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A equipe editorial da Anime News Network está se aprofundando em suas memórias reprimidas de anime para relembrar os momentos que os deixaram em lágrimas. Abaixo estão alguns dos momentos mais comoventes, desde mortes de personagens principais até reviravoltas agridoces na trama, então cuidado com spoilers.
Kevin Cormack
Phoenix 2772 – Space Firebird
© Tezuka Productions Co., Ltd./Toho
Além de episódios de Batalha dos Planetas transmitidos com pouca frequência em canais terrestres TV, minha infância escocesa de meados da década de 1980 não transbordou de experiências de anime, muito menos de exemplos particularmente emocionantes. Quando eu tinha apenas seis anos, minha mãe trabalhava em três empregos de meio período para manter nossa jovem família à tona. Um trabalho foi na única locadora de vídeo de nossa pequena cidade nas montanhas.
Ela periodicamente trazia filmes para casa para eu assistir — foi assim que vi pela primeira vez os filmes originais de Star Wars — fora de ordem. Deixe-me dizer que O Império Contra-Ataca não é um bom final para a trilogia. As escolhas de filmes da minha mãe às vezes eram estranhas. Depois de assistir 2001 – Uma Odisseia no Espaço até seu final profundamente surreal e psicodélico, ela se virou para mim, confusa, e perguntou: “O que foi aquilo?” Senhora, pensei comigo mesmo, tenho apenas seis anos. O que você quer de mim?
Uma vez, ela trouxe para casa o filme de animação de aparência incomum, Space Firebird 2772, para assistirmos juntos. Dizer que esta foi uma experiência marcante seria um eufemismo. As imagens desse filme lindo, mas idiota, ficaram na minha mente e ficaram gravadas na minha mente por quase quatro décadas. Co-escrito e co-dirigido pelo próprio “God of Manga” Osamu Tezuka, Phoenix 2772 — Love’s Cosmozone (para dar o título completo em japonês) é uma entrada original de anime em seu ciclo de histórias de Phoenix que abrange conceitos inebriantes como o significado da vida, morte, carma e reencarnação. Parece o material ideal para um filme infantil, certo? Certo?
Phoenix 2772 abre com uma montagem de dez minutos sem diálogos, onde vemos o protagonista Godo crescer de um bebê literal de proveta para um jovem adulto. Ele é criado pela atraente andróide Olga, que, no típico estilo maluco de Tezuka, é sua figura materna e interesse amoroso. Godo está matriculado na academia de pilotos e, em um de seus testes, é instruído a atirar em um grupo de criaturas alienígenas fofas, peludas, inofensivas e sencientes por seu professor valentão, Volcan. Quando Godo se recusa, Volcan mata ele mesmo cada uma das criaturas, enquanto elas gritam e lutam para escapar. É horrível. Quando era uma criança apaixonada por animais, achei isso profundamente perturbador, mas continuei assistindo.
As cenas subsequentes não são menos perturbadoras. Godo é enviado para uma prisão mina na Islândia dirigida pelo Dr. Black Jack. A vida lá é barata e os prisioneiros morrem correndo e gritando devido às erupções de lava superaquecida. Eventualmente, Godo se encontra em uma nave espacial em busca do titular Phoenix, acompanhado por um trio de engraçados animais alienígenas que tocam instrumentos e dançam durante uma série de lindos interlúdios musicais. Todos eles morrem horrivelmente quando o ataque de Godoh à Fênix a deixa furiosa. Ah, e a amante andróide de Godo, Olga, está totalmente queimada.
Apesar da Fênix eventualmente se acalmar, meio que consertar Olga e oferecer a Godo um planeta pacífico para viver, Godo quer salvar os moribundos Terra, então ele enche sua nave com vegetais alienígenas frescos tão necessários para alimentar as massas em dificuldades. Infelizmente, a Terra tem outros planos: a nave (e os vegetais) mergulha em uma fenda de fogo, e o planeta inteiro entra em erupção enquanto fissuras profundas se abrem em todos os continentes e TODOS MORREM. Sim, não seria uma história de ficção científica adequada de Tezuka sem um profundo niilismo existencial. No final de Phoenix 2772, eu estava traumatizado. É uma maravilha que Tezuka nunca me afastou do anime para sempre. Talvez meu apego vitalício ao médium seja minha tentativa fracassada de exorcizar os demônios que Tezuka instalou permanentemente em minha alma torturada.
James Beckett
Metropolis
© 2001 Tezuka Productions/Metropolis Committee
Não tenho certeza de quando isso aconteceu, exatamente, ou o que o estimulou, mas em algum momento da minha infância, desenvolvi uma ansiedade profundamente enraizada em relação à perda de memória. isso ainda está comigo até hoje. Isso me destruiria sempre que um personagem de uma história se esquecesse de quem era ou fosse incapaz de reconhecer os rostos de seus entes queridos. De qualquer forma, no que diz respeito ao anime, imagine o seguinte:
Você é o jovem James e recentemente descobriu essa sensação avassaladora de pavor sobre o quanto o senso de “eu” de uma pessoa pode ser obliterado se ela aconteceu de perder na loteria genética e desenvolver Alzheimer ou se bater a cabeça na direção errada, tropeçando em um lance de escadas. Além disso, ao mesmo tempo, você acabou de descobrir o quão longe o mundo do anime se estende além do mero Pokémon, o que se deve principalmente à coleção chocantemente abundante de DVDs legais na biblioteca a dois quarteirões de sua nova casa. No verão de 2004, enquanto folheava as estantes, você encontra um DVD intrigante com uma linda arte de caixa apresentando uma garota angelical com cabelos loiros tendo como pano de fundo uma distopia mecânica de ficção científica. É chamada de Metrópole de Osamu Tezuka, e você a leva para casa para ver se ela satisfaz seus desejos por lutas de mecha duronas e lindas garotas de desenho animado que gostariam de ser suas amigas e/ou beijar você se fossem reais.
Em vez disso, você acaba descobrindo uma reinterpretação onírica e assustadora do clássico filme mudo de Fritz Lang, filtrada pela estética do mangá de Osamu Tezuka e pelas ambições cinematográficas de seu diretor, o mononímico “Rintarō”. Como você tem doze anos, ainda não sabe de nada disso, é claro. O que é relevante para você, Tiny James, é a maneira como o romance de conto de fadas compartilhado entre a garota-robô Tima e o jovem detetive Keiichi se envolve nas complexas maquinações políticas que fermentam entre as massas famintas de Metrópolis e a classe dominante da cidade, liderada pelo criador de Tima, Duke Red. Isso dá ao filme um tom enferrujado e desesperado que faz com que sua mente minúscula e irremediavelmente romântica se agarre ao relacionamento reconfortante que Tima e Keiichi compartilham ainda mais. Isso é exatamente o que Rintarō quer-o bastardo doente-enquanto ele envia os heróis do filme rumo a uma conclusão trágica que consegue jogar com todos os seus medos crescentes.
