Após a transmissão do primeiro episódio de Dandadan, é hora de explorar a equipe por trás deste trabalho: não apenas o pessoal e suas escolhas criativas, mas a filosofia de direção facilmente incompreendida por trás de tanta diversão bombástica.
Existem obras que você deve deixar ferver antes de lê-las bem. No caso de uma adaptação inspirada, esse processo pode demorar ainda mais; afinal, a interação entre a visão do autor original e a equipe que a reinterpreta pode ser ainda mais complexa de desemaranhar. Se você já experimentou Dandadan, então deve saber que absolutamente nada disso se aplica a esta série. Seguir uma sequência de abertura densa e elegante com um chute circular que acerta antes que você tenha tempo de respirar é o mais claro possível. Você está prestes a embarcar em um passeio selvagem.
Em entrevista com Alu, seu autor original Yukinobu Tatsu e editor Shihei Lin explicaram como chegaram a um material de origem já simples. Por mais bem-sucedido que seja agora, a verdade é que Dandadan é o resultado de repetidas falhas na serialização. Depois de ver os projetos que ele havia cuidadosamente organizado serem descartados, culminando em outra rejeição para uma possível série sobre jiangshi, Tatsu ficou completamente desanimado.. O conselho de seu editor igualmente abatido e chateado foi simples: basta desenhar o que quiser, sem pensar demais. A série que ele imediatamente colocou no papel, sem nenhum planejamento real, teria como objetivo o entretenimento puro e edificante, vindo de um autor que também se animava com isso. Apesar de lidar com temas que têm associações sombrias como o ocultismo, e certamente não fugir da tragédia nas histórias de fundo, Tatsu, compreensivelmente, queria criar uma série edificante.
Como ele explicou várias vezes desde então, a trama nasceu do tropo de cruzamentos entre inimigos fantásticos, que ele então aumentou o caos aumentando o número de festas e os gêneros jogados no liquidificador; sobrenatural, antigo e novo, ficção científica filtrada pelas lentes clássicas do tokusatsu, e por que não fundamentá-la em um cenário familiar de comédia romântica? A razão foi, novamente, bastante simples: ele viu sua própria nota sobre o bobo crossover de terror Sadako vs Kayako ser uma explosão. A maneira como ele reuniu elementos sombrios em um pacote divertido ressoou com as necessidades da época, então ele avançou com o que rapidamente se tornaria Dandadan. Aliás, esse filme é uma das muitas paródias da abertura de Shingo Yamashita para CSM—outra série com Lin como editor. A agenda para incluir shonenheads no J-Horror está em exibição.
Você também sabe o que é cinema de verdade? Sequência de abertura de Dandadan, dirigida/storyboard de Abel Gongora—que também forneceu animação, planos de fundo, enquanto cuidava das tarefas de composição e edição. Outro banger certificado pela Creepy Nuts também, incorporando o sentimento eclético da série.
A equipe responsável por adaptar essa mistura eclética é interessante, embora também propensa a mal-entendidos. Se você é fã de animação, é provável que seus olhos tenham ficado imediatamente grudados no nome por trás dos designs alienígenas e youkai: o único Yoshimichi Kameda. Ele é amplamente conhecido por sua animação rápida e poses dinâmicas, qualidades que o tornam uma voz de destaque entre os artistas modernos do estilo Kanada. Apesar de seu avassalador senso de presença ao atuar como diretor de animação, projetos como Mob Psycho também provaram sua disposição em abrir espaço para outros artistas mostrarem suas vozes individuais-mesmo que, em última análise, estejam alocados. dentro de sua estrutura estilística. Ele é um animador excepcionalmente bom para liderar sua produção em qualquer nível, o que não é… o que ele está fazendo aqui.
