Ultrapassar! não foi concebido inicialmente como um projeto de 10º aniversário do estúdio Troyca, mas ao longo de muitos anos de desenvolvimento, ele passou a incorporar naturalmente os pontos fortes atuais do estúdio: uma bela mistura de escrita naturalista e fundamentada com uma entrega enérgica e confiante.
Para que o projeto de aniversário de um estúdio de animação represente verdadeiramente sua cultura única, seria de esperar que fosse necessário um processo de planejamento muito deliberado. Estando consciente desse objetivo específico desde o início, você poderá esboçar uma narrativa dentro de um território familiar, projetar a animação de acordo com os princípios estilísticos de sua equipe e até mesmo enfatizar os temas que você acha que melhor incorporam o local de trabalho; tudo isso, ao mesmo tempo que o ideal é criar algo que seja divertido por si só, porque esse é sempre o objetivo no final do dia. Essa pode muito bem ser a melhor maneira de abordar esse desafio. No mundo real, entretanto, os projetos podem começar e ficar inativos sem um objetivo tão claro. E, no entanto, ao deixar alguém fermentar em segundo plano por um longo tempo, especialmente durante um período em que o estúdio está se descobrindo, todas essas qualidades ainda podem ser naturalmente absorvidas em um título comemorativo não planejado. E esse é exatamente o caso de Overtake!, que é a melhor maneira que o estúdio Troyca poderia ter comemorado seu 10º aniversário, apesar de ter recebido essa responsabilidade no final de seu desenvolvimento..
Troyca foi fundada em 2013, devendo seu nome às circunstâncias por trás de sua criação; na verdade, foram três pessoas que formaram o núcleo deste novo estúdio, todas elas ligadas ao seu local de trabalho anterior na AIC. Ou seja, foi o produtor de animação Yoshiyuki Nagano, fotografiaFotografia (撮影, Satsuei): O casamento de elementos produzidos por diferentes departamentos em uma imagem finalizada, envolvendo filtragem para torná-la mais harmoniosa. Um nome herdado do passado, quando realmente eram utilizadas câmeras nesse processo. o diretor Tomonori Kato e o diretor Ei Aoki, todos com experiência suficiente em seus papéis para reunir imediatamente um grupo de ex-membros regulares da AIC atrás deles. Sua antiga casa tinha história, mas não era particularmente glamorosa, de certa forma o estúdio de seu anime: muitos talentos inegáveis colocados aos caprichos de produtores que se contentariam com projetos simples, mas também faziam mudanças selvagens de vez em quando. Também na moda da indústria de anime, a AIC era um ímã para questões financeiras e de gestão, algo que era extremamente óbvio na época. Apenas 3 meses antes da criação do Troyca, os membros do AIC Spirits se tornaram independentes para formar o Production IMS-e apenas 5 anos depois, aquele estúdio estava fechando fisicamente em meio aos aplausos de certas pessoas a quem supostamente deviam dinheiro. De certa forma, Troyca pode se considerar sortudo por estar em posição de comemorar o 10º aniversário, porque essa é uma linhagem amaldiçoada para carregar.
Adequado ao cenário de vale-tudo, o Troyca rapidamente mostrou que não tinha medo de nenhum gênero em particular, embora certamente tivesse uma propensão pela entrega bombástica de seu diretor principal. Aoki era tão versátil quanto seu estúdio anterior precisava que ele fosse, mas ele não conseguiu isso silenciando-se; na verdade, ele encontrou maneiras de falar alto ao lado de cada trabalho, em vez de sobre eles. Em termos mais precisos, isso significa que ele tem talento para aplicar seus maneirismos grandiosos, muitas vezes de Hollywood, a todos os tipos de obras. Sua ideia de imersão envolve amarrar fisicamente o espectador a um personagem, de maneiras tão absurdas que ninguém mais inventaria. uma tradição que se espalhou por seu alunos agora que ele está em posição de liderar um estúdio. Suas tendências de composição de tomadas são altamente melodramáticas, muitas vezes usando reflexos para estabelecer contrastes nítidos. Se olharmos para as obras que o inspiraram, conforme detalhado na coluna Febri que faz essa pergunta a criadores famosos, não encontraremos necessariamente a fonte dessas peculiaridades específicas, mas sim obras que operam em um volume comparativamente ultrajante. Em particular, seu amor por Gunhed resume um diretor que muitas vezes se esforça tanto para fazer algo é legal que ele retorne a um território sério e charmoso.
