlaubsinsel getäuscht, auf der sich schnell herausstellt, dass die Dinge nicht so sind, wie angekündigt. Seine Bewohner, angeführt von den palmenhaarigen Omatsuri, zwingen sie, in Minispielen gegeneinander anzutreten; Nun, das ist eine Idee aus dem ursprünglichen Szenario, das den Film als komödiantische Spielshow vorstellte, aber Hosoda verdrehte ihn so, dass der gesamte Auftritt von Anfang an auf die Einheimischen ausgerichtet war. Wenn Sie sich seines Hintergrunds bewusst sind, kommt seine Bitterkeit amüsant klar durch.
Von diesem Punkt an werden die Dinge nur noch düsterer. Omatsuris Männer, die sich ebenfalls als Piratencrew herausstellen, schaffen es, Zwietracht zwischen Ruffys Freunden zu stiften, indem sie diese manipulierten Minispiele als Keil zwischen Crewmitgliedern verwenden. Während die Charaktere nach und nach von der Insel und Omatsuris Plan erfahren, seine Phantom-Crew wieder zum Leben zu erwecken, beginnt der Zuschauer zu begreifen, wofür all die gestrandeten Piratenkapitäne stehen. Obwohl Baron Omatsuri ein Film mit bitteren Gefühlen ist, der deutlich macht, dass der Regisseur dachte, Ghibli habe ihn schlecht behandelt, ist es keineswegs eine seichte Rechtfertigung seiner Taten, und das macht ihn so interessant. Einige oberflächliche Deutungen interpretieren Omatsuri auch als Repräsentanten von Ghiblis Anführern, aber Hosoda stimmte zu, dass seine Rolle jemand anderem zugeschrieben wurde – der Bösewicht des Films war er selbst.
Letztendlich repräsentiert jeder Piratenkapitän eine andere Reaktion dass ein von Ihnen geleitetes Teamprojekt plötzlich auseinanderfällt. Mit Omatsuri kanalisiert Hosoda das Bedauern, das er über seine damalige Einstellung hatte: ähnlich wie der Kapitän, der in der Vergangenheit der Red Arrow Pirates gefangen lebte, unfähig, weiterzumachen bis zu dem Punkt, an dem er bitter und verletzend wurde, Hosodas Besessenheit vom Leben bis zu den Versprechungen, die er seinem Team gemacht hatte, ließen ihn nicht vorankommen. Der Regisseur verurteilt diese Einstellung, während er gleichzeitig akzeptiert, dass das Pflichtgefühl nicht von Natur aus vom falschen Ort kommt, und räumt sogar ein, dass diese Art von Sturheit einen natürlichen Reiz hat, indem er Ruffy in den letzten Phasen fast diesen Weg gehen lässt des Films.
Im Gegensatz dazu gibt der Film auch dem feigen Vater, der die Familiencrew der Tearoom Pirates anführt, eine wichtige Rolle. Als er mit Omatsuris Falle konfrontiert wurde, entschloss er sich, wegzulaufen und seine Familie um jeden Preis zu beschützen; im Wesentlichen das Äquivalent dazu, alle Verantwortlichkeiten aufzugeben, um sein Team so gut wie möglich abzuschirmen. Irgendwo zwischen diesen extremen Reaktionen finden Sie Brief of the Short Moustache Pirates: jemand, der einst seine Crew angesichts einer Katastrophe im Stich ließ, um sich selbst zu retten, aber im Gegensatz zu Omatsuri führte dies zu einem positiven Wachstum in seiner Entscheidung, dies zu verhindern andere, und auch um neue Gefährten zu finden, um die man sich wieder aufbauen kann.
Am Ende beschwört Ruffys idealistisches Mantra, für seine Kameraden zu kämpfen, keine magische Lösung herauf; Denn egal, wie fürsorglich Sie als Projektleiter sind, es gibt immer unzählige Faktoren, die nicht in Ihren Händen liegen. Der Film entscheidet sich jedoch für den scheinbar gesündesten Weg, um voranzukommen: die Bildung einer neuen Gruppe, um Ihre Herausforderungen anzugehen. Ruffy besiegt Omatsuri schließlich dank der listigen Tricks des einzigen Mitglieds von Short Moustache und des jüngsten der Tearoom Pirates, und vor allem dank des einst feigen Vaters, der sich der Herausforderung stellt.
