Muitas heroínas perdidas!/As travessuras atrevidas da comédia romântica de Makeine escondem um toque dramático, uma mistura que seu promissor diretor novato chama de nostalgia brilhante e alegre. Para transmitir esse sentimento já canalizado pelo autor original, sua equipe enraizou física e emocionalmente a série em seu cenário real a um nível que dificilmente é visto em obras semelhantes.
Construindo uma narrativa em torno das garotas quem foi rejeitado em uma configuração mais padronizada para o gênero não é um exercício de desconstrução de suas normas, mas sim uma forma de contar uma história dentro dessa estrutura a partir de um ângulo que normalmente não seria explorado. Isso muitas vezes permite zombar das convenções de gênero e promove um tom ridículo em sua comédia, mas também imbui a série de dor intrínseca; afinal, eles já perderam uma vez. A irreverência e o romantismo, o bom e o mau, o magro e o gordo: a comédia romântica de Makeine compreende essas dualidades.
Então, qual é a resposta exata para a pergunta? Quando se tratou de imaginar a totalidade de Makeine, o termo que Kitamura escolheu durante a pré-produção foi nostalgia alegre. Ele revelou isso em uma entrevista para a edição de setembro de 2024 da Newtype, onde explicou como abordou seu primeiro projeto ; já que a entrega encantadora pode ter lhe dado uma ideia errada, nunca é cedo para lembrar às pessoas que esta é sua estreia como diretor da série. Diretor da série: (監督, kantoku): A pessoa responsável por toda a produção, tanto como uma decisão criativa-criador e supervisor final. Eles superam o resto da equipe e, em última análise, têm a última palavra. No entanto, existem séries com diferentes níveis de diretores-Diretor Chefe, Diretor Assistente, Diretor de Episódios da Série, todos os tipos de funções fora do padrão. A hierarquia nesses casos é um cenário caso a caso. No centro de sua visão, encontramos a palavra nostalgia evocando uma mistura de sentimentos contraditórios, agradáveis e dolorosos. Além disso, há um olhar inerente ao passado com carinho, o que faz sentido quando se trata de um grupo de garotas que abandonam sentimentos românticos preciosos que não foram correspondidos. Ao adicionar alegria como um modificador, você está inclinando esse equilíbrio para o caos divertido que é comum na série, mas não invalidando seu lado mais pensativo. Some as duas palavras e direi que você tem um bom resumo das ideias de Makeine.
Agora que sabemos o objetivo que Kitamura almejava com esse termo amplo e um tanto vago, o próximo passo é entender como ele tentou evocar esses sentimentos. Para fazer isso, é útil considerar a origem do diretor-algo que ele mesmo fez recentemente, na primeira parte de uma entrevista para a Febri. Quando questionado sobre suas origens e mentores, ele destacou trabalhos como Utena e seu próprio interesse em entrevistas com a equipe como a razão para buscar a animação em primeiro lugar, e o estúdio OLM como sua porta de entrada na indústria. Enquanto trabalhava em desenhos infantis despretensiosos, ele se lembra de ter aprendido muito com Norihiko Sudo (diretor da sérieDiretor da série: (監督, kantoku): A pessoa responsável por toda a produção, tanto como um tomador de decisões criativas e supervisor final. Eles superam o resto da equipe e, em última análise, têm a última palavra. No entanto, existem séries com diferentes níveis de diretores – Diretor Chefe, Diretor Assistente, Diretor de Episódios da Série, todos os tipos de funções fora do padrão. instâncias é um cenário caso a caso de Zoids Wild, o projeto que permitiu a Kitamura começar a lidar com tarefas criativas) e um Naohito Takahashi. Se você conhece este último, muito do estilo de Makeine pode ter se encaixado imediatamente para você.
A carreira de Takahashi é a de um herói anônimo exemplar. Ele é o tipo de artista com um legado muito mais importante do que as pessoas imaginam; algo que infelizmente dificilmente mudará, agora que ele se aposentou tão silenciosamente quanto trabalhava. Sua passagem pelo Studio Giants nas décadas de 80 e 90 fala por si: um diretor de animação atraente e refinado que derivou um estilo de direção naturalista que não extinguiria a diversão de projetos mais excêntricos. Além disso, ele já era um mentor excelente, mas esquecido naquela época. Embora a maioria das pessoas (com razão) aponte Kazuya Tsurumaki como um dos maiores protegidos de Hideaki Anno, poucos prestam atenção ao fato de que ele aprendeu animação diretamente com Takahashi por muitos anos. anos-algo que também influenciou o estilo de direção que ele desenvolveria mais tarde, com o colega do Giants, Masayuki, como uma ponte entre essas escolas de direção interconectadas.
