Estúdios de anime e suas comunidades locais, instalações de treinamento regionais e orientação em constante evolução da Kyoto Animation

Embora a maioria dos estúdios de anime estejam espalhados indistintamente em Tóquio, filiais regionais e estúdios rurais com culturas distintas estão se tornando mais comuns. Vamos investigar como se desenvolvem seus laços com as comunidades locais, sua afinidade com a orientação e os sistemas de treinamento em constante evolução da KyoAni.

Embora não seja provável que receba muita atenção de um público mais amplo, o projeto mais recente da Kyoto Animation incorpora as tendências. no estúdio perfeitamente demais para não parar e examiná-lo. No início deste mês, a cidade de Uji revelou o terceiro capítulo de sua colaboração com a KyoAni: um belo comercial para promover o atmosfera da cidade e seu patrimônio histórico, incentivando todos a experimentar em primeira mão-afinal, essa deveria ser a única maneira de transmitir a versão completa deste curta-metragem, embora usuários de computador experientes possam discordar sobre essa limitação. Antes disso, o estúdio já havia ilustrado um lindo visual com os personagens (fictícios, históricos e de mito) que seriam acabou estrelando este novo trabalho de animação, e até entrelaçou os mundos de Genji Monogatari e Hibike! Euphonium com ilustrações especiais. Eles agora decoram toda a cidade—em breve haverá mais Kumikos em tamanho real do que pessoas reais no centro de turismo—como para deixar claro: os laços da KyoAni com sua cidade natal estão se tornando cada vez mais fortes, a ponto de se tornarem um fator em seus processos criativos.

Esse tipo de relacionamento, é claro, não é exclusivo deles.. Embora possa ser difícil perceber estas relações locais de um ponto de vista estrangeiro, este tópico não deve parecer novo para os leitores deste site; afinal, temos uma predileção por estúdios que desenvolveram uma cultura própria, e que às vezes se manifestará através desse vínculo especial com seu território natal. É certo que são difíceis de desenvolver se o seu estúdio for uma das inúmeras empresas em Tóquio, mas a prática cada vez mais popular de estabelecer filiais regionais ou simplesmente lançar o seu próprio empreendimento digital noutro local está a abrir mais estúdios a esta possibilidade.

Um exemplo sobre o qual escrevemos longamente é a filial da WIT em Ibaraki, localizada na cidade de Tsukuba.. Dois membros líderes do estúdio de animação são o produtor Tetsuya Nakatake e o designer Kyoji Asano (ambos conhecidos por filmes como Attack on Titan e Spy x Family) são daquela província, onde sempre quiseram abrir um estúdio. Depois de fazer parceria com a cidade e com um animador empolgante como Masaaki Tanaka-que também se formou na Universidade de Tsukuba-eles criaram uma pequena filial com objetivos claros: nutrir talentos regionais por meio de projetos menos exigentes, como anime infantil, e trabalhando com pessoas fora da esfera da animação comercial.

Alguns anos após sua criação, pode parecer que isso não foi grande coisa, já que Tanaka acabou migrando para o espaço independente e é os trabalhos dos estúdios WIT de Tóquio que recebem mais atenção. A verdade, porém, é que este foi um movimento de mudança cultural; eles realmente treinaram animadores localmente, Ibaraki continua sendo um lugar onde o estúdio realiza eventos físicos até hoje, sua equipe criou obras tão impressionantes quanto Totsukuni no Shoujo e, talvez o mais importante, tornou-se uma ponte entre a animação comercial e experimental no Japão. Mesmo quando não reunidos em um projeto específico em Ibaraki, os relacionamentos criados por causa desse ramo fizeram com que ex-alunos da Geidai e seus conhecidos igualmente interessantes agora aparecer por toda parte projetos regulares projetos WIT (e até empresas irmãs!). Para um estúdio com uma gestão de topo notoriamente implacável, tais laços com artistas independentes que têm uma atitude muito mais fresca são uma dádiva de Deus.

