Todos nós já estivemos lá-você encontra um show com uma história tão atraente e envolvente que você não pode parar de assistir… mas parece um lixo absoluto. Talvez os designs de personagens sejam terríveis, talvez a animação seja intensamente subparta, talvez escolhas de cores desconcertantes tenham sido feitas, ou talvez sejam as três, além de opções visuais ainda mais profanas. Mas isso não importa; Você está viciado porque a história em si é tão boa. Pedimos à nossa equipe editorial que apresentasse exemplos de anime que eles assistiram estritamente na história. Você concorda com as opções deles? Kentaro Miura/Studio(Studio GAGA) HAKUSENSHA/Berserk Partnership
Não é exagero dizer que o mangá furioso desempenhou um papel fundamental na popularização do mangá nas regiões ocidentais. O cenário de fantasia sombria do mangá, a plotagem de vingança para si mesmo lenta, obras de arte lindas e ações durões ressoaram profundamente com o público internacional de todas as origens. Mesmo antes da passagem prematura de Mangaka Kentarō Miura em 2021, o mangá Berserk foi reconhecido como uma conquista única no meio e comemorada em todo o mundo.
Eu sabia o tamanho de um negócio que estava indo para o verão depois do meu segundo ano de faculdade em 2016. Através da minha frequência frequente do clube de anime e das contas de mídia social que eu segui, a antecipação do anime furiosa por esse anime sequela foi palpável. Então, eu fiz o que qualquer pessoa com interesse em anime, mangá e críticas da mídia faria e tentou acompanhar a série antes do lançamento do novo anime. Assim que as finais para esse semestre terminavam, li o capítulo Lost Children do mangá durante os frequentes períodos lentos no meu contrato de balcão. Entre os hangouts e as aulas de verão, assisti a totalidade do anime Berserk, apelidado de 1997, que foi (e inexplicavelmente ainda é) carregado em sua totalidade no YouTube.
Então, 1º de julho rolou, e eu, agora totalmente preparado para pular e investir totalmente emocionalmente em um berserk, assinamos com o Crunchyroll para assistir a esse novo anime e… foi uma merda.
Muitas pessoas talentosas dedicaram muito tempo e energia a explicar como Berserk (2016) é amplamente decepcionante e investigando por que isso aconteceu com uma adaptação de um trabalho tão amado. Não vou relitigar tudo isso aqui, mas, em resumo, Berserk (2016) não foi uma decepção apenas porque seus visuais não conseguiram cumprir as animações de tirar o fôlego de Miura. Todas as partes da produção, desde o design de som até a composição do tiro, eram amadores ou incompetentes. Embora as pessoas estivessem cautelosamente otimistas sobre o uso da animação CGI do programa, considerando o quão bom o Studio 4 ° C Berserk: os filmes da Age Age Golden A Arc pareciam até o final de sua corrida, ficou claro imediatamente que os esforços combinados do estúdio Gemba e Millepensee não puderam corresponder à qualidade dos filmes.
Apesar da panning universal, continuei assistindo o anime Berserk (2016). A falácia do custo afundado teve o controle de mim, e eu tive que saber onde a história da Berserk foi a seguir. Através da lama, cobrindo esse anime, a ruminação sobre o espírito humano que fez do mangá de Mirua tão especial conseguiu brilhar. Nesta temporada, vi coragem se transformar de um agente incessante de vingança em um zelador em dificuldades para a Casca e começar a aprender a se curar de seu trauma, em vez de apenas confrontá-lo. Vi coragem começar a reconstruir sua comunidade através de colegas desajustados como Isidro, Farnese e Serpico. Eu assisti Griffith arrancar o caminho do inferno e começar a construir sua utopia no topo dos corpos de sua ex-banda do falcão. Por fim, eu assisti todos os personagens lutarem com a aparência da felicidade e como eles poderiam encontrá-lo em um mundo marcado por uma quantidade esmagadora de violência e sofrimento.
Não continuei assistindo Berserk (2016) após sua primeira temporada terminada. Mesmo quando a temporada inicial terminou, eu já havia lido muito a parte da história no mangá. Serei caridoso com o anime e admitirei que o trecho do mangá, ele tenta adaptar as marcas algumas grandes mudanças tonais da série e, portanto, sempre representaria alguns desafios significativos para as equipes de produção mais qualificadas. Eu recomendo para sempre que as pessoas leem o mangá Berserk ou mergulham os dedos da série com o anime de 1997.
No entanto, uma parte de mim sempre ficará feliz que Berserk (2016) exista, pois foi minha motivação investir uma quantidade significativa de tempo para experimentar um trabalho que é inovador em seu meio e extremamente culturalmente influente. Sim, eu assisti a Berserk (2016) por sua história, mas também para que eu pudesse experimentar ao lado de outros uma obra de arte geracional definidora que está pronta para moldar a arte de contar histórias para o resto da existência da humanidade.
Vá ler o mangá Berserk!
Rebecca Silverman
É uma barreira para a entrada com a qual os fãs do BL anime estão familiarizados. Felizmente, não pode destruir uma das histórias de família mais doces a serem animadas desde as babás da escola. (O que também não parece ótimo. Estou sentindo outro padrão.) O tema no coração de Tadaima, Okaeri é família, tanto biológico quanto encontrado. Masaki e Hiromu são um casal da variedade incomum de ômega/alfa, o que significa que eles têm crianças biológicas. A princípio, ambas as famílias são contra o casamento, com a família de Masaki sendo mais preocupada com ele e Hiromu mais do lado esnobe. Enquanto amam seus pais, os dois também estão perfeitamente felizes com a família que criaram, especialmente com seus filhos, o primeiro filho Hikari e a filha mais tarde Hinata. O empate não é que dois homens estejam co-parente; Uma família calorosa e amorosa está passando pelo dia-a-dia, interagindo entre si e com as pessoas ao seu redor, enquanto lentamente acumulam sua própria família maior e encontrada. Embora exista angústia, não é o fator determinante na trama; É apenas algo que todo mundo experimenta ao longo de suas vidas. Mesmo se você preferir animais de estimação às crianças, assistir Hikari escrever uma carta para o cachorro ao lado (seu melhor amigo, de quem ele também tem medo) é adorável, e Masaki e Hiromu fazem isso mais incomum das coisas na ficção: conversem um com o outro quando tiverem um problema. Isso é de fatia de vida no sentido mais puro, uma história que nos recebe em uma família por um tempo e nos permite compartilhar uma parte de sua vida. Sim, parece ruim. Sim, é Omegaverse. Mas o mais importante é o calor da série e a maneira confortável que ela nos permite acreditar que, em última análise, tudo vai ficar bem.
