Olá pessoal, bem-vindos de volta ao Wrong Every Time. Esta semana venho até vocês em estado de vergonha e desgraça, pois tenho que admitir que gostei mais de um filme de Uwe Boll. Eu sei, um dos principais sacos de pancadas cinematográficos dos anos 2000 realmente me divertiu – embora, na verdade, minha crescente apreciação por sua obra possa provavelmente ser atribuída tanto à subsequente degradação dos filmes de ação de Hollywood quanto à qualidade dos próprios filmes de Boll. A era da tela totalmente verde destruiu essencialmente a capacidade de Hollywood de criar um filme de ação, e os streamers são ainda piores – filmes como Jungle Cruise, Red Notice e The Grey Man testemunham a morte do veículo de ação tradicional. De qualquer forma, deixando isso de lado, tenho aproveitado principalmente o ar fresco da primavera enquanto canalizo meus instintos naturais para os ataques de ansiedade do meu pobre clérigo goblin, o que tem sido uma experiência totalmente libertadora. Vamos detalhar os recursos da semana na última semana em revisão!
O primeiro desta semana foi Popcorn, um slasher caindo no final da bolha slasher original, o que significa que ele é, sem surpresa, injetado com um monte de proto-Grito metacomentário. O filme é estrelado por Jill Schoelen, do padrasto, como Maggie Butler, uma aspirante a roteirista que sofre de sonhos recorrentes com uma garota chamada Sarah sendo perseguida por um estranho misterioso. Maggie inicialmente vê esses sonhos como nada mais do que material para um eventual roteiro – mas quando a maratona de terror de seu departamento de cinema é invadida por um assassino misterioso, ela começa a perceber que eles refletem sua estranha conexão com o assassino mascarado.
Pipoca é uma ode encantadora a múltiplas gerações de tradições de terror; seu elenco especializado em cinema frequentemente aborda arrepios de todas as épocas, sua estrutura geral é uma versão irônica da convenção slasher e seus festivais de filme dentro de um filme oferecem uma transmissão do truque de terror dos anos 50 era, completa com óculos 3D, assentos elétricos estilo “The Tingler” e uma maratona de cheiros aprimorada por Odorama. Esses subfilmes podem, na verdade, ser a melhor parte de Pipoca; aparentemente o diretor original Alan Ormsby foi demitido por ser muito meticuloso ao filmá-los, e só posso saudar seu serviço.
Esses floreios à parte, pipoca é um slasher totalmente razoável, cuja reverência pela história do terror o ajuda a acertar apenas um suporte ou mais acima de sua classe de peso. As sequências do assassino perseguindo Maggie na verdade pareciam influenciadas pelo giallo, e quando a identidade do assassino é revelada, ele se mostra um louco deliciosamente modesto, muito no estilo de Freddie Krueger. A pipoca provavelmente não vai assustar você, mas esse é um padrão alto para qualquer veterano do terror; mesmo assim, me encantou profundamente, e isso é tudo que posso pedir.
Depois dei uma olhada em Robot Carnival, uma antologia de anime da gloriosa era da bolha com um estilo solto. mandato criativo “os robôs deveriam estar de alguma forma envolvidos”, apresentando uma variedade impressionante de diretores e animadores aclamados. Sério, temos Katsuhiro Otomo, o cofundador do Studio 4°C, Koji Morimoto, o enigmático Yasuomi Umetsu, o diretor de animação do Char’s Counterattack, Hiroyuki Kitazume… é um resumo e tanto, oferecendo um retrato distinto das estrelas estabelecidas e em ascensão do final dos anos 80.
Os curtas em si são um grupo eclético, variando de espetáculos de ação e aventura a romances shoujo e puros banquetes de animação mecânica. Gostei bastante da melancólica Presença de Umetsu, que possui uma contenção dramática que o diferencia de seus trabalhos posteriores, e fiquei impressionado com a fusão de animação e design de som que faz Robot Carnival parecer uma Fantasia mecanicamente preocupada. A conclusão “Chicken Man and Red Neck” incorpora esse apelo em sua forma mais pura e atraente, oferecendo uma revisão de “Night on Bald Mountain” de Fantasia enfeitada com gloriosos monstros mecânicos. No geral, Robot Carnival é um relógio essencial para qualquer pessoa interessada no que provavelmente será a era de ouro do anime.