Já é ruim o suficiente quando Tima é forçada a uma posição onde sua mente mecânica é consumida pelas maquinações monstruosas que Duke Red construiu para que sua “filha” assumisse o controle do trono de Metrópolis. A maneira como a voz melodiosa de Tima é reduzida a um tom monótono de robô, a expressão no rosto de Keiichi quando a centelha de vida nela desaparece e o horror crescente que surge ao ver a carne da garota-robô derreter para expor o estranho esqueleto de aço e fios por baixo…tudo isso já é suficiente para te deixar muito infeliz, de fato. Era para ser um desenho animado legal sobre uma garota robô, caramba! Por que isso faz você sentir coisas?
O que quebra você, porém, é quando o filme corta todos os efeitos sonoros e diálogos no clímax explosivo do filme. Tima, que não é mais reconhecível como a garota curiosa e inocente que era há pouco tempo, desce aos escombros de fogo de sua outrora orgulhosa cidade, e o refrão de “I Can’t Stop Loving You” de Ray Charles começa a tocar. como uma espécie de réquiem. Não é justo. É muito. Você tem apenas doze anos e de repente está chorando, pensando em como deve ser ver a vida e a memória de um ente querido serem drenadas e apagadas muito antes de seu corpo desaparecer. Você está se perguntando se teria forças para soltar a mão deles e perdê-los para sempre se essa fosse a única maneira de eles ficarem em paz. Vinte anos depois, quando você estiver sentado em frente ao computador e trabalhando em um artigo sobre qual anime foi capaz de fazer você chorar mais, você será capaz de relembrar essa experiência com uma clareza assustadora, porque é uma daquelas experiências que você vai provavelmente leve com você para o resto da vida. Você ainda terá que fazer uma pausa antes de terminar de escrever para poder ir para a outra sala e verificar sua esposa, apenas para ter certeza de que pode ver que a luz do reconhecimento ainda está lá quando ela sorri e encontra seus olhos..
Caitlin Moore
Fushigi Yugi – Morre Nuriko
©渡瀬悠宇／小学館・ぴえろ 1995
Você conhece aqueles vídeos que você Você vê crianças reagindo a cenas tristes em filmes, onde choram diante da tragédia total de tudo isso? Não fui eu. Não chorei com a morte de Mufasa em O Rei Leão quando tinha sete anos. Quando eu estava no ensino médio, porém, algo mudou – talvez tenha sido o início da puberdade, talvez Where The Red Fern Grows tenha sido tão triste que transformou a forma como eu me relacionava com as histórias; talvez fosse outra coisa. De qualquer forma, me tornei um chorão bem na hora de entrar no anime e encontrar Fushigi Yugi.
Para todas as piadas sobre “As dez mortes mais tristes em anime”, se eu sentasse e fizesse uma lista, A morte de Nuriko estaria perto do topo mesmo depois de todos esses anos. Eles estavam facilmente entre os personagens mais simpáticos, equilibrando seu papel como uma figura semelhante a um irmão mais velho com Karenka e Tamahome com um senso de humor aguçado. Seu pragmatismo proporcionou um equilíbrio importante ao romantismo arrebatador e ao histrionismo limítrofe ao qual o resto do elenco principal estava propenso. Eles tinham um lado egoísta, mas isso sempre acontecia quando era mais importante, e quando eles tinham que lutar contra Ashitare dos guerreiros Seiryu pelo shinzaho, isso os levava ao fim.
Agora, posso ver todos os problemas inerentes à narrativa. Eles eram, em muitos aspectos, um estereótipo, e todas as piadas sobre seu gênero e orientação sexual eram, na melhor das hipóteses, insensíveis. Há muito a ser dito sobre um personagem que se torna inconformado com o gênero por causa de um trauma e começa a se mover em direção à conformidade como um sinal de que finalmente está pronto para seguir em frente, e nada disso é bom. Além disso, agora sei que Nuriko estava colocando todas as bandeiras da morte do livro naqueles episódios finais.
Mas aos doze anos, eu não vi tudo isso. Nuriko era uma personagem que eu amava, que me fazia rir e em quem Karenka e Tamahome podiam contar quando necessário. Eu não sabia que o anime operava com regras narrativas diferentes da mídia infantil americana, onde a morte é para os pais, vilões e personagens recorrentes ocasionais. Os membros do conjunto primário eram basicamente imortais. Mas não é assim no shoujo anime, e no momento em que Nuriko caiu, de olhos fechados, depois de lutar com sucesso contra Ashitare, meu mundo mudou e eu chorei. De repente, tudo tinha riscos, riscos reais, e se Nuriko podia morrer, qualquer um poderia. Muitos o fizeram, porque a segunda metade de Fushigi Yugi é uma espécie de banho de sangue, mas nenhuma das outras mortes ocorreu da mesma maneira.
Eu assisti Fushigi Yugi várias outras vezes nos últimos 25 anos.. Não é tão amado quanto acredito que deveria ser, lembrado principalmente como um pedaço bobo de melodrama adolescente que melhor foi deixado para trás nos anos 90. Ainda a amo com tanto fervor quanto na primeira vez que a vi, e toda vez que Nuriko fecha os olhos para aquela montanha nevada, choro como se a estivesse vendo pela primeira vez novamente.
Christopher Farris
Cowboy Bebop – Episódio 24,”Hard Luck Woman”
© サンライズ
Anime que faz você chorar com a morte de um personagem é uma opção, e não é como se Cowboy Bebop tivesse falta de personagens adoráveis morrendo, especialmente em seu final. Mas o que acontece quando a história precisa dar uma despedida a alguns membros do elenco antes que toda a tragédia comece a acontecer? Com apenas três episódios restantes, Shinichiro Watanabe e sua equipe optaram por redefinir o status quo de Bebop, liberando os adoráveis parasitas Ed e Ein antes que pudessem ser pegos no fogo cruzado que se aproximava. Mas mesmo que ninguém seja assassinado, Hard Luck Woman é emocionalmente devastador.