Embora existam alguns padrões recorrentes nas relações entre (sub)estúdios de anime e suas comunidades locais, a forma como estas se desenvolvem depende da cultura específica das empresas e da sua região. Como visto em WIT Ibaraki, é comum aproveitar o ambiente menos agitado e de menor pressão dos estúdios de anime mais rurais para se concentrar na pesca de talentos em grupos potencialmente inexplorados e depois focar no treinamento constante. Isso se aplica até certo ponto ao Ufotable Tokushima, cujo modelo (horários de trabalho mais flexíveis com controle rigoroso de horas extras, benefícios mais robustos e assim por diante) é um dos poucos que pode ser dito ter seguido intencionalmente com sucesso o modelo de um certo estúdio em Kyoto; em oposição à prática mais comum de dizer que você quer ser como eles e agir em uma direção radicalmente oposta. Deixar a história assim, porém, não leva em consideração o que o próprio Ufotable traz para a mesa.

Se a filosofia da equipe é um fator na cultura que se desenvolve nesses estúdios regionais, só temos que perguntar nós mesmos: o que diferencia o Ufotable? Entre outras coisas, há a predileção por fazer um pouco de tudo o que deve ao seu fundador Hikaru Kondo. Isso os levou a oferecer uma ampla gama de serviços – de cafés a cinemas – e a lidar diretamente com os clientes de uma forma que naturalmente levou à organização de um evento semestral chamado Machi<. forte>★Asobi. Com o tempo, isso se tornou não apenas um evento digno de nota no calendário do anime, mas também um grande negócio para a prefeitura de Tokushima. Como a menor e menos povoada das principais ilhas do Japão, Shikoku raramente recebe atenção quando se trata de eventos otaku, tornando MachiAso um importante artefato cultural para os habitantes locais. E por padrão, isso significa que o Ufotable significa algo para eles; sim, mesmo agora que eles nominalmente não o organizam após o escândalo fiscal de Kondo.

Outros estúdios regionais com foco em treinamento e histórico comprovado de sucesso graças a essa cultura diferente de sua sede incluem TRIGGER Fukuoka, ou mais extremamente White Fox Izukogen; um local muito verde para um estúdio, como você pode ver no cabeçalho.

As características de cada um desses territórios afetam não apenas as vantagens para ambas as partes, mas também algumas desvantagens. Não procure mais, P.A. Works, com sua identidade firmemente enraizada na prefeitura de Toyama – cidade natal do presidente e fundador Kenji Horikawa. Depois de trabalhar em Tóquio para vários estúdios ao longo dos anos 90, ele teve que retornar a Toyama por motivos familiares cerca de uma década depois. Na sua opinião, algo mudou nesse período: a digitalização da animação tornou-a muito mais possível manter um estúdio de anime rural, o que teria sido um pesadelo logístico com materiais totalmente físicos. Aproveitando essa oportunidade mais rápido do que a maioria de seus colegas, Horikawa criou o estúdio que se tornaria o P.A. Funciona.

Para seu crédito, Horikawa conseguiu estabelecer um estúdio agora querido com uma identidade forte, tanto criativamente quanto em sua presença local. PA Works é outro exemplo de fortes laços entre cidades vizinhas e um estúdio de anime, que se tornou um centro cultural para aspirantes a artistas e para a população em geral. Esse aspecto do treinamento também é o foco principal de seus objetivos, como já escrevemos antes. Embora seu histórico de execução seja bastante irregular, eles continuaram redobrando seus esforços para afastar os artistas da cidade grande, a tal ponto que não há como negar que eles têm boas intenções e agem de acordo com isso.

Entre o estabelecimento de um curso de treinamento modelado a partir de um determinado estúdio, publicação de materiais didáticos de animação da lenda viva Toshiyuki Inoue (um bom amigo de Horikawa) e modelos de produção como Maquia pretende maximizar as oportunidades de treinamento, P.A. As obras têm mais políticas materiais com esse objetivo de formação em mente do que a grande maioria dos ateliês. E, mais uma vez, estes têm de ser especificamente orientados para se adaptarem a esse ambiente rural específico; em 2010, Horikawa já falava sobre o dormitório que eles haviam criado para os jovens animadores, pois eles’Cheguei à conclusão de que são necessárias ferramentas como essa para ter um local de trabalho sustentável longe da cidade grande.

E ainda assim, como afirmado anteriormente, as principais desvantagens disso não podem ser evitadas; no caso deles, também não foram capazes de mitigá-lo. Talentos locais saindo para Tóquio para trabalhar como freelancers, talvez saltando curtos períodos contratuais com vários estúdios, é algo que todos os estúdios em posição semelhante enfrentam. Retenção de talentos na P.A. O trabalho, no entanto, tem sido particularmente problemático – ainda mais coincidindo com esse esforço mais recente de redobrar o treinamento, embora eu não me atreva a dizer que os dois estão relacionados.