Embora comparativamente mais conhecido por ser um link , é fácil argumentar que Takahashi também não recebe crédito suficiente por sustentar a carreira do muito querido designer de personagens e diretor de animação Yuriko Chiba. Depois de aprenderem com ele, os dois se tornaram uma dupla matadora que impressionaria qualquer um que prestasse atenção em seus projetos, seja em episódios individuais ou nas produções que lideraram juntos. Notavelmente, isso inclui aqueles que os convidariam para a fundação do estúdio OLM e diretores permanentes vendo sua produção como um desafio. Apesar desse enorme respeito a portas fechadas, é justo dizer que Takahashi nunca recebeu o reconhecimento de um público amplo.
Seu trabalho mais conhecido—Berserk (1997), com Chiba como diretor-chefe de animação – raramente é vinculado ao seu nome e permanece curiosamente subestimado para uma série tão popular; talvez porque seu naturalismo educado, às vezes poético, seja confundido com desleixo, confundido com a produção conservadora. As verdadeiras obras-primas onde a elegância da dupla brilha melhor, como To Heart, de 1999, são adoradas pelos superfãs, permanecem historicamente influentes na indústria, mas permanecem desconhecidas para a maioria das pessoas. De certa forma, um resumo do próprio Takahashi.
Durante os estágios finais de sua carreira, Takahashi caiu ainda mais na obscuridade. Quando Kitamura começou a aprender como diretor, ele havia efetivamente se afastado da rotina dos animes de TV, trabalhando principalmente em filmes dirigidos por outras pessoas da OLM. De vez em quando, ele aparecia na TV com alguns storyboards; caso em questão, o único episódio de Zoids Wild em que ele embarcou pouco antes de Kitamura ter oportunidades semelhantes. E, no entanto, aquele veterano quase aposentado é um mentor que uma estrela em ascensão está destacando como um grande motivo pelo qual ele é capaz de realizar o que está fazendo com Makeine. Um programa que, aliás, mantém a diversão maluca do material original, ao mesmo tempo que o imbui de dramatizações elegantes e poéticas do mundano – parece familiar agora, não é?
Embora ele não o tenha chamado de mentor porque o encontrou em um Numa fase posterior de sua carreira, fica claro que Kitamura também se inspira muito no estilo de Mamoru Hatakeyama após coincidir em Kaguya-sama. Em entrevistas como esta recente para Mantan Web, ele apontou para a gama extremamente matizada de níveis de sombreamento como uma forma de modular o realismo e fazer funcionar a dualidade de tons de Makeine; algo comum aos trabalhos kagenashi/zenkage de Hatakeyama, que aplicam sombreamento plano, mas são muito cuidadosos no controle de sua opacidade para determinar o tom. E você olha só, Kaguya-sama é outra comédia romântica atrevida com um toque dramático surpreendente!
Além dessas semelhanças estilísticas, entender a origem de Kitamura pode ajudar você a entender por que essa adaptação abordou Makeine de um ângulo muito particular. Raramente existe um caminho único e correto em um processo criativo. Para um diretor de série de animeDiretor da série: (監督, kantoku): A pessoa responsável por toda a produção, tanto como tomador de decisões criativas quanto como supervisor final. Eles superam o resto da equipe e, em última análise, têm a última palavra. No entanto, existem séries com diferentes níveis de diretores-Diretor Chefe, Diretor Assistente, Diretor de Episódios da Série, todos os tipos de funções fora do padrão. A hierarquia nesses casos é um cenário caso a caso. Isso significa que você pode primeiro olhar para uma história em termos específicos e depois descobrir quais escolhas criativas melhor os expressam… mas você também pode começar com uma vibração abstrata, uma atmosfera e as técnicas que o transmitem naturalmente e, em seguida, moldam a narrativa para manter aquele sentimento intangível que você está procurando. Dado que Kitamura buscou esse tipo de conceito abstrato em vez de qualquer termo específico relacionado à trama como ponto de partida, você pode facilmente adivinhar para onde vão seus instintos. E, novamente, isso faz muito sentido dadas todas essas influências: desde as obras de Kunihiko Ikuhara que ele admirava quando jovem até o mestre atmosférico com quem aprendeu, Kitamura gravita em torno da expressão de intangíveis, em direção a contadores de histórias. cujas escolhas materiais provavelmente vêm em primeiro lugar.