Embora seja Ed quem incorpore a recompensa emocional final, o episódio também se concentra em Faye e seu acidente de carro psicológico em um arco de personagem que se constrói gradualmente ao longo do Series. A busca de Faye por sua origem e pelo lugar onde ela pode pertencer cruza-se com o apego de Ed ao planeta Terra destruído. Isso leva a dupla a desviar sub-repticiamente o Bebop para o mundo natal da humanidade, um lugar onde o anime já esteve antes, mas nunca com esse tipo de olhar para a finalidade. O que se desenrola é uma tapeçaria melancólica de momentos interligados, à medida que Faye e Ed se deparam com fios de esperança que não conseguem evitar, mesmo que isso possa desvendar tudo o que construíram para si próprios até agora.
Mesmo que represente ostensivamente um final na história para alguns de seus personagens, a ideia de continuar em direção a um esperançoso”algum dia, em algum lugar”torna”Hard Luck Woman”tão silenciosamente eficaz como uma peça pré-final. Faye encontra a maior resposta possível sobre de onde ela veio-e essa resposta é um pedaço de terra há muito vazio onde sua casa nunca mais estará. Mas é dela. Ela saiu de sua casa anterior para chegar lá, então se sente obrigada a abrir sua caixinha e ficar lá, pelo menos durante a noite. A descoberta de Ed não é menos nebulosa. Ela fica sabendo de seu pai e ouve que ele está procurando por ela, pelo menos de forma intermitente. Mas quando ela o rastreia, o reencontro deles não é menos alegre do que de curta duração-ser um gato de rua volúvel que vai e vem quando quer parece ser algo da família de Ed.
Eu não sabia como foi Cowboy Bebop na primeira vez que assisti no Adult Swim, tantos anos atrás. Acho que tive a impressão de que era uma série finita, já que já havia assistido vários outros animes até aquele ponto. Então, ver Ed e Ein simplesmente se levantando e saindo realmente deixou claro o encerramento iminente. Esta não é uma história de despedida chorosa; ninguém chora e os personagens vão embora sem se despedir (exceto por um rabisco devastador de grafite que Ed deixa para trás). Mas é uma virada de página intensa para o público. Enquanto Faye se deita entre todo o nada que lhe resta, enquanto Spike e Jet enchem seus rostos com ovos cozidos, e enquanto Ed e Ein fogem para o pôr do sol enquanto a música comovente”Call Me Call Me”toca, bem , o sistema hidráulico começou então, e ainda funciona hoje. Faye voltaria, é claro, e Spike seguiria para um dos finais mais definitivos do mercado. Mas o final pré-final que é”Hard Luck Woman”representa Cowboy Bebop em seu lado mais esperançoso-a ideia de que há um novo lugar ao qual pertencer a ser encontrado logo no próximo horizonte, sempre que for hora de se levantar e ir procurar.
Nicholas Dupree
BECK: Mongolian Chop Squad – dueto ao luar de Koyuki e Maho
©ハロルド作石・講談社／2004 ＢＥＣＫ製作員会
Com toda a honestidade , quase definitivamente há um anime que me fez chorar antes disso. Eu assisto anime desde que era muito jovem para saber que havia uma diferença entre ele e os desenhos animados ocidentais, e sou um idiota notório. Então provavelmente há um episódio de Digimon ou outro programa com o qual cresci que me fez chorar em algum momento. Mas nem todas as lágrimas são tristes, e às vezes o choro que fica com você surge de ser dominado por tantas emoções que seu corpo não consegue processá-las. Esse foi o tipo de choro que tive quando adolescente, ao ver o episódio 5 de BECK antigamente.
A cena em si é direta. O protagonista Koyuki invadiu a escola depois do expediente a mando da garota incrivelmente legal por quem ele tem uma queda, Maho. No estilo clássico dos filmes adolescentes, ela o convence a nadar nu na piscina da escola. É precisamente o tipo de coisa mal pensada e impulsiva com a qual alguns adolescentes e muitos outros adolescentes fantasiam. No entanto, bem quando você pensava que ficaria estranho ou lascivo, a dupla flutua na água, olha para o céu e começa a cantar sua música favorita, “Moon on the Water”. E continue cantando. Durante quase todo o tempo de execução da faixa, são apenas esses dois personagens cantando de maneira estranha em seu próprio mundinho.
Mesmo agora, anos depois do fato, não consigo explicar corretamente por que aquela cena me fez driblar ranho e lágrimas no meu teclado. Embora “Moon on the Water” seja uma bela balada, não é o tipo de música que toca agressivamente as cordas do coração. Não é um grande momento na história de amor desses dois personagens, nem há grandes gestos românticos dignos de nota. As performances vocais em qualquer faixa de idioma são caridosas e autenticamente amadoras. A animação é mínima, repleta de imagens panorâmicas da lua cheia, da grama voando em um campo próximo e dos personagens com água até o pescoço enquanto cantam.
No entanto, tudo isso dá à sequência uma aparência crua. , autenticidade poderosa. Há uma intimidade que permeia cada segundo enquanto Koyuki e Maho se harmonizam, apanhados pela sensação de fazer algo estúpido e imprudente como só os adolescentes conseguem. Ele captura aqueles momentos raros e efêmeros na calada da noite, quando parece que o resto do mundo desapareceu e você conversa de manhã cedo com alguém sobre nada e tudo. A partitura esparsa permite que as falhas cativantes em seu canto venham à tona de uma forma que apenas os faz parecer mais naturais. É romântico, não no sentido de se apaixonar, mas no modo como você pode de repente ficar impressionado com a beleza do mundo ao seu redor, consciente da majestade e da magia que tantas vezes são tidas como certas. É simples, mas imenso, ao mesmo tempo específico e universal, e tudo isso atingiu meu eu de 14 anos com o impacto de um meteoro caindo na Terra.
É certo que a idade em que o vi foi provavelmente um fator em quanto isso está preso em mim. BECK é um trabalho que ainda é ótimo quando adulto, mas que muda positivamente a vida quando adolescente. Ocorreu-me no momento certo da minha vida para me ligar à minha alma, e provavelmente estarei cantarolando essa música e me alegrando toda vez que olhar para o céu noturno pelo resto da minha vida.
Lauren Orsini
Mel e trevo
© 羽海野チカ／集英社・ハチクロ製作委員会
Eu tinha acabado de começar a namorar um cara que por acaso era o presidente da nosso clube de anime universitário. Nós nos casamos alguns anos depois, mas estou contando a história fora de ordem.