Essas tendências são muito aparentes nos primeiros trabalhos do estúdio. O título de estreia de Troyca foi Aldnoah Zero, um anime mecha original apropriadamente dramático que enfatizava as reviravoltas da narrativa sobre qualquer outra coisa. Seu sucessor espiritual, Re:Creators, foi autorizado a fazer movimentos ainda mais violentos através de sua estrutura metaficcional integrada. Eles são, retire-se, deixe-o, implementações muito diretas do charme contundente de Aoki. Faz sentido que uma direção alta e um roteiro alto funcionem bem juntos, já que eles estão estilisticamente na mesma página. Nesse ponto, você também deseja uma animação igualmente enfática, para que cada aspecto pareça igualmente enérgico; e, felizmente, esse é o caso quando se trata do trabalho de muitos animadores de personagens relacionados à AIC que também se juntaram a esta equipe.
Por outro lado, combinar essa escola enfática de direção com uma escrita discreta abre a porta para novos tipos de excelência sinérgica. Você pode ter, por exemplo, storyboards tão contundentes e legíveis por si só que os roteiros podem dobrar sua elegância austera sem incorrer em perda de clareza. Também é possível imbuir situações fundamentadas com enorme seriedade, o que é muito útil do ponto de vista do drama do personagem; afinal, quando alguém enfrenta um problema, ele o percebe através de lentes pessoais que podem ampliá-lo tremendamente, em vez de vê-lo através de um ponto de vista objetivo e sensato. E é justamente nessa direção que o estúdio mais evoluiu, gradualmente empurrado por uma franquia específica que os manteve ocupados como nenhuma outra. Durante metade da vida do estúdio, estivemos na era Idolish7.
Como o título indica, i7 é uma série de ídolos centrada em torno de um grupo de 7 garotos peculiares-com designs originais da lenda do shoujo mangá Arina Tanemura, para meus colegas fãs de Kamikaze Kaitou Jeanne. Embora você nunca possa considerar isso garantido, especialmente para as propriedades de Josei-Muke, o enorme sucesso do jogo se traduziu em um esforço de adaptação de alto nível, onde todas as partes se sentiram genuinamente investidas. Veja bem, isso vai além da TV, já que a série gerou uma infinidade de videoclipes de diferentes estúdios de anime de primeira linha; embora não seja necessariamente o melhor, tenho que gritar o eventual confronto entre a unidade idol TRIGGER e seu estúdio homônimo , porque isso foi algo com que todos brincaram quando ficou claro que todos os grandes estúdios eram candidatos.
Quando se trata de sua adaptação de anime para TV, e apesar de Troyca não ser um nome tão grande quanto alguns deles destinos de videoclipes, os fãs foram tratados com um nível de comprometimento que está se tornando mais raro a cada dia. Eu uso essa palavra em particular para sinalizar não apenas o investimento reconhecidamente mais difícil de medir por parte da equipe, mas também a enorme quantidade de carga de trabalho que um estúdio relativamente pequeno dedicou a esta franquia.
Embora 3 Os programas de TV podem não parecer muito no papel, as coisas se acumulam rapidamente. Algumas dessas séries abrangem vários cursos e, para começar, cada uma delas tende a ser mais longa do que o normal; em vez dos 12-13 episódios de uma temporada padrão, o i7 frequentemente avança para 17 para igualar seu próprio número mágico. Adicione a isso outro material adicional, como uma série original do YouTube para dar contexto extra a certos eventos e relacionamentos, e você terá uma série noturna que já dura cerca de 70 episódios, com provavelmente muito mais por vir. Uma raridade em uma era de produção rápida de tantos títulos curtos quanto possível, e ainda mais quando você considera que a entrega da equipe só se tornou mais nítida ao longo do caminho.