Se olharmos para os jovens animadores sendo orientados em Maquia (especialmente os mais jovens intermediários), a realidade é que o estúdio tem lutado tremendamente beneficiar até mesmo de um esforço de treinamento único em uma geração. Iniciativas como esta são dignas de elogio numa indústria que está a matar o seu presente e futuro ao negligenciar os mecanismos tradicionais de formação, mas para a P.A. em si, os resultados não foram ideais. Para os bons e para os não tão bons, existem estúdios de anime que simplesmente não podem ser entendidos sem considerar seu ambiente, e isso geralmente inclui a probabilidade de você convencer as pessoas a trabalhar e morar lá.

E quanto ao relacionamento de KyoAni com Uji e Kyoto como um todo, então? Se você leu nosso resumo da história do estúdio, deve estar ciente de suas origens como uma empresa de pintura celular para donas de casa da vizinhança-algo que as enraizou imediatamente e materialmente na comunidade ao seu redor. Poucas pessoas tiveram uma visão mais clara desse processo do que Taku Sugiyama, já que ele era de certa forma culpado por isso. Sugiyama entrou na indústria de anime através de filmes icônicos de Toei Douga e mais tarde foi recrutado pelo próprio Osamu Tezuka para ingressar na MushiPro como diretor e escritor; fazendo sua estreia no Astro Boy, e liderando seus próprios projetos não muito depois. Como ele explicou em diversas entrevistas e em seu próprio blog, foi também nessa época que seu pequeno irmã pediu ajuda para ingressar na indústria de anime, então ele a apresentou ao estúdio onde ela começou a trabalhar como pintora. O nome dela era Yoko Sugiyama, mas é provável que você a conheça como Yoko Hatta.

Sugiyama observa que, apesar da experiência frutífera lá, sua irmã se mudou rapidamente para Kyoto, onde ela se estabeleceria depois de se casar com Hideaki Hatta. Não sendo de ficar de braços cruzados, no entanto, no início dos anos 80 já organizava uma equipa de pintura de anime ao lado das donas de casa locais. Ela mais uma vez incentivou seu irmão a arranjá-la com alguns conhecidos, que incluíam mais notoriamente Daikichiro Kusube: um animador que havia entrado na indústria através de Toei Douga ao lado de Sugiyama, e que a essa altura já havia estabelecido um estúdio chamado Shin-Ei Animation. Kusube infelizmente faleceu em 2005, aos 70 anos de idade-e ainda assim, Shin-Ei continua sendo o único estúdio para o qual a empresa de Hatta faz trabalhos terceirizados regulares de TV até hoje. Eles foram apresentados através da família e, no que diz respeito à produção de animação, não é exagero dizer que os dois estúdios ainda compartilham um vínculo semelhante.

Na época em que conheceram os vizinhos pela primeira vez, eles não eram uma família. empresa ainda; eles nem eram a Kyoto Animation, mas sim o Kyoto Anime Studio. Embora alguns dos primeiros membros tivessem apenas um interesse passageiro por anime, outros permaneceram com eles por muito tempo. Na sequência do trágico incêndio criminoso, muitos meios de comunicação começaram a reportar sobre as qualidades únicas de um estúdio que não eram desconhecidos, mas que dificilmente recebiam atenção suficiente, quase tomando-as como garantidas. Dentro da peça deles , o The Hollywood Reporter observou que uma das donas de casa locais que ingressou em 1963 ainda trabalhava com eles e que sua filha também foi contratada em 2014. Essa pessoa-chamada erroneamente de Mihoko Kouda, a leitura correta deveria ser Mihoko Eda-realmente trabalhou com eles até 2022, quando ela finalmente atingiu a idade de se aposentar; não me pergunte quem é a filha dela, a menos que você queira uma teoria muito longa sobre ela ser uma certa diretora de arte. Diretor de Arte (美術監督, bijutsu kantoku): A pessoa responsável pela arte de fundo da série. Eles desenham diversas pranchetas que, uma vez aprovadas pelo diretor da série, servem de referência para os planos de fundo ao longo da série. A coordenação dentro do departamento de arte é obrigatória – os designers de cenário e cores devem trabalhar juntos para criar um mundo coerente. trabalhando com um nome diferente. O que é realmente importante aqui, porém, é como relacionamentos como esse demonstram o quão profundamente enraizado o estúdio permanece na comunidade local onde nasceu.