Eu não sabia que iria me casar com ele. Eu só sabia que ele guardava a grande coleção de caixas de DVD do clube de anime em seu apartamento, o que me levou a uma tarde examinando as prateleiras da biblioteca em busca do meu próximo relógio. Meu futuro marido não era do tipo que fazia declarações dramáticas, então, quando ele casualmente apontou o programa Honey and Clover, acrescentando: “Este me fez chorar”, eu sabia que também precisava assisti-lo.
Honey and Clover é a história de um grupo de estudantes universitários, todos eles artistas, e das conexões perdidas agridoces que fazem o público se perguntar quem entre eles permanecerá apenas amigos. O personagem principal é Yuta, que tem tendência a esconder seus sentimentos. Ele é o oposto de seu colega de quarto, Shinobu, que é extrovertido e desagradável. Quando os dois meninos se apaixonam pela mesma garota, a escultora de baixa estatura Hagu, eles recorrem aos mecanismos de enfrentamento social mais confortáveis para lidar: Yuta se esquivando e Shinobu exagerando completamente. Nenhum dos garotos pode ser ele mesmo, o que (eu acho) é tudo o que Hagu deseja.
O triângulo amoroso deles é apenas um pequeno componente desse show terno e angustiante. Yuta, Shinobu e Hagu são acompanhados por Takumi e Ayumi, que também têm seus próprios problemas românticos. Ayumi está apaixonada por Takumi, que só tem olhos para uma viúva mais velha que definitivamente não está disponível. Como se não bastassem as desventuras amorosas, os cinco lutam contra um inimigo comum: o futuro. Nada menos que estudantes universitários de uma faculdade de artes, todos encaram ansiosamente a precariedade de suas vidas depois da escola. “Sempre tive medo de não conseguir ver meu futuro. Medo de não saber o que quero fazer da minha vida e de não saber por que não sei o que quero fazer ou o que quero ser, ” Yuta diz no episódio 21, cristalizando essa incerteza. Esta é uma história sobre pessoas que estão em uma encruzilhada e quais caminhos elas decidem seguir.
Talvez por causa desses temas pesados que permeiam a série, as pequenas coisas. , os momentos engraçados, pequenos e cotidianos que dão a este programa a designação de um pedaço da vida, tornam-se ainda mais poderosos. Há uma cena que nunca esquecerei quando todos os alunos largaram tudo para ajudar Hagu a procurar um quatro. trevo de folhas, suas preocupações deixadas de lado enquanto trabalhavam como um só. Mais tarde, Hagu transforma aquele trevo em um sanduíche literal de Mel e Trevo para Yuta e dá a ele como um presente de despedida antes de Yuta embarcar em uma viagem. No trem, Yuta entra em lágrimas como um homem faminto, com lágrimas escorrendo pelo rosto. Ele acabou de dizer adeus ao seu amor não correspondido, apenas para ser atingido por uma última lembrança poderosa dela e de seus amigos e daquele dia quente de primavera.
Se eu descrevesse todo o enredo de Honey and Clover, drama por drama devastador, isso poderia deixar você triste. Mas precisa ser combinado com a trilha sonora melancólica para realmente fazer o sistema hidráulico funcionar. E condizente com um programa sobre uma escola de arte, as duas músicas introdutórias de baladas poderosas deste programa de duas temporadas são combinadas com sequências surreais de abertura multimídia que constituem arte em seus próprios direitos. Esta safra de 2005 traz todo o seu coração na manga, tão poderosa hoje quanto era naquela época. Isso não apenas me faz chorar-também me deixa com saudades dos meus tempos de faculdade! Está sendo transmitido no Crunchyroll, tornando-o particularmente fácil de encontrar sempre que eu quiser assisti-lo novamente. Porque posso ter me casado com o presidente do clube de anime, mas a coleção de DVDs ficou com o clube.
Ken Iikura-Gross
Crayon Shinchan
©臼井儀人／双葉社・シンエイ・テレビ朝日・ADK
Quando vi a pergunta “o primeiro anime que fez você chorar”, percebi que essa é uma pergunta retórica maravilhosa por causa de como você pode interpretá-la. A primeira coisa que pensamos com uma pergunta como essa é: “Um anime que nos fez chorar de tristeza”. No entanto, as pessoas choram por vários motivos, como em reação à comédia, alegria ou simplesmente nojo de quão ruim é uma série de anime. Mas, quando penso no primeiro anime que me fez chorar, é o nono filme do Crayon Shinchan, Crayon Shin-chan: Arashi wo Yobu Mōretsu! Otona Teikoku no Gyakushū (Shin Chan-Ataque do Império Adulto), por causa da nostalgia.
Isso pode parecer estranho, já que Crayon Shinchan começou como uma série de comédia simples no início dos anos 1990 e lentamente evoluiu para o programa familiar de uma fatia da vida como é conhecido hoje. No entanto, os filmes são uma fera completamente diferente, pois se inclinam para o absurdo. Estamos falando de aventuras em parques temáticos estranhos, o personagem titular, Shinnosuke “Shin-chan” Nohara, se tornando um espião, viagens no tempo e aventuras com um dinossauro; os filmes são tudo menos um pedaço da vida. Apesar disso, os filmes têm como tema subjacente o amor familiar. Então, onde isso coloca Otona Teikoku, nostalgia e choro?
Na virada do século, um novo parque temático para adultos foi inaugurado perto da cidade de Kasukabe, província de Saitama. Os adultos de Kasukabe ficam encantados com o parque temático, que lhes permite reviver a infância (neste caso, do final dos anos 1960 ao início dos anos 1970). Mas o parque é uma manobra do vilão líder do Yesterday Once More, Ken (não este escritor), para trazer o Japão de volta a uma época em que”o século 21 era tão brilhante”porque”a única coisa de que o Japão está cheio atualmente é sujeira”. dinheiro e lixo incombustível.”Ken planeja conseguir isso lembrando aos adultos aquele cheiro nostálgico.
Este é um cenário estranho, para dizer o mínimo, mas nos permite entender que os adultos no filme são dominados por uma sensação de saudade. suas infâncias. Isso é exemplificado pela cidade simulada em que Ken e seu parceiro vivem, pois é um anoitecer perpétuo-como se para lembrar ao público que algumas de suas melhores lembranças são ao anoitecer, quando é hora de voltar para casa depois de uma tarde brincando com os amigos. Também é muito compreensível, pois, exceto aqueles que tiveram uma infância traumática, muitas pessoas dariam um pouco para reviver sua infância. Afinal, a nostalgia é uma droga poderosa. Assim, ao longo deste filme está a dualidade do desejo de retornar ao nosso passado cor-de-rosa ou avançar em direção ao futuro desconhecido.