Einmal die Blume, die manifestierte, dass Omatsuris Zombie-Crew getötet wurde, ihre echten Stimmen flehten ihn an, sich von ihnen zu entfernen und neue Gefährten zu finden – sie zeigten auf Luffy, umgeben von diesem neuen bunt zusammengewürfelten Team, als jemandem, dem das gerade gelungen ist. Hosoda ging so weit zu behaupten, dass, wenn seine Crew nicht knapp überlebt hätte, das natürliche Ergebnis gewesen wäre, dass Luffy sich mit diesen neuen Gefährten zusammengetan hätte. Eine Art radikale Haltung gegenüber einem Charakter, der normalerweise niemals einen seiner Crewkollegen aufgeben würde, aber repräsentativ für die Schlussfolgerung, zu der Hosoda gelangt ist.
Angesichts dieser schmerzhaften Gefühle und Erfahrungen, die sich darunter zusammenbrauen, und der Wenn Sie so dunkle Ereignisse wie Folter und einen Kampf auf Leben und Tod einbeziehen, denken Sie vielleicht, dass Baron Omatsuri ein Mist von einer Erfahrung ist. Und natürlich würden Sie sich spektakulär irren. Zwischen dem aufregenden Tempo, der farbenfrohen Ästhetik, der energischen Animation und der Regie mit Sinn für Humor, auch wenn die Dinge offen eine dunkle Wendung nehmen, sorgte Hosoda dafür, dass die Ausführung des Films von Moment zu Moment sehr angenehm war. Für diejenigen, die mit seinen persönlichen Umständen nicht vertraut sind, sogar für diejenigen, die wenig bis gar keine Ahnung vom übergreifenden Ethos von One Piece haben, ist Baron Omatsuri als unterhaltsamer, intensiver Abenteuerfilm immer noch den Eintrittspreis wert. Je besser Sie mit dem Kontext vertraut sind, desto mehr können Sie aus der Erfahrung herausholen, aber der Regisseur hätte seine Rolle verraten, wenn er einen extrem kontextsensitiven Familienfilm gemacht hätte, der sein junges Publikum verärgert.
Während es schwer ist, seine Optik als hell zu bezeichnen, besonders da eine gedämpfte Farbpalette mit der allmählichen Enthüllung der Geheimnisse der Insel die Oberhand gewinnt, fühlt sich Hosodas charakteristische Kagenashi-Ästhetik so ehrlich und transparent an, dass sie Sie einfach nicht mit verwirrten Gefühlen zurücklassen kann. Und auch wenn die Farben nicht immer in höchster Helligkeit sind, seine Richtung ist es mit Sicherheit. Die Musikalität der Regie ist auch in erbitterten Diskussionen spürbar, geschweige denn in den spaßigeren Sequenzen. Unter allen Anhängern von Kunihiko Ikuhara zeichnete sich Hosoda immer durch seine Fähigkeit aus, dieses inszenierte künstliche Storyboard mit sehr komplexer Architektur zu verbinden, und dieser Film könnte sehr wohl seine lustigsten Fälle von Charakteren haben, die sich in architektonischen Wundern verlieren. Alle seine üblichen Tricks sind darauf ausgerichtet, diesen unmittelbaren Spaß zu steigern; seine berühmten Doupoji-Aufnahmen, die wiederkehrenden LayoutsLayouts (レイアウト): Die Zeichnungen, in denen die Animation tatsächlich geboren wird; Sie erweitern die normalerweise einfachen visuellen Ideen aus dem Storyboard zum eigentlichen Animationsskelett und beschreiben sowohl die Arbeit des Hauptanimators als auch der Hintergrundkünstler. Er wirft einen Blick in das tägliche Leben seiner Charaktere, wird während des gesamten Films für komische Effekte beschleunigt und behält dieses sehr energiegeladene Tempo während des gesamten Films bei.