Veja bem, isso não quer dizer que ele não se importe com a história original. É claro que Kitamura abordou o material original com respeito e, na verdade, ele inicialmente questionou por que uma comédia romântica com garotas bonitas foi apresentada a ele em particular. Falando à Newtype, ele revelou que a proposta inicial—de alguém da A-1 Pictures, há apenas 2 anos-o surpreendeu um pouco, dadas essas inclinações e o desejo conhecido de empregá-las para contar histórias dramaticamente carregadas. Quando ele realmente leu os livros, no entanto, ele imediatamente viu uma compatibilidade entre seu estilo e as qualidades menos óbvias que estavam por trás da superfície fofa de Makeine, então aceitou o trabalho com alegria. Embora não fosse fácil formular em termos específicos, por se tratar de seu primeiro projeto, a relação entre a escrita de Takibi Amamori e o cenário físico da história falou a um diretor com gosto para atmosferas específicas.
Não é nenhum segredo que Amamori cresceu em Toyohashi, na província de Aichi. Isso não quer dizer simplesmente que ele é aberto sobre isso em entrevistas onde professa seu amor por um local que considera único, mas também que a própria Makeine está repleta de amor pela cidade e seus arredores. Nem um único acontecimento acontece em um local indistinto, mas sim em locais específicos que vão construindo gradativamente a imagem desse Toyohashi romantizado. Para uma série forçada a retratar uma grande variedade de alimentos por uma lontra glutona, Makeine faz de tudo para se limitar aos produtos encontrados em seu configuração; até mesmo os telespectadores japoneses foram emboscados por essa meticulosidade, descobrindo de repente que o Black Thunder proíbe Yanami e Asagumo adora comer como lanche sempre foi uma história inovadora para uma empresa de Toyohashi.
Embora valioso por si só, o processo de construção de um cenário verossímil-porque é real, conforme visto por um autor quem ama muito-é apenas o primeiro passo no esquema de Amamori. Como pode ser visto tanto no texto quanto em seus posfácios, o autor tende a construir ligações diretas entre as batidas específicas dos personagens, os pilares da atmosfera e os marcadores materiais do cenário. A a primeira limonada do amor para adultos que aparece no programa (e isso a equipe também obteve amostras de) foi apresentada por Amamori em uma cena que descreve a maturidade percebida de alguém que se apaixonou. De todas as bibliotecas da cidade, Nukumizu e Komari visitam especificamente a central; afinal, esse é o mais antigo e inerentemente nostálgico, ponto que o autor também procurou enfatizar antes mesmo de Kitamura identificá-lo como a alma de Makeine. Linhas de pensamento semelhantes levaram à inclusão de outros detalhes incidentais da cidade, como os mercados noturnos que evocam um momento específico de excitação à tarde enquanto você os observa sendo montados. A série usa a cidade como apenas mais um elemento de sua linguagem, então uma adaptação simplesmente teve que incorporar isso.
Embora as referências mais explícitas sejam às vezes confusas no anime, o acúmulo de realidade no programa de TV de Kitamura ocorre do mesmo jeito. Como ele observou pela primeira vez em uma entrevista a um jornal local e tem mencionado repetidamente desde então, sua equipe fez nada menos que 10 viagens de reconhecimento de locais para se familiarizar profundamente com o cenário. Devido a esse rigor, conseguiram mesclar esse processo de pré-produção com a realização do espetáculo em si; muitas tomadas em Makeine usam fotos de seus locais reais com membros da equipe se passando por personagens, já que as constantes viagens pelo projeto permitiram enquadrá-los como os diretores pretendiam nos storyboards.
É importante notar que reproduzir Toyohashi objetivamente não era o objetivo. Recursos como o Google Maps facilitaram a incorporação de materiais fotográficos como planos de fundo, mas mesmo que você evite as armadilhas mais grosseiras-como incluir acidentalmente marcas d’água e erros semelhantes-uma inclusão impensada não irá fundamentar os eventos de uma forma significativa. O que esforços excepcionais como Makeine conseguem (na maior parte) é escolher elementos tão característicos que só podem ser lidos como um local autêntico, ao mesmo tempo que encontram maneiras de evocar familiaridade através desse cenário altamente específico. Isso, e ainda fazer com que os visuais combinem de forma agradável, é claro.
