Diretor da sérieDiretor da série: (監督, kantoku): A pessoa responsável por toda a produção, tanto como tomador de decisões criativas quanto como supervisor final. Eles superam o resto da equipe e, em última análise, têm a última palavra. No entanto, existem séries com diferentes níveis de diretores-Diretor Chefe, Diretor Assistente, Diretor de Episódios da Série, todos os tipos de funções fora do padrão. A hierarquia nesses casos é um cenário caso a caso. Midori Yoshizawa iniciou uma nova era de criatividade visual na série Monogatari que sinergiza com seus temas de tempo, identidade e criação. E, no entanto, por mais nova que seja a abordagem da franquia, sua equipe e a narrativa concordam: que o crescimento necessário em direção ao futuro não deve fechar os olhos para o passado.
Sete anos atrás, nós publicou um artigo sobre as diferentes épocas da franquia Monogatari, correspondendo aos diretores da série que lideraram o projeto ao lado do líder do estúdio — Akiyuki Shinbo. Por si só, o estúdio SHAFT já ostenta um estilo reconhecível, que é um pouco mais reduzido para formular uma abordagem visual para esta série que você não poderia confundir com nenhuma outra. Mesmo quem não assiste Monogatari pode reconhecer facilmente uma captura de tela da série sem contexto, porque seu mundo cheio de texto, hiperestilizado e muitas vezes desolado é inconfundível. Embora isso possa parecer um tanto restritivo, os maiores trabalhos do estúdio demonstram que sua identidade permite que as equipes estabeleçam facilmente uma estrutura de criatividade, em vez de agirem como regras que ditam inconscientemente suas escolhas artísticas. As letras podem ser familiares em todo o seu catálogo, assim como as palavras de Monogatari em um nível mais específico, mas as frases que cada diretor reuniu são distintas e, portanto, têm um apelo próprio.
Para colocar aqueles diferenças de uma forma mais tangível, você pode simplesmente comparar cada uma dessas eras de direção do ponto de vista audiovisual. Ao contrastar o trabalho de Tatsuya Oishi com o de Tomoyuki Itamura, você rapidamente seria capaz de identificar suas propensões estilísticas-não apenas como peculiaridades pessoais, mas como meios de adaptação uma série tão problemática. Desde os vários usos de filmagens de ação ao vivo por Oishi até as cenas de reação da cultura pop de Itamura, havia muitas opções que, se não inteiramente exclusivas de suas épocas, eram ordens de magnitude mais prevalentes sob esses líderes criativos específicos. E, no entanto, esses períodos também não foram perfeitamente monolíticos. Isso foi particularmente verdadeiro para Itamura, que foi lançado na franquia como um novato e depois teve o mandato mais longo da história de Monogatari, desenvolvendo seu próprio léxico visual ao longo do caminho; entradas posteriores como Owarimonogatari mostraram o que há de melhor, por meio de escolhas como texturas de papel para intersticiais de texto ou marcadores de capítulo personalizados, ao contrário da tipografia consistente que o precedeu.
Mesmo para um veterano magistral como Oishi, que não teve que crescer da mesma forma entre Bakemonogatari e Kizumonogatari, ainda havia um claro contraste entre o uso desenfreado do fotorrealismo entre os dois. No primeiro caso, ele se manifestou como explosões de imagens de ação ao vivo que deram um toque enervante a um momento sério ou pegaram você desprevenido para uma piada rápida e enfática. No primeiro arco da série, a história sensível de Senjougahara baseou-se nessas estilizações para fazer com que tópicos como abuso parecessem mais visceralmente desconfortáveis – tal é o efeito de alteridade inerente que imagens reais têm quando inseridas em animações muito estilizadas. Ao mesmo tempo, essas tomadas serviram como meio de abstrair os detalhes mais explícitos de seu passado traumático e poupar sua intimidade. A partir de um vetor totalmente diferente, Kizu construiu toda a sua estética em torno de um ambiente CG fotorrealista que contrastava fortemente com as células de animação. Dessa forma, ele incorporou visualmente o sentimento de não pertencimento do protagonista, que não é apenas um adolescente – especialista em se sentir incompreendido e sem lugar – mas que se tornou um vampiro, o que significa que ele literalmente não pertence. sob o sol. Embora ambos tenham inspirado as mesmas tendências, manifestaram-se de maneiras muito diferentes.