Esse empurrão e puxão entre o passado e o futuro fica claro quando Shin-o pai de chan, Hiroshi, revive sua experiência na versão cinematográfica da Exposição Mundial do Japão, Osaka, 1970 (Expo 70). Para muitos adultos japoneses com quase 30 anos no ano 2000, a Expo 70 foi um momento seminal na sua infância. Assim, quando vemos Hiroshi nesta cena, ele é apresentado como uma criança, provavelmente com cinco anos de idade. É melhorado quando ele faz birra por querer ver a Pedra da Lua (a pedra trazida da missão Apollo 12), o que nos traz de volta a uma época em que também tínhamos acessos de raiva. No entanto, no meio dessa birra, vemos Shin-chan dizendo a Hiroshi que é hora de ir para casa.
Embora este seja um momento poderoso em Otona Teikoku, não é exatamente um momento de arrancar lágrimas. momento. Sim, há um empurrão entre viver no passado e viver para o futuro – já que o que Shin-chan está dizendo é que é hora de crescer de novo – o que transforma este momento em algo que está gravado em minha memória é o que traz Hiroshi de volta para o presente. No bom estilo Crayon Shinchan, esta é uma piada que gira em torno dos sapatos fedorentos de Hiroshi. Mas a mordaça é usada para realçar a próxima cena.
Nesta cena, somos levados por uma montagem da vida de Hiroshi. Começando com ele andando na garupa de uma bicicleta para pescar com seu pai, avançando para seu primeiro amor e posterior rompimento, sua primeira vez em Tóquio como estudante, depois como empresário, conhecendo sua esposa, Misae, o nascimento de Shin-chan, mudando-se para a casa deles, e terminando com Hiroshi voltando de um dia de trabalho e sua família encontrando-o na porta, a sequência nos lembra que temos mais pelo que viver do que o fascínio do passado. É um lembrete claro de que algumas de nossas melhores lembranças não são da infância. Em vez disso, eles vêm da totalidade de nossas vidas.
Quando assisti a cena aos 15 anos, não pude deixar de ser levado à minha infância e então relembrar minha vida subsequente. E para mim, foi isso que tornou a cena tão comovente. Ele evoca sentimentos de nostalgia no espectador, de modo que ele é atraído para a cena e compartilha facilmente as emoções que Hiroshi está experimentando. Então, torna-se fácil também ser dominado pelas emoções e começar a derramar algumas lágrimas de empatia por Hiroshi. série seja tão comovente. Mas lá estava ele na tela grande – a tela pequena para mim, pois era uma gravação da transmissão de TV que meu avô japonês me enviou. Isso me surpreendeu e me atingiu de uma maneira que eu não esperava. Mas admito que ainda gosto de poder enxugar as lágrimas.
Jairus Taylor
Yū Yū Hakusho – Funeral de Yusuke (episódio 1)
©Yoshihiro Togashi 1990年-1994年, ©ぴえろ／集英社 発売・販売元:バンダイビジュアル
Apesar de chorar por tudo e qualquer coisa quando eu era mais jovem, não tenho certeza de qual foi o primeiro anime que me deixou chorando, mas eu faço Conheço uma das primeiras coisas que tocou meu coração, e foi essa cena do funeral. Mesmo cerca de 30 anos após o lançamento do programa, ainda acho que Yū Yū Hakusho tem o que é sem dúvida o melhor primeiro episódio de qualquer anime, e esta é uma grande parte do motivo. Passamos grande parte do episódio abrindo uma janela para a vida de Yusuke e como sua vida parece péssima na superfície. Ele está constantemente se metendo em brigas, sua mãe é uma alcoólatra que parece apática com ele, e todos os professores de sua escola o incomodam só por ousar aparecer.
Assim, quando ele morre em um acidente depois de salvar uma criança e recebe uma segunda chance de vida de um dos chefes do Mundo Espiritual, ele realmente não acha que tenha algo pelo qual valha a pena viver.. Tudo isso muda quando ele espia seu funeral como um fantasma, e embora haja algumas pessoas que não estão muito chateadas com a partida dele, as pessoas mais próximas a ele têm reações decididamente mais contraditórias. Sua mãe e sua amiga de infância Keiko ficam arrasadas, enquanto o diretor de sua escola, Tanaka, fica frustrado porque Yusuke não pôde ficar por aqui para tirar mais proveito de sua vida. A maior explosão vem do autoproclamado rival de Yusuke, Kuwabara, que invade o funeral gritando porque honestamente não tem certeza do que fazer agora que Yusuke não está mais em sua vida.
É um ótimo lembrete de como é fácil perder o impacto que podemos ter na vida das pessoas ao nosso redor apenas por estar lá, e até mesmo ver isso pela primeira vez quando criança, essa cena bateu incrivelmente forte e partiu meu coração. Parte disso também se deve à dublagem absolutamente incrível do elenco de dublagem, e particularmente do falecido Brice Armstrong como Tanaka e Christopher Sabat como Kuwabara, que arrasaram ao lidar com a mistura de emoções que esses personagens estavam passando..