Depois de passar para no projeto que ele está liderando, Kameda deixou para trás um belo trabalho de design. É importante notar que este é um ponto forte da série para começar. Ao participar do evento de pré-exibição dos três primeiros episódios, um dos aspectos que imediatamente se destacou foi a clara inspiração do toku no que diz respeito aos alienígenas; lendo entrevistas mais tarde, como esta recente para Mantan Web, o próprio Tatsu confirmou isso citando lendário designer Ultra Tohl Narita como uma grande influência. Ao combiná-los com sua tendência a deformações extremas para dramatização, o trabalho de linha astuto quando ele busca um golpe ilustrativo e um anime que fica feliz em adotar contagens baixas de desenhos propositais, você obtém um coquetel que combina muito bem com o gosto de Kameda. Mesmo sem ele por perto como colaborador ativo, Dandadan sem dúvida estará em uma posição melhor por causa de seu trabalho.
Quase todos os departamentos de estética estão em mãos igualmente luxuosas. Não temos ninguém menos que Naoyuki Onda como designer de personagens e como (embora não o) diretor-chefe de animação. A tridimensionalidade implícita dos designs de Onda pode ser uma pílula venenosa para produções despreparadas, embora, em vez de culpa sua, considere isso um elogio; ele é literalmente bom demais às vezes. O diretor de arteDiretor de Arte (美術監督, bijutsu kantoku): A pessoa responsável pela arte de fundo da série. Eles desenham diversas pranchetas que, uma vez aprovadas pelo diretor da série, servem de referência para os planos de fundo ao longo da série. A coordenação dentro do departamento de arte é obrigatória – os designers de cenário e cores devem trabalhar juntos para criar um mundo coerente. é o presidente do Studio Easter, Junichi Higashi, que é mais propenso a apenas supervisionar o trabalho de outras pessoas nesta fase de sua ilustre carreira. Desta vez, ele tem um envolvimento mais direto, com Yusuke Mizuno como seu segundo em comando e a assistência de designers de arte excepcionais como Seiki Tamura do Anime Kobo Basara. O veterano de confiança Satoshi Hashimoto desenhou a paleta ao lado de Makiho Kondo; ambos atualmente afiliados ao WIT, assim como Kameda, embora eu vá poupar vocês do discurso retórico sobre a mudança da situação contratual na indústria como uma tentativa desesperada de garantir talentos em meio à superprodução. Juntando tudo estará a fotografiaFotografia (撮影, Satsuei): O casamento de elementos produzidos por diferentes departamentos em uma imagem finalizada, envolvendo filtragem para torná-la mais harmoniosa. Um nome herdado do passado, quando realmente eram utilizadas câmeras nesse processo. o diretor Kazuto Izumita, que coleciona obras de diretores com sensibilidade estilística excepcional como se fossem suas próprias pedras.
Apesar da formação de estrelas em nível conceitual, vale a pena deixar claro que Dandadan não é uma produção excepcionalmente de alto nível com um planejamento confortável; foi lançado há apenas dois anos e a essa altura já tem um curso concluído, o que é uma dica tão boa sobre os prazos apertados quanto os créditos caóticos da animação. Se o resultado impressiona, e é, não é porque foi pavimentado um caminho fácil para a equipe.
Entre todos esses nomes, o compositor Kensuke Ushio se destaca como particularmente interessante. Em sua entrevista para o recurso Dandadan da SWITCH, Ushio explica que o apelo do trabalho em seus olhos era a sensação que vale tudo, então ele queria expressar essa liberdade e amplitude de expressão também através da trilha sonora. Seu veículo para fazer isso seria o Big Beat, um gênero eletrônico que, entre outras coisas, é definido pelo uso diversificado de samples. Dado que incorporar materiais preexistentes em uma obra comercial é um pesadelo de direitos autorais, Ushio gravou suas próprias músicas falsas e sons variados para incluir na trilha sonora. Embora ele tenha mantido em mente os muitos gêneros misturados em Dandadan, as múltiplas camadas de criação ficcional se somam a um som que parece desconhecido até mesmo para um compositor único como ele.
