Olá pessoal, bem-vindos de volta ao Wrong Every Time. Esta semana estou me sentindo talvez excessivamente orgulhoso de mim mesmo, à medida que me aproximo cada vez mais da moeda corrente em meus ambiciosos projetos financiados por leitores. Aquele cabeçalho outrora imponente de “Projetos Extraordinários” foi reduzido a um mero punhado de recursos, restando apenas o espectro imponente da segunda metade de Evangelion para me manter acordado à noite. Enquanto isso, a adoção de um ciclo semanal de gênero cinematográfico em minha casa continuou a colher dividendos interessantes, que vão desde um exercício único nas tendências de animação dos anos 80 (cortesia de “Muscle Monday”) até uma exibição do penúltimo filme de Miyazaki (através do questionavelmente intitulado “Sábado de Sanimação”). Vamos ver quais tesouros nos aguardam na última semana em análise!
O primeiro desta semana foi One Shot, um filme de ação recente definido principalmente por seu artifício titular: a coisa toda é editada como se fosse uma única tomada, levando a bravura de sequências estendidas de filmes como The Raid ou Extraction a novos patamares improváveis. Scott Adkins estrela como Jake Harris, líder de um esquadrão de Navy SEALS encarregado de escoltar uma testemunha-chave de um local secreto até Washington DC. Então, um caminhão cheio de insurgentes atravessa os portões, a equipe de Adkins é rapidamente reduzida e o próprio homem é forçado a usar Solid Snake para abrir caminho através de ondas aparentemente intermináveis de adversários.
Essa alusão a Snake parece uma boa. caracterização do filme como um todo. One Shot parece intensamente gamificado, sua perspectiva consistente de câmera sobre o ombro, ênfase na geometria física e falta geral de história, tudo contribuindo para a sensação de que Adkins está simplesmente lutando rodada após rodada contra oponentes de Call of Duty. As tomadas longas são excepcionalmente eficazes para criar uma sensação de aprisionamento e tensão crescente, como demonstram diretores como Alfonso Quaron e Gareth Evans-na verdade, parece claro que One Shot está seguindo especificamente o molde estabelecido de ação B de The Raid. O efeito funciona aqui durante a preparação para as primeiras explosões dramáticas, mas desgasta suas boas-vindas ao longo da hora seguinte e muda; você simplesmente não consegue manter um controle semelhante sobre a atenção do público por tanto tempo (mesmo a Gravidade teve seus momentos de silêncio), e tentar fazer isso apenas dilui o impacto do que se segue.
Felizmente, também temos Adkins aqui, e ele está em ótima forma negociando, calculando e geralmente derrotando seus adversários vagamente definidos. Adkins mais do que provou ser um pilar da ação B moderna e, embora One Shot ofereça menos espaço para mostrar suas proezas no kickboxing do que a maioria de suas características, essa própria ausência prova que ele é um protagonista, mesmo sem depender de suas artes marciais. Um conceito talvez equivocado, mas ainda assim um relógio envolvente.
O próximo foi The Blob, um clássico drive-in dos anos 50 cujo tom pode ser melhor compreendido referenciando o segundo filme em sua conta dupla: “Eu casei com um monstro do espaço sideral”. Steve McQueen estrela como Steve Andrews, um adolescente que está apenas tentando conhecer garotas e se divertir quando um misterioso meteoro cai em sua cidade. Espionando alguma gosma lá dentro, um homem local da Flórida não pode deixar de enfiar a mão nela, levando à rápida descoberta de que essa gosma é carnívora, está em constante expansão e tem uma fome voraz.
O Blob está em plena atividade. Frivolidade do terror C, possuindo pouco para se recomendar além de seu status duradouro como o filme de terror ruim dos anos 50 por excelência. Você pode pensar que McQueen emprestaria ao filme um pouco de seu poder de estrela para dignificar toda a procissão, mas ele é realmente terrível aqui – este é seu primeiro papel principal, e aparentemente levou algum tempo entre este e Os Sete Magníficos para ele aprender a atuar. O Blob em si é igualmente ruim, parecendo muito com uma tigela malévola de gelatina que ocasionalmente é transposta para o corpo de alguma vítima inepta que não conseguiu se levantar e sair da sala. Um filme projetado para ser ignorado enquanto você acaricia seu T-bird, com um charme piegas, mas com muito pouco poder de permanência.