Richard Eisenbeis
© Okinaaa, tsukasasa (600″=”338″>
© Okinaaa, tsukasasa O que? Parceiros
Então eu sou uma aranha, e daí? é uma das minhas histórias de fantasia favoritas da década passada. Começa como uma reviravolta cômica no gênero isekai, onde nosso protagonista é reencarnado como um monstro de aranha profundamente na masmorra mais perigosa do mundo, enquanto seus colegas de classe se tornam cavaleiros e nobres. Grande parte do show segue a batalha de sobrevivência de Kumoko, enquanto ela passo a passo move a cadeia alimentar-literalmente. Fica claro que as coisas estão longe do que parecem. Quem são os heróis e quem são os vilões são questionados, e até a própria natureza do mundo, com seu sistema mágico em forma de jogo, se torna um mistério a ser resolvido. Melhor ainda, toda a primeira temporada é construída em torno de um truque de narrativa bem trabalhado e atualizado-que não é totalmente revelado até o episódio final da série. Mas quanto à aparência… bem, suponho que agora seja a hora de mencionar que é animado por Millepensee e dirigido por Shin Itagaki, assim como o Berserk de 2016.
Assistindo o primeiro episódio-ou até a primeira meia-temporada-, então eu sou uma aranha, e daí?, você pode ficar chocado ao encontrá-la nesta lista. Embora exista muito CG sub-par neste programa desde o início (junto com mais de um pouco de CG de boa aparência), o fato de ser usado para animar monstros esconde o quão baixa é a qualidade. No entanto, uma vez que nossa protagonista da aranha deixa os limites de sua masmorra e mais e mais brigas incluem personagens humanos, as manchas se tornam óbvias e totalmente dolorosas.
Nos poucos episódios finais, onde a ação se forma em cenas de guerra total em escala épica, as coisas atingem seu ponto mais baixo na frente do CG. Os modelos 3D para os personagens principais contrastam fortemente com sua arte 2D, e quantidades infinitas do mesmo soldado ou dois são coladas no campo de batalha para executar ações de aparência robótica. O mais importante é o pano de fundo em algumas cenas. Dizer que eles se parecem com os gráficos de PS1 com sua geometria não natural e um único bloco de textura único, ad infinitum repetido seria um insulto aos jogos daquela época. Mesmo quando o programa tenta fazer algo legal com a animação 3D, como um tiro em movimento ou rotativo que seria impossível para uma câmera real, a taxa de quadros cai nos dígitos únicos-você se pergunta se é o seu computador ou tablet e não uma animação. À medida que a história se aproxima do seu clímax final, a animação real fica cada vez mais escassa. Temos as panelas sobre os quadros estáticos para dar a ilusão de movimento e até mesmo terem personagens falando sobre fotos amplas e imóveis, onde nenhuma boca é mostrada e nada é animado. E mesmo quando as coisas estão se movendo, temos problemas como composição sem sentido, olhos instáveis nos personagens e uma falta de detalhes sobre os personagens em pé a uma distância honestamente boba. A resposta é simples: Aoi Yūki. A maior parte desse anime é um show único com o Kumoko de Aoi Yūki em seu centro. Temos apenas o monólogo dela para se conectar como telespectadores e ela entrega um verdadeiro Tour de Force. Tanto a comédia quanto o perigo passam por pitch-perfeitamente e é impossível não torcer pelo Kumoko aderente-mesmo como ela faz coisas cada vez mais horríveis. É uma experiência que vale a pena a animação subpara e encorajo todos a experimentar por si mesmos. Hight=”338″>
© 2006 竜騎士０７／ひぐらしのなく頃に製作委員会・創通
Muito do impacto de Higurashi vem de suas reviravoltas e truques, e é uma pena estragá-los, da mesma maneira que você nunca deve estragar alguém que está assistindo Psycho ou The Wicker Man pela primeira vez. (O que você quer dizer, quais?) Como essas comparações sugerem, Higurashi é uma série de terror. Seus primeiros episódios contam um conto assustador familiar. Um garoto, Keiichi, se muda para uma vila rural japonesa remota, conhece os adoráveis locais-especialmente as garotas brincalhas da escola-e se envolve em hijinks com elas. É verdade que é um prólogo de flash-forward, onde vemos o mesmo garoto em uma situação angustiada. Um taco de beisebol está envolvido, e sangue-muitas e muito sangue. Ah, bem, tenho certeza de que não é importante.