À medida que ele avançava, essa falta subjetiva de a realidade provou ser uma vantagem. Sendo um gato muito medroso para assistir a coisas de terror, ele baseava as músicas em coisas assustadoras percebidas, extraídas de coisas que ele imaginou e de suas experiências reais em outros lugares; para apresentar um personagem particularmente vaidoso, por exemplo, ele baseou sua composição em uma música que ele lembra ter sido usada em um comercial de cosméticos… que acabou não existindo. Esta mistura de géneros, fontes de áudio, elementos reais e mal-entendidos tornou-se o som enérgico mas desconcertante que Dandadan precisava. Embora ele tenha notado que era apenas o compositor, em contraste com as obras teatrais de Naoko Yamada, onde o visual e o som são formulados em uníssono, não há como negar que a inclusão de Ushio enriquece o sabor do direito sobre qualquer trabalho.
Considerando quantas pessoas em cargos de liderança apresentamos, você deve ter notado que um nome em particular está visivelmente faltando. Embora ainda não tenhamos mencionado Fuga Yamashiro neste artigo, ele é alguém sobre quem já escrevemos. Em 2019, o estúdio Science Saru estava se preparando para a saída iminente de seu fundador e líder Masaaki Yuasa – que ainda lançaria trabalhos com eles depois disso – recrutando estrelas externas e também orientando as suas próprias. Durante a produção do Eizouken de Yuasa, eles tentaram maximizar a última estratégia colocando dois jovens com origens contrastantes sob a orientação de seu líder veterano; uma estratégia que visava não apenas treiná-los a partir de uma posição abrangente que os recém-chegados normalmente não experimentam, mas também explorar a diferença nos seus pontos de vista durante o processo de produção. Esses dois indivíduos eram a animadora Mari Motohashi, que você deve ter conhecido como a ilustradora Nemuri, e uma assistente de produçãoAssistente de produção (制作進行, Seisaku Shinkou): Efetivamente a classificação mais baixa’papel do produtor e, ainda assim, uma engrenagem essencial no sistema. Eles verificam e carregam os materiais e entram em contato com dezenas e dezenas de artistas necessários para terminar um episódio. Geralmente lidando com vários episódios dos programas em que estão envolvidos. com pouca ou nenhuma experiência como diretor, chamado Fuga Yamashiro.
Falando com Gigazine na época, Yamashiro expôs como ele abordou seu papel – na verdade, um secretário de Yuasa – e o ato criativo como um todo. Suas lutas foram relacionáveis para diretores novatos que não têm experiência em animação; ou seja, ele teve dificuldade em descobrir como transmitir exatamente o que queria ao resto da equipe, um desafio que os animadores que viraram diretores dependem fortemente de seus desenhos para resolver. Da mesma forma, seus problemas na composição de tomadas são comuns entre quem não tem formação tradicional em animação. Para compensar isso, ele dobrou as qualidades individuais que já eram perceptíveis naquela época e agora se tornaram a espinha dorsal de sua direção na série. Como que para resumir essa abordagem, o autor de Dandadan gosta de chamá-lo de enshutsu otaku, um nerd sobre o próprio ato de direção técnica.
Quando ele estava procurando ser contratado por Saru, Yamashiro foi pego Chamou a atenção de Yuasa puxando um caderno grosso onde ele recriava sequências que chamavam sua atenção de diversas mídias (principalmente filmes live-action) desde que era estudante. Até hoje, ele ainda embosca os entrevistadores regularmente, puxando-o e mostrando-lhes seu dicionário de técnicas – algo que ele identificou como sua arma única, para compensar suas fraquezas quando comparado a animadores com melhores habilidades de desenho. Tais estudos seriam um tanto naturais para artistas como eles, mas a paixão nerd de Yamashiro leva isso ao próximo nível e surpreende todos os veteranos que encontra. Em declarações à Switch, o renomado compositor da série Hiroshi Seko admitiu que nunca tinha visto ninguém rabiscando extensivamente suas escolhas de direção para cada cena nos cantos do mangá original. Em vez de ser apenas uma curiosidade, essa abordagem obsessiva permitiu-lhes incorporar muitas dessas escolhas já nos roteiros, solidificando a visão da série numa fase inicial.