Eu provavelmente já assisti esse único episódio de Yū Yū Hakusho pelo menos uma dúzia de vezes até agora, e mesmo tendo praticamente todas as falas daquela cena memorizadas, isso nunca deixa de me destruir emocionalmente. Não é apenas ótimo em trazer o waterworks, mas também faz um excelente trabalho ao preparar o cenário para o arco de caráter de Yusuke, enquanto ele decide ter uma segunda chance na vida por causa das pessoas ao seu redor e usa essa segunda chance de amadurecer e crescer ao longo da história, mesmo quando acaba se focando na ação. Eu ainda amo esse show em pedaços, e a força dessa cena é uma grande parte do motivo pelo qual teve um impacto em mim. Angel
© Heaven Project ／ バンダイ ビジュアル ・ ぴえろ
Eu não choro facilmente. Eu choro com a queda de um chapéu, mas para progredir para soluços reais, algo precisa realmente me atingir em um local vulnerável, e o lugar onde eu sou o mais vulnerável é a tragédia de nunca poder ver alguém novamente, Não importa o quanto você possa querer. Séries posteriores como o domingo sem Deus ou a adaptação de Ghibli de quando Marnie estava lá, ambos me reduziram a uma bagunça chorosa, mas o primeiro título que me lembro de fazer isso é, de todas as coisas, vou ser um anjo. Mesmo se você nunca o viu-e eu admito plenamente assistir no VHS Fansubs-o título não soa exatamente como um tearjerker, e o enredo é enganosamente bobo: Yuusuke está morando sozinho em sua casa de família quando ele conhece aspirantes a aspirantes a Angel Noelle e sua família insana, todos os quais se mudam com ele. Mas essa frivolidade esconde uma história que atinge algumas notas de emoção genuína, e uma das principais gira em torno da garota que Yuusuke tem uma queda e seu irmão morto. Nós nunca o encontramos. Mas encontramos um anjo com uma única ala chamada Raphael, que tem mais do que uma semelhança passageira com Fuyuki. À medida que a história se desenrola, percebemos que os dois são a mesma pessoa, o que deve ser alegre… exceto que Natsumi nunca conhece. Ela não pode ver ou interagir com ele, deixando-nos suportar o fardo do que poderia ter sido. Sabemos que Fuyuki está indo bem e ainda está cuidando de sua irmãzinha. Mas ela não, e ela continua a lamentar sua perda. Por volta do meio da série, o episódio doze ou mais, a dor de Natsumi a devolve à forma de criança, um reflexo da garotinha mágoa e triste que ela ainda está dentro. Ela tem que enfrentar sua dor e deixar seu irmão ir para a frente novamente e talvez permitir que ele também. É um momento silencioso e doloroso em um show mais lembrado por seu brilho alto, e toda a sequência é uma espécie de miséria bonita. Natsumi não tem ninguém a quem recorrer em sua dor e, segurando-o, ela acha que está segurando Fuyuki. É dolorosamente familiar, com uma picada atrás dos seus olhos quando as lágrimas ameaçam, mas você não pode se trazer para chorar. Isso faz você pensar sobre a dor em que está segurando porque tem medo de deixá-la ir. Desde 1999, isso nunca recebeu um lançamento completo em inglês. É uma série que penso muito, porque é tão inesperada de várias maneiras. Este é um dos momentos que me assombra porque é muito fácil entender o quão difícil é avançar sem alguém. > 
テレビ/松竹/ai
A batalha final terminou. O poderoso vilão-apesar de seu incrível poder-havia sido derrotado. O mal antigo que quase foi libertado foi selado mais uma vez. Mas essa vitória teve um custo, pois a mulher que nosso herói havia crescido perto do curso de suas aventuras de abanamento mundial se sacrificara para enfraquecer o vilão e permitir que o golpe final fosse atingido. Nosso herói ficou bem aquitado com perda, mas isso atingiu mais ainda porque ele esperava que esse tempo funcionasse de maneira diferente. Antes de deixar o local da batalha final, ele deixou de lado seu chapéu icônico e o deixou lá para descansar com ela. A tela congelou em um tiro sombrio de nosso herói indo embora, emoldurado por raios de luz, e a música entrou em ação.
E na sala de reposição dos meus avós naquela manhã de sábado, jovem, eu chorou lágrimas reais.: O filme do lendário Masami ōbari. Agora, eu não era novo no anime neste momento. Com base em um pouco de escavação e em uma documentação de transmissão muito útil, parece que isso teria sido exibido no final de 1998, o que significa que eu já estava no trem de anime há alguns anos. Mas os tipos de anime que estavam sendo empurrados-especialmente no final dos anos 80 e início dos anos 90-raramente eram da variedade mais emocional. Esta era a era das coisas de “não das crianças!” E similares, onde a violência e o conteúdo obsceno eram um grande ponto de venda para um público americano, em grande parte desacostumado a obras animadas além de comerciais de brinquedos de meia hora mansos e musicais de longa duração. Em 1998, até a Toonami estava apenas em seus estágios iniciais, quando conteúdo animado serializado de formato longo poderia sustentar tramas complexas e fios emocionais mais profundos.
Este não foi o meu primeiro filme de anime de luta. Street Fighter 2: O filme de animação era o meu aluguel favorito, sendo um grande fã de qualquer jogo de luta que eu pudesse colocar em minhas mãos. Claro, essa foi uma visão bastante séria do material, mas eu não chamaria exatamente de emocional ou profundo. Parecia ótimo e fazia sentido, o que o colocou em outra liga até onde a maioria das adaptações de videogames, mas eu não me descreveria como profundamente investido no elenco. Eu esperava ter uma experiência semelhante-algumas lutas legais e ótima animação, nada mais.
Fúria fatal: o filme me pegou de um ângulo completamente diferente.
Claro, tinha todas as coisas que eu esperava ver. Eu tenho que ver alguns dos meus personagens favoritos fazer movimentos icônicos e lutar contra esquisitos em locais estranhos. A fúria era tão fatal quanto eu esperava! No entanto, o filme tece em um elemento sombrio para o personagem de Terry Bogard, que eu não estava preparado como um rapaz. Eu não tinha experiência ou conhecimento dos OVAs anteriores, então estava entrando nessa espera o mesmo Terry com o qual eu conhecia os jogos: um brigão bombástico com ataques especiais estranhos. Em vez disso, aqui estava um guerreiro cansado do mundo que amava e ainda perdia e ainda mantinha a luta, encontrando um vislumbre de um novo amor em potencial apenas para que isso se afastasse dele novamente. Mai e Andy justapostos a Terry e Sulia deram ao filme essa estranha mistura de camaradagem e família (encontrada e relacionada ao sangue) que eu não estava antecipando. Então, quando as batidas emocionais, a cinematografia e a música estão alinhadas nesses momentos finais, eu chorei pelo trágico amor de Terry e Sulia. Ao assistir alguns anos atrás, ficou claro que o melodrama não era tão atraente para mim como já havia sido. Apesar de ainda amar o filme, a caracterização bastante simples não provoca as mesmas emoções intensas que ele fazia quando eu era estudante do ensino médio. Mas foi um ótimo exemplo inicial do que o anime significaria para mim pelo resto da minha vida: que o meio de animação pode contar qualquer história e provocar qualquer sentimento se for feito com um pensamento cuidadoso e um esforço genuíno.
Richard Eisenbeis
The Transformers: The Movie
© mcmlxxxvi hasbro inc. campo minado com esta escolha.”O programa de TV dos Transformers originais é anime?”O debate assumiu desde os anos 90 e provavelmente continuará até depois de eu estar morto. Com o programa, temos algo baseado em uma linha de brinquedos japoneses (com muitos projetados por Macross’Shōji Kawamori), escritos e dirigidos por americanos e animados no Japão pela Toei Animation (para a maioria dos episódios até e incluindo o filme). Felizmente, como estamos em uma época em que o Scott Pilgrim, de alguma forma produzido, produz mais do que algumas listas de”Top Anime of the Year”, posso pedir uma graça a todos aqui.