Em seguida, verificamos The Wind Rises, o último filme anterior de Hayao Miyazaki, catalogando a jornada do O designer do avião de combate Zero, Jiro Horikoshi, desde seus sonhos de infância de voar até suas reflexões sobre o legado do pós-guerra. Ao longo do caminho, ele abandona a esperança de pilotar sozinho, encontra o amor na forma de Nahoko Satomi, que sofre de tuberculose, e finalmente alcança seu objetivo de criar um avião verdadeiramente belo. Quanto ao resto, bem, suponho que não podemos evitar as coisas que ansiamos, mesmo que o mundo tenha um jeito de perverter nossos sonhos.
The Wind Rises pareceu um filme interessante, mas não totalmente bem-sucedido. eu, e certamente um pato estranho no catálogo geral de Miyazaki. Em termos visuais, é claro que é excepcional; Os filmes Ghibli da era tardia são essencialmente capazes de recrutar os melhores animadores que desejarem da indústria como um todo, e The Wind Rises é resultantemente glorioso em movimento. Foi um grande prazer ver novamente o gosto de Miyazaki por cenas movimentadas de multidão, uma satisfação tingida com a leve melancolia de ver seus designs articulados digitalmente, em vez de através da beleza texturizada da animação celular.
Quanto ao história do filme, embora eu tenha gostado bastante de ver Miyazaki tentar articular a realidade, não tenho certeza se os limites de um filme biográfico realmente influenciam seus pontos fortes. Em termos de pura invenção fantástica, a priorização de The Wind Rises da carreira profissional de Goro significava que as sequências que abraçavam as tendências caprichosas de Miyazaki eram limitadas aos sonhos de Goro, em cenas que francamente pareciam uma recauchutagem inferior das reflexões de Porco Rosso. E em termos de investigação temática, a jornada de Goro parecia muito contida, muito leve para transmitir a rica ambiguidade de um filme como Princesa Mononoke ou Spirited Away, em que declarações morais claras ganham textura e contradições através da complexidade de seus mundos e da flexibilidade de seus personagens..
The Wind Rises é claramente Hayao Miyazaki falando sobre si mesmo em algum nível, refletindo sobre uma vida inteira de maravilhas cuja existência não necessariamente tornou o mundo melhor. Esse é um bom tema, mas tanto Miyazaki quanto Hirokoshi se sentem muito distantes das consequências de suas criações para que o filme realmente possa ser gravado; é um sonho otimista, e seus momentos mais dolorosos são reservados não para as reflexões de Hirokoshi sobre seu legado, mas sobre seu amor totalmente solidário por sua esposa doente. Tenho a sensação de que Miyazaki se sentiu muito próximo do assunto para que seus socos realmente acertassem; ele está mais forte quando sua paixão está envolta em metáforas fantásticas, e não nas trincheiras da crítica cultural imediata.
Nosso último filme da semana foi Fogo e Gelo, um filme de animação de Ralph Bakshi feito em colaboração com Frank Frazetta, o príncipe da loja de capas de romances de fantasia. O filme em grande parte rotoscópio prossegue como uma capa de Frazetta trazida à vida, apresentando heróis de peito largo e princesas vestidas com tangas, baseado em um roteiro de dois escritores ativos de quadrinhos de Conan. Nosso herói Larn deve salvar a princesa Teegra e derrotar o malvado Nekron, lutando contra vários monstros e algumas interpretações particularmente tensas de “subumanos” ao longo do caminho.
Como história, Fogo e Gelo é totalmente previsível e orgulhosamente juvenil, apresentando vilões com tema de gelo e guloseimas com tema de fogo, e geralmente divagando por uma sequência de sequências de perseguição e ação vagamente conectadas. Mas, como produção, o filme é uma curiosidade que beira a maravilha, com os designs exagerados de Frazetta trazidos à vida para ficarem diante de uma linda variedade de cenários, cortesia de James Gurney (o criador de Dinotopia) e Thomas Kinkade. A composição é, sem surpresa, desesperadora, mas o contraste entre os personagens de Frazetta e os antecedentes de Gurney é novo e impressionante, apresentando uma visão futura não realizada de um caminho fascinante que o cinema de animação poderia ter tomado. O trabalho de Bakshi é todo bagunçado e eu adoro isso; embora frustrantemente leve como narrativa, a novidade estética de Fire and Ice foi mais que suficiente para manter minha atenção.