Mais uma vez, a abordagem de Yamashiro foi um ponto de interesse. destacamos quando ele era um novato completo, pois já era óbvio. Eizouken #04 trata precisamente do conhecimento semelhante a um banco de dados da protagonista sobre métodos de produção específicos, permitindo-lhe dar nova vida ao seu próprio projeto de animação, pegando emprestado o que aprendeu com outros. O amor de Yamashiro pelo cinema é canalizado em espírito quando eles exibem seu trabalho para um público que fica imerso no mito que cerca L’Arrivée d’un train en gare de La Ciotat dos irmãos Lumière, e também de forma mais material em seu uso familiar de técnicas como o corte de fósforos para transmitir isso. Sua abordagem metódica é sustentada por dois pilares que aqueles que trabalham com ele percebem rapidamente: ele tem um conjunto de influências mais amplo do que o normal e, quando se trata de encarar seu trabalho, ele é capaz de reconverter transformar essas pepitas de conhecimento arquivadas em ideias que se encaixem nas lacunas que ele encontra em seu caminho. Mais sucintamente: ele é um nerd e tem muitas ideias-as palavras de seus colegas, não as minhas!
Uma razão pela qual parece particularmente importante destacar a filosofia de Yamashiro é que, sempre que um anime colorido circula , os fãs rapidamente classificam o diretor como um autor radical. Neste caso, isso não é apenas uma visão equivocada que pode impedir você de tirar o máximo proveito de seu trabalho, mas também uma afirmação de que o diretor da série de DandadanDiretor da série: (監督, kantoku): A pessoa responsável por toda a produção, tanto como um tomador de decisões criativo e supervisor final. Eles superam o resto da equipe e, em última análise, têm a última palavra. No entanto, existem séries com diferentes níveis de diretores-Diretor Chefe, Diretor Assistente, Diretor de Episódios da Série, todos os tipos de funções fora do padrão. A hierarquia nesses casos é um cenário caso a caso. já refutou. Durante a entrevista que antecedeu a pré-seleção, Yamashiro explicou o processo de armazenamento de técnicas que ele já viu antes, resistindo diretamente a esse tipo de perfil e autodenominando-se diretor técnico. Se eu resumisse sua abordagem em uma única palavra, poderia ser lógico.
Essas escolhas estilísticas que podem parecer excêntricas na superfície podem ser facilmente decifradas e transformadas em declarações simples e intencionais. Basta procurar aquelas cores vivas, que lembram a energia das capas do mangá e empregadas no contexto para fins narrativos. O show faz uso dos roteiros coloridos de Sophie Li para manter todos na mesma página que o diretor e permitir uma mise en scene evocativa, mas fundamentalmente é regulamentado por regras rígidas. Uma certa avó maliciosa está associada ao vermelho, enquanto os primeiros alienígenas que vemos são azuis—e o poder despertado para combater os dois, uma linda turquesa. As coisas ficam monocromáticas para o seguinte ser extraterrestre, enquanto episódios futuros terão rosa, laranjas e verdes especificamente ligados a uma criatura sobrenatural. Ao combiná-los todos, eles pintam o tipo de quadro caótico que todos imaginavam que Dandadan seria, mas o processo do diretor para chegar lá é extremamente lógico. Confundir análise de arte com a ideia de “resolvê-la” é um erro que pode levar à perda de muitas criações excepcionais movidas pelo instinto, mas se você gosta de descobrir o raciocínio específico por trás das escolhas de direção, Dandadan pode ser o programa para você.
