Olá pessoal, sejam bem-vindos de volta ao Wrong Every Time. Hoje estou entusiasmado com o sucesso da primeira sessão de nossa nova campanha, na qual assumi o disfarce de Tilly, o duende com ansiedade, e rapidamente me tornei… bem, conheci pelo menos meu grupo de espadachim, cientista maluco e Dandelion From O Mago. Já tendo completado duas campanhas com este grupo, nossa confiança na execução do drama do personagem nunca foi tão alta; em comparação com realmente servir como mestre de masmorra, simplesmente permanecer no personagem durante a sessão parece totalmente fácil e, portanto, estou ansioso por um drama mais diretamente voltado para a festa nas sessões que estão por vir. E ao lado disso, é claro que continuei com nossas exibições regulares de filmes e animes, saboreando algumas aventuras leves de One Piece enquanto também concluí Gundam 0083: Stardust Memory. Francamente, não tenho certeza de para onde ir neste ponto de nossa jornada Gundam; Suponho que Gundam Unicorn seria o próximo passo natural? De qualquer forma, eu mesmo vou descobrir isso, enquanto todos vocês aproveitam minha última semana no cinema!
O primeiro desta semana foi Noé, o épico bíblico de Darren Aronofsky, estrelado por Russell Crowe como nosso construtor naval titular. Baseando-se em uma variedade de fontes antigas para completar a narrativa reconhecidamente breve do Gênesis, Noé apresenta uma visão que é austera e maravilhosa, fria e inspiradora e, no geral, precisamente o tipo de fábula que você esperaria do sempre sombrio Aronofsky.
Noah não faz rodeios; a história do construtor do arco é de um vago presságio e de um sacrifício inimaginável, com seu protagonista frequentemente aparecendo como distante e monstruoso, um escravo de um deus cruel, em vez de um exemplo da virtude da humanidade. O antagônico Tubalcaim de Ray Winstone é na verdade muito mais simpático; embora ele esteja determinado a destruir Noé, sua aliança de homens, emprego de ferramentas de metal e bravura diante da oposição sobrenatural o pintam como um herói genuíno. Ele personifica a capacidade da humanidade de resolver seus próprios problemas, em vez de esperar por quaisquer sinais que possam surgir.
Aronofsky está obviamente bem ciente dessa ambiguidade moral; a Bíblia é, francamente, um recurso terrível para adivinhar qualquer coisa que se aproxime de uma moralidade defensável, muito mais preocupada em exigir fidelidade e punir do que em transmitir uma maneira decente de viver. O fato de que retratar honestamente a história bíblica resultaria em um estudo de caráter tão horrível é claramente o que Aronofsky pretendia; como todos os heróis de Aronofsky, Noah é movido por algo sombrio e inexorável, um desejo tão insensato e destrutivo quanto as obsessões que movem Requiem, Cisne Negro e mãe! Enquadrar um épico de fantasia bíblica em torno de um lunático péssimo é uma escolha ousada; o filme às vezes pode ser muito pesado para o seu próprio bem, mas também oferece uma variedade de imagens surpreendentes e um estudo de personagem vividamente ambíguo, encaixando-se com inesperado conforto na obra de Aronofsky.
Em seguida, completamos nossa jornada pelos clássicos do Gundam Universal Century com a exibição de Char’s Counterattack, o ápice do drama original de Tomino. Ambientado vários anos depois de ZZ Gundam, o filme mostra Char mais uma vez assumindo as rédeas de Neo-Zeon, neste ponto tendo perdido a esperança de convencer a humanidade a deixar a Terra. Bem, se a humanidade não quiser evoluir voluntariamente, Char terá que resolver as coisas com as próprias mãos – desta vez tornando a Terra totalmente inabitável para a vida humana, desde que Amuro e Bright não sejam capazes de detê-lo.