O próprio Kitamura notou que nunca tinha ido a Toyohashi antes, mas como alguém de uma cidade relativamente pequena também, ele imediatamente se sentiu em lar. Grande parte da pré-produção foi gasta na definição dos elementos que evocariam mais forte uma sensação de verão; não apenas porque é a temporada em que os dois primeiros arcos se passam, mas também porque a ideia de estar em uma cidade de tamanho modesto durante as férias seria compreensível para muitos espectadores. Eles podem não fazer essa conexão conscientemente, mas ainda assim se lembram vagamente do tempo passado em lugares semelhantes, ou simplesmente se relacionam com a sensação universal-embora capturada com tanta precisão-do calor do verão que Makeine irradia casualmente. Esse é o tipo de nostalgia que eles pretendem capturar, agradando a um autor que também pensa que, ao capturar a atmosfera do cenário com tal é transmitida a delicadeza, a juventude fugaz e brilhante dos personagens que o habitam.
No processo de refinar esse conceito de nostalgia alegre no verão em Toyohashi, Kitamura contou com a dupla que ele chama de secretas armas. Aoi Otani e Keigo Arihara são os dois artistas conceituais que se juntaram ao projeto tão cedo que a identidade do programa ainda não foi determinada. Isso é particularmente fácil de avaliar nos rejeitados amostras de Otani pranchas, que são lindas por si só, mas apresentam cores muito diferentes da aparência distinta do show. Não foram apenas as constantes discussões com o diretor e as viagens a Toyohashi que estreitaram o caminho: a interação entre os dois artistas conceituais também os ajudou a alcançar o equilíbrio perfeito. Comentando sobre outra prancheta antiga, Arihara observou que Otani costumava pintar um mundo mais sombrio para Makeine, enquanto para ele era o oposto. Eventualmente, eles se encontraram no meio do que seria a estética inconfundível de Makeine.
O resultado desse processo é um estilo de arte-e o mais importante, um clima associado-que você pode fechar os olhos e imediatamente foto. Graças às pranchetas de Otani e Arihara, a mostra é capaz de pintar um mundo internamente consistente; um com uma gama de verdes e blues morrendo os personagens e isso, sem sentir um calor escaldante, transmite a ideia de um verão úmido. As cores âmbar da sala do clube, que os personagens costumam visitar no final do dia, se destacam por contraste. Isso também se aplica às cenas especiais, bem como ao terceiro arco: tendo passado para o outono, a paleta se torna mais terroso, enquanto as tardes brilham em profundo vermelhos que não tínhamos visto antes-algo que também corresponde à intensidade emocional do arco. Mesmo sem levar em conta o que está ao seu redor, uma simples olhada na hora do almoço de Yanami e Nukumizu pode dizer imediatamente quando isso está acontecendo e como é a sensação.
Embora tenhamos dito que o programa faz um trabalho fantástico ao incorporar a sensação que tanto o autor quanto o diretor almejavam, há uma parte que faz isso ainda melhor: as sequências de abertura e encerramento. Os dois se complementam, formando uma dualidade como a da série. Para começar, temos uma introdução vibrante dirigida e com storyboard de Takayuki Kikuchi, a quem já destaquei antes como um dos artistas mais ousados nesta linha de produção A-1 liderada por seu colega Yuichiro Kikuchi. Apesar de estar enraizada no cenário físico, assim como o show em si, a alegre estética pop art da abertura, a animação animada e um tanto diegética A tipografia transmite uma sensação divertida e ridícula que imediatamente a diferencia. Logo de cara-ou melhor, após o segundo episódio em que estreou-ele mostra a primeira metade da alegre nostalgia de Kitamura.
E a outra metade, então? Como você materializaria esse sentimento de nostalgia romantizada na animação? Uma excelente forma, por exemplo, seria trazer de volta o método de produção que definiu o visual do anime durante décadas, e que avançamos há tanto tempo que agora é efetivamente impossível recriar. A nostalgia da animação celular e do filme real é tão comum no momento que os criadores tentam a torto e a direito recapturar seu visual, mas na falta das ferramentas físicas para criar o primeiro, tende a ser o mimetismo digital; algo que pode gerar resultados interessantes o direita mãos, lembre-se.