Em vez de avaliar essas épocas estritamente de acordo com as técnicas predominantes, talvez seja melhor darmos um passo atrás e considerarmos o filosofias de adaptação das quais elas derivam. Nesse nível conceitual, os dois primeiros diretores da série mantiveram perspectivas consistentes que explicam como abordaram esse trabalho. Ao adaptar a série pela primeira vez, Oishi viu uma subida difícil e decidiu torná-la mais íngreme; ou seja, que a sua abordagem à escrita prolixa característica de NisioisiN foi tentar destilar o seu efeito através dos intangíveis da sua direção. Veja bem, isso não significa evitar a escrita do autor original-na verdade, as palavras reais do autor estavam por toda parte, como O chefão do SHAFT, Shinbo, concordou em tornar a tipografia um elemento central como muitas vezes acontecia nas sequências de Oishi.
Em vez de usar este texto como um simples veículo de informação, Bakemonogatari de Oishi transformou seu uso em uma arma para modular o ritmo e capturar mentalidades específicas de uma forma mais concisa do que a prosa original de NisiosiN, ao mesmo tempo que alcançava os mesmos efeitos. Claro, era possível pausar constantemente um episódio para ler cada slide denso de texto, pois, afinal, a informação permanecia lá. A verdadeira genialidade de sua abordagem, embora abordagem, foi preservar isso ao mesmo tempo em que fazia o espectador sentir uma explosão de ansiedade através de telas que piscavam rapidamente; um sentimento semelhante que o texto original queria que o leitor experimentasse, embora de uma forma mais indireta.
De um ângulo diferente, Kizumonogatari incorporou o apelo de Oishi à experiência visceral nos seus extremos mais impressionantes. O romance original está inseparavelmente ligado ao ponto de vista de um adolescente profundamente confuso, que não se cansou dos problemas clássicos de sua idade, então tropeçou em uma bela moribunda e se tornou um vampiro ao longo do caminho. É prolixo como NisioisiN sempre é, e em sua forma mais caótica, ele desce repetidamente para o fluxo de consciência de Araragi-e ainda assim, a adaptação de Oishi considerou adequado remover qualquer aparência de monólogos internos e exposição, em vez de projetar essa informação em seu mundo como um todo. Como que para fazer uma declaração, esses filmes começaram com uma introdução impressionante que não encadeou uma frase por quase 10 minutos. E, francamente, não havia razão para isso, já que a entrega de Oishi já capturou o espírito do material original de maneiras muito elegantes. Cada pupila em movimento, cada corvo grasnado, cada cor deliberadamente opaca que abre caminho para chamas vívidas, cada escolha de enquadramento isolador: eram aqueles que personificavam a ansiedade e o sentimento de inadequação do protagonista, então por que Araragi deveria abrir a boca prematuramente?
E o Monogatari de Itamura, então? Embora exista uma lacuna inegável entre o que ambos os diretores são capazes de realizar, não foi apenas a habilidade técnica que diferenciou essas épocas; mais do que qualquer escolha brilhante de direção, foi a mentalidade por trás da adaptação – e a capacidade sobrenatural de ter sucesso com tal desafio, sim – que diferenciou Oishi de Itamura. Sob o regime deste último, a adaptação aspirava, em vez disso, preservar a escrita real de NisioisiN de uma forma muito mais explícita, concebendo os recursos visuais como uma forma de acompanhar o texto e não como uma incorporação dele. Esta foi uma mudança de paradigma para Monogatari como anime: uma transição do Oishi metafórico para o Itamura reativo, que informou toda a direção momento a momento a partir de então.
Se olharmos para alguns dos anteriores mencionamos peculiaridades visuais da série, entender as especificidades dessa mudança e a relação com as filosofias dos diretores fica muito mais fácil. Ao examinar a tipografia, por exemplo, você notará que o texto em Monogatari tornou-se mais legível com o passar do tempo. A série preservou truques mecânicos para abreviar cenas, como as conjunções escritas para cortar segundos graciosamente em longas conversas, mas gradualmente se afastou da percepção de Oishi do texto como uma ferramenta abstrata para definir o clima; uma mudança de algo que você sente para um elemento que você analisa de uma forma mais tradicional, que incorpora a evolução da adaptação como um todo.