Além dessa pequena escala, um vínculo literalmente pessoal com sua vizinhança imediata, KyoAni alcançou a posição de ser emblemática da região de Kansai em geral. Na época de sua criação, na década de 80, praticamente não existiam estúdios de anime no oeste do Japão. O que isso significa que, aqueles que apareceram, naturalmente armaram sua posição incomum. Embora não tenha sido fácil lançar o Anime-R em Osaka, uma vez que eles estabeleceram uma base sólida-grite para Kazuaki Mouri-eles se tornaram um estúdio extremamente atraente para aspirantes a artistas locais; o suficiente para Hiroyuki Okiura, de 16 anos, iniciar uma carreira que o levaria a se tornar um dos animadores mais tecnicamente proficientes de todos os tempos. Não há como subestimar esforços pessoais como o dele, mas a razão pela qual a era de ouro do Anime-R nos anos 80 está repleta de histórias como essa simplesmente não pode ser separada desses fatores geopolíticos.

Da mesma forma, você pode avaliar a falta de habilidade de KyoAni. competição em sua vizinhança pelo nome simples de Kyoto Anime Studio que eles adotaram pela primeira vez; aliás, você também pode avaliar o mesmo sentido de nomenclatura simples que eventualmente os levaria a nomear sua filial Kyoto Animation Osaka, antes de perceber que o Animation DO sai melhor da língua. Ao preceder a maioria dos estúdios de anime na província e, em seguida, ao se tornarem conhecidos por meio de condições de trabalho menos abrasivas e uma forte reputação por sua qualidade, a KyoAni tem sido o destino número um para aspirantes a artistas de Kansai há um bom tempo. Embora isso desempenhe um fator na sua ênfase na formação, penso que devemos explorar como essa qualidade de ser emblemático da sua área específica também interage com as suas tendências artísticas.

Como abordamos mais detalhadamente em nosso artigo sobre a história do estúdio, o gosto de KyoAni em retratar cuidadosamente o cotidiano de seus personagens precede o que as pessoas conhecem como anime KyoAni. Se você fosse restringir a um único idealizador, esse seria a falecida lenda Yoshiji Kigami, que chegou ao estúdio através do já mencionado link Shin-Ei e rapidamente se tornou um mentor para todos. Kigami promoveu uma abordagem cuidadosa à caracterização por meio da animação que inevitavelmente enraizou a vida diária dos personagens em espaços físicos existentes – especialmente depois que eles começaram a produzir seus próprios programas e, assim, lidar eles próprios com a caça ao local. Ao retratar lindamente esses lugares após uma pesquisa completa e, em seguida, manter uma atitude intransigente quando se trata de animar como seria viver nesses locais, eles têm feito animes que acidentalmente também funcionam como anúncios de turismo. O nome de KyoAni tornou-se inseparável do fenômeno da peregrinação de anime, que revitalizaram-se em 2007 com Lucky Star e continuam a ser um factor-chave. fazer anime é simplesmente propício a isso.

Com tudo isso em mente, o resultado final parece inevitável. O que acontece se você tiver um estúdio popular, emblemático de um local, com laços pessoais com seus moradores, e que se caracterize por um estilo que valoriza o cotidiano no cenário de suas histórias? Só há uma resposta possível: essas pessoas vão querer contar histórias sobre a sua casa. No momento em que KyoAni cresceu o suficiente para ter a voz principal no que iria animar, eles se voltaram fortemente para histórias centradas em Kyoto e locais próximos, especialmente através de sua própria marca, KA Esuma. Isso não quer dizer que eles não irão animar histórias ambientadas em outros locais do país – seus programas de TV mais recentes são Tsurune, ambientado principalmente em Nagano, e Maidragon saltando por Saitama. e de onde vêm os grandes lagartos-ou até mesmo saltar para diferentes países e lugares fantásticos. Mesmo quando eles fazem isso, ainda há aquele elemento de base que os leva a modelar aspectos de locais reais; como visto ao longo Violet Evergarden, com raízes específicas na Alemanha.