Die Animation des Films arbeitet zu Beginn auf einem ähnlich hohen Energieniveau mit den Charakterdesigns des Hauptanimationsregisseurs Sushio. Obwohl er von Natur aus gut zu One Pieces Stil und der von ihm geforderten Lockerheit passt, gibt es eine deutliche Schärfe in seiner Sichtweise auf die Serie in Bewegung, die er im gesamten Film verbreitet hat. Das Team, das er befehligte, bestand aus allen möglichen mittlerweile illustren Namen, einer der größten, die die Serie bis heute angehen; und, thematisch angemessen, war es eine Crew mit alten Verbündeten, mit denen Hosoda für Howl zusammenarbeiten wollte, sowie mit neuen Gesichtern, die einige seiner üblichen Partner vermissten, dies aber mit Tonnen von Talent wettmachten. Sogar die gröberen Aspekte wie die übermäßig ehrgeizige Verwendung von 3DCG – der Kontrast zwischen der sauberen Ästhetik und diesen Monstrositäten kann echt sein doozy – ermöglicht manchmal dynamische, sehr einfallsreiche Sequenzen. All seine formalen Aspekte sind so darauf ausgerichtet, instinktiv befriedigend zu sein, dass ein oft dunkler Film, der von persönlichem Unglück angetrieben wird, nie annähernd düster wirkt. Wenn das keine filmische Leistung ist, weiß ich nicht, was es ist.
Nachdem Sie bis hierher gelesen haben, können Sie wahrscheinlich erraten, was es mit Pompo auf sich hat; in der Tat eine weitere wild unterhaltsame Fahrt, wenn überhaupt heller und offener fröhlicher als Baron Omatsuri, aber auch angeheizt durch die karriereverändernden Missgeschicke des Regisseurs, die die These des Films informieren … oder deren Fehlen. Also, anstatt zu fragen, was es mit Pompo auf sich hat, sollten wir vielleicht besser fragen, was mit seinem Regisseur los ist.
Wenn Sie diese Seite verfolgt haben, braucht die Figur von Takayuki Hirao nicht viel einer Einführung. Obwohl er vor allem für Filme wie Kara no Kyoukai/The Garden of Sinners: Paradox Spiral bekannt ist, war Hirao bereits in der früheren, viel experimentelleren Ära von ufotable die führende Stimme. Seine Fähigkeit, über den Tellerrand hinauszuschauen, sowohl als Regisseur in den Schützengräben als auch als Projektleiter, machte ihn zum perfekten Schöpfer an der Spitze eines jungen Studios, das versucht, seine Persönlichkeit zu finden. Als Storyboarder hatte er ein umwerfendes Gespür für Fluss und Kontrolle des Tempos sowie den genialen Verstand, sich neue Tricks auszudenken, an die noch niemand zuvor gedacht hatte – etwas, das auf seine Führung als Seriendirektor zutrafSeriendirektor: (監督, kantoku): Die Person, die für die gesamte Produktion verantwortlich ist, sowohl als kreativer Entscheidungsträger als auch als Endbetreuer. Sie übertreffen den Rest des Personals und haben letztendlich das letzte Wort. Es gibt jedoch Serien mit unterschiedlichen Regieebenen – Chefregisseur, Regieassistent, Serien-Episodenregisseur, alle möglichen nicht standardmäßigen Rollen. Die Hierarchie in diesen Fällen ist ein Fall-zu-Fall-Szenario. auch. Während er in Titeln wie Manabi Straight einem traditionellen Regisseur am nächsten kam, trieb das Projekt die Idee des Studios von einer familienähnlichen Umgebung ohne strenge Hierarchie auf die Spitze und hatte 4 verschiedene Leiter für die wichtigsten Aspekte von die Show; Schreiben, Ästhetik, LayoutsLayouts (レイアウト): Die Zeichnungen, in denen die Animation tatsächlich geboren wird; Sie erweitern die normalerweise einfachen visuellen Ideen aus dem Storyboard in das eigentliche Animationsskelett und beschreiben sowohl die Arbeit des Hauptanimators als auch der Hintergrundkünstler und die Ausführung. Sogar in Projekten mit einem eher traditionell zusammengesetzten Team bedeutete Hirao in einer Machtposition, dass etwas Einzigartiges passieren musste.