Durante o mandato de Itamura, o anime Monogatari convidou o público a sentar-se ao lado dos personagens, reagir à narrativa ao lado deles; uma forma de falar, embora em alguns momentos tenha literalmente passado episódios inteiros lendo histórias de seu próprio mundo para o elenco. Tendências que mencionamos anteriormente, como o aumento de referências à cultura pop como cenas de reação, foram apenas uma consequência natural dessa nova mentalidade. Embora você possa encontrar exemplos no próprio Bakemonogatari-como Araragi e Kanbaru brincando para acalmar Nadeko quando ela tentava explicar seus problemas sobrenaturais-foi a partir de Nisemonogatari que eles se tornaram uma característica definidora da série.. Da mesma forma, personagens fazendo poses incomuns passaram de uma piada visual ocasional a um dos truques mais comuns em seus storyboards. Colocar o texto primeiro e depois fazer com que os personagens (e o mundo) reagissem a ele de maneira divertida tornou-se o novo padrão.
Um grande motivo pelo qual essa abordagem, que depende mais fortemente da escrita original, funcionou tão bem é simplesmente que a natureza iterativa da narrativa de Monogatari tornava cada nova entrada mais interessante. Veja bem, isso não se deve ao planejamento genial do autor original – nunca existiu tal coisa. Monogatari é, e digo isso com carinho, uma aberração de escrita que nunca funcionaria se não fosse escrita por um louco brilhante; algo demonstrado pelos diversos autores inspirados em NisioisiN, por mais divertidos que seus trabalhos às vezes sejam. Sem nenhuma previsão real, ele seguiu em frente com confiança, adicionando constantemente peças a um tabuleiro que eventualmente parecia mover-se por conta própria, guiado por ideias interessantes que só poderiam nascer das interações entre seu elenco excêntrico.
Itamura chegou com os mais luxuosos alicerces já traçados para ele, tanto pelo escritor quanto pelo diretor anterior. Veja bem, isso não quer dizer que o trabalho dele foi fácil – suceder um diretor brilhante e genial em um megahit otaku é uma perspectiva assustadora – mas que seu momento foi perfeito para começar a construir algo que para muitos seria, com razão, a parte mais memorável do filme. série. E para fazer isso, ele não teria que reinventar a roda, mas apenas reduzir a produção para algo que ele pudesse gerenciar e, esperançosamente, obter uma compreensão cada vez melhor dela com o passar do tempo; algo que, em retrospecto, podemos considerar um sucesso retumbante. Claro, uma comparação direta entre Bake e Nise parece um rebaixamento considerável no impacto da direção, mas ele resistiu à tempestade por tempo suficiente para permitir que o trabalho original se transformasse em algo magnífico e que seu próprio estilo amadurecesse de maneiras interessantes. A teatralidade de Itamura para acompanhar o texto funcionou, pois o texto era excelente e a atuação mais do que divertida.
Em 2017, a segunda temporada de Owarimonogatari finalmente fez jus ao seu nome e marcou o fim da era Itamura na série. Esse projeto se tornou seu último grande esforço no estúdio SHAFT, já que ele foi um dos muitos veteranos importantes que deixaram o estúdio na época; de forma independente e em direções diferentes, com graus variados de rixa dependendo de seu envolvimento nas rixas internas que levaram a um ambiente tóxico na empresa. Embora uma renovação no estúdio fosse sem dúvida o caminho mais saudável, isso teve consequências em algumas de suas propriedades de longa duração, sendo Monogatari o exemplo mais óbvio. Em 2019, Zoku Owarimonogatari teve permissão para manter a inércia e terminar seus seis episódios sem uma figura central de direção ao lado de Shinbo-mas para um esforço maior como Off & Monster Season, um novo co-líder seria obrigatório. Entra em cena Midori Yoshizawa, com pouca ou nenhuma experiência nesse nível de responsabilidade, mas uma fonte de esperança para o estúdio.