Essa predileção pela aplicação desse estilo a histórias ambientadas em Kyoto tem sido um aspecto importante na escolha do título, algo que os espectadores no exterior muitas vezes não conseguem perceber; se não o fato de que isso acontece, pelo menos o quão prevalente realmente é. O estúdio tinha um histórico de realocar histórias sem um cenário definido para lugares próximos (K-ON! na vizinha Toyosato, Shiga, com referências à própria Kyoto) ou de contar diretamente histórias originais em seu bairro ( Tamako Market e Tamako Love Story, com coração na rua comercial Demachi Masugata). Conscientemente ou não, os acenos nos prêmios que o estúdio usou para selecionar novas histórias que eles teriam controle também tenderam na direção de Kansai, com vários exemplos entre aqueles que eles animaram e aqueles que permaneceram em forma de livro.

O preconceito local é tal que, quando um escritor que frequentemente trabalha com eles, como Jukki Hanada, foi questionado sobre sua tendência de trabalhar em histórias ambientadas ao longo de uma linha local de trens, ele adicionou mais alguns como Kyoukai no Kanata… e um certo título não especificado com uma adaptação já anunciada. Dado que todas as suas próximas séries estão localizadas em outro lugar, e que 20 Seiki Denki Mokuroku de KyoAni se passa, sem surpresa, em Kyoto, ele pode ter aludido a ter escrito os roteiros para sua adaptação.

Se isso fosse verdade, não seria a primeira vez que poderíamos adivinhar um próximo projeto do estúdio por causa do carinho pela casa. Na época em que a adaptação para anime de Eupho foi anunciada pela primeira vez em outubro de 2014, era um romance bastante obscuro com um único volume e nem mesmo um adaptação de mangá para falar. Pode ter parecido bizarro ouvir rumores de que KyoAni buscou um título de nicho para adaptá-lo, e ainda assim, pessoas com profundo conhecimento sobre a indústria de anime meio que comprei esses apesar de alguns detalhes sobre o suposto vazamento terem se revelado falsos. Por que eles acreditaram, então? A razão era simples: a autora era de Quioto e a sua história também. Se houver algum conhecimento relativamente prático que você reterá desta lição de história, que seja o seguinte: não há isca melhor para esta tripulação do que uma história ambientada de forma tangível em sua casa.

A obsessão do estúdio em representar configurações que significam algo para eles dá ao seu trabalho um tempo qualidade da cápsula. Em sua última mensagem antes de Eupho S3, o diretor Tatsuya Ishihara observou que, em sua mente, eles agora devem mostrar Uji como era em 2017 – afinal, Kumiko começou o ensino médio em 2015, então seu terceiro ano deveria ser exatamente nesse período. Ishihara quis dizer isso: o último PV do programa começa com esta cena (de um episódio de sua autoria), apresentando algumas chaminés que foram removidas em 2019. No entanto, no que diz respeito a Eupho, elas ainda estão lá. Ele acrescentou que a capacidade de capturar um momento exato em animação faz parte do apelo do trabalho.

Dado este contexto, se há um fato surpreendente, é que a KyoAni não estava colaborando muito com entidades locais de maneira oficial. Uji e áreas vizinhas foram repletas de suas obras, visitadas por seus fãs, mas foi algo de que essas cidades se beneficiaram passivamente, em vez de buscarem ativamente. Desde o incêndio criminoso, porém, parece que todas as partes envolvidas estão trabalhando para fortalecer os laços que sempre as uniram – o que significa que agora não vão parar de encomendar o estúdio. Isso pode vir de uma forma altamente específica, como sua equipe pintando dois pôsteres para a Kyoto State Guest House tão realistas que todos confundem tirem fotos quando olharem para elas pela primeira vez. Neste momento, é esta longa campanha de colaboração com o município de Uji, que está no meio de um esforço para destacar tanto o seu património histórico como as suas qualidades atuais.