As cenas iniciais parecem uma paródia de haréns de anime. Quais são os perigos inesperados para um garoto cercado por mulheres animadas, pois elas o levam aos mitos e mistérios de sua cidade? Segue-se uma masterclass de narrativa não linear, pulando pontos de vista e prazos, mas permanecendo envolvidos e viciantes. O principal truque de Higurashi não era novo, mesmo em 2006; O que é deslumbrante é o quão lindamente o programa é construído em torno dele. Eles se interligam tão intricadamente que você começa a ler todos os detalhes. Todas as histórias envolvem a cidade do campo, principalmente no mesmo verão. Eles carregam os mesmos personagens-cerca de dez importantes, incluindo Keiichi e as meninas variadas. Assassinos se tornam heróis, depois assassinos novamente. Vilões se tornam vítimas. Os personagens mudam em um segundo de amigável para assustador. Caçadores de verdades proibidas desaparecem ou enlouquecem. Eu deveria enfatizar que isso é horror. Há muita violência de lâmina sangrenta, alguns contra vítimas chocantes, embora mesmo as cenas horríveis geralmente sejam contrárias às regras da pornografia de tortura. Muitas vítimas se recusam a se ver como vítimas, mantendo-se desafiador enquanto são cortados e rasgados. Há toques de horror mais humorístico; Uma trama do meio lida com um assassinato”perfeito”mal feito. Eu posso entender qualquer pessoa que solte Higurashi muito antes de chegar às coisas boas. Mas, misericordiosamente, o programa é bem dirigido o suficiente para transcender a má qualidade quando conta, com rostos torcidos histéricos e suspense e atrocidades artisticamente editadas. Ele também tem uma ótima sequência do título, com flores abrindo em exibições de caleidoscópio e meninas de Waifish olhando da tela, seus rostos manchados de lágrimas ou sangue.
jean-karlo lemus
© akihito yoshito yoshitoys) A adaptação Eat-Man de Mashimo em 1997 é, como Justin Sevakis uma vez colocou, o tipo de coisa que você solta apenas quando deseja falir. É uma boa adaptação do mangá de Akihito Yoshitomi em 1996? Não; O anime pega apenas os elementos mais básicos do mangá e os borrifa escassamente. Mantém a manivela do protagonista e suas duas habilidades (comendo restos industriais não comestíveis e convocando armas totalmente formadas de suas mãos). Caso contrário, ele vai completamente no lam.
Parece bom? Não; O show tinha um orçamento com sapatos, então muitos atalhos de animação foram levados. Longe de estar cheia de tiroteios do zany, onde Bolt convoca uma enorme arma do dia do juízo final de suas mãos, o programa usa muitas panelas lentas e faz uma pausa para eliminar seus episódios-quase frustrantemente. O programa adora fazer uma pausa em imagens aparentemente aleatórias para o que pode parecer muito tempo.
Mas isso significa que a história é boa, certo? Não exatamente; Eat-Man é uma narrativa decididamente episódica ao longo das linhas da década de 1970, The Incredible Hulk; Bolt Crank entra na vida de alguém, oferece seus serviços como um jack-of-all-trades, as coisas acontecem e Bolt se afasta do desperdício pós-apocalíptico coberto por uma nave espacial devastada pairando no céu. As histórias recebem finais felizes? Eles recebem finais, isso é suficiente.
O programa é péssimo? Não. Eat-Man é muito mais do que a soma de suas partes. Entendi-me que o Eat-Man era um anime que foi ao ar no que eu gosto de chamar de”Otaku O’Clock”(1 da manhã). É um show que tira proveito desse horário. À 1 da manhã, os visuais empoeirados e as panelas lentas dão a este programa um humor contemplativo; Cada olhar de olhar rouba o que está acontecendo, parece mais significativo. Os recortes e flashbacks repetidos são desenvolvidos toda vez que você os vê, preenchendo cada vez mais espaços em branco para o drama semanal. Toda figura sombria de que a desamparo da semana está se escondendo é muito mais assustadora. É um tom que ouve de volta a uma idade avançada da televisão, onde você pode sentar e se entregar às vibrações de um programa-se você permitir. Aprendemos pouco sobre Bolt, mas quase não importa; Estamos noivos pelo povo Bolt ajuda, os mistérios deixados para trás por aqueles que passaram muito antes deles e a vida que levam em seu mundo pós-apocalíptico sem esperança. De certa forma, é um pouco como um anime assumir um show de fatia de vida no meio do mundo da Torre Negra: o mundo seguiu em frente, mas aqueles que vivem nele continuam a se destacar. A animação é melhor, as cores são mais brilhantes, as histórias se ligam, em vez de contos de cães desgrenhados episódicos, e todos fazem um trabalho melhor de amarrar histórias do mangá. E, no entanto-o Eat-Man original é o que eu prefiro. Suas falhas resultaram em algo memorável que não consigo encontrar em nenhum outro lugar. Às vezes, menos realmente é mais. Elementos ap
Projetos como esses podem ser divertidos, pois me levam a alcançar profundamente, profundamente nos recessos do meu palácio da mente e a recordar o anime que eu não tinha muita causa para pensar desde então.”Certo”, eu digo a mim mesmo,”houve algum programa que eu me lembro claramente de me divertir, apesar de sua animação compreendendo tanta crosta. Lembro-me de ter conversado com amigos especificamente sobre isso. O que foi de novo?”Obviamente, foi fantasma no Crepúsculo, a história sobrenatural de 2018 de quando a tendência da indústria quente era coproduções com estúdios de animação chineses. Estava varrendo a nação. Alguns episódios são até bastante polidos! Há um senso de estilo geralmente legal apoiando tudo, o que faz sentido, dado o apelo ostensivo de vender namorados quentes que também são lobisomens e vampiros e coisas do gênero. Mas o Phantom no crepúsculo é rígido o tempo todo e, quando o seu polimento não está presente, os modelos de personagens deslizam mais do que uma potência angustiada de lobo-menino deslizando em torno de um telhado. Os efeitos visuais tendem a ser baratos e estoques, e muitas edições apressadas e muitas vezes desconcertantes reúnem tudo. Esses 200% não são um programa que eu estava assistindo pelo visual, o que é tão engraçado, já que”Looking Sexy”deveria ser o motivo para uma série como essa existir.