A carreira de Yoshizawa começou de maneira comum: ela treinou na Toei Animation como assistente de direção, fez algumas animações em seus shows por um breve período e depois passou a trabalhar no Studio Luna; ou seja, um estúdio de assistência comum que também é especializado em programas infantis. Porém, como freelancer, ela não perdeu tempo para deixar claro onde está seu coração. E esse lugar é o estúdio SHAFT, onde ela progrediu rapidamente em meio ao caos habitual. Da limpeza à assistência à direção em 2014, precisamente em Tsukimonogatari. Direção de episódio completaDireção de episódio (演出, enshutsu): uma tarefa criativa, mas também de coordenação, pois implica supervisionar os diversos departamentos e artistas envolvidos na produção de um episódio -aprovando layouts de animação junto com o Diretor de Animação, supervisionando o trabalho da equipe de fotografia , o departamento de arte, a equipe de CG… A função também existe no cinema, referindo-se aos indivíduos igualmente responsáveis pelos segmentos do filme. em todos os trabalhos do estúdio na época, no ano seguinte, e tarefas de storyboard começando com Sangatsu no Lion em 2016. Alguém que era um completo estranho apenas alguns anos antes, em um sistema onde isso é frequentemente um grande problema, passaram a ser-lhes confiados momentos cada vez mais importantes.
Na altura da Magia Record, e graças à ampla distribuição de funções pelo seu interessante mas também caótico processo de produção , ela recebeu responsabilidades semelhantes à direção da série para episódios específicos. Ela permaneceu no estúdio em tempos muito difíceis, provando que não é apenas uma grande fã de seus trabalhos, mas também alguém que entende profundamente as complexidades de seu estilo; algo que eles não podem considerar garantido de nenhum diretor, como discutiremos mais tarde. Ela ganhou a confiança de seus colegas e a admiração de todos os fãs hardcore do SHAFT, o que faz com que esta chance de liderar um de seus maiores trabalhos pareça totalmente merecida.
Mas o que foi que lhe rendeu essa reputação positiva? Internamente, há o fato de que trabalhar com ela é mais tranquilo do que a norma caótica, já que ela requer pouca supervisão para montar um pacote atraente que manterá aquela vaga identidade do SHAFT. Pintá-la como alguém simplesmente fácil de trabalhar, no entanto, seria uma enorme descaracterização. Para começar, Yoshizawa é uma diretora ambiciosa cujas raízes na animação a fazem imaginar layouts problemáticos. Layouts (レイアウト): Os desenhos onde a animação realmente nasce; eles expandem as ideias visuais geralmente simples do storyboard para o esqueleto real da animação, detalhando tanto o trabalho do animador principal quanto dos artistas de fundo. Os trabalhos do SHAFT tendem para um enquadramento muito simbólico, com seções transversais impossíveis de edifícios e planos, mas memoráveis encenação. Como storyboarder, ela embala seu enquadramento com significado de maneira semelhante, mas muitas vezes com uma abordagem mais ampla que torna o trabalho inerentemente mais complicado para os animadores. Os fundamentos mais realistas (que ela adora exagerar por meio de distorções de lentes de peixe) têm grande sinergia com a capacidade de Yoshizawa de compor fotos atraentes, onde não apenas a animação é apresentada com profundidade e intenção, mas também os planos de fundo, CG e até mesmo elementos de ação ao vivo funcionam. em conjunto para guiar o olho juntos. Uma habilidade muito importante dentro do sistema idiossincrático do SHAFT!
Isso nos leva a outro traço característico de Yoshizawa: a pura criatividade representada não apenas na forma, mas no material. Os dias mais visualmente radicais do SHAFT, representados pelo próprio Oishi, ficaram para trás… mas Yoshizawa nunca recebeu esse memorando, porque quanto mais liberdade lhe foi concedida, mais ela enfatizou filmagens de ação ao vivo e materiais analógicos não convencionais. Por um lado, Yoshizawa frequentemente se apoia na ligação inerente entre o tempo e os elementos tangíveis. Como algo que existe fisicamente, esses materiais reais evocam a passagem do tempo de uma forma mais direta do que a animação intangível poderia – daí o uso de lapsos de tempo e bobinas de ação ao vivo codificadas sazonalmente, desenhos analógicos, recortes de papel e assim por diante.