Da mesma forma que estão a colaborar com a NHK drama de época Hikaru Kimi he/Dear Radiance por causa de sua representação do ícone local Murasaki Shikibu (autor de The Tale of Genji), eles também tem destacado o papel dos mais renomados criadores modernos de Uji na KyoAni. E como observado no início desta peça, eles estão dispostos a misturar os dois. Quando se trata de estúdio, o primeiro papel para o qual foram contratados foi produzir aquele visual apresentando a própria Murasaki e vários habitantes de Uji em diferentes épocas, lançado em 31 de outubro de 2023. Também nesse visual, você pode ver um certo coelho que estrela o logotipo que KyoAni projetou para a campanha mais ampla de Uji. Essa criatura fofa é representativa do Santuário Ujigami, um Patrimônio Mundial da UNESCO e possivelmente o mais antigo santuário xintoísta de o país. O sempre presente motivo do coelho vem da lenda de que, numa época em que o príncipe herdeiro se perdeu, foi o Coelho do Caminho de Volta quem o guiou de volta à segurança, saltando na direção certa. E assim, você ainda encontrará esses roedores de todas as formas e formatos no santuário, de estatuetas a cartões da sorte.

Quando solicitado a animar um comercial de 2 minutos para a mesma campanha promocional, o estúdio subverteu essa ideia. mesma lenda. Uji ni wa Monogatari ga Aru apresenta Akane, a mesma turista de 23 anos vista no visual inicial, visitando o santuário e conhecendo o Coelho do Caminho de Volta. Como fazem os mensageiros divinos, o coelho come seu smartphone inteiro e depois sai correndo, forçando Akane a seguir por belos pontos de referência, agradáveis ​​iguarias locais (muito matcha, é claro) e até mesmo dar de cara com a própria Murasaki. No processo de dar vida à sua amada cidade, porém, as coisas saíram do controle. Lembra daqueles 2 minutos de duração que eles pediram? Ninguém no estúdio o fez, porque em vez disso enviaram 6 minutos e meio. Conforme os comunicados à imprensa declarado, aproximadamente 120 membros da equipe participaram deste projeto, que estava sendo elaborado há 3,5 meses-1 para storyboard, 2,5 para animá-lo-e acumulou 6,5 mil desenhos no total; algo que os representantes do estúdio chamaram de equivalente a um episódio médio de anime de TV, mas seria mais do que isso se aplicado à indústria em geral.

Considerando o grande número de participantes que acabamos de declarar, pode parecer que sim. foi uma produção gratuita para todos. E embora todos quisessem participar na representação da sua cidade, enquadrá-la dessa forma obscurece a verdadeira natureza do projeto. Começamos este artigo falando sobre a propensão natural dos estúdios de anime fora das grandes cidades de se tornarem um local de orientação cuidadosa, algo de que a indústria precisa urgentemente. Quando se trata da Kyoto Animation, isso não tem sido tanto um aspecto do estúdio, mas o objetivo, às vezes parecendo ainda mais importante do que realmente produzir anime.

Quando ela estava recrutando pintores no início dos anos 80, Yoko Hatta não procurava pessoas com experiência, mas sim publicava anúncios dizendo que ensinaria as pessoas como fazer. Como já escrevemos, a renomada Escola KyoAni precede seu próprio anime e continua sendo apenas o ponto de partida de seu desenvolvimento contínuo de talento. Mesmo quando ponderam sobre as repercussões de ferramentas como a animação de IA, suas preocupações são enquadradas do ponto de vista de talvez não serem mais capazes de transmitir habilidades para as gerações futuras – esse é o papel do estúdio para seus veteranos. Não é surpresa que um estúdio como este não tenha apenas sistemas de treinamento, mas também projetos paralelos para os novatos experimentarem.

Tradicionalmente, trabalhos paralelos como a terceirização Shin-EiTerceirização: o processo de subcontratar parte da obra a outros estúdios. A terceirização parcial é muito comum para tarefas como animação principal, coloração, planos de fundo e coisas do gênero, mas a maioria dos animes de TV também tem casos de terceirização total (グロス), onde um episódio é inteiramente gerenciado por um estúdio diferente. têm sido um playground para novatos, embora sempre sob a supervisão de veteranos que conhecem a franquia Shin-chan como a palma da sua mão; o primeiro papel como estagiários de estrelas de estúdio como Taichi Ishidate foi desenhar seu protagonista irreverente, algo que você nunca saberia olhando os créditos finais. No entanto, em seu processo de recuperação do incêndio criminoso, o estúdio tentou criar mais espaços seguros para treinamento por meio de seus próprios projetos paralelos que ainda teriam menos pressão do que seus títulos populares. O retorno do estúdio à TV com Maidragon S foi acompanhado por uma curta série na web totalmente animada por sua equipe mais jovem, bem como dois comerciais liderados por esses rostos novos. Aliás, um deles foi Haruki Sakamoto, que desde então voltou para Tóquio de onde veio e para seus velhos amigos como Ichigo Kanno—uma mistura muito interessante de influências que tem permitiu que ele lidasse com as partes mais delicadas da animação em Dungeon Meshi.