Para que eu estava assistindo Phantom no Crepúsculo? Simplificando, é muito divertido, principalmente por causa de seus personagens e de algumas de suas escolhas que são únicas em seu gênero. Os monstros da Universal Gijinkas, que são o suposto evento principal, não são ruins-embora em uma série que já esteja no modelo, tenho certeza de que Jiangshi Boy Tauryu nunca é atraído. Grite para o lobisomem quente Luke e seu irmão Chris, que de alguma forma se parecem com a versão do Kingdom Hearts de personagens que não existem. O verdadeiro apelo é a heroína, que, embora dificilmente seja a única forte liderança reversa-Harem, é especialmente incrível. A maneira como a Ton se reins, gerencia e lida com os monstros em sua órbita romântica, particularmente seu possível namorado perigoso Vampire Vlad, é incrivelmente cativante de ver. E ela faz tudo isso enquanto luta com essa arma de várias cadeias sobrenaturais e cabelos ruivos brilhantes que a permitem parecer super-escolar. Ou pelo menos tão legal quanto a arte deste programa permite.
Além de tudo isso, Phantom in the Twilight é uma série de harém femininas que também é corajosa o suficiente para ser Yuri. O núcleo emocional real é Ton e sua amiga especial Shinyao fazendo uma coisa de paralisos que começa no nível de”não há explicação heterossexual para isso”e só escala o romance a partir daí. Shinyao é don-tease por uma grande parte do show, com Ton buscando resgatá-la, presumo que eles perceberam que seu relacionamento dominaria qualquer possibilidade de enviar tonelada com o manual de monstros de amantes masculinos de outra forma. Funciona principalmente, já que todos os géis com o quão sinceramente, é divertido, Phantom no Crepúsculo. Seria frustrante se Ton fosse 20% menos legal, e isso poderia me tirar do programa se parecia melhor. Toda vez que os modelos de personagem se transformam em Jank, ou há um ângulo holandês mal aconselhado ou uma transição de limpeza, ela me lembra a falta de liberdade desse exercício, exemplificando por que às vezes um sólido 7/10 é mais agradável do que qualquer produção perfeita de prestígio. src=”https://www.animenewsnetwork.com/thumbnails/max600x600/cms/feature/221830/screenshot-2025-03-09-163535.png.jpg”width=”600″altura=”398″393535.pg.jpg”width=”600″altura=”398″39-163535.jpg”PG”600″600. Uma opinião impopular em certos círculos, mas a qualidade da animação é importante. Assim como os visuais fortes podem elevar uma história medíocre, a direção sem inspiração e os personagens rígidos podem dificultar ativamente a narrativa visual, arrastando toda a produção para baixo. É preciso muito para eu sentar e dedicar meu tempo a uma série com uma apresentação ruim, especialmente porque eu mal tenho tempo para aqueles que são fortes nas duas frentes que quero assistir. Ainda assim, de vez em quando aparece que é atraente o suficiente para me manter assistindo, e ōoku é um desses casos. Como resultado, o país fica administrado por mulheres enquanto os homens são valorizados como mercadorias. Como o título indica, a história se concentra no Tribunal de Shogunato, particularmente no pátio interno-o ōoku, onde centenas de homens são mantidos, inacessíveis para qualquer um, exceto o shogun. Yoshinaga usa a configuração para explorar como a dinâmica do poder social mudaria em tal situação, considerando e incorporando uma ampla variedade de fatores além de fazer um matriarcado que é funcionalmente idêntico ao patriarcado, exceto que as mulheres estão no comando.
Como sua inclusão nesta lista implica, a animação não é ótima. A animação do personagem é rígida e o storyboard é uma cópia direta sem arte dos painéis de Yoshinaga reunidos sem considerar a intenção de como as imagens são organizadas e como a mudança de um meio para outro pode afetar como o espectador a recebe. However, outside of one or two unintentionally funny erotic scenes where it looks like the couple on-screen is attacking each other’s faces rather than caught in the throes of passion, the poor production doesn’t hold it back as much as some of the other series I considered for this list, such as Farewell, My Dear Cramer.
The first is that this truly is the kind of story driven forward primarily by people sitting in rooms talking. Afinal, isso é um conto de intriga da corte, e muitos dos personagens estão em posições em que são protegidos de conflitos físicos. Em vez de ação, a tensão decorre de assistir os seres humanos lutando através de situações desesperadas, onde se sentem presas, planejando e conspirando enquanto eles disputam qualquer fatia de poder que pudesse encontrar. Está nas emoções conflitantes e nas conexões fugazes. Embora a bela animação apoiasse, sem dúvida, essa variedade de histórias, ela permanece bem o suficiente. A excelente escrita de Yoshinaga ganha vida com performances vocais, incluindo pessoas como lendas da indústria Kikuko Inoue, Mamoru Miyano e Seki Tomokazu. Todo personagem é complexo, navegando em um mundo de motivações pessoais concorrentes e obrigações sociais. Todo ator de voz faz justiça ao seu caráter com performances multicamadas. O desempenho de Miyano como Arikoto, um monge sequestrado e forçado a ser um dos primeiros homens a entrar no ōoku, inclui leituras de linha que ainda posso ouvir na minha cabeça, mesmo mais de um ano depois de assistir ao programa. De maneira direta, ele simplesmente tem uma história muito boa que vale a pena assistir! É bem escrito e tematicamente rico! No segundo, a interpretação do Snider, a apresentação visual está faltando severamente, e ninguém vai assistir à animação. Ainda assim, a incrível narrativa de Yoshinaga faz tudo valer a pena… especialmente se você não pode pagar o mangá. Hight=”337″>
© Lynn Okamoto • Shueisha/Vap • Genco