Um exemplo notável disso pode ser encontrado em um dos episódios de Yoshizawa no Magia Record, onde ela quebrou uma ampulheta de verdade para os cortes que indicam a passagem do tempo. Ao chegar ao presente, preparou uma tela de areia semelhante onde ela mesma pintou um quadro convincentemente infantil para representar uma relação que florescera naquele período. Com esse movimento, uma forma de expressão que evoca o tempo passa a se transformar em tempo de convivência, elemento diegético que também representa o vínculo entre dois indivíduos. De certa forma, isso resume o aspecto que mais a diferencia de seus colegas de estúdio. Por mais fascinante que seja sua técnica, é essa ênfase na narrativa pessoal e emocional que a diferencia dos veteranos mais lógicos como Yukihiro Miyamoto (ou seu antecessor no Monogatari, Itamura), bem como de gênios loucos como Oishi, que sempre sinto que operam em níveis mais elevados de abstração. Os visuais estranhos nas obras de Yoshizawa podem levar você a esperar uma narrativa imparcial, mas sua tendência natural é usar essas ferramentas pouco ortodoxas para humanizar os personagens de maneiras pequenas e muito pessoais.
Outra técnica que Yoshizawa frequentemente associa ao conceito de tempo é o enquadramento 4:3 , que representa o passado em seu trabalho – seja um momento nostálgico ou um acontecimento recente. Ela constrói essas tomadas com barras pretas reais, estreitamento um tanto diegético ou tudo mais. Embora você provavelmente tenha notado isso na temporada atual de Monogatari, é algo que ela faz há anos.
Como mencionado nas discussões da equipe apresentadas nos fanbooks de MagiReco, Yoshizawa realmente tem a reputação de se destacar em capturar o coração interior dos personagens-especialmente das mulheres-por meio de sua mundanidade retratada de forma excêntrica. Você pode, sem dúvida, rastrear isso até seu trabalho em Sangatsu, com um episódio particularmente memorável centrado em um incidente de bullying. Essa explosão de sentimentos negativos, mas legítimos, reprimidos, mostrou o impacto de sua entrega de emoções muito reais, virando os olhos em sua direção dentro e fora do estúdio.
Mesmo além desse destaque, as sensibilidades atraentes de um jovem Yoshizawa começaram a levantar a cabeça durante o show. Há uma interessante economia de cores em seus episódios que pode lembrar a tendência de Oishi por paisagens monocromáticas com detalhes, mas que no caso dela é usada mais diretamente para mostrar a lacuna na intensidade emocional entre os personagens, ou exatamente o que no momento é verdadeiramente significativo. para eles; novamente, um ângulo mais pessoal de sua direção. Talvez sem surpresa, ouvir seus colegas falarem sobre o que admiram em seu trabalho ilumina seus verdadeiros pontos fortes.
Agora que temos uma compreensão sólida da evolução estilística de Monogatari como uma série de anime, além de uma compreensão de seu nova diretora e as prioridades que ela traz para a mesa, podemos finalmente dar uma olhada informada nos primeiros arcos de Off & Monster Season. A chegada de Yoshizawa mudou a série de alguma forma significativa?
Confiança foi o adjetivo que atribuímos à escrita de NisioisiN anteriormente, e esse também é o sentimento que emana da introdução ao OMS #01 – storyboarded pela própria Yoshizawa, como deveria ser. Tsukihi Undo é um pequeno arco divertido onde o pássaro titular imortal, tão impulsivo e perigoso como sempre, descobre a verdade sobre sua boneca em tamanho real. Ou melhor, ela foi alimentada com mentiras sobre a situação pelo referido boneco Yotsugi, um ser com uma relação igualmente duvidosa com a mortalidade e habilidades de controle de danos catastroficamente ruins. Embora suas interações sejam muito divertidas por si só, é a entrega de Yoshizawa que imediatamente faz esta história parecer especial. A verdade dentro deste pássaro de bronze é revelada ao quebrar um ovo de verdade e, em seguida, seguir com uma enxurrada de informações inspiradas e relevantes imagens; pássaros e gaiolas, já que ela está tecnicamente sob vigilância, além de bonecos de sombras que enfatizam que uma criatura como Tsukihi não é o que parece ser.