Auch wenn der Erfolg der Beziehung von ufotable zu Unternehmen wie Aniplex und Type-Moon dazu beigetragen hat Studio in eine viel geordnetere Routine gewöhnt, wurde Hiraos Beziehung zu ihnen durch wundervolle Arbeiten wie Majocco Shimai no Yoyo to Nene fortgesetzt, eine radikale Abkehr von der intensiven Nachbearbeitung, die bereits zum Synonym für ufotable geworden war. Selbst in den Fällen, in denen er verfehlte, war ein Scheitern von Hirao ein ziemlich interessanter Versuch, etwas Neues zu schaffen. Unglücklicherweise brach während der Produktion der TV-Show GOD EATER alles zusammen. Hirao hatte wiederholt im Franchise gearbeitet und dabei eine starke Beziehung zu Bandai-Produzenten aufgebaut, was ein Projekt, von dem man annehmen könnte, dass es nur eine Hausaufgabe für einen so eigenwilligen Regisseur war, zu einem sehr persönlichen Geschäft machte. Er ging weiter zum StoryboardStoryboard (絵コンテ, ekonte): Die Blaupausen der Animation. Eine Reihe von normalerweise einfachen Zeichnungen, die als visuelles Skript des Animes dienen und auf speziellen Blättern mit Feldern für die Nummer des Animationsschnitts, Notizen für das Personal und die passenden Dialogzeilen gezeichnet sind. Mehr die Gesamtheit der Show, im Wesentlichen auch an allen Drehbüchern mitgewirkt, während er seine Vision als Seriendirektor sehr konkret formuliertSeriendirektor: (監督, kantoku): Die Person, die für die gesamte Produktion verantwortlich ist, sowohl als a kreativer Entscheidungsträger und Endvorgesetzter. Sie übertreffen den Rest des Personals und haben letztendlich das letzte Wort. Es gibt jedoch Serien mit unterschiedlichen Regieebenen – Chefregisseur, Regieassistent, Serien-Episodenregisseur, alle möglichen nicht standardmäßigen Rollen. Die Hierarchie in diesen Fällen ist ein Fall-zu-Fall-Szenario. Und wenn die unaufhaltsame Kraft eines zusammenbrechenden Zeitplans auf ein unbewegliches Objekt wie einen hartnäckigen Regisseur trifft, wird es hässlich.
Es ist nicht zu leugnen, dass Hirao gefragt hat viel von seinem Team. Detaillierte Designs mit mehrfarbigen Schattierungen, die vom Malerteam eine besondere Behandlung erforderten, sowie heftige Action mit seiner stets engagierten Kameraführung ergeben einen Cocktail, den Sie keinem Animationsteam wünschen sollten. Darüber hinaus versetzte sein Beharren darauf, alles selbst zu erledigen, dem Zeitplan einen präventiven kritischen Schlag; Da es nicht gelungen war, alle Skripte innerhalb einer angemessenen Frist zu schreiben, hinkte alles seit Beginn dem Zeitplan hinterher. Wäre Ufotable jedoch in Bestform gewesen, hätte das Studio den Sturm wahrscheinlich überstanden. Hätten sie nicht gerade den zweiten Kurs von Fate/Stay Night: Unlimited Blade Works beendet, ein Titel mit verständlicherweise höherer Priorität, der sie bereits an ihre Grenzen gebracht hat, hätte es für Hirao vielleicht geklappt. Er würde höchstwahrscheinlich immer noch mit ihnen zusammenarbeiten, zusammen mit seiner Frau und häufigen Farbdesign-Mitarbeiterin Emi Chiba. Es ist leicht zu erkennen, wie sich eine solche Zeitachse entwickeln könnte, aber es ist nicht die, in der wir leben.