Eu assisti a Elfen mentiu por sua história, mas não porque achei ótimo. É porque sua misantropia era tão insípida e pesada que não pude resistir a assistir o resto. O problema? Eu assisti na hora errada. Como um garoto protegido cuja família o proibiu de jogar jogos com classificação M e ficou com a sombra dos jogos Gamecube como proxy para ousadia, tenho certeza de que a justaposição de Kawaii Moe e Elfen Lied teria trabalhado em mim. Mas eu assisti quase uma década após seu lançamento, anos após o fenômeno do anime ter diminuído. Eu não era mais adolescente, mas 21 anos na faculdade, o zeitgeist de futebol e beer de minha escola, da minha escola, fazendo um 180 diretamente no mundo de uma fatia de vida. É por isso que Elfen mentiu é tão controverso. Funciona se você puder se colocar na mentalidade de um adolescente emo da era dos anos 00. Se não puder, você verá isso como besteira evangelion-meets-um relógio laranja. Para mim, é um pouco de ambos. Mas sua ousadia não é apoiada por qualquer coisa intelectual. Não que você possa espremer qualquer brilho de sua trama Jekyll e Hyde, mas não acho que esteja pedindo muito quando você exige violência, sexo e misantropia gratuitos para se moldar. Lucy muda de um lado para o outro de ser um amnésico infantil para um assassino de sangue frio que odeia a humanidade. O pior da humanidade é mostrado aqui e ali, e há aquele filho da morte de um OP que faz bastante a entrada. O resto do show e seus personagens parecem superficiais tematicamente, diluídos pela animação e leitura de 00s-y, como a fanfiction, um garoto de quatorze anos escaparia de raiva em relação à mãe que o aterrou por uma semana. Quando sua história não está encharcada de sangue, parece estranho e involuntariamente hilário. Ele faz jus à sua controvérsia, tornando a ação ultraviolenta e algumas cenas perturbadoras. O design de personagens de Lucy e a estética de terror do programa provavelmente ajudaram a dar lugar a artistas como Madoka e School-Live!. O dub inglês não é exatamente o mais polido, mas ainda está bem; É mais preciso apesar das mudanças, embora a adição de juramento seja hilariante desnecessária. Não estou ofendido por isso-sou da Filadélfia. A vulgaridade é apenas parte do vernáculo aqui. Ainda assim, quando um dos bandidos jura como um marinheiro para fazê-lo parecer mais antagônico, parece tão rígido que não posso deixar de rir sempre. Novamente, isso provavelmente teria me fascinado como um pré-adolescente imaturo. Mas, depois de assistir esta série como adulto, o diálogo parece um comediante ruim que pensa que adicionar mais palavras sobrecarregará seu ato mais memorável. Apreciar Elfen Lied hoje é olhar para aquela época e as dezenas de AMVs de evanescence gerados em seu rastro. Para aqueles nostálgicos para o anime dos anos 2000, a história de Elfen Lied ainda vale a pena investigar, mesmo que não se sustente. Width=”600″Height=”400″>
© 2006 Kadokawa Shoten/Welcome the N-H-K Partners
Muito antes de ser reduzido a NFTs de xelim, o Gonzo Anime Studio. O CG da década de 2000 nem sempre envelheceu o melhor, mas o esforço estava lá, e séries como o último exílio, Gankutsuou: o conde de Monte Cristo e Afro Samurai ainda se sustentam visualmente hoje, graças ao ótimo trabalho de design e à impressionante animação à mão. Bem-vindo ao NHK-um de nove anime Gonzo feito em 2006, dois anos depois que o estúdio abandonou a”digimação”de seu nome-não foi a principal prioridade do estúdio na frente da animação. Pode-se esperar que a série seja menos ambiciosa do que a tarifa mais pesada de Gonzo pode pelo menos permitir a consistência visual, mas não. A qualidade da animação sobe e desce, atingindo alturas de”aceitável”na melhor das hipóteses e caindo em rabiscos fora do modelo (e não o tipo artístico divertido) na pior das hipóteses. Mesmo quando desenhado no modelo, os designs de personagens são um rebaixamento genérico das ilustrações de Yoshitoshi Abe para o romance de luz original de Tatsuhiko Takemoto. No entanto, suspeito que a maior razão para sua menor popularidade é um dos seus maiores pontos fortes: é tão real. Takemoto foi um dos primeiros escritores a mergulhar seriamente no assunto de ser um hikikomori, baseando as lutas de Satou com extrema ansiedade e depressão em suas próprias experiências. Any progress Satou makes towards becoming a productive member of society always leads him to run into some new big problem, from developing a porn addiction to falling for a multi-level marketing scam to accidentally joining a suicide pact. As the show eventually reveals, Misaki’s fraught Manic Pixie Dream Girl quest to cure Satou of his hikikomori-dom is driven by her deep psychological wounds. None of this makes for easy casual viewing, and if you found this anime too triggering, uncomfortably relatable, or just plain cringe to keep watching at any point, I can’t blame you.
That’s not to say the show isn’t entertaining. It’s often hilarious, just in a very dark register. Scenes like Satou talking to his furniture about his conspiracy theories on how TV networks are turning their viewers into hikikomori or Satou and Kaoru trying to apply every single fetish to their gal game protagonist are comedy gold. The English dub gets credit for doing a good job localizing and punching up jokes (I’m thinking of Chris Patton’s delivery of “BEGONE, DIRTY WHORES” and “SUCK ME DRY!”). The anime’s sense of humor prevents this series of so many unfortunate events from turning into misery porn, guiding the viewer along to find the light at the end of the tunnel.
Welcome to the NHK uses its pitch-black humor and twisted story to explore many social problems, deal with mental health issues, and expose the darker sides of otaku culture. Ultimately, it’s a story about trying. It doesn’t promise everything will turn out okay, but it says it’s worth it to keep living and trying to help yourself no matter how much you mess up. Satou and Misaki might not find redemption, but they find hope and the strength to keep going. The many places where the show’s animators messed up should not detract from the strength of the series’message, the realism of its characterization, and the catharsis of its comedy and drama.
