Olá pessoal, bem-vindos de volta ao Wrong Every Time. Hoje estou ansioso para terminar este maldito artigo e dar o fora, já que aparentemente estamos vivenciando uma espécie de reprise do verão no final de outubro, com temperaturas na casa dos 70 enquanto as folhas caem das árvores. Vocês têm que conquistar todas as vitórias que puderem durante nosso contínuo colapso ambiental, mas, felizmente para todos vocês, essa abundância inesperada de clima perfeito não me impediu de ficar encolhido dentro de casa e assistir filmes durante toda a semana. Esta semana tenho aventuras épicas, slashers sórdidos e também um lindo anime de um homem que está aumentando minha lista de diretores favoritos. Vamos acabar com tudo!
O primeiro desta semana foi o Clash of the Titans de 1981, com Harry Hamlin como Perseus e Lawrence Olivier como Zeus. O filme faz uma interpretação livre das várias lendas de Perseu, colocando-o contra górgonas, krakens e outros enfeites, e oferecendo-lhe um inimigo na forma de Calibos, filho da deusa do mar Tétis. Há muita esgrima, um romance nada convincente e muitos destaques em stop-motion, cortesia do inimitável Ray Harryhausen.
Harryhausen é realmente a estrela deste filme, com suas criações oferecendo performances mais carismáticas. do que qualquer pessoa fora de Olivier. Embora o enredo real de Clash of the Titans falte um pouco de foco e impulso, você sempre pode ter certeza de que uma nova criatura maravilhosa está no horizonte, pronta para erguer seus ossos volumosos e atacar Perseu em um quadro charmosamente baixo. estilo de taxa. Entre estes, o destaque é facilmente a batalha com a Medusa; a própria górgona é uma das feras mais detalhadas e ameaçadoras de Harryhausen, e a direção de sua batalha com Perseu é o filme mais pensativo e fascinante, a câmera enfatizando habilmente a iluminação, as linhas de visão e o terror geral de enfrentar uma ameaça que você não pode observe.
Deixando esse destaque de lado, os prazeres do filme são dispersos e seus enfeites claramente de sua época. Existem muitas sequências de vôo no estilo do Superman original, lançado três anos antes, e elas se comportam aqui tão mal quanto naquele filme. Há uma coruja mecânica que fala em ruídos R2D2, por quem acabei me tornando muito mais querido do que esperava. E depois há Lawrence Olivier, exagerando como Zeus e geralmente incorporando a vaidade bem documentada dos deuses gregos. Os confrontos do filme talvez sejam um pouco menos titânicos do que o anunciado, e você provavelmente poderia reduzir seu tempo de exibição em vinte minutos com poucas consequências, mas no que diz respeito à espada e à sandália, é uma experiência generosa.
Em seguida, continuamos nossa jornada pela franquia desagradável direto para vídeo que é Wrong Turn, exibindo Wrong Turn 2: Dead End. Aparentemente determinado a oferecer mais história do que “dois carros batem na floresta e todos morrem”, este apresenta um conceito de reality show de sobrevivência, com um grupo de jovens aspirantes a estrelas vagando pela floresta enquanto Henry Rollins grita com eles sobre Medo e Sobrevivência e outras coisas. Então, mais caipiras mutantes aparecem, e rapidamente fazemos a transição de volta ao constante derramamento de sangue das origens da franquia.
Honestamente, se não fosse por Rollins, eu diria que os trechos do reality show aqui seriam um total desperdício de dinheiro. tempo. O filme não faz nada com o formato, principalmente apenas usando-o como desculpa para muitos trabalhos de câmera erráticos e mal compostos, e abandonando-o em grande parte quando a matança começa. Felizmente, Wrong Turn 2 melhora seu antecessor de uma maneira crucial, que é realmente a única métrica que importa para esse tipo de exploração: suas mortes sujas e nojentas, que imediatamente garantem um lugar entre os mais graficamente inventivos do gênero..
O filme declara sua intenção nesse sentido desde o início, abrindo com um personagem sendo dividido ao meio e raramente se desviando desse nível de audácia no futuro. A segunda metade do filme é, portanto, uma divisão entre mortes extremamente confusas e cenas de Henry Rollins fazendo sua imitação pessoal de Rambo, culminando em um confronto ao lado de um moedor de carne absurdamente grande. Insípido e grotesco, mas nunca desconfortavelmente cruel, Curva Errada 2 abraça suas ambições com desenvoltura, servindo um prato generosamente empilhado de cartilagem de filme drive-in.