Criadores como Junchukan Bonta, no entanto, pertencem à resistência que se recusam a deixar a metodologia real se perde, mesmo que eles tenham que reinventá-la montando suas próprias ferramentas. No ano passado, sua participação especial em um certo curta-metragem vtuber chamou nossa atenção; fazer de tudo para usar filme real para um tipo de cena que todo mundo falsifica digitalmente hoje em dia é sinal de um criador interessante, de um louco ou de ambos. O assistente de produçãoAssistente de produção (制作進行, Seisaku Shinkou): Efetivamente, a função de’produtor’de classificação mais baixa e, ainda assim, uma engrenagem essencial no sistema. Eles verificam e carregam os materiais e entram em contato com dezenas e dezenas de artistas necessários para terminar um episódio. Geralmente lidando com vários episódios dos programas em que estão envolvidos. para aquele especial de Chronoir foi Yuutarou Ito, outro membro da equipe de gerenciamento de Kaguya-sama que ocupou o cargo de diretor de produção em um programa de TV pela primeira vez com Makeine.
Sem surpresa, foi Ito quem abordou Bonta para a sequência final, e ele conseguiu exatamente o que a equipe precisava: um lindo , versão idealizada do amor na série romcom, vista através de óculos rosa genuínos. Fiel ao espírito da série, o componente live-action da sequência de stop motion é a verdadeira escola que serve de cenário, com a já mencionada dupla de arte conceitual por trás da animação; embora desta vez tenha sido Otani quem desenhou e pintou os cels, Arihara também os ajudou no processo. Até a música abraça o ângulo nostálgico dessa sequência, já que todos os finais da série são covers de músicas antigas de amor (e desgosto) do principal perdedor.
Mas quem são esses amados fracassados? O primeiro arco de Makeine tem tempo suficiente para apresentar e aprofundar todos os seus relacionamentos. Somos apresentados à série pela primeira vez por meio de uma bela sequência que, a partir de um vetor diferente do final, idealiza o amor juvenil pelas comédias românticas. Afinal, este é o mundo que o protagonista de light novel Nukumizu adora contemplar-um mundo que ele separa do seu. Em vez disso, a realidade do protagonista faz com que ele se sente em um restaurante enquanto acidentalmente testemunha a dramática história de amor de outra pessoa… e sua queda na comédia patética. A dinâmica que é imediatamente estabelecida ali resume o show: Anna Yanami descaradamente entra para se livrar de seu trauma e expor suas visões radicais, e Nukumizu poderia muito bem estar reclamando em uma língua alienígena perdida porque suas piadas rudes não têm lugar em sua mente sagrada. palácio.
O primeiro episódio já estabelece que Nukumizu é do tipo que evita o contato próximo com as pessoas na escola sempre que possível e que Yanami é do tipo que não se importa nem um pouco com isso. Esse relacionamento poderia levar a algum lugar romântico, então? Se você perguntasse ao próprio Makeine, ele negaria atrevidamente a possibilidade… enquanto ainda fechava o primeiro episódio com uma representação amorosa de Yanami no telhado; sua beleza nos olhos de Nukimizu destacada por alguns cortes animados nos 1s, e uma atmosfera que lembra diretamente o romance que ele idealizava no início do episódio. Depois disso, eles ficam visivelmente próximos ao longo da série-e não apenas depois de selarem formalmente sua amizade com uma rejeição (?) Para encerrar o primeiro arco. Esse relacionamento cada vez menor tem uma bela representação visual de quão próximos eles se sentam, já que a abordagem descuidada de Yanami (especialmente durante a hora do almoço juntos) é algo contra o qual Nukumizu eventualmente desiste de lutar.’t-they em meio à loucura e ao drama é algo que acontece com as outras heroínas apresentadas no primeiro episódio. Lemon é uma garota doce que trocou toda sua inteligência por aptidão para os esportes, perdidamente apaixonada por um cara denso que recentemente conseguiu uma namorada definitivamente não criminosa. Komari, por outro lado, é uma criatura tragicamente tímida que foi salva e eviscerada pelo casal em desenvolvimento responsável pelo clube de literatura; afinal, ela está apaixonada por seu vice-presidente Shintarou, mas também profundamente grata a sua futura namorada e presidente Koto. Depois de apenas um episódio, já existem muitas heroínas perdidas.
Essa mistura improvável de pessoas extrovertidas, nerds, vencedores e perdedores reunidos em torno do clube de literatura tem sua primeira grande saída juntos no episódio 03— algo que também é particularmente interessante do ponto de vista da produção. O secretário de produção, Ito, solicitou pessoalmente a Shinichiro Ushijima o storyboardStoryboard (絵コンテ, ekonte): Os projetos de animação. Uma série de desenhos geralmente simples que servem como roteiro visual do anime, desenhados em folhas especiais com campos para o número do corte da animação, notas para a pauta e as linhas de diálogo correspondentes. isto; os dois se conheceram durante os dias de estreia de Ito na produção de I Want to Eat Your Pancreas, e ele acreditava ter demonstrado o alcance necessário para uma série como Makeine. No entanto, onde o episódio realmente se destaca é do ponto de vista da animação.