Kalai Chik
© 時計野はり・白泉社／「学園ベビーシッターズ」製作委員会
Gakuen Babysitters is a comfort anime for the ages. The lockdowns of 2020 must have done a number on my brain because I forgot this anime was released in 2018, not 2020. I have watched a clip or a full episode of Gakuen Babysitters anytime I need a pep in my step, and that’s a testament to the levels of serotonin this series has brought to my life. Its premise is straightforward as the slice-of-life anime focuses on the life of Ryuuichi Kashima and the children in the daycare part of his high school.
Every episode has one or two self-contained stories, some more emotional than others. However, there’s character development and overall plot progression as brothers Ryuuichi and Kotaro learn to adapt to their new normal after losing their parents in a tragic plane crash. Although the series lacks any notable moments for animation quality, each episode is consistent and mirrors the charm and simplicity of the source material. The muted, pastel colors help to provide a relaxing watch for the eyes, while the overall character designs easily communicate their unique personalities. Mina Oosawa, the character designer who adapted the manga art for the anime, has gone on to work on designs for other heartwarming series like Given and Tadaima, Okaeri.
Ryuichi and Kotaro are taken in by the matriarch of Morinomiya Academy, Yoko Morinomiya, on the condition that the Ryuichi help with the school’s babysitter center. The series’twelve episodes are a collection of various stories, such as a zoo field trip and Kotaro going on his first errand to deliver his brother’s lunchbox. To put it simply, cute preschoolers are always busy with the normal antics expected of schoolchildren.
Of course, it’s not only the children who care deeply for Ryuuichi. The parents also watch over the two orphaned brothers as an unofficial community, guiding them without being patronizing. Chairwoman Morinomiya, who also lost her son and daughter-in-law in the same plane crash, provides the brothers with tough love, which is undercut when Kotaro occasionally calls her hair “shaggy.”
There are no overarching stakes, though, I find it emotionally heart-wrenching to see young children in distress even if it’s relatively minor. For example, my heart simply breaks when Taka—the loudest and ‘brattier’ of the children—loses his beloved toy sword during a festival. Or, on a more serious note, when Kotaro attempts to jump into open water when he thinks his brother is drowning and cries in anguish when the mother of his classmates holds the toddler from doing so.
By the end of episode one, you’ll be emotionally invested in the well-being of Ryuuichi and Kotaro, which will extend to all the characters in the series. The lighthearted nature of Gakuen Babysitters leads you to forget that it revolves around a teenager and his four-year-old brother who lost their parents, and only have each other. Every episode provides a moving, overarching narrative, and shows simple moral lessons that kids can understand while including relatable subjects for adults. Like a father who fears his children are emotionally distant from him because of his busy work as an actor, or an emotionally insecure schoolgirl. Maria Inomata, Ryuuichi’s classmate, is a book-smart but socially awkward schoolgirl with a stern attitude. She bottles up her feelings of loneliness, which the children help unload and relax by simply being happy to see her. Gakuen Babysitters also dabbles into light romance but never goes anywhere with that subplot, as the number one person in Ryuuichi’s heart is his younger brother.
You’ll laugh and you’ll cry at this simple series about babysitting in a daycare center. Come forget your woes while watching a heartwarming anime with cute depictions of toddlers.
MrAJCosplay
© 2006 CLAMP・講談社/アヤカシ研究会
There is a lot about xxxHOLiC that I think still holds up today. Just like how the title is a play on words with the xxx representing a blank space, and the rest of the title is a stand for addiction (for example, being an ALCOholic), the series is all about going through the miserable experiences that are afflicted on other people. Sometimes, these afflictions are random and circumstantial, while other times, they are self-imposed. There’s a strong emphasis on how words and language hold special meanings that can physically and spiritually affect others. Our main character, Watanuki, is somebody cursed to see horrific spirits that also find themselves attracted to him. All he wants to do is live a normal life. There’s this prevailing sense of misery throughout the show and while there are genuine moments of old-school comedy thrown in there for the sake of levity, almost every episode ends on a bit of a downer note. The series is episodic, going through different types of people who need help from our beautiful witch Yuko, who does her best to help. But I never walked away from an episode feeling happy. It’s more like a cold, hard truth gets revealed, and a lesson is learned, but that doesn’t necessarily mean the world gets brighter.
It makes sense that a show where words hold such power would have the dialogue and writing would be treated with such care. A major selling point of this show is Yuko and how she talks to those around her, particularly with our main character Watanuki. The writing is so tightly packed with comedic punch and plenty of wordplay that it doesn’t always translate well in the English version, but the effort is still there in trying to communicate the layered double meanings in a lot of the exchanges. There is a lot of exposition about spirits, but there’s also a lot of talk about the human spirit, destiny, and the power of choice. I’m glad these exchanges still hold up because the animation and art direction certainly have not.
Some gorgeous, aesthetic shots work perfectly as stills, and almost all of them have to do with Yuko. She is the definition of aesthetic, and the animation staff tries their hardest to ensure we, the viewers, understand that. But this animation style has not held up so many years later, outside of those shots and a few scant moments throughout the season. This is the show that I think about whenever somebody makes fun of the CLAMP art style with the incredibly long and lanky body proportions. These body types work for comedy, but so much of the show is dragged in serious melancholy that it gets incredibly distracting. The show is trying to combine real-world issues with supernatural influences and the art design doesn’t work in communicating that idea. The color palette emphasizes shades of brown and plenty of black with the illusion of very dim lighting across most scenes outside of the high school the main character attends. However, the character designs and movements are too cartoony to convey any major sense of realism. Everything looks so flat and lifeless.
At best, the show can look very messy, and at worst, it just looks very boring with a soundtrack that mostly exists as background noise outside of a few scant tracks, such as the themes that play when Yuko is present. In some ways, I almost think the show would work better as an audio drama where I can just listen to the characters describe everything taking place. Maybe that would’ve been a better way to consume it, or maybe the show would work a lot better if there was some kind of reboot with an updated aesthetic because other studios have shown that they can adapt the CLAMP art style incredibly well.