Para ser honesto, eu não tinha muita certeza do que fazer com o Contra-ataque de Char. Por um lado, o personagem de Char aqui é quase irreconhecível em suas aparições anteriores-ele essencialmente age como Haman Khan, explorando crianças-soldados sem pensar duas vezes e sem todas as qualidades heróicas e esperançosas que anteriormente o tornavam um anti-herói tão convincente. Embora Tomino tenha escrito o filme, os personagens que retornam parecem menos continuações naturais do que tomadas alternativas, enquanto os novos personagens do filme caem na infeliz tendência de Zeta e ZZ de Newtypes com cérebro infantil conduzindo o drama em círculos aleatórios e pouco sérios.
Char’s Counterattack’s Quess é, na verdade, de alguma forma, mais irritante do que Ple de ZZ, e atrapalha as tentativas do filme de majestade predestinada toda vez que ela aparece. Felizmente, ainda temos Bright e Amuro para nos lembrar de dias melhores, e as amplas cenas de luta do filme oferecem muito do drama mech-on-mech lindamente animado que a série anterior só poderia apontar. Como conclusão da rivalidade entre Char e Amuro, o Contra-ataque de Char parece muito distante de sua caracterização anterior para ser satisfeito; como filme em geral, parece apressado e estranhamente desfocado, sem a precisão temática e a grandeza de algo como Be Invoked, de Tomino. Uma conclusão um tanto estranha para uma das maiores sagas do anime.
Começamos então uma catalogação de nossas coisas efêmeras de One Piece ainda não assistidas, começando com One Piece: The Movie, da safra original de 2000. Na verdade, este filme se passa antes mesmo de Sanji se juntar à tripulação, traçando as aventuras originais dos quatro Chapéus de Palha na Ilha Woonan, supostamente rica em tesouros.
Lançado como um projeto duplo com Nosso Jogo de Guerra de Hosoda, o primeiro. O filme pedaço é essencialmente apenas um arco de preenchimento da era East Blue condensado em uma sequência de cinquenta minutos, com os encantos e as limitações que isso implica. Francamente, é uma recompensa suficiente apenas ver mais aventuras vintage de One Piece; os primeiros arcos do show possuíam uma energia livre e uma estética rabiscada que neste ponto parece inerentemente nostálgica. Eu obviamente adoro o que One Piece evoluiu, mas também não há nada como sua era inicial indiferente, onde realmente parecia que o mar era uma tela aberta para qualquer estilo de aventura, e nossa tripulação era liderada por preocupações simples como comida e montanhas. de tesouro. Embora surrado em seu design artístico e animação, One Piece: The Movie ainda serve como um caloroso lembrete de tempos mais simples.
A nostalgia é boa o suficiente para um filme de cinquenta minutos, mas felizmente, a Toei trouxe as grandes armas para Clockwork Island Adventure, o segundo filme de One Piece. O diretor-storyboarder Junji Shimizu é uma lenda de One Piece e Pretty Cure; embora ele também tenha dirigido o primeiro filme, é aqui que ele realmente enlouquece, trazendo a mesma abordagem dinâmica e comédia extravagante que mais tarde aplicaria ao excelente filme Episódio de Chopper. E o diretor de arte Mitsuo Oshino é ainda mais talentoso, tendo pintado a arte de fundo para os filmes de Miyazaki e Hosoda, ao lado de um pequeno show conhecido como Ojamajo Doremi.
Com aqueles headliners impressionantes acompanhados por uma lista ridícula de animadores principais. , Clockwork Island Adventure oferece uma visão do East Blue que é esteticamente mais realizada do que qualquer coisa no show propriamente dito, ao mesmo tempo que mantém o sombreamento e as linhas intrincadas do início de One Piece. Sequências de piadas ricas em personagens, belas vistas da ilha, cortes impressionantes de ação e trabalho de câmera que mostram a estética solta e angular do início de One Piece – o filme parece quase o East Blue como é lembrado, com todos os enfeites visuais que você esperaria pois desde as origens de uma franquia tão venerável. Uma entrada essencial no cânone do filme One Piece.
