Um momento verdadeiramente incrível surge de diversas formas. Às vezes, a maior recompensa é o desfecho. É quando todos os fios se unem para revelar a verdade sobre o assunto, e isso pode ser surpreendentemente eficaz na ficção. O anime não foge à regra, abrindo a cortina para revelar as verdadeiras intenções do mentor.
Um grande momento também pode ser menos sério, como uma piada divertida ou levar um conceito muito além do que o público pensava ser possível. Abaixo estão alguns dos momentos chocantes, hilários e verdadeiramente comoventes que permaneceram com nossos escritores durante todo o ano.
Observação: as entradas abaixo contêm spoilers para o desenvolvimento da série e do enredo!
Marcille parece chocada depois que Falin rasga sua camisa
©Ryoko Kui, KADOKAWA/Delicious in PARCEIROS DE Dungeon
Lucas DeRuyter
Este não é um grande elemento do mangá Delicious in Dungeon, e o anime nem sempre fez o melhor trabalho traduzindo esta parte da série, mas esta franquia regularmente enfrenta alguns sentimentos em torno da sexualidade e expressão sexual! Laios só se torna mais abertamente ás à medida que a história avança, Senshi é (corretamente) chamado de galã, apesar de ser um hippie estranho, e Marcille e Falin emitem as mais adoráveis vibrações baby-queer.
Apesar disso, atos de intimidade e atos abertamente sexuais muitas vezes têm uma qualidade estranha, como se os personagens não tivessem certeza de como reagir nessas situações. Fui colocado na fila pela primeira vez na cena em que Falin e Marcille estão tomando banho juntos no mangá. Em vez de Marcille ter uma reação envergonhada por Falin pegar sua mão no anime, a expressão de Marcille originalmente parece oprimida e insegura para mim. Embora eu ache que a adaptação de Delicious in Dungeon de Trigger é incrível, fiquei um pouco chateado porque eles aparentemente estavam perdendo essa parte do mangá.
Isso até Falin, agora uma garota monstro gigante e assassina, rasgar sua blusa nos primeiros episódios da segunda temporada de DinD! Este foi um dos primeiros clipes virais de anime do ano, e Trigger, de fato, entende essa parte da tarefa! Manejada esplendidamente na dublagem, Marcille, interpretada por Emily Rudd, tem uma reação tão reflexiva à expressão animalesca da sexualidade de Falin que a cena consegue ser hilária, quente e honesta sobre essa parte da condição humana, tudo ao mesmo tempo!
Há tanta coisa acontecendo tão bem nesta cena que eu precisaria de um artigo inteiro para abordar tudo isso, mas espero já ter explicado por que este é o melhor momento do anime em 2024.
© Kanehito Yamada, Tsukasa Abe/Shogakukan/’Frieren’Projeto
Richard Eisenbeis
Há tantos momentos incríveis em Frieren, mas se estamos falando daqueles que foram ao ar em 2024, um deles fica comigo mais do que qualquer outro: o clímax da primeira parte do mago exame. Durante o teste, Frieren e Fern são colocados em equipes diferentes e têm a tarefa de capturar um pássaro enquanto defendem seu prêmio de penas de outras equipes.
O clímax da ação ocorre em uma batalha onde a equipe de Frieren e outra equipe se unem e lutam. Ao vencer sua parte no duelo e recuperar o pássaro roubado de seu time, Frieren revela que ela não estava dando tudo de si na batalha. Ela estava focada em analisar a barreira que separa os campos de testes do mundo exterior. Nesse ponto, ela prontamente faz “o impossível” e destrói.
Isso não apenas mostra o poder de Frieren, mas é visto como um desafio direto por um mago élfico ainda mais velho e mais forte que a própria Frieren, preparando os eventos que virão. Também recebemos a informação intrigante de que Frieren é o “Último Grande Mago”. Mas o que é verdadeiramente interessante é a razão pela qual Frieren quebra a barreira em primeiro lugar.
Frieren simplesmente sentiu pena de seu companheiro de equipe, Kanne, um mago da água. Fora da barreira estava chovendo, mas nenhuma água conseguia entrar, sufocando a liberdade mágica de Kanne. Para Frieren, a magia não é algo que deve ser estritamente controlado ou usado para um único propósito. O verdadeiro limite da magia é uma coisa e apenas uma coisa: a imaginação humana. E é por isso que destruir a barreira foi tanto uma escolha tática quanto filosófica. Afinal, quem poderia se imaginar batendo em alguém com total controle da água na chuva?