Bamboo Dong
© 2003 Shuichi Shigeno/KODANSHA/prime direction/OB PLANNING
But the story! The story was pure perfection. It turned an entire generation of fans into street racing enthusiasts. Even if you didn’t care about cars, the tension of every episode kept you coming back for more. Initial D wasn’t just a sports anime—it was the story of an unlikely underdog whose coolness wasn’t even desired. It was just thrust upon him as a filial chore!
You see, the main hero of Initial D, Takumi Fujiwara, wasn’t even the chosen one. He was just a guy who had to deliver tofu for the family business in the early hours before school. And if you’ve ever had freshly made silken tofu, you know how delicate it is. That was the burden thrust upon Takumi, whose daily chore led his father—a racing legend back in his day—to teach Takumi the finely honed art of drifting. It’s a technique where drivers intentionally oversteer a car through a turn so that it skids sideways with the wheels turning in the opposite direction. It was also awesome that Takumi’s car was an underdog too.
Compared to the flashier, much more expensive cars driven by the other racers, Takumi’s ride was a Toyota AE86 Trueno, part of the Corolla lineup. On the straight-aways, it simply couldn’t compete with the fancier race cars, but on the turns? That’s where Takumi’s ridiculous and unbeatable skills shone. And yes, that’s the entire show. Sure, there are some side stories here and there about the people in his life, and he gets embroiled in several racing team spats and increasingly complex race courses, but at the end of the day, he always pulled ahead because he’s just a damned good driver.
The fact that this series became such an enduring cult classic despite its unfortunate character designs, clunky animation, and truly awful CG car animations is a pure testament to how magnificently the action was escrito. They probably could have animated the entire show with stop-motion Kleenex boxes, and it would have still been immensely thrilling—that’s how good the story is for Initial D. The classic Eurobeat soundtrack doesn’t hurt either.
Jairus Taylor
© 荒木飛呂彦/集英社・ジョジョの奇妙な冒険製作委員会
Before you all raise your pitchforks in protest, hear me out. Yes, Jojo has a pretty distinctive visual style, and yes, the quality of David Productions’work on the series has (mostly) gone up with each subsequent part that’s been adapted. However, that hasn’t always transferred over to its actual animation quality, especially so with its first season when David Productions was a much smaller studio. Going by their portfolio before 2012, they were a pretty strange pick to adapt a property like Jojo, as their biggest claims to fame at the time were titles like Inu x Boku S.S., Ben-To, and assisting Studio Pierrot with Level E. It’s not a terrible track record, but certainly not the one you’d expect when they were given the keys to one of the biggest and seemingly unadaptable manga franchises in Japan. As such, it’s not too surprising that the animation quality of Jojo’s first season is pretty inconsistent. While there are a couple of standout episodes on that front, the majority are merely passable compared to what you’d expect out of the adaptation of such a big title, and some of the shortcuts taken with action scenes make it feel more like watching a comic book in motion than a TV show. However, it speaks to the strengths of Kenichi Suzuki and his team that they were able to leverage that into a feature rather than a weakness, and compensating for production flaws by leaning into that comic book aesthetic is a great example of how direction and intent can be more important to the aesthetic of a show than raw animation quality.
Of course, it also speaks to how great Hirohiko Araki’s writing is, that it’s so easy to get swept into the series despite some of those shortcomings. The pseudo-Victorian drama that forms the basis for Phantom Blood is more entertaining than it has right to be. It’s fun seeing the conflict between British gentleman Jonathan Joestar and his newly adopted brother, Dio Brando, escalate from a battle for the family fortune to vampires versus humans with magic breathing. Dio contributes a lot to the appeal here, as he’s the kind of villain you love to hate, and both Takehito Koyasu and Patrick Seitz do a great job of chewing the scenery regardless of which language track you listen to. Whether he’s stealing the first kiss of Jonathan’s girlfriend Erina, or tricking a newly formed vampire into eating her baby, he’s so delightfully punchable that it’s hard not to be drawn in by his villainous antics. That energy gives the story a kind of goofy charm that’s impossible to look away from.
This goes double for Battle Tendency, which shifts into a style more akin to an Indiana Jones movie and sees Jonathan’s descendant, Joseph trying to prevent the resurrection of an ancient race of superhumans as he crosses paths with vampires and actual nazis along the way. However, while a lot of series survive on escalation, the real strength behind Jojo is in just how good Araki is at crafting melodrama out of even the most bizarre of circumstances. For as silly as things like Jonathan and Dio’s rivalry, or the tragic history of the Joestars can get, a lot of it manages to be genuinely compelling, and Araki knows how to squeeze the most out of even the most off-putting of characters (that Stroheim, is even tolerable despite being a literal nazi-cyborg speaks volumes). With all those strengths working together, it makes sense that this first season helped take Jojo from a property with little reach outside Japan, into a global powerhouse, and while this isn’t the best-looking entry in the franchise, it wouldn’t be where it is without it.
Kennedy
© 桜井画門・講談社／亜人管理委員会
Ajin is one of those shows where I couldn’t even form a sentai team with all the people I’ve met who’ve seen it. But few as they are, everyone I’ve ever encountered who’s watched Ajin thinks it’s fantastic. One of the first few inmates of what would eventually become known as “Netflix jail,” Ajin primarily follows a seemingly ordinary high schooler named Kei Nagai. He has two key things that set him apart: first of all, getting hit by a truck didn’t result in him getting isekai’d. He probably would’ve been better off if he had been because, secondly, despite being soaked in his own blood, he didn’t die—in fact, his body instantly healed itself. He didn’t realize it until now, but he’s an Ajin: a rare, immortal demi-human. Ajin is routinely subjected to a relentless, neverending onslaught of painful tests and experiments, so thus begins Kei’s new life on the lam.