Mesmo além desta introdução brilhante, o primeiro episódio de OMS parece ter todas as vantagens que os crentes de Yoshizawa esperavam. Essa capacidade de combinar a composição simbólica do plano característica do anime SHAFT com seus layouts mais espaçosos. Layouts (レイアウト): Os desenhos onde a animação realmente nasce; eles expandem as ideias visuais geralmente simples do storyboard para o esqueleto real da animação, detalhando tanto o trabalho do animador principal quanto dos artistas de fundo. está em plena exibição logo de cara; é usado, por exemplo, para mostrar a incompatibilidade entre Tsukihi e Yotsugi que torna este arco tão divertido, bem como as ansiedades de um personagem que a série irá revisitar em breve. A orgulhosa reivindicação de Monogatari de sua ampla gama de expressão trouxe Oishi à mente de muitos espectadores, e não posso culpá-los por isso; especialmente quando há sequências com ideias tão semelhantes àquelas que antes eram tão comuns em seu programa. Dito isso, acredito que olhar para o trabalho dela como a segunda vinda de Oishimonogatari presta um péssimo serviço a todos – à diretora, com um estilo próprio, e ao show, que passou por algo mais sutil do que uma reinicialização completa.
Uma razão importante pela qual pareceu necessário discutir o estilo e as preferências de Yoshizawa antes de entrar no OMS não foi apenas para ser capaz de identificar as muitas maneiras pelas quais ele influenciou esta temporada de Monogatari, mas também para apreciar quando isso não acontece, em vez disso, adiando para a história da série. A diversidade de ideias visuais pode se assemelhar até certo ponto ao início desta franquia, mas a forma reativa como elas são implantadas traz está mais próximo da filosofia do Monogatari de Itamura-que, por meio da massa e da proximidade, passou a representar a série mais do que o alegórico Oishi. Yoshizawa também repete diretamente as adições de Itamura, evoluindo suas telas de capítulos personalizadas para transformá-las em instantâneos de narrativa paralela; e também, para entregar a piada final deste episódio, indicando que Yotsugi está eternamente preso em um ciclo de sorvete e pobre escolhas. Com a inventividade mais próxima de um diretor, uma filosofia de adaptação mais próxima de outro e as peculiaridades de um terceiro, avançamos para Nademonogatari.
As explosões de animação de Monogatari, que pertenceram a craques como Ryo Imamura, e mais tarde pessoas como Hironori Tanaka, agora também foram repassados para suas estrelas atuais, como Hiroto Nagata. Também neste aspecto se podem sentir as mudanças geracionais no OMS.
Devido à estrutura da série e à sua natureza não planejada, os arcos dos personagens de Monogatari são bastante fragmentados. Ao longo dos anos, testemunhamos Araragi e sua gangue crescerem como pessoas (e como seres mitológicos), embora não de uma forma particularmente linear para a maioria deles. Dado o grande elenco e a forma como os arcos tendem a concentrar-se num ou dois indivíduos – dentro de uma série que abstrai toda a população da Terra – perdemos grande parte do tecido conjuntivo entre os seus momentos cruciais de crescimento. Retornar a um personagem que a série explorou antes é o mesmo que encontrar um amigo que você não vê há algum tempo, com o conhecimento adicional de que ele está prestes a experimentar uma nova forma de catarse que, esperançosamente, irá melhorá-lo como pessoa..
Considerando que arcos como Nadeko Draw são construídos com base na evolução desses personagens, você pode pensar que eles ignorariam essa natureza fragmentada. Um escritor mais convencional, talvez mais sensato, de fato faria isso – mas é de NisioisiN e Monogatari que estamos falando. Em vez de preencher as lacunas, a série enfatiza o eu distinto de Nadeko sempre que ela tem sido um ponto importante de foco na história. Eles são separados como personagens independentes, recebem nomes humorísticos e são codificados com estilizações distintas por Yoshizawa e companhia; mais notoriamente, eles têm paletas de seu próprios que são reconhecíveis à primeira vista. A mensagem final de autoaceitação é o ponto final esperado para um arco como este, mas seu caminho até lá é formalmente fascinante e reflete perfeitamente o estado da série como um todo neste momento.
A sinergia entre a produção e a história começa nos temas. A atual Nadeko está trabalhando em seu sonho de trabalhar como mangaká, o que é uma boa desculpa para Yoshizawa se dedicar a todos os tipos de estilizações em torno das artes ; outra introdução impressionante encontra uma infinidade de maneiras de incorporar quadrinhos de vários ângulos, já vinculando o conceito-chave da identidade de Nadeko ao painel naqueles. Outros episódios contam com truques de camadas para visualizar essas ideias e no papel, tanto simulados quanto material real. É especialmente quando se trata desse eu atual que Nademonogatari se torna uma divertida exibição de artes e ofícios para acompanhar seu sonho.