© C.A/B/N,EP,P
Rebecca Silverman
Se você estivesse pagando muito perto atenção, você pode ter previsto isso chegando. Durante a maior parte da primeira metade de YATAGARASU: O Corvo Não Escolhe Seu Mestre, deveríamos sentir pena de Asebi, o aparente oprimido das mulheres que disputam a mão do príncipe kin’u. Ela compartilhava deveres de ponto de vista com Yukiya, e a história fez o possível para nos fazer pensar que eles eram semelhantes: corvos rurais jogados no tribunal cruel, lutando para entender as maquinações dos outros enquanto procuravam abrir um lugar para eles mesmos. É por isso que foi tão difícil quando descobriu-se que Asebi nunca foi tão doce e inocente quanto parecia ser. Ela e Yukiya eram moralmente opostas; ele estava tentando descaradamente entender sua nova posição e ajuda, e ela estava trabalhando silenciosamente nos bastidores para fazer as coisas acontecerem do jeito dela. A descoberta de que ela não via nada de errado no que fazia – afinal de contas, suas vítimas eram “apenas corvos das colinas” – leva-a para o território de Lady Macbeth, onde seu estilo era “parecer a flor inocente, mas ser a serpente abaixo disso.” Como eu disse antes, você provavelmente poderia ter descoberto essa verdade prestando muita atenção, principalmente às imagens do tema de abertura, mas mesmo que você adivinhasse, a revelação é tratada com calma. Você nunca deve confiar naqueles que agem como doçura e luz – pelo menos não sem olhar para o que está escondido em sua sombra.
©魚豊/小学館/チ。 ―地球の運動について—製作委員会
Jairus Taylor
Orb é um programa com muito a dizer sobre a relação da humanidade com a ciência e os tipos de instituições que procuram impedir nossa compreensão disso. Por melhor que seja o comentário, nenhum se conecta como a cena final de Rafal no episódio 3. Até aquele ponto, Rafal era uma pessoa que se definia por sua capacidade de evitar se destacar e se conformar externamente aos padrões sociais. Ao se envolver com a teoria do heliocentrismo, Rafal inicialmente não quer nada com isso, principalmente porque vive em uma época em que qualquer envolvimento com tais teorias poderia levá-lo a ser torturado e morto pela inquisição da igreja. Mas à medida que a sua curiosidade cresce, ele acha cada vez mais difícil resistir ao desejo de aprender mais sobre o assunto, e isso o coloca na mira de Novak, um inquisidor que é totalmente dedicado à manutenção do status quo e está disposto a carimbar qualquer coisa que interfira nela.
Quando Novak tenta convencer Rafal a retratar suas teorias em troca de uma sentença mais leve, Rafal sabe que seria inteligente seguir em frente e fazer o que ele diz, mas tendo vindo cara a cara com o verdade, ele não consegue negar o conhecimento que encontrou. Em vez disso, ele escolhe morrer defendendo suas crenças, mas não antes de avisar Novak que sempre haverá pessoas em busca de tal conhecimento e que ele nunca poderá ser suprimido tão facilmente quanto ele gostaria. É uma maneira fantástica de encerrar o prólogo do programa e, embora o resto do programa faça um ótimo trabalho para provar que Rafal está correto, esta cena transmite melhor a importância de por que é tão importante resistir àqueles que buscam proibir o conhecimento. Com a América no meio de proibições de livros em vários estados e uma nova administração que nega ativamente a ciência moderna, é uma mensagem que parece especialmente oportuna. Embora possa não ser uma das cenas mais chamativas de um anime deste ano, é certamente uma das mais importantes.
©久保帯人/集英社・テレビ東京・dentsu・ぴえろ
Kennedy
Spoilers da parte 3 da Guerra Sangrenta dos Mil Anos:
A O MELHOR VILÃO ESTÁ DE VOLTA. É A HORA DELE. DEPOIS DE TODO ESSE TEMPO, SOSUKE “THE GOAT” AIZEN CHEGOU FINALMENTE.
Levou 50 bilhões de anos, mas o que eu chamaria de um dos melhores vilões de todos os tempos de todo o gênero shonen é voltar. Você não acreditaria no grito audível que dei quando ele apareceu na minha tela novamente depois de todos esses anos-e sejamos perfeitamente claros, já se passaram muitos anos. Já passou da hora de ele aparecer novamente, e certamente espero que possamos vê-lo mais à medida que a série avança. Bem, deixe-me ser mais específico: espero que Aizen seja capaz de fazer um movimento clássico de Aizen que resulte em sua fuga da detenção, derrotando Yhwach de alguma forma e recuperando seu lugar de direito como o vilão central da série mais uma vez. Eu disse isso em um ponto nas análises diárias de streaming desta temporada, mas não é necessariamente que eu ache Yhwach um vilão pobre-ele é muito poderoso e intimidador, de fato. Mas eu adoro esquemas planejados demais, e isso é coisa de Aizen.