Durante o processo de edição desta peça, uma nova entrevista de Yamashiro para o Animate Times veio à tona. Lá, o diretor resume seu ideal de direção como aquele em que planos sem sentido preciso não têm lugar, onde tudo o que não promove a narrativa ou nos diz algo específico sobre seus personagens e mundo é um elemento estranho que deve ser eliminado. Além disso, ele observa que nunca usaria uma técnica específica por motivos vagos, como frieza ou simplesmente porque parece certo – tudo deve fazer sentido para ele e, para isso, é necessário um motivo tangível. Essa mentalidade é exatamente a que nos referimos quando falamos sobre ele como um criador extremamente lógico, e por que abordá-lo como um autor experimental é, como ele mesmo admite, uma má ideia; se há algo radical em Yamashiro como diretor, são essas visões utilitárias e ordenadas sobre a narrativa.
Ao comparar o primeiro episódio – dirigido e storyboard pelo próprio Yamashiro – com sua contraparte do mangá, podemos obter uma leitura melhor. sobre como essas ideias se manifestam. O anime Dandadan não perde tempo em mostrar seu primeiro princípio na hora de adaptar a obra de Tatsu, justamente porque tem muito a ver com o próprio tempo. O mangá é uma leitura rápida, com um ritmo muito característico e, aos olhos do diretor, aquela alegre oscilação entre os registros não era uma mera peculiaridade, mas toda a sua identidade. Conseqüentemente, o anime Dandadan tem alergia a injeções, reduzidas ao mínimo, da mesma forma que alguém com intolerância à lactose se envolveria vergonhosamente em sua fraqueza, mas apenas de vez em quando. O único travesseiro que você verá neste programa, no entanto, será aquele na cama que você desmaiará após uma experiência de visualização tão exaustiva e confiante. Sim, esta é uma avaliação positiva.
Como observamos no início deste artigo, não há qualquer intervalo entre a abertura e a briga entre a mal-humorada protagonista Momo e seu futuro ex-namorado.. Esse ritmo é mantido durante toda a duração do episódio e, em uma extensão um pouco menor, permanecerá durante todo o show. Para acelerar ainda mais o mangá e combinar idealmente seu impacto na forma de anime, Yamashiro optou por aumentar a densidade da representação. Isto quer dizer que, por exemplo, os pequenos painéis que preparam o cenário do material de origem são incorporados na ação em forma de anime, permitindo que a adaptação avance constantemente. Esses saltos constantes certamente tornam tudo mais engraçado em alguns pontos, como a mudança imediata entre a postura agressiva de Momo e a postura desanimada.
Claro, há mais no ritmo encantador de Dandadan do que apenas ser rápido, e isso foi um desafio. para a equipe de anime também. Tatsu depende de uma fórmula específica para seus golpes ilustrativos que ele não tem motivos para mudar; várias vezes durante cada volume, você encontrará uma sequência que cria pavor para um punhado de painéis ou esvazia-o de forma semelhante antes de uma subversão óbvia, ponto em que o autor surpreende você com uma impressionante ilustração de página inteira. Ele consegue fazer isso constantemente porque é um artista excepcional, mas mesmo com uma equipe sólida, a adaptação simplesmente não consegue competir com a habilidade de desenho. Em vez disso, Yamashiro opta por usar iluminação e visibilidade limitada para fazer o Turbo Granny revelar um momento chocante, incorporando aquele código de cores de que falamos anteriormente na direção da cena. Um tanto ao contrário, Momo sendo agredido pelos alienígenas também utiliza a limitação rítmica da visibilidade para aumentar o desconforto. Como uma observação menos afortunada, a violência sexual neste primeiro episódio/capítulo parece não pertencer a uma série que Tatsu deseja ser edificante-e ele parece concordar porque rapidamente se afastou dela. Isso pode muito bem ser um artefato estranho daqueles estágios iniciais não planejados, embora seja uma pena que isso aconteça no primeiro episódio.