Depois demos uma olhada em Lost Bullet, um recente filme de ação francês estrelado por Alban Lenoir como Lino, um ladrão que é preso após dirigir um carro reforçado com injeção de nitro direto em uma joalheria. Lino é rapidamente recrutado na prisão por Charas (Ramzy Bedia), um detetive que o incumbe de preparar carros de polícia para enfrentar traficantes de drogas em alta velocidade. No entanto, quando Charas é assassinado por um colega policial, Lino é forçado a fugir para vingar seu parceiro e limpar seu nome.
Lost Bullet é um thriller de ação limpo e eficiente, um desdobramento da fórmula Velozes e Furiosos que entende suas influências e as executa com precisão. Tanto as lutas quanto as cenas de perseguição são concebidas de maneira inteligente e executadas com habilidade; há uma brutalidade desconexa na coreografia de ação do filme que garante que cada golpe acerte com impacto, enquanto Lenoir se torce e luta e usa qualquer ferramenta que se apresente para lutar por sua liberdade. E as perseguições de carros respeitam totalmente o princípio de Velozes e Furiosos de “introduzir pelo menos uma inovação absurda de luta de carros por filme”, culminando em um confronto na estrada que, francamente, respeito demais para estragar completamente. Um filme pequeno e corajoso.
Então assisti Mai Mai Miracle, um filme de anime dirigido por Sunao Katabuchi, o diretor imensamente talentoso de Princesa Arete e Neste Canto do Mundo. Katabuchi produz filmes de intensa beleza e profunda complexidade psicológica, explorando a vida dos humanos como eles realmente são com mais acuidade e empatia cansada do mundo do que basicamente qualquer pessoa no ramo. Neste Canto do Mundo pode muito bem ser meu filme de animação favorito, e a Princesa Arete não fica muito atrás dele; agora, posso felizmente adicionar Mai Mai Miracle à sua lista de clássicos devastadores e incontestáveis.
O filme começa na primavera de 1955, apresentando-nos a enérgica Shinka Aoki, uma jovem que ama sua cidade rural. , e quem pode imaginar vividamente como era há mil anos atrás, um poder que ela atribui ao seu tufo de cabelo rebelde “mai mai”. Ela compartilha essas visões com Kiiko Shumazu, uma garota que acabou de chegar da cidade grande, sofrendo com a morte de uma mãe que já começa a esquecer. Juntos, os dois partem em aventuras e fazem novos amigos, delineando a vida de uma princesa mil anos atrás, à medida que as duras realidades do envelhecimento começam a invadir seus devaneios.
Como todos os filmes de Katabuchi, Mai Mai Miracle não se contenta em oferecer um caminho narrativo óbvio e uma solução moral clara. A vida é complicada, o nosso caminho a seguir é muitas vezes incerto, e tanto a alegria como a tragédia podem surgir sem aviso, com momentos que parecem durar para sempre, desaparecendo num piscar de olhos. Katabuchi aqui articula essa verdade através do ritmo inquieto e irregular de Mai Mai Miracle; A primeira caminhada de Shinka até a casa de Kiiko se estende por minutos luxuosos de exibição, enquanto suas últimas reviravoltas na sorte acontecem rapidamente, tragédias acontecem antes mesmo de o elenco entender o que está acontecendo.
Ambições pessoais humildes, vidas familiares infelizes, as coisas compartilhamos e as coisas que guardamos – Mai Mai Miracle oferece um quadro da infância em todo o seu esplendor e terror, deixando os dias quentes de verão permanecerem na mente, mas temperando-os com as verdades que nossos rostos sorridentes muitas vezes ocultam. Não contente com a mera nostalgia, Mai Mai Miracle complementa os seus devaneios ao estilo Totoro com a sabedoria de Only Yesterday e Rainbow Fireflies, ao mesmo tempo que compreende que tal perspectiva muitas vezes chega tarde demais para que as crianças atendam ao seu chamado. Fragmentos brilhantes de alegria ficam ao lado de decepções obsidianas, desafiando nossa expectativa de solidez narrativa com as contradições estimulantes e apagadoras da experiência vivida. Estruturalmente, ele lembra tanto as características de Takahata quanto o langor movido pela vinheta de Miss Hokusai, mas suas batidas finais oferecem um arco retroativamente unificador que parece quase projetado para recompensar visualizações repetidas. Aguardo ansiosamente minha próxima visita.