Eu estava Jovem demais para ter visto os Transformers: o filme nos cinemas. No entanto, a série ainda era muito popular no final dos anos 80 e início dos anos 90. Havia reprises constantes do programa na TV, mesmo depois que novos episódios pararam de ser feitos, e eu lembro dos vários programas de creche e pós-escola que eu sempre tive pelo menos algumas fitas VHS cheias de episódios para nos manter ocupados. >
Dizer que eu estava intimamente familiarizado com os transformadores seria um eufemismo. Meus pais até usaram meu amor pelo show como suborno/distração-eles me comprariam um novo brinquedo de Transformers toda vez que fizemos uma longa viagem de carro e me deixava nos perder em meu próprio mundo.
Eu não poderia ter sido mais de 6 ou 7 quando aconteceu: o dia em que meus pais me levaram à biblioteca local para alugar alguns filmes para assistir no fim de semana. Lá, entre a enorme coleção de filmes, encontrei os Transformers: o filme. No dia seguinte, quando meus pais fizeram trabalho doméstico e trabalho no quintal, eu, o único filho sempre entediado, apareceu no filme-e não tinha idéia do que eu estava. Nunca vi os Transformers: The Movie, o primeiro ato do filme centrou-se em um ataque total à cidade de Autobot pelos Decepticons-um cronometrado especificamente para quando o Optimus Prime estiver fora. No entanto, quando tudo parece perdido, o Optimus Prime retorna no que foi (e talvez ainda seja) a sequência de ação mais memorável de toda a franquia. Definido como a balada de Stan Bush,”The Touch”, o Optimus Prime sozinha explode através das classificações do Decepticon para enfrentar Megatron em uma batalha final-uma que deixa Megatron na porta da morte… e otimus Prime mortalmente ferido.
Não posso descrever a você como devastador a morte do Optimus Prime era para a mente do meu filho. Ele era mais do que apenas um herói e um líder. Ele era basicamente o pai da família Autobot-tornando-o uma figura paterna em minha vida por procuração. Eu não chorei com a morte dele; Eu chorei incontrolavelmente-resistente à injustiça que Megatron não apenas vivia, mas voltou ainda mais forte do que antes. E no final do filme, tudo o que resta foi Rodimus Prime-um garoto tentando encher sapatos que eram grandes demais para ele (e falhando).
Lembro-me de Os episódios do Post-Optimus Prime da série-tão devastados fui por sua morte. Optimus Prime foi o Transformers para mim. Sem ele, estava faltando. No entanto, graças a isso, perdi sua ressurreição falsa (onde ele é trazido de volta como um zumbi controlado pela mente e matou novamente em um único episódio) e seu verdadeiro retorno nos episódios finais da terceira temporada.
Agora, já faz quase 35 anos desde que eu vi o filme pela primeira vez. E, ao assistir novamente a este artigo, não vou fingir que atingiu um bilionésimo com tanta força quanto naquela época. Mas os sentimentos de tristeza e mágoa ainda permanecem, mesmo depois de todo esse tempo.
Lucas Deruyter
Pokémon: o primeiro filme
© 1997 1998 Nintendo, Creaturas, Game Freak, TV Tokyo, Shopro, Jr, Kikaku © 1999 Warner Bros
I nasceu em 1995 e estou no espectro do autismo, por isso era inevitável que eu fosse obcecado com todas as coisas do Pokémon enquanto crescia. Estou razoavelmente certo de que uma iteração ou outra franquia Pokémon foi meu primeiro videogame, primeiro anime, primeiro mangá, primeiro troca de cartas de negociação Pack e primeiro filme. Minha mãe me fez dois pequenos utensílios de Pikachu e estranho-não sei por que ela fez uma de estranhas, acho que era fácil para ela costurar-para que eu tivesse brinquedos silenciosos para brincar durante a igreja! Não deve ser surpreendente para ninguém que Pokémon: o primeiro filme-alternativamente e inconsistentemente intitulado Pokémon: Mewtwo Strikes Back-é o primeiro anime que me fez chorar.
Pokémon: O primeiro filme não é particularmente afetado emocionalmente, mas Ash morre nele! Se você é o estádio da minha idade e experimentou qualquer nível de Pokémania, provavelmente já imaginou a cena que fez Lil Lucas começar a bolar. Ash Ketchum, o campeão de Pokémon, de dez anos, que recentemente terminou sua carreira de mais de vinte anos, acusou entre um MEW e Mewtwo lutando e foi de alguma forma transformado em pedra. Então, todo o Pokémon lutando ao seu redor pare e começa a lamentar a aparente morte do treinador que definia o show.
Claro, suas lágrimas coletivas reviveram de alguma forma o filho petrificado, mas a pura manipulação emocional de ver dezenas de Pokémon chorando de render meu jovem coração! Afinal, estes são Pokémon! Todos eles deveriam ser legais e em forma de amigo; Eles não podem ficar tristes! Além disso, tenho certeza de que essa cena é como aprendi sobre o que era a morte, então imagino que isso contribuiu substancialmente para os trabalhos hidráulicos.
retornar a este filme, em seu lançamento original dos EUA ou no Pokémon: Mewtwo Strikes Back-Evolution Remake, e comparando essas produções com alguns dos outros títulos deste artigo, é um pouco embaraçoso que este seja O primeiro anime que me fez chorar. Embora este filme sempre ocupe um lugar especial em meu coração, não é muito bom. Este filme não valida um aspecto da minha identidade, oferece catarse para qualquer parte das minhas experiências vividas ou até me enche de qualquer emoção particularmente intensa quando adulto.
Este filme me fez chorar quando criança simplesmente porque não gostava de ver todas as criaturas que eu gostava de ficar triste e chorando. Isso me ensinou sobre empatia, o que é uma coisa muito boa para um filme infantil fazer. Obviamente, o filme também leva algumas outras idéias importantes para as crianças aprenderem, como ter autoestima inerente, reunir-se com pessoas, apesar das diferenças e como as pessoas aparentemente ruins podem estar sofrendo.
Eu gostaria de ter tido mais uma reação a este filme hoje ou tive uma epifania sobre como isso impactou minha identidade ou valores. Este é apenas um filme de crianças medinas que eu aprendi sobre esses temas e eu, e tudo bem. Algo não precisa ser de alta arte ou”importante”para causar impacto em alguém, e esse filme sempre significará muito para mim simplesmente porque eu o vi exatamente quando precisava aprender sobre seus temas e mensagens.