As sequências de Yanami no final do primeiro episódio que acabamos de destacar foram animadas por Hiroaki Gouda, um dos membros mais renomados desta equipe. Ver a impressionante arte de personagens como essa em movimento resume por que ele tem uma reputação tão forte como designer de personagens e ilustrador, além de suas proezas em animação. O que isso não conseguiu transmitir, porém, é que um Gouda verdadeiramente solto tem uma tendência para uma elasticidade divertida na animação. Makeine segue a reinterpretação agradável e padrão dos designs de imigimuru por Tetsuya Kawakami, mas em ocasiões excepcionais, a equipe está disposta a permitir que outra pessoa assuma o controle. Um dos dois episódios sem supervisão de Kawakami é justamente este terceiro, que percebe que a ideia de corrigir Gouda é um absurdo e que seria melhor para a equipe aprender com sua excelência. Como resultado, a animação do episódio é muito mais lúdica, de forma mais solta, mas também sustentada por poses mais confortáveis. A sequência de destaques de Lemon por Yasuyuki Kai e Yuichiro Ida prova que essa abordagem também é compatível com o lado mais romântico de Makeine.
O primeiro arco chega a finalizando com outro storyboard notávelStoryboard (絵コンテ, ekonte): Os projetos de animação. Uma série de desenhos geralmente simples que servem como roteiro visual do anime, desenhados em folhas especiais com campos para o número do corte da animação, notas para a pauta e as linhas de diálogo correspondentes. por Kitamura, que se destaca em retratar o separação que Nukumizu egoisticamente decidiu que deveria existir entre o mundo dele e o de Yanami. Depois de deixar claro que eles estão em pé de igualdade-supostamente como dois amigos rejeitados-o show segue para o arco de Lemon. Mas antes de ajudá-la a processar sua miséria, grande parte de sua autoria, o episódio #05 já faz questão de destacar outra grande qualidade de Makeine: o humor incidental. Novamente, isso se aplica ao programa como um todo; o primeiro arco, por exemplo, já tinha piadas de fundo sobre o quão incrivelmente bem-sucedidos os alunos são, o que torna engraçado que nós estamos acompanhando a vida dos raros perdedores entre eles.
Conhecido como um diretor estranho, Masakazu Ohara leva isso para o próximo nível com talvez o mais engraçado storyboardStoryboard (絵コンテ, ekonte ): Os projetos de animação. Uma série de desenhos geralmente simples que servem como roteiro visual do anime, desenhados em folhas especiais com campos para o número do corte da animação, notas para a pauta e as linhas de diálogo correspondentes. em toda a série. A ideia ridícula de que o pai de Yanami recebeu seu salário integral na forma de macarrão, então ela agora está presa no inferno do macarrão é apresentada em o início, e sem nunca abordar o assunto de maneira adequada, leva a uma cena hilariante de clube; Caixas cheias dessas sobras estão em todo o clube, mas Ohara encontra maneiras a quadro um inteiro concordância Ao manter visíveis as expressões de todos, mas hilariamente nunca abordando o que está acontecendo ao seu redor. Esse espírito perturbado é mantido até o fim, com a agora infame piada da NTR. A equipe decidiu terminar todos os episódios com uma linha final ou cliffhanger, e como este iria culminar com um mal-entendido sobre infidelidade, No estágio de roteiro em si Eles já estavam procurando uma palavra que continha essas três letras para que o storyboard em enquadra em moda cômica .