Hirao nahm den Untergang sehr persönlich. In einem anderen Interview in der neuesten Ausgabe von AnimeStyle gab er zu, wie schlimm die Das Umfeld im Team hatte sich verschlechtert, und seine Kollegen stellten seine Menschlichkeit und seinen Verstand in Frage, als GOD EATER auseinanderbrach. Um die Wahrheit zu sagen, Hirao hatte immer den Ruf gehabt, die Machbarkeit seiner wilden Ideen nicht in Betracht zu ziehen, aber da er in einem außergewöhnlich soliden Studio war, war er größtenteils nur mit amüsiertem Seufzen davongekommen. Als die Dinge wirklich schlimm wurden, wurde daraus offene Feindseligkeit, die zusammen mit dem Versagen der Show, weder von Kritikern noch von kommerziellen Erfolgen gelobt zu werden, Hirao in eine Position brachte, in der er das Gefühl hatte, seinen Arbeitsplatz verlassen zu müssen.
Das wirst du nicht sein überrascht zu hören, dass dies Hirao völlig am Boden zerstört hat, obwohl es zum Glück für ihn, Hier beginnen die Dinge nach oben zu schauen. Da er kaum Zeit hatte, über das Geschehene nachzudenken, erhielt er einen Anruf von einem seiner ältesten Freunde in der Branche: Tetsuro Araki, bekannt aus Death Note und Attack on Titan. Die beiden waren in den frühen Stadien ihrer Karriere bei Madhouse zusammengefallen, wurden schnell gute Freunde und arbeiteten so eng zusammen, wie sie nur sein konnten, während sie sich in verschiedenen Studios zu beschäftigten Gestalten entwickelten. Araki, der laut seinem Freund auch in die Lage versetzt worden war, seine Verantwortung als Projektleiter und die Auswirkungen seiner anspruchsvollen Vision auf die Mitarbeiter zu überdenken, erlaubte Hirao, sein Selbstvertrauen wieder aufzubauen, indem er die Höhepunkte der zweiten und dritten Staffel als Storyboard erstellte von Attack on Titan.
Inmitten davon – 2017 um genau zu sein – erhielt ein wiederbelebter Hirao einen interessanten Vorschlag. So sehr die Produktion von GOD EATER seiner Karriere geschadet hatte, sein wahnsinniger Einsatz bescherte ihm auch etwas Wohlwollen. Yusuke Tomizawa, der Produzent der Spiele bei Bandai, wandte sich an Hirao, um ihm eine Pixiv-Manga-Serie zu empfehlen, von der er glaubte, dass sie in seinem Sinne wäre; natürlich war das kein anderer als Pompo. Als er sich entschied, das Projekt wirklich in Angriff zu nehmen, fügte sich jedes andere Stück zusammen, als wäre das Projekt vom Schicksal bestimmt. Hirao arbeitete zu dieser Zeit an einem Roman mit Shingo Adachi-Illustrationen, der von Kadokawa veröffentlicht wurde, der später Pompos Designer bzw. Hauptfinanzierer wurde. Ein anderer alter Kumpel von ihm aus seiner Zeit bei Madhouse und später bei ufotable-Projekten wie Majocco, Ryoichiro Matsuo, gründete zufällig das Studio CLAP mit dem perfekten Timing, um dieses Projekt abzuwickeln. Eine schöne Reihe von Zufällen mit einer sehr lustigen Pointe: Bandai hatte am Ende nichts mit dem Film zu tun, aber Tomizawa sitzt immer noch ganz oben auf ihm dem Film ein besonderes Dankeschön und ist stolz darauf, seine seltsame Unterstützung auch auf seinem Twitter-Profil aufzulisten.