À medida que avança em direção ao futuro que deseja, Nadeko também tem que enfrentar seu passado, que agora existe fisicamente na forma de seu eu anterior, causando estragos pela cidade. Com a passagem do tempo sendo outro conceito-chave, este é um bom momento para lembrar a todos que um dos campos de especialização de Yoshizawa que nos aprofundamos anteriormente foi evocar isso através do uso de imagens de ação ao vivo e materiais analógicos—exatamente o que Nademonogatari acaba fazendo também. Isso se confunde com o desejo de Nadeko de criar algo com as próprias mãos, construindo uma linguagem visual muito coerente. Um estilo fresco, mas não totalmente novo, o que também acaba por reforçar a conclusão.
Da mesma forma que esta equipa decidiu manter uma parte considerável da identidade de Monogatari, apesar da lufada de ar fresco de Yoshizawa , a própria Nadeko constrói seu crescimento na aceitação e incorporação do que havia de bom e de ruim em seu passado. Nademonogatari não se trata de suplantar o passado por uma personalidade presente mais refinada, mas de alcançar o futuro com a compreensão de que o seu eu atual nunca existiria sem seus antecessores, com erros e tudo. Monogatari tem apelado à nostalgia dos fãs por múltiplas entradas, mas seus retornos nunca foram tão comoventes como nesta iteração que mostra um presente e um futuro estilisticamente distintos, ao mesmo tempo que assume um ângulo narrativo interessante como este conto retrospectivo sobre o quanto uma criança quieta cresceu.
Se Yoshizawa tiver a oportunidade de liderar uma série do zero, eu ficaria encantado em vê-la formular uma linguagem visual totalmente própria. Mesmo antes de receber a posição de co-liderar uma série inteira, ficou claro que ela tinha tudo para conseguir isso, com base puramente na densidade de conceitos interessantes que ela poderia infundir nos trabalhos de outras pessoas. Isto quer dizer que posso compreender qualquer pessoa que desejasse uma atualização ainda mais radical para esta série, mas também que estou muito feliz com o equilíbrio que ela conseguiu atingir e como isso corresponde bem à mensagem da série em si.. Tendo chegado a esta era tardia muito específica de Monogatari, não posso deixar de sentir que é apropriado evoluir de uma forma mais iterativa, avançar ao mesmo tempo que incorpora os elementos do seu passado. Essa foi a lição para personagens como Nadeko, cristalizada em um belo final onde ela confronta seu eu original e manso.
Fora do inúmeras referências às iterações anteriores de Monogatari, nenhuma atingiu tão forte quanto retornar ao início de tudo, o lugar onde ela esperava ver sua paixão. Seu anseio por aquele primeiro amor imita os maneirismos de sua primeira sequência de abertura, embora esses movimentos fofos pareçam trágicos agora que sabemos que é um sonho não correspondido e impossível. A atual Nadeko a incentiva a seguir em frente, mas não a descartar quem ela é. Em vez disso, ela promete a ela que o futuro deles manterá um amor tão forte e gratificante quanto aquele que ela sentiu no passado. Uma cena comovente que beneficia da irrupção da narrativa emocional de Yoshizawa, animada por uma das esperanças futuras do estúdio, mas aceitando tudo o que levou a isso. Resumindo, acredito que as pessoas chamam isso de cinema agora.
Embora este tenha sido um artigo muito positivo sobre a série, seria negligente não mencionar como a instabilidade do SHAFT também é um fator em jogo; Se estamos falando sobre a novidade trazida por um novo diretor, também devemos mencionar os problemas que, infelizmente, permanecem inalterados. Suas falhas de gestão têm sido um problema enorme por mais tempo do que a maioria dos espectadores de anime se dedica a esse hobby, tornando-se o tipo de piada que ameaça diluir a gravidade da situação. Como sempre, apenas uma fração dos gritos por ajuda e expressões de insatisfação sobre como o trabalho deles acabou com a bolha até o-embora seja sempre revelador quando seus animadores de ás são forçados a fazê-lo.