Basta dizer que eu simplesmente acho que ele é um antagonista muito mais envolvente-para não dizer divertido-do que Yhwach (nota: não, eu não li o mangá, então por favor não confirme ou negar minhas esperanças). E sejamos honestos: não é como se Aizen também não fosse muito intimidante. Mesmo deixando de lado o quão desonesto ele é, ele se tornou muito mais poderoso desde a última vez que o vimos – e isso apesar de sua detenção. Ele é mais forte preso em uma cadeira feita por Mayuri do que alguns personagens deste show com força total.
De qualquer forma, embora tenhamos tido breves segmentos com ele-o que é mais do que podemos dizer sobre qualquer uma das temporadas anteriores da Guerra Sangrenta dos Mil Anos-coletivamente, ele teve apenas alguns minutos no ar.-tela nesta temporada, se tanto. Mas que minutos carismáticos foram aqueles. No que me diz respeito, Aizen é o principal vilão de Bleach, e agora que ele está por perto, realmente parece que as coisas na série começaram a esquentar.
A Verdadeira Identidade de Bravern (Bang Brave Bravern! )
©CyGames Pictures
Christopher Farris
Há uma escola de pensamento que diz que uma reviravolta na história é desvalorizada se você conseguir prevê-la com antecedência. Isso está errado. Agora, o crédito é devido: não fui eu quem chamou a guinada mais ultrajante de Bang Brave Bravern. Alguns colegas, incluindo meu estimado ex-aluno do TWIA, Nicky, foram aqueles que trouxeram à minha atenção a possibilidade de o grande robô gay ser Smith do futuro. Na época em que ouvi isso, apenas alguns episódios do programa, considerei isso um meme. Uma piada. Uma brincadeira. Mas então as evidências da possibilidade continuaram a aumentar, evidências que eu realmente só estava considerando porque a semente da ideia havia sido plantada na minha cabeça antes. Então, quando essa ideia maluca foi confirmada como 100% verdadeira e central para a trama e todo o arco de Smith, não fiquei irritado porque o que de outra forma teria sido um choque de esquerda foi”acidentalmente estragado”para mim. Isso é recompensa, querido, e essa sensação de satisfação é um sinal de boa escrita! Bravern parecia uma série em constante conversa com seu público, enquanto Obari e seus amigos tocavam junto com os espectadores que amam esse material sério tanto quanto eles. Construir e confirmar suas teorias de fãs mais malucas foi apenas a expressão máxima desse amor.
Isami e Bravern confessam seu amor (Bang Brave Bravern!)
©CyGames Pictures
Caitlin Moore
Ninguém lá fora está fazendo anime como Bang Brave Bravern atualmente, e abençoadas sejam as almas corajosas da Cygames por permitirem jogos lendários o diretor e designer de mecha, Masami Ōbari, para criar esta carta de amor inacreditavelmente homoerótica para anime de super robôs, como não era visto há décadas. O gênero mecha pode não estar totalmente morto, mas retrocessos como esse também não acontecem com muita frequência. Embora seu ritmo de tirar o fôlego possa tê-lo mantido fora dos meus cinco primeiros (a história realmente precisava ser duas vezes mais longa, com facilidade), ela nos proporcionou alguns dos momentos mais memoráveis do ano.
Eu ia mantê-lo elegante e escolha Smith voltando no tempo para se tornar Bravern, demonstrando seu espírito indomável e ardente e completando o ciclo temporal. No entanto, a imagem de Isami, deitado de topless na areia com o enorme rosto de Bravern próximo ao seu torso nu e musculoso, continuava exigindo que eu reconhecesse isso. Devo admitir a derrota e selecionar essa cena como meu melhor momento: Isami e Bravern confessando seu amor na praia.