Felizmente, o cativeiro de Momo também exemplifica algumas outras qualidades interessantes. Se voltarmos à ideia de que Yamashiro retira ideias previamente armazenadas em seu chapéu de diretor, é importante acrescentar uma ruga interessante: ele tenta fazer isso de maneiras que se ajustem tematicamente a uma cena específica. Um exemplo óbvio aqui seria a representação de poderes de lavagem cerebral, que pretende ter o toque dos efeitos de uma antiga série de tokusatsu; afinal, já estabelecemos que todos esses criadores estão muito atentos ao fato de que essas obras são a inspiração para o lado alienígena e de ficção científica de Dandadan.
O código de cores do diretor talvez esteja mais óbvio do que nunca. como Okarun, agora possuído, o co-protagonista nerd da série, invade para salvar o dia; ou melhor, falhar divertidamente nisso. Como foi sugerido anteriormente quando Momo estava ao telefone com ele e um brilho vermelho emanou de seu telefone , essa luta entre seres sobrenaturais também é uma luta entre cores. A nave azul está contaminada com este youkai vermelho, cuja violência dispara um alarme que inflama diegeticamente essa cor na cena. Ao ser derrotado, Okarun se choca contra aqueles painéis, que também apagam as luzes de forma orgânica. E, no entanto, isso eventualmente leva a outra cor que atravessa o espaço e o tempo para dominar a cena: a turquesa de Momo, despertada como uma usuária psíquica. Quando ela derrota os alienígenas – com um chute igual ao do início do episódio – e seus poderes especiais desaparecem, voltamos a uma nave espacial em tons de cinza… até que o problema do youkai tinga-a de vermelho por um segundo novamente.
Devemos notar que tudo isso é sustentado por um ótimo storyboard, que graças à obsessão de Yamashiro por uma entrega significativa, também é sempre bastante legível. O desejo de Okarun de salvar Momo, por exemplo, é transmitido através dos seus óculos de uma forma simples, mas elegante; quando ele explica que nenhum alienígena atendeu ao seu pedido desesperado por um amigo, um céu vazio se reflete neles, mas isso muda quando a única pessoa que o defendeu na escola é mostrada através deles. No início do episódio, Momo se abrindo para ele depende de imagens que frequentemente vemos em tais situações: literalmente vindo para a luz, reflexões e, em um amargo momento de introspecção, ela enfrentando sua sombra. Em seu momento de maior necessidade durante o clímax, o que é usado para entrar e sair das memórias que desbloqueiam seus novos poderes? Mais uma vez, as sombras lançadas por sua avó e por ela.
À medida que o episódio termina, temos as últimas informações interessantes sobre a abordagem de Yamashiro. Nas entrevistas para Switch, tanto o diretor quanto o escritor expressaram seu desejo de não se desviar da visão de mundo do material original, mas sim de complementá-lo através de acréscimos às suas lacunas. Eles apontaram, por exemplo, a nova ideia do anime de que a nave espacial dos Serpoianos estava camuflada como a lua; algo não mencionado no material de origem, mas que se encaixaria logicamente em seu mundo, e que também permite que seja incorporado aos cenários divertidos do programa.
Embora anteriormente tenhamos falado sobre storyboard que aumenta a densidade como um meios de controlar o ritmo, Yamashiro também viu essa abordagem como uma forma de manter os espectadores imersos. Basta olhar para o momento em que Momo descobre que seu novo amigo tem o mesmo nome do o ator durão que ela idolatra. Esta piada originalmente dependia do poder ilustrativo do autor para vendê-la como um momento tradicional de comédia romântica através do o vento passando. Uma interpretação literal disso pode não ter tido tanto impacto na forma de anime, enquanto cortar para uma apresentação mais dramática e ridícula correria o risco de quebrar o fluxo natural. Então, em vez disso, o anime fez questão de manter a nave espacial que havia caído em um lugar indistinto no original logo atrás deles – e bang, o momento de bater o coração agora é uma explosão. Embora haja mais para explorar em episódios futuros (e estaremos aqui para fazê-lo, talvez no final deste primeiro arco), acredito que isso deve ser mais do que suficiente para dizer se você deseja participar deste passeio selvagem ou não..
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