Enquanto lideramos Em wazamonogatari , você deve ter notado que um suspeito 東冨 耶子 é a primeira pessoa creditada como storyboarder no site oficial. Pegue um Onyomi específico para cada kanji, reverta a ordem deles e você terá Shiyafuto-o que é dizer, Shaft, porque é o próprio líder deles Shinbo. Serei sincero e digo que fico feliz por ele ter sido explicitamente (embora brincando) creditado por isso de maneira pública, pois significa que podemos abordar isso mais diretamente. Shinbo não estava programado para o storyboardstoryboard (絵 コンテ コンテ, Ekonte): os projetos da animação. Uma série de desenhos geralmente simples que servem como roteiro visual do anime, desenhados em folhas especiais com campos para o número de corte de animação, notas para a equipe e as linhas de diálogo correspondentes. Este episódio, mas acabou redesenhando-o quase inteiramente. Ao dizer isso, você pode imaginar que ele consertou muitos painéis existentes de uma maneira ou de outra, mas é mais parecido com se livrar de seções inteiras em todo o episódio e desenhar totalmente novas que não correspondem diretamente a nada que fosse Originalmente elaborado. Ele é creditado na liderança por um bom motivo.. Então, em vez do fato de ele ter feito isso, é o grau em que exigiu ação (e a razão por trás disso) que se tornam um obstáculo para a produção. Uma das qualidades de Yoshizawa que destacamos anteriormente foi que ela exige pouca supervisão, porque ela internalizou os preceitos do anime do eixo como sua cadência única de maneiras que muitos diretores talentosos não. Os funcionários mais jovens e de fora tendem a lutar para entregar o que é esperado de um diretor da Shaft, apesar do estúdio fornecer diretrizes reais para ajudá-los. As imagens preexistentes da franquia enquanto montam algo que parece fresco.
Essa é uma questão particularmente preocupante agora, pois a saída de muitos veteranos nos anos anteriores forçou o estúdio a trabalhar mais ao lado de indivíduos que não têm essa experiência no estúdio. Ouvi pela primeira vez a produção da OMS no verão do ano passado, quando já estava ficando preso nesse longo processo de consertar storyboards. Ao parar durante a pré-produção, mesmo um projeto que abrange uma quantidade considerável de tempo como este acaba sendo estrangulada por seus prazos à medida que a transmissão se aproxima. E, é claro, isso tem consequências não apenas para um projeto individual, mas também para outros títulos em formação. Se o seu sistema exigir membros internos veteranos e você estiver relativamente curto com eles, os indivíduos restantes terão que ajudar mais do que o planejado originalmente, o que significa negligenciar outros empregos que eles podem ter. Embora a situação não seja tão simples que desenhe uma correlação direta, o fato de Monogatari estar exigindo ajuda extra deve ajudá-lo a entender por que um determinado filme de Girl Magical foi punido um ano inteiro de distância. Como eu sou da administração deles, acho importante entender as questões que escapam de suas habilidades-elas não podem simplesmente clonar os veteranos restantes-e também não ser melodramáticos sobre seu efeito na qualidade do programa. Por si só, ter Shinbo assumir o controle de episódios com a inclinação de terror gótico de vampiros é tão boa quanto as notícias podem vir do estúdio. Esse é precisamente o espaço de gênero em que ele fez inúmeras pessoas se apaixonarem por seu estilo, afinal, então é claro que ele estaria particularmente interessado nesse próximo arco. A própria Yoshizawa também forneceu claramente uma extensa contribuição em todo o NademoMonogatari; Suas peculiaridades estilísticas aparecem mesmo no caso raro em que ela não está listada como storyboarder, e os créditos do episódio não correspondem às informações da autoria no site oficial para iniciantes. Ninguém deve lamentar que os diretores talentosos estejam muito envolvidos. E, de fato, afetou a animação, tanto em ambição quanto de nível polonês, embora eu argumentasse que, até certo ponto, ofuscam o quão brilhante é de outra forma. Um certo grau de frustração com o programa não atingindo as alturas que poderia justificar, assim como a raiva de que mesmo uma série amplamente bem-sucedida que não deve ser prevista pode tornar o trabalho tão esmagador para a equipe. O passo mais complicado pode ser chegar a um acordo com o OMS sendo um excelente show… embora, dada a história da produção da série, os fãs de longa data possam já estar acostumados a isso. Eu sei que felizmente abracei monogatari, mantendo traços antigos, mesmo quando Yoshizawa o conduz em uma nova era, mas, francamente, esses problemas de produção são um aspecto que eu gostaria de deixar para trás.
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