Mas espere! Posso justificar isso além do meu amor por homens de anime com peitos grandes, mesmo que isso faça parte! O homoerotismo faz parte do gênero mecha há muito tempo, mesmo antes de Char Aznable e Amuro Ray lutarem em seus trajes no topo de uma colina gramada. No entanto, raramente é reconhecido em texto, deixando apenas o subtexto e a imaginação dos remetentes. Os fãs do sexo masculino zombaram das fãs do sexo feminino por perceberem o que estava logo abaixo da superfície, apesar de ser óbvio para qualquer pessoa com os olhos e o coração abertos. Isami e Bravern (e por extensão, Smith) expressar abertamente seus sentimentos e ter um encontro físico, embora seja interrompido, é absolutamente histórico e genuinamente corajoso-ou devo dizer corajoso?-movimento de Obari e Cygames, considerando o quão comum é a homofobia pode ocorrer em culturas de fãs dominadas por homens.
©小野中彰大・竹書房/魔法少女にあこがれて製作委員会
Steve Jones
Devo garantir que Gushing Over Magical Girls obtenha seus louros em algum lugar neste final-do ano recurso, e este parece um local tão bom quanto qualquer outro. Honestamente, há vários momentos desse show que eu poderia destacar aqui. Minha jornada Gushing foi pontilhada de alegria, pois me revelou todas as maneiras como sua narrativa e seus temas eram cuidadosamente compostos e frequentemente comoventes. Isso é uma sujeira com coração e cérebro. Porque apesar de toda a consternação com o seu conteúdo, descobri que Gushing é fundamentalmente sobre uma garota entrando em contato com sua estranheza e excentricidade. Utena confronta sua vergonha e repressão internalizadas e, através do poder de um chicote mágico, ela encontra aceitação e comunidade. Se você conseguir passar por Gushing, há uma seriedade reconfortante esperando por você.
Essa seriedade também se estende à garota mágica que está no centro da jornada de Utena. A série é uma paródia, mas é o tipo de paródia que só pode surgir de um lugar de puro amor. A própria Utena é uma gigantesca garota mágica geek, e isso informa como ela interage com as “heroínas” da história. Além disso, define a estrutura do roleplay BDSM no centro da estrutura de Gushing. Utena, como vilã, desempenha seu papel para que as garotas mágicas tenham um adversário para derrotar. Ela briga e provoca eles porque sabe que eles podem revidar, e ambas as partes se divertem desempenhando esses papéis no final do dia. Essa “brincadeira” é uma coisa complexa e em camadas por si só, e Gushing extrai dela uma quantidade surpreendente de nuances.
Há, no entanto, um momento em que essa dramatização é interrompida. Uma superestimulada Magia Azure desiste e se rende ao domínio de Magia Baiser, e isso a enoja totalmente. É a primeira e única vez que vemos Baiser/Utena agir de forma genuinamente cruel porque, para ela, é uma traição ao contrato deles. Isso vai contra tudo o que uma garota mágica deveria representar, e ela diz a Azure para parar com essa besteira. É uma adaga cravada na celulose digital e marca uma grande virada na série, após a qual tanto as heroínas quanto os vilões voltam a se concentrar em como abordam seu relacionamento.
Essa cena funciona bem no contexto de o show, mas também adoro isso por dois outros motivos. Primeiro, é uma breve refutação à última década de anime “sombrio” de garotas mágicas. Tanto Utena quanto Gushing não têm nada além de amor e respeito genuínos pelo gênero, e eu não ficaria surpreso se o diálogo dela fosse uma resposta à ideia de que garotas mágicas são inerentemente tolas e só interessantes quando “subvertidas”. Em segundo lugar, é um ótimo exemplo da excelente tradução do programa, que espalha uma linguagem igualmente colorida ao longo do diálogo. A grosseria complementa o tom obsceno do anime e torna-o ainda mais divertido de assistir. Sério, se você estiver curioso, experimente Gushing.
A Balada de Acro Silky (DAN DA DAN)
©Yukinobu Tatsu/SHUEISHA, Comitê de Produção DANDADAN
James Beckett
Às vezes, o melhor momento em um anime vem depois de semanas e semanas de construção e expectativas pague em uma recompensa sublime ou revelação chocante. Outras vezes, porém, um show muda de direção e nos leva a uma jornada muito mais inesperada, oferecendo-nos algo que nem sabíamos que queríamos até aquele momento. O episódio 7 de DAN DA DAN é um dos últimos tipos de triunfo, onde pega o já excelente material do mangá e o eleva a uma obra de arte arrasadora que funciona como um belo curta-metragem por si só. A conclusão do enredo inicial do Turbo Granny já provou que DAN DA DAN era capaz de injetar pathos genuíno em seus procedimentos de outra forma malucos e atrevidos, mas o flashback que obtemos da história de fundo de Acrobatic Silky está operando em um nível inteiramente novo de instinto emocional. socos.