Um aspecto que, infelizmente, também se torna relevante neste quinto episódio é o fraco cronograma de produção da Makeine. Isso não quer dizer que o episódio seja particularmente ruim-se qualquer coisa, é outro exemplo de uma equipe que chamamos de recursos há anos sendo forçada a compensar mais um exemplo de planejamento ruim. Para ser justo, porém, é mais como outro time foi feito para ajudar; Literal e figurativamente, uma equipe falsa neste momento. Uma olhada nos créditos pode lhe dizer que alguns criadores e gerentes da equipe Fate/Strange Fake apareceram neste episódio. Mais atencioso, especialmente se você considerar todos os que não foram créditos dos supervisores para os próprios diretores, revelariam que esse episódio foi animado por todos os meios por essa linha de produção. Com seu próprio projeto em um limbo terrível e neste outro título popular no estúdio com extrema ajuda, esse malabarismo interno de emergência teve que salvar o dia. Os resultados são bons, mas, como sempre, as circunstâncias que levaram a isso não foram..com/yuyucow/status/1822341138172252424″> Outro final fantástico . O dela é um amor não correspondido que cresceu gradualmente, como os frutos homônimos na sequência. Como se tornou maravilhosamente renderizada aqui, ela está tentando segurar seu desejo-mas se ela se soltasse e perseguisse a pessoa que ama? Esses sentimentos a assombram por esse arco, mas nesse final, vemos a bela vantagem desses sonhos. A própria Lemon é idealizada em uma forma muito mais adulta Especialista em ajustar o realismo como Souta Yamazaki para reinterpretar seu visual. um processo de design densamente embalado com significado e a escolha inteligente para Execute a maior parte no mesmo plano de animação torna toda essa sequência nostálgica de um ângulo diferente do final anterior, e não menos excelente que ele.
para Lemon, o final também resume lindamente os altos e baixos. Claro, o motivo da água que estava tão libertado na busca de seu amor acaba a levar a ela tendo que acordar sozinha . Mas isso ocorre depois de ter experimentado sua forma ideal de romance , tão ativa e alegre como a atleta alegre que ela é. Tudo isso é banhado em um céu estrelado, algo derivado da letra da música, mas também de seu próprio arco; Foi uma visita ao planetário que a levou a revelar acidentalmente sua paixão, e é falando sobre as estrelas que ela começa a Siga em frente a partir desse relacionamento.
Podemos fazer algumas coisas também, porque neste momento o programa chega ao arco de Komari. Como qualquer outra heroína perdida, ela recebe uma linda sequência final. Desta vez, foi o gerente de Settei da Makeine Kazuki Kawagishi , que foi encarregado de seu destino, e ao pensar no núcleo do personagem-sob a superfície acerbica de uma garota que dificilmente pode articular outras palavras que não só poderia pensar nas aquarelas de kiiro aose ; Como o personagem, aqueles que parecem gentis, frágeis, mas valentes. Como visto nas elaboradas , a sequência impressionante é composta de um número ridículo de pinturas gradualmente mudando, soma às vezes com a ajuda da animação tradicional subjacente por megumi maeda .
mencionado anteriormente, anteriormente, mencionado anteriormente, A mudança para o arco final também é perceptível no próprio mundo. kitamura observou Isso, enquanto ultimamente tem sido difícil sentir um contraste entre setembro e o calor do verão anterior devido a outra coisa Clima extremo, ele queria enfatizar o lado mais frio da temporada para fazê-lo parecer tão especial quanto para ele naquela época. Enquanto Arihara ficou um pouco arrependido com suas pranchas de Art Diretor de Diretorias da Série: (監督, Kantoku): A pessoa responsável por toda a produção, tanto como tomadora de decisão criativa quanto supervisor final. Eles superaram o resto da equipe e, finalmente, têm a última palavra. No entanto, a série com diferentes níveis de diretores existe-diretor-chefe, diretor assistente, diretor de episódios da série, todos os tipos de papéis não padrão. A hierarquia nesses casos é um caso de caso.; A mistura aparentemente contraditória de temperatura, iluminação e humor capturou a visão de mudança que é sinônimo de outono para o diretor. Isso também é verdade para Komari, já que o ambiente em que ela se sentiu um pouco confortável está prestes a perder os alunos do terceiro ano que a receberam. Saia com a preparação para o próximo festival escolar; Uma exposição de clube que Yanami acabará por dublar uma carta de amor a sua antiga paixão e que Nukumizu escolherá interpretar em uma demonstração mais positiva e mais ampla de gratidão por seus idosos. Quando Komari, sem surpresa, se empurra além de seus limites, no entanto, é hora de o suposto protagonista começar a reunir os estudantes excêntricos que ele está encontrando em arcos anteriores-algo que soa heróico até que você considere que ele é incapaz de realizar qualquer uma das tarefas que ele confia para outros. Não é de admirar que Komari esteja