O desejo revigorado do estúdio de criar esses espaços mais seguros de treinamento e experimentação para jovens artistas não se manifesta apenas através animação, mas também outros tipos de trabalhos que vão parar no colo do estúdio… e os que eles inventam também. Em alguns níveis, é algo bastante tradicional; em vez de confiar as ilustrações oficiais para revistas e produtos a designers de personagens, diretores e craques de estúdio como era a norma, hoje em dia elas são feitas principalmente pelos mais jovens do estúdio. Em outros casos, é o lado mais peculiar do estúdio que abre essas oportunidades. Hagureboshi no Uta é um experimento entre Ishidate e o compositor Evan Ligue para combinar escrita, arte e música na forma de um livro multimídia. Para completar a equipe, o primeiro realizou um teste para escritores que foi vencido pelo jovem Ayano Sato, depois escolheu pessoalmente o igualmente inexperiente Shiori Yamasaki como artista – ele notei seus talentos em Violet Evergarden e ela estava pronta para um novo desafio, então acabou sendo uma combinação perfeita.

Embora cada um desses projetos paralelos escolha seus participantes de maneira diferente, não é por acaso que eles sempre chegaram às mãos de jovens membros da equipe. em uma entrevista longa e interessante Sobre O que acontece na criação da capa e ilustrações de um livro , um deles deixa deslizar que é essencialmente esperado que novos membros que não tenham se ramificado assim antes aterrar pelo menos um desses projetos. Mao Takayama do Departamento de Arte estava pintando origens para as obras do estúdio desde antes do incêndio criminoso, o que significava que, devido à desaceleração da empresa, ela ainda não tinha muita experiência. Ela credita sua indicação para trabalhar em lunas de lua a esse fato, embora também seja verdade que seu nome surgiu quando o resto da equipe estava pedindo alguém com as habilidades certas e que seu portfólio feito eles se perguntam como havia alguém tão impressionante ainda relativamente desconhecido entre suas fileiras; Dado quão bonita sua arte já era como estudante , não acho que eles sejam exagerados.

Ao entregar essas oportunidades, eles não estão apenas oferecendo base de treinamento prático para esses números promissores, mas também ajudando a mitigar um problema que nem mesmo eles podem evitar: retenção de talentos. Enquanto sua equipe permanece por mais tempo do que em qualquer outro lugar da indústria, alguns membros ainda se separam delas em algum momento. Em uma entrevista recente , designer agora renovado atsushi saito relembrar sobre suas divertidas anedotas no estúdio. Ao falar sobre sua partida, ele viu necessário ressaltar que o fez em boas termos (por que uma exceção foi feita e ele começou a trabalhar em seu amado koe no katachi ), mas que ele foi atraído pela idéia de trabalhar como freelancer em Tóquio por qualquer título que ele quisesse, em vez de se concentrar apenas nos títulos de Kyoani. Sua história não é incomum entre os que foram embora e mostra a desvantagem óbvia do modelo totalmente interno do estúdio. que eles subiriam a escada em posições para liderar seus próprios projetos, o que é mais ou menos inevitável em um estúdio bastante grande que insiste em fazer menos títulos do que a norma. Talvez para evitar encontrar esse problema ainda mais agora que eles reduziram ainda mais sua produção, também a diversificaram em todos esses projetos paralelos. A jovem Yamasaki expressou que tinha o desejo de tentar procedimentos de maior responsabilidade, como scripts coloridos e arte conceitual, que um artista de fundo regular em seu oleoduto não seria confiado, que ela viu cumprir os meios incomuns de Hagureboshi.