MRAJCOPLAY
Digimon Adventure
© (C) 本郷 あきよし ・ 東映 アニメーション
Feche os olhos por um minuto e finja que é o ano de 1999. Você tem seis anos, é sábado de manhã e está pronto para assistir a alguns bons desenhos como recompensa pelo seu tempo infernal na escola primária. Você liga Digimon no meio de seu arco climático e espera que os mocinhos venham os bandidos como todos os outros desenhos animados que você já assistiu. Mas então algo acontece. Um personagem amado, um aliado incrível, e uma existência geral doce é abalada da série, como lançar uma vela em um quarto escuro. Você já viu mortes falsas nos filmes da Disney, mas este parecia diferente. Você saberia a que estou me referindo se crescesse assistindo Digimon, mas todo mundo pode precisar de algum contexto adicional.
Wizardmon não era um personagem principal, mas eles eram integrais. Além de ser um homem velho geralmente doce, a presença deles foi fundamental no desenvolvimento do personagem de um dos personagens mais trágicos da série, Gatomon, que havia passado por constantes abusos físicos e emocionais na mão do vilão principal. Ela foi forçada a passar a vida sem seu parceiro destinado e foi manipulado para trabalhar ao lado do principal vilão da série. Outros personagens estavam passando por questões pesadas, como depressão e complexos de inferioridade, mas esses passaram por cima da minha cabeça quando criança. As coisas que Gatomon passou foi muito mais direta e na sua cara. No entanto, Wizardmon, uma de suas primeiras amigas, fez de tudo para garantir que ainda restasse um pouco de bom nela para que ela pudesse finalmente se reunir com seu parceiro destinado. Para simplificar o contexto, esta foi minha primeira introdução a uma versão simplificada do tio Iroh e do príncipe Zuko Dynamic do Avatar. Agradeço que mesmo o dub inglês não se esquivou de mostrar alguns desses elementos mais brutais. Este leva o bolo porque a morte de Wizardmon nas mãos do vilão principal era algo que eu não achava que era permitido quando criança. Já tínhamos personagens”morrem”antes, mas eles sempre retornavam em alguma capacidade. Este parecia permanente. Isso me abalou no meu núcleo, e eu estava ao lado de todos os personagens que se reuniam ao redor de seu corpo e chorando enquanto ele desapareceu. Ainda me lembro da minha mãe me perguntando o que havia de errado quando ela entrou no meu quarto e viu um AJ berro no chão. As palavras finais de Wizardmon ainda ecoam na minha cabeça sobre como ser amigo de Gatomon deu o significado da vida. Ele ficou feliz em sair protegendo aqueles com quem se importava (descanse em paz a Robert Axelrod por sua incrível performance). Isso pode parecer clichê pelos padrões de hoje, mas para uma criança de volta durante os primeiros dias de anime licenciado na televisão de sábado de manhã, isso foi um grande negócio, e ainda estou impressionado que Digimon fez isso comigo.
Quando comecei a apreciar o anime mais como adolescente e jovem adulto, Toradora! Sempre foi o show que eu iria como o primeiro a me fazer chorar. Mas quanto mais me sentei e pensava sobre isso, mais percebia que não parecia certo não dar crédito ao primeiro desenho animado de todos os tempos que me fez chorar. Naquela época, os escritores de Digimon e os roteiristas adaptáveis que trabalharam no dub tinham algo especial que eles queriam compartilhar com as crianças. Às vezes, a vida não vai do jeito que você quer, e o caminho para o final feliz que você merece não será fácil. Você perderá as pessoas ao longo do caminho, mas você nunca está realmente sozinho, desde que mantenha essas pessoas em suas memórias. > 
© 野坂昭如/新潮社, 1988
Neste ponto, este filme não é estranho para os conhecedores regulares de anime e ghibli. Eu cresci ouvindo histórias sobre as tragédias da guerra que atingiram a Malásia (agora parte da Malásia) durante a década de 1930 da minha avó. Minha avó era criança durante a guerra e viveu na pobreza. Uma das minhas lembranças mais fortes de suas recontagens nunca estava tendo comida suficiente, pois foi severamente racionada durante a guerra. Você pode imaginar que não ajudou com ela já terrível situação.
À medida que envelheci, essas recontagens desapareceram com o tempo até eu me deparar com o túmulo dos vaga-lumes. Eu tinha 13 anos, e era uma época em que havia uma popularidade renovada para a mídia Ghibli na região, com a estréia de vários filmes de Ghibli no Disney Channel Sea e DVDs domésticos vendidos em distribuidores de vídeo locais como Speedy Video. Eu já era um fã crescente de Ghibli naquela época, e sua crescente disponibilidade me deu a entrada necessária para explorar mais obras do estúdio. Explore as obras dos outros diretores do estúdio, como os de Isao Takahata. O túmulo dos vaga-lumes era seu trabalho mais proeminente na época, e eu decidi começar com este filme. Chorei por uma boa hora depois do filme, porque era tão emocionante, especialmente ao ver seu cadáver sendo queimado sob o céu azul claro. Parecia quase contraditório para mim porque uma triste morte aconteceu no que poderia ter sido um bom dia para sair e se divertir para muitos de nós, sem descontar os MCs do filme.
O que me impressionou O máximo foi como o filme retratou a morte de Setsuko. Não foi imediato, mas lento e gradual, pois o filme desdobra as circunstâncias que antecederam esse ponto, com os irmãos lutando para se defender após a morte de sua mãe. O conceito do retrato explícito da morte e da guerra por um filme de animação era muito novo para mim na época para alguém que cresceu assistindo à Disney durante meus anos de formação. E com isso, eu sempre pensei que os filmes de animação foram feitos para ter bons finais com personagens e histórias edificantes e inspiradores. Mas esse filme disse claramente que eles podem fazer mais do que apenas isso. Também me lembro de estar dividido com a revelação de que Seita e eu estávamos na mesma idade quando assisti a esse filme. Ainda assim, eu claramente me saí melhor do que ele nunca nasceu no século 21 consideravelmente pacífico. O pensamento me deixou deprimido durante toda a semana. Médio que eu pensava que deveria nos fazer sentir bem com um final feliz. Em vez disso, me deu novas perspectivas sobre a animação de limites pode empurrar; É mais do que apenas para crianças. Apelidado de um dos maiores filmes de guerra de todos os tempos por vários meios de comunicação, revistando-o como um adulto reafirmou meus pensamentos sobre por que é e merecedora.