chateado por você não lhe dar um bom motivo para elogiá-lo, Midwater./forte>. Se você seguiu essa linha de produção, saberá que ele é mais um hóspede da experiência Kaguya-sama e, se souber sobre a carreira dele como indivíduo, perceberá que esse material está muito no seu beco. Oikawa é conhecida por sua capacidade de promover o sentimento de uma família encontrada em gangues cômicas, e este festival só tem uma chance de ser um sucesso para nossos personagens principais precisamente por causa dos relacionamentos que foram construídos até agora. Como o Ying deste yang saudável, o episódio #09 também apresenta a estrela de ação Takashi torii tocando em sua experiência com outros tipos de ação com o papel autoexplanativo da coordenadora de busto de Karen Himemiya. Aliás, tarefas especializadas como essa existem mesmo quando não recebem publicamente um nome engraçado, embora sejam muito mais engraçadas quando isso acontece-você pode agradecer ao Assistente de Produção de Produção Assistente de Produção (制作進行, Seisaku Shinkou): efetivamente o produtor de classificação mais baixa’papel, e ainda uma engrenagem essencial no sistema. Eles verificam e carregam os materiais e entram em contato com as dezenas e dezenas de artistas necessários para terminar um episódio. Geralmente lidando com vários episódios dos programas com os quais eles estão envolvidos. Tetsuya Tamura. Embora a série não tenha a atenção quase psicótica dada aos personagens de fundo em uma produção de Kyoani, onde a idéia de uma multidão é essencialmente proibida, os animadores foram incentivados a Adlib com estudantes sem nome a dar mais vida ao cenário. Para este festival, isso foi elevado a um nível de diretoria, tornando esses layoutsLayouts casualmente povoados e espaçosos (レイアウト): os desenhos onde a animação realmente nasce; Eles expandem as idéias visuais geralmente simples do storyboard para o esqueleto real da animação, detalhando o trabalho do animador-chave e os artistas de fundo. uma prioridade. Nesse sentido, o décimo episódio foi histórico pelo animador afiliado a Wit Tatsuya Murakami , que também Quando você olha para este fofo Ghost Yanami !
Enquanto as aventuras de Komari foram o arco final, Makeine ainda encontrou alguma energia para aparafusar com um episódio final que, de várias maneiras, atua como uma válvula de fuga. Esta aventura original escrita pelo autor original-que atingiu o mesmo título que a série teve antes de ser publicada corretamente-nunca se afasta muito das regras gerais de Makeine, mas fica claro aos olhos que deu mais liberdade aos animadores para se soltar. Juntamente com o sempre presente Kitamura, há um diretor que você gostaria de ter nessa ocasião: o mencionado Kasen, que a contratou e co-dirigiu para acompanhar seu final de limão.
Dado seu treinamento em Studio Trigger e o gosto de seus amigos por combater a animação, Kasen supõe-se que seja outra estrela de ação chamativa. Ele provou repetidamente que é um papel que ele pode lidar muito bem, mas também que é na melhor das hipóteses apenas um lado dele. Até esse momento, seu trabalho mais renomado era Uma sequência final para ataque ao titan -Uma das maiores ações de ação nos últimos tempos, mas também uma sequência com ternura tangível e bela estilização. Enquanto assistem fotos da moda de Yanami Devolva-se em Adorável Scrunkly Demônios Com formas mais soltas, sua vontade de deixar a equipe deformar os personagens além do que Gouda ousou se tornar óbvio. Em um programa que promoveu uma representação naturalista de seu mundo da maneira que Makeine tem, Uma cena de horror ridícula que parece direto de um título de gatilho se transforma em uma reviravolta ainda mais engraçada do que normalmente seria.
Mas, novamente, Kasen é um artista de muitos talentos. Storyboards anteriores dele se destacaram por sua capacidade de capturar momentos de intimidade com o trabalho de câmera muito educado; Enquadrando que obscurece partes dos personagens quando eles estão mais vulneráveis, para que não pareça que estamos entrando com força neles. Entre seus momentos mais frouxos da loucura, este episódio também casualmente does então , mesmo.com/85bmyx9.jpg”> Construindo uma piada final atrevida em torno dessa idéia de visibilidade limitada . Com um resultado tão elegante e engraçado, você nunca seria capaz de dizer que ele terminou no dia anterior à transmissão.
Uma série regular pode ter escolhido terminar com o arco climático de Komari, mas encerrando Com esse passeio final pateta, mas estranhamente romântico, parece o caminho certo para Makeine ir. Também é o final adequado de um ponto de vista pessoal, com um curioso acúmulo de inspirações. Como autor original, Amamori professou seu amor por Kaguya-sama, uma série que foi animada por esta tripulação e para konobi -um mangá pelo designer de Makeine, que também teve uma adaptação liderada por um dos Os diretores que acabamos de conversar. Outra fonte conhecida de inspiração foi Bokuyaba , uma ótima romcom que mostrou