Ähnlich wie Hosodas Arbeit nach seiner katastrophalen Erfahrung bei Ghibli ist Hiraos Einstellung zu Pompo in hohem Maße ein Produkt der Umstände des Regisseurs. Obwohl es sich um eine Adaption handelte, stellte er schnell fest, dass der Comic einfach nicht genug Stoff für einen abendfüllenden Film hatte, was ihm die perfekte Gelegenheit bot, seine angestauten Gefühle zu entfesseln. Infolgedessen ist Pompo ein entzückendes Durcheinander; es ist ebenso optimistisch und ermächtigend, wie es blind trostlos und selbstverletzend ist, was Hiraos Einstellung zum kreativen Prozess im Moment zusammenfasst. Die Erzählung des Films, die dem düster dreinschauenden Assistenzproduzenten Gene und seinem charismatischen Produzenten Pompo folgt, während ersterer zufällig die Gelegenheit ergreift, bei seiner eigenen Arbeit Regie zu führen, lässt viel Raum für diese widersprüchlichen Gefühle.
Das Mantra, das Hirao festgelegt hat, von dem er sagt, dass er nur durch das Verlassen von ufotable richtig formulieren konnte, dass er Werke schaffen will, bei denen die Minderheit die Mehrheit zurückbekommt. Oder, um es etwas präziser auszudrücken, Werke, die den Erfolg von Ausgestoßenen und gesellschaftlichen Außenseitern feiern, ohne ihre einzigartige Identität zu untergraben. Dies spiegelt sich wunderbar in einer der Höhepunktszenen wider, in denen Gene sagt, dass Filme ihn gerettet haben – genau wie Hirao sagte, dass es ihm in seiner Jugend passiert ist – und damit dies auch anderen passiert, wird er Filme über diejenigen machen, die gefallen sind an den Wegrändern können sich ebenfalls darin wiederfinden, wenn die Bilder durch alle möglichen chronisch entrechteten Gemeinschaften blitzen. Die letzten Akte des Films verwischen die Grenzen zwischen Gene und dem Film, den er macht, und kanalisieren dabei auch direkt Hiraos wohlmeinende Träume.
In ähnlicher Weise jedoch Hiraos ungesunde Herangehensweise an Der kreative Prozess wird zu einer unausweichlichen Präsenz im Film. Während das Originalwerk etwas augenzwinkernd über seine Abstumpfung spricht, geht Hirao es sehr ernst an und überlegt, ob der kreative Prozess wirklich gleichbedeutend mit dem Opfern von Teilen Ihres Lebens ist – Beziehungen, Zeit, sogar Gesundheit – und ein von Natur aus einsamer Prozess. Und für ihn scheint es wirklich so zu sein. Genes Reise und die seiner Charaktere ist selbstzerstörerisch; der regisseur weiß das, der film ist sich dessen auch vollkommen bewusst, und doch haben es beide nicht in sich, es voll und ganz zu verurteilen. Ihre Weltanschauung wird herausgefordert, aber im Gegensatz zu Hosodas Baron Omatsuri, der genug Zeit hatte, um eine endgültige Antwort zu finden, ist alles, was Hirao zu bieten hat, ein ordentliches Aufeinanderprallen von Ideen.
Dies wird am besten durch Alan veranschaulicht, ein völlig originelles von der Welt des Films getrennte Figur, die Hirao erfunden hat, um mehr Zuschauer zu erreichen. Zu Beginn des Films erklärt Pompo, dass sie Gene rekrutiert hat, weil er kein Leben in den Augen hatte, da nur Menschen, die kein erfülltes Leben geführt haben, ihre eskapistischen Bedürfnisse kanalisieren können, um fesselnde Welten der Fiktion zu erschaffen. Alan steht im Gegensatz dazu, er ist ein beliebter Junge, der schnell eine wichtige Position bei einer Bank ergattert hat – und doch fehlt seinem Leben etwas. In einer seiner leisesten Szenen erzählt er Gene, dass seine Augen, so wie sie sind, auf den kreativen Prozess fixiert sind, vor Leben funkeln. In einer kürzlichen Diskussion mit Yuichiro Oguro gab Hirao zu, dass er sich nicht dazu durchringen kann, eine der beiden Positionen voll zu unterstützen, und dass er, selbst wenn er diese einsame Sicht auf den kreativen Prozess für sich selbst sieht, denkt, dass Pompo sich selbst verletzt und überarbeitet Einstellungen sind das letzte, was die Anime-Industrie im Moment anführt. Witzigerweise waren sie sich einig, dass dieser Film, wenn er ihn später in seinem Leben gedreht hätte, in dieser Hinsicht definitiv einen wärmeren Ton hätte.