Em seguida, exibimos The Abyss, um recente filme-catástrofe sueco sobre a malfadada cidade de Kiruna. Tuva Novotny estrela como Frigga Vibenius, a gerente de segurança de uma mina de prata local que é uma das primeiras a perceber que seus colegas de trabalho cavaram com muita avidez e profundidade, rompendo falhas geológicas e precipitando o colapso total de Kiruna no abismo. E se isso não bastasse, Frigga também tem que lidar com a tensão de seu ex-marido conhecer seu novo amante, bem como o mistério de para onde seu filho adolescente foi enquanto todo esse desastre está ocorrendo.
The Abyss coloca seu elemento humano na linha de frente quase ao extremo, garantindo que o público esteja totalmente investido nos laços de Frigga e sua família antes que a demolição comece. A aposta vale a pena; ao humanizar seus personagens tão completamente que é fácil simpatizar com os ex-maridos e futuros maridos de Frigga, o filme é capaz de evocar uma tensão que não exige recompensa visual apocalíptica, com desafios simples como “podemos cruzar esta ravina” ponderados com nosso emocional investimento. E quando o colapso chega, o Abismo não economiza na recompensa; ruas são destruídas, vidas são perdidas e vergalhões fazem coisas verdadeiramente infelizes a alguns corpos humanos relutantes. Primeiro o drama familiar, depois o filme-catástrofe, o sucesso em ambos os campos.
Em busca de mais fantasia em lugares altos e baixos, exibimos então o tão difamado Em Nome do Rei: Um Conto de Cerco de Masmorra. O filme é dirigido por Uwe Boll, um homem que se tornou sinônimo de atrozes adaptações de jogos para filmes e que prosperou em uma época em que as licenças eram baratas e as leis alemãs de produção cinematográfica eram exploráveis. Em Nome do Rei provavelmente é o auge de suas ambições, ostentando um preço de sessenta milhões de dólares e uma série de atores dignos. E não é tão ruim assim?
Quer dizer, não é um ótimo filme. Sua narrativa carece de foco e direção, sua cinematografia de ação poderia ser muito mais clara e o roteiro nunca parece ter certeza do que fazer com a suposta heroína Leelee Sobieski. Além disso, ele se baseia na trilogia O Senhor dos Anéis de Peter Jackson de forma tão flagrante que beira o roubo total-a fortaleza inimiga é claramente Izengard, o vilão é claramente Saruman, e o último ato apresenta um duelo de bruxos que é simplesmente o duelo de bruxos preciso de A Sociedade do Anel.
Quando o filme foi lançado em 2007, imagino que uma imitação descarada e enfaticamente menor do Senhor dos Anéis fosse considerada um espetáculo embaraçoso. Mas agora, em uma era em que a lama CG substituiu qualquer tipo de cena de batalha em grande escala, e a ideia de uma aventura de fantasia totalmente séria nunca sobreviveria aos produtores de Hollywood? Na verdade, parece uma lufada de ar, se não fresco, pelo menos refrescante, elevado por seus ambiciosos cenários de ação e elenco francamente absurdo.
O sempre bem-vindo Jason Statham se compromete totalmente com seu papel como nosso humilde aventureiro. , e a cinematografia realmente abraça e celebra suas proezas nas artes marciais. Ele está aqui cercado por uma equipe louvável de estrelas coadjuvantes: o melhor amigo de Statham é interpretado por Ron Perlman, o mago no estilo Gandalf é o adorável John Rhys-Davies, nosso vilão não-Saruman é o maldito Ray Liotta, o bom rei é Burt Reynolds… Até Matthew Lillard está aqui, apresentando uma atuação deliciosamente desprezível como o sobrinho sorridente do rei. Se você sempre quis a opinião de Lillard sobre Denethor, deveria dar uma olhada Em Nome do Rei – e realmente, se você estiver com vontade de uma aventura leve à tarde, você poderia fazer muito pior do que esta.