Além da estrutura fornecida pela história original, grande parte do sucesso desta sequência está nos pés do diretor do episódio Kōtarō Matsunaga, o storyboarder Shuto Enomoto e o compositor Kensuke Ushio. Seus ousados instintos criativos os levaram a criar um episódio que respeitasse a inteligência de seu público e assumisse riscos estéticos que, em mãos menos habilidosas, poderiam facilmente parecer pretensiosos ou apenas fundamentalmente em desacordo com o tom de todo o resto. DAN DA DAN tinha feito até então. Em vez disso, porém, a equipe da Science SARU imbui uma enorme quantidade de empatia e beleza nesta trágica história de uma mãe solteira cuja vida foi roubada e quebrada em cem fragmentos irregulares, apenas para que sua dor e raiva a transformassem em um monstro dilacerado. dos pesadelos de uma criança. É o único episódio de DAN DA DAN que já assisti e já voltei para revisitar inúmeras vezes por causa do poder puro e bruto de sua visão artística. Mesmo que todos os outros elementos de DAN DA DAN tivessem de alguma forma falhado, esta sequência de dez minutos teria feito tudo valer a pena cem vezes. É uma das melhores coisas que tive o prazer de experimentar durante todo o ano.
©大森藤ノ・SBクリエイティブ/ダンまち5製作委員会
Kevin Cormack
Há muito ridicularizado como um personagem de comédia bobo usando barbante, semelhante ao de KONOSUBA “Deusa inútil” Aqua, DanMachi Temporada 5 finalmente vê Hestia se preparando para resgatar seu amado Bell Cranel das garras da terrível deusa do amor Freya e sua família de culto. Um dos maiores pontos fortes de DanMachi é a atenção do autor original de light novel Fujino Ōmori aos detalhes míticos. Enquanto Freya é uma deusa nórdica do amor, da fertilidade e do sexo, Héstia é uma deusa grega que prometeu permanecer virgem eterna – seu equivalente romano é Vesta, famosa pelas Virgens Vestais. Suas naturezas são antagônicas entre si, e isso também explica a resistência de Héstia ao charme de Freya. Enquanto o resto da cidade cai sob o controle mental de Freya, apenas Hestia mantém suas memórias imaculadas do verdadeiro lugar de Bell em seu familiar.
São necessários vários episódios para Hestia reconquistar seu Bell, e durante esse tempo ela sofre terrivelmente nas mãos de Freya enquanto ela tenta quebrá-lo. A vitória final de Héstia surge como uma consequência natural da sua identidade como deusa da lareira – o seu plano de “transformar Orario numa lareira”, infundindo o seu sangue em cada pedaço de lenha distribuído num determinado dia, cobre a cidade com os seus poderes de dissipação de encanto. Esta sequência, o culminar de muitos prenúncios, é uma prova da habilidade da trama de Ōmori e do respeito e atenção dispensados pelo estúdio J.C. Staff ao seu material de origem. Enquanto Héstia está acima da cidade, com o braço estendido, enquanto cada casa, cada lar ressoa com seus poderes divinos, limpando a cidade do engano e do mal, é impossível não se sentir um pouco dominado pela emoção. Talvez eu seja facilmente influenciado por cores bonitas e música elevada, mas ver Héstia realmente empregando seus poderes como uma deusa para salvar seu Sino é um momento poderoso.
©堀越耕平/集英社・僕のヒーローアカデミア製作委員会
MrAJCosplay
Acho que é seguro dizer que vivemos em um mundo onde muitas pessoas caem as fissuras da sociedade. Sim, nenhuma sociedade é perfeita e nenhuma sociedade é construída para a melhoria de todos os seus habitantes. É uma triste realidade que muitos de nós tentamos expulsar do cérebro, a menos que sejamos diretamente afetados. No entanto, é por isso que a sétima temporada de My Hero AcadeKaren é tão importante. As pessoas que foram esquecidas e magoadas pela sociedade estão instigando a principal força narrativa do programa. Esses “vilões” estão no centro de alguns dos momentos mais emocionantes e impactantes que vivi este ano inteiro.