Essas diversões divertidas para os funcionários mais jovens já serviram para testar indivíduos promissores no próximo nível, antes de começarem a liderar grandes projetos no estúdio. O mais bonito desses comerciais 2021 teve designs de personagens e supervisão de Tamami Tokuyama , que nos últimos dois anos se mudou para se tornar o mais novo diretor de animação do estúdio; Um trabalho que ela fez, mantendo as mesmas formas redondas atraentes já vistas nesse projeto paralelo. Uji ni wa monogatari ga aru é criado da mesma forma, com praticamente nada além de recém-chegados nos papéis principais, talvez como um teste final antes de fazê-lo para os principais títulos. Isso inclui, por exemplo, o mencionado Takayama: fazendo sua estréia como diretora do diretor de arte (美術 監督 監督, Bijutsu Kantoku): a pessoa encarregada da arte de fundo da série. Eles desenham muitas pranchas de arte que antes aprovadas pelo diretor da série servem como referência para os antecedentes ao longo da série. A coordenação dentro do departamento de arte é uma obrigação-os designers de cenário e cores devem trabalhar juntos para criar um mundo coerente. da cidade deles . Ela trabalhou ao lado dos líderes igualmente verdes dos outros departamentos estéticos-a nova designer de cores do design de cores (色彩 設定/色彩 設計, Shikisai Settei/Shikisai Sekkei): a pessoa que estabelece a paleta geral do programa. Os episódios têm seu próprio coordenador de cores (色 指定 指定, Iroshitei) encarregado de supervisionar e fornecer pintores as folhas de modelos que o passeio específico exige, o que eles podem até se fazer se forem tons que ainda não foram definidos pelo designer de cores. yuki honiden e diretor de fila de fotografia (撮影 撮影 撮影 撮影, satsuei): o casamento de elementos produzidos por diferentes departamentos em uma imagem acabada, envolvendo filtragem para torná-la mais harmoniosa. Um nome herdado do passado, quando as câmeras foram realmente usadas durante esse processo. keisuke sudo -criar uma estética com uma textura sutil de pergaminho; Como se o passado de Uji estivesse realmente impresso em um pergaminho, mas não tão visível que obstrui a beleza de tudo. ): Os artistas supervisionam a qualidade e a consistência da própria animação. Eles podem corrigir cortes que se desviam dos desenhos demais se o considerarem se encaixar, mas o trabalho deles é principalmente para garantir que o movimento esteja parecido, sem parecer muito áspero. Existem muitos papéis especializados de direção de animação-mecha, efeitos, criaturas, todos focados em um elemento recorrente em particular., Este curta também apresenta a estréia de kengo narimatsu . Isso provavelmente significa que ele desenhou a ilustração original que iniciou esse projeto, que eu pessoalmente assumi ser o trabalho de Nobuaki maruki devido à sua experiência na construção de layoutsLayouts complexos (レイアウト): os desenhos onde a animação é realmente nascer; Eles expandem as idéias visuais geralmente simples do storyboard para o esqueleto real da animação, detalhando o trabalho do animador-chave e os artistas de fundo. Dada a estranha versatilidade de Narimatsu para sua idade e quão limpa sua arte permanece independentemente da tarefa, esta Na verdade, não é muita reviravolta-por que quero dizer que A>, apenas porque seu talento era tão óbvio. Takuya Yamamura é de fato o diretor-chefe e, embora, por todos os meios, ele ainda se qualifique como uma jovem estrela promissora, ele já tem alguma experiência (maravilhosa) de direção do projeto, graças a tsurune . Dado o que ouvimos da produção deste curta-metragem, parece que ele tinha mais um papel de supervisão, enquanto a direção prática foi deixada para um recém-chegado absoluto. ayumu yoshida só foi creditado por uma vez (tsurune s2) e duas vezes para a principal animação de animação (原画 原画, genga): esses artistas desenham os momentos fundamentais da animação, basicamente definindo o movimento sem movimento Na verdade, completando o corte. A indústria de anime é conhecida por permitir que esses artistas individuais tenha muito espaço para expressar seu próprio estilo. Deveres (a sequência de Tsurune novamente, bem como o concurso Eufo Ensemble), e ainda assim ela era a única diretora de unidade e storyboarder dessa promoção da UJI. Ela lidou com empregos que normalmente não estariam nas mãos de um diretor de unidade, muito menos alguém sem experiência. Por um lado, ela foi a pessoa que escolheu e convidou os compositores musicais ; Um papel com ainda mais responsabilidade do que o habitual, como uji ni wa monogatari ga aru não tem diálogo e, em vez disso, depende da música que corresponde às suas primeiras placas de todos os tempos.