Nun, so düster die thematischen Implikationen des Films auch sein mögen, Pompo ist es ein fast mathematisch erfrischender Film zum Anschauen. Die Wahrheit ist, dass Hirao, obwohl er für seinen pfiffigen Schnitt hoch angesehen war, das Vertrauen in ihn verloren hatte und sich fragte, ob er sich in einen effekthascherischen, seichten Regisseur verwandelte. Nachdem er erst all das Lob bemerkt hatte, das seine Regie bei Werken wie Paradox Spiral erhielt, nachdem er freiberuflich tätig geworden war und mit einem Film wie Pompo betraut wurde, der die Kunstfertigkeit des Films und die Kraft des Schnitts feiert, entfesselte er all seine Tricks gezielter denn je.
Schon vor diesem Film war Hirao ein starker Befürworter des Schnitts als einer transformativen Phase in der Animation, die selten Aufmerksamkeit erhält – nicht von seinen Kollegen, geschweige denn vom Publikum. Er schätzt es sehr, dass er für all seine Werke einen engagierten Lektor hat: Tsuyoshi Imai, mit dem er bereits in der Storyboarding-Phase zusammengearbeitet hat. In gewisser Weise wurde Pompo zu einem Film, der von seiner nominellen Bearbeitungsphase an weniger benötigte, da er bereits mit Blick auf präzise Bearbeitung visualisiert wurde.
Der nahtlose Fluss und der intelligente Schnitt machen an und für sich Spaß, aber die Bearbeitung auf Makroebene ist ebenso gewollt. Die Figur von Pompo glaubt fest an Filme, die etwa 90 Minuten dauern, da es für ihr kindliches Selbst schwierig war, länger zu bleiben, als ihr Opa sie zwang, sich einen Film anzusehen. Und so dachte Hirao daran; Obwohl er es mit seinem Originalmaterial bis zu dem Punkt übertrieben hatte, dass er fast 2 Stunden Drehbuch hatte, kürzte er es so, dass 90 Minuten bis zur zweiten zwischen Genes erstem Auftritt und der letzten Einstellung des Films vergehen, wo er seinen größten Triumph verkündet drehte einen Film von Pompos gewünschter Länge. Diese Strenge und diese Kontrolle des Tempos machen Pompo zu einem der reibungslosesten Filme, die ich je gesehen habe, was keine leichte Aufgabe ist, wenn man bedenkt, dass er sich mit einigen schweren Themen befasst.
Am Ende Baron Omatsuri und Pompo sind zwei sehr unterhaltsame Filme, die diesen Kontext nicht benötigen. Beide sind das Produkt von Regisseuren, die verstehen, was den Film zu einem zutiefst befriedigenden Erlebnis macht, wohl zu ihren besten Werken, wenn es um diesen reinen Unterhaltungsfaktor geht. Und doch sind beide auch untrennbar mit ihren schmerzhaften Erfahrungen verbunden, was eine faszinierende Dualität ausmacht. So ähnlich ihre Situationen auch sind, sie befinden sich eindeutig in unterschiedlichen Stadien der Verarbeitung dieser dunklen Gefühle: Trotz der bitteren Erinnerungen, auf denen er aufbaut, geht es bei Baron Omatsuri darum, auf gesunde Weise weiterzumachen, während Pompo ein Film ohne Antwort und ohne Selbst ist-destruktive Tendenzen werden nicht vollständig widerlegt. Während er dies schreibt, arbeitet Hirao derzeit an einem Original-Anime mit dem gleichen Thema, Ausgestoßene zu erheben, also ist es gut möglich, dass wir sehen werden, dass er einem ähnlichen Bogen folgt – das hat schließlich der Regisseur selbst prophezeit!
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