But good as it is overall, this anime has some issues that are nothing if not visible—because most of them center around, well, the visuals. This TV anime from 2016 was animated entirely in CGI by Polygon Pictures (who, at the time, was fresh off the heels of Knights of Sidonia—another CGI, Netflix original anime). Now, does being animated entirely in CGI inherently make this show ugly? No. That being said, this isn’t exactly Land of Lustrous. Among other issues, figures (and especially the hair) tend to look a bit blocky, movements are choppy, and the color palette barely ever leaves the realm of neutral tones. Though, to be fair, I’ve seen way worse-looking CGI in anime, too (cough EX-ARM cough).
But once you get past the visuals, you’re left with one of the most thrilling “maybe humans are the real monsters”-stories in all anime. This anime has interpersonal drama, violent ghost fights, and the kind of tension that constantly keeps you at the edge of your seat, but more than anything, this anime has spectacle and plenty of it. And it’s often helmed by this anime’s shining star, the strategic and highly capable Ajin Satou.
Satou is the force of nature behind more or less everything that happens in Ajin—and oh, how shih-tzu-minus-the-zu hits the fan in this show. While things become more complicated the further this anime gets (but I don’t dare spoil it for you, so we’re going to leave it at that), for most of the show, he seems to be acting primarily out of a desire to see the suffering the Ajin are subjected to put to an immediate end—no matter what it takes. He stands in sharp contrast to Kei, who’s far from the altruistic hero that you might expect an anime like this one to follow. This unusual dynamic between the two main characters is fascinating and also makes this anime perfect for people who like a story where the protagonist isn’t necessarily a good person.
I think in 2016, the visuals and Netflix jail were the main two factors that kept more people from watching Ajin. But in 2025, Netflix has become a much bigger player in the anime industry than they were a decade ago. And the visuals—well, okay, fine, they haven’t aged all that well. Still, my point is that this anime has been massively overlooked, and a really big part of that has been because of how it looks. While I think the criticisms to be made about this anime’s visuals are fair (or at least the actual criticisms relating to the CGI itself, rather than the plain fact that it’s CGI), the show itself is nonetheless a fun watch, and I’m willing to die on this hill.
Knights of Sidonia
Kevin Cormack
© TSUTOMU NIHEI・KODANSHA／KOS PRODUCT COMMITTEE
Back in 2014, I’m not sure what possessed Netflix to license a Polygon Pictures CG animated series as their first ever “Netflix Original Anime,” raising more than a few eyebrows among anime fans. At the time, Polygon was most recognized in the West for their contribution to US-produced animated shows Star Wars: The Clone Wars, Transformers Prime, and Tron: Uprising, all CG-animated shows that didn’t exactly scream “typical anime.” Similarly, the works of mangaka Tsutomu Nihei weren’t typically mainstream either. Even his most notable manga, the inscrutable but fascinating Blame!, had only received a seven-episode short ONA/OVA series in 2003.
Based on Nihei’s fifteen-volume manga series of the same name, Knights of Sidonia follows young male protagonist Nagate Tanikaze’s life in the gargantuan (29 x 5km) sub-light-speed seed ship Sidonia, a typically stark, alien Nihei setting. Having been raised in seclusion by his grandfather, deep in the bowels of the ship, following his grandfather’s death, Tanikaze finds himself as an outsider among the other, subtly posthuman, Sidonia residents.
One thousand years previously, the seemingly mindless alien “Gauna” entities destroyed the solar system, with humanity’s survivors fleeing in their huge concrete ships, expanding from the asteroids from which they were mined. To adapt, humanity developed the ability to photosynthesize (to reduce food requirements), while also maintaining population via cloning and asexual reproduction. One prominent character is a new, third sex, with the ability to choose between biological female and male sexual capabilities. The comparatively unaugmented Tanikaze struggles to assimilate while also being drafted into the military as a child soldier in the eternal war against the ever-pursuing Gauna.
Knights of Sidonia is a mecha show with fairly standard shonen action and romance filtered through Tsutomu Nihei’s deeply strange mind. Tanikaze finds himself embroiled in a weird love triangle between one of the aforementioned third sex characters, and a fifteen-meter-tall human/Gauna hybrid who interacts with other characters mainly in the form of a massive phallic tentacle. No one else does romance quite like Nihei, and that’s probably for the best!
Compared to the exemplary work of Studio Orange (BEASTARS, Land of the Lustrous, Trigun Stampede), Polygon Pictures’Knights of Sidonia looks jarringly janky. While the plentiful and kinetic mecha action scenes are incredibly detailed and dramatic, the character rigs and accompanying animation are hopelessly stiff and jerky. Faces are difficult to distinguish, with mask-like expressions that barely change, let alone emote. With a muted color scheme erring on the side of visually boring, it’s no wonder that many fans of more traditional 2D animation were repelled by Sidonia’s substandard presentation.
Beneath the surface, however, is a compelling story of a people driven to desperate measures to survive. Tanikaze himself isn’t that interesting a protagonist, but the surrounding characters are quirky and entertaining, such as the twenty-two-strong “Honoka series”, a group of cloned pink-haired sisters with accelerated growth and development. Sidonia also isn’t afraid to kill off or horrifically alter characters if it serves the plot, which isn’t at all predictable.
While its visuals can easily repel potential viewers, the soundtrack is superb, especially the first season’s pulse-pounding opener, and the dramatic, operatic score that accompanies battle scenes. After a six-year break following Sidonia’s second season, the story definitively concluded in the theatrical movie Love Woven in the Stars, which greatly compresses and alters the manga’s conclusion. Sidonia must have met with some measure of success for Polygon Pictures, because they subsequently produced a movie version of Nihei’s Blame! (which I also enjoyed), and the more recent Kaina of the Great Snow Sea (un?)fortunately using the same divisive CG approach.
Disclosure: Kadokawa World Entertainment (KWE), a wholly owned subsidiary of Kadokawa Corporation, is the majority owner of Anime News Network, LLC. One or more of the companies mentioned in this article are part of the Kadokawa Group of Companies.