Poderíamos falar sobre como a negligência de Dabi o levou a gerar um ódio inflamado que literal e figurativamente procura queimar tudo até o chão. Mas o momento que mais significou para mim foi quando Uraraka finalmente procurou Toga, um personagem que facilmente se tornou um dos meus favoritos de toda a franquia e talvez um dos meus personagens de anime favoritos de todos os tempos. Ela sem dúvida fez coisas horríveis para se vingar de uma sociedade que a prejudicou, mas sinto que sua história é a mais compreensível e empática em comparação com o resto do elenco. Esta é uma garota que foi forçada a reprimir seus desejos e quem ela realmente era para o bem do conforto de todos os outros. Ela nasceu em uma sociedade que não era madura ou atenciosa o suficiente para lidar com o que ela era, optando por rotulá-la como um demônio que precisava fingir ser humana em vez de apenas vê-la como a garotinha inocente que ela era. Os resultados se tornaram uma profecia autorrealizável, onde seu primeiro ato verdadeiro de violência surgiu em uma explosão incontrolável, depois de mais de uma década suprimindo um desejo biológico natural com o qual ela nasceu. No entanto, embora ela seja trágica para o público, a sociedade vê isso como a evidência que eles precisam para justificar seus pensamentos já distorcidos em relação a essa garota.
Como alguém que trabalha com crianças com necessidades especiais que caíram exatamente na mesma situação padrão, achei comovente obter o contexto completo de onde Toga se encaixa nessa narrativa mais ampla e o que ela provavelmente deveria ser análoga em nossos dias modernos. Toga precisava de um amigo, alguém com quem conversar sobre as coisas mais mundanas, ou alguém que lhe oferecesse um pouco de sangue de vez em quando para mantê-la sorrindo. Este momento aqui, onde Uraraka finalmente estende a mão e a agarra, dizendo que ela é a garota mais fofa do mundo inteiro, foi tão comovente porque você poderia dizer que se isso tivesse acontecido apenas alguns anos antes, então nenhum desses personagens seria na situação perigosa em que se encontram. A dublagem em ambas as línguas carregou tanta dor e pungência a ponto de eu estar realmente chorando em minhas mãos quando o episódio terminou. Tudo, desde a preparação até os familiares leitmotifs tocando ao fundo, até a animação e até mesmo o reconhecimento de que esta não era uma solução perfeita ou uma vitória, elevou este momento a algo além do que eu tinha lido no material original. Este não é apenas um dos meus momentos favoritos deste ano, é provavelmente um dos meus momentos favoritos em anime de todos os tempos.
©Ayano Takeda,TAKARAJIMASHA/Hibike Partners2024
Jeremy Tauber
Por um momento, eu realmente acreditei que Mayu era o Anticristo. Porque, meu Deus, isso foi uma merda assassina que ela fez. Por trás de todas essas tentativas inocentes de se prejudicar estava uma Mayu que entendia que seu talento poderia superar o de Kumiko. Tentar conseguir um solo cobiçado nunca é uma tarefa fácil para ninguém (a briga entre Yuuko e Reina na 1ª temporada provou isso logo no início), mas ver Mayu puxar o tapete debaixo dos pés de Kumiko foi devastador. Kumiko deu o seu melhor para ser uma boa presidente de classe, tentando ser tão compreensiva como sempre e ao mesmo tempo exaltar as virtudes da meritocracia. Mesmo assim, Kumiko nunca se iludiu ao acreditar que o solo pertencia a outra pessoa além dela. Reassistir a temporada faz você perceber que Mayu não foi tão secretamente um prodígio musical o tempo todo, mas como dizem, a retrospectiva é 20/20.
Isso foi um soco tão dramático para mim que decidi adiar a série final de episódios de Euphonium para que pudesse estar preparado para o show me destruir. Com certeza aconteceu quando Mayu venceu Kumiko na segunda rodada de testes. Som! Euphonium nunca teve um vilão adequado em si, tanto quanto teve certos personagens jogando chaves inglesas em planos que causaram uma grande confusão para Kumiko. Junto com a competição, houve a luta de Kumiko para entender inicialmente Reina, descobrir o que deu errado entre Nozomi e Mizore, quebrar a máscara de Asuka e mudar os modos insignificantes de Kanade. Através de Mayu, Kumiko foi forçada a lidar com o fato de que mesmo as pessoas mais desavisadas ainda podem ser melhores do que você, e não, três vezes não é o charme, afinal. Nada é garantido ou “in the bag” assim. E essa é uma pílula difícil de engolir.
Explore mais sobre O Melhor Anime de 2024 Divulgação: Kadokawa World Entertainment (KWE), uma subsidiária integral da Kadokawa Corporation, é a proprietária majoritária da Anime News Network, LLC. Uma ou mais empresas mencionadas neste artigo fazem parte do Grupo de Empresas Kadokawa.