Em 2018, a primeira temporada de Idolish7 já estabeleceu as bases do que estava por vir, com sua sólida dinâmica de elenco e explosões de grandeza na entrega. A Troyca construiu um excelente relacionamento com a ufotable, em grande parte devido ao papel influente de Aoki lá como diretor de Fate/Zero e Kara no Kyoukai, e alguns dos os destaques da primeira série se devem a essa relação. O episódio 07, em particular, tornou-se ainda mais expressivo por uma multidão de animadores ufotable jogando de forma mais solta do que normalmente é permitido, combinando com a intensidade dos ases internos. Basta olhar para o episódio 15 para ver uma excelente demonstração desse talento interno, personificado com mais ousadia por Ryuichi Makino do que por qualquer outra pessoa. Makino representa a intensidade da equipe com suas emoções violentas e a capacidade de, mesmo ao trabalhar com designs que não são particularmente realistas, evocar expressões realistas que dão um toque especial à sua animação. Em uma situação em que o lado feio e manipulador do mundo do entretenimento está em plena exibição, seu desenhos e animação podem capturar perfeitamente uma explosão emocional.
A sequência extravagante que abre o final da S2 com uma reviravolta encenada é outro exemplo desse tipo de animação de personagens em que o estúdio se destaca. Este foi animado por Masako Matsumoto, que será muito relevante para um determinado título.
O ponto em que as coisas chegaram ao próximo nível, porém, foram as seguintes entradas na franquia – a série do YouTube Vibrato e a sequência de TV do i7, Second Beat!. Logo de cara, é fácil notar uma grande mudança que os aproxima muito do estilo impactante de Aoki. A maneira contundente de expressar a interioridade define a maioria dos storyboards, enquanto a iluminação é muito mais envolvente de uma forma que também remete a esse tipo de expressão muito legível; afinal, não há contraste mais claro do que aquele entre luz e sombra, por isso muitas composições de tomadas começam a explorar essa abordagem. Essas mudanças não são nenhuma surpresa, já que Aoki deixou de ser apenas cobrado como Supervisor do programa para ter um papel mais prático em sua produção; no caso de Vibrato, sendo ele quem abriu o jogo como storyboarder e diretor da série. Diretor da série: (監督, kantoku): A pessoa responsável por toda a produção, tanto como tomador de decisões criativas quanto como supervisor final. Eles superam o resto da equipe e, em última análise, têm a última palavra. No entanto, existem séries com diferentes níveis de diretores-Diretor Chefe, Diretor Assistente, Diretor de Episódios da Série, todos os tipos de funções fora do padrão. A hierarquia nesses casos é um cenário caso a caso.
Aoki continuou sendo um colaborador regular sempre que teve tempo, mas mesmo além de todos os storyboards que ele desenhou pessoalmente, parece que o resto do mundo a equipe simplesmente começou a seguir suas diretrizes mais de perto. Novamente, isso não é surpreendente quando se trata de todos os diretores mais jovens que vêem nele como seu mentor, mas é importante notar que até os veteranos seguiram o exemplo. Isso inclui o diretor da série i7Diretor da série: (監督, kantoku): A pessoa responsável por toda a produção, tanto como tomador de decisões criativas quanto como supervisor final. Eles superam o resto da equipe e, em última análise, têm a última palavra. No entanto, existem séries com diferentes níveis de diretores-Diretor Chefe, Diretor Assistente, Diretor de Episódios da Série, todos os tipos de funções fora do padrão. A hierarquia nesses casos é um cenário caso a caso. O próprio Makoto Bessho, que passou a abraçar os dispositivos de enquadramento dramático de Aoki como se fossem seus. Além de um aumento nas ideias peculiares e encantadoras de storyboards, essa mudança levou a um aumento na confiança na entrega, desencadeando o fenômeno que descrevemos anteriormente: quando sua direção é tão facilmente legível, o roteiro pode se dar ao luxo de acreditar mais em si mesmo e no espectador.
Para que essa mudança traga algum benefício, a redação teria que evoluir junto com a direção. E, felizmente, foi exatamente isso que aconteceu. A compositora da série Ayumi Sekine nunca liderou o processo de escrita de um anime completo, mas conhecia a equipe desde o final dos dias da AIC e, apesar de ajudar principalmente nos bastidores, ainda olha para Aldnoah com carinho por todas as oportunidades que isso lhe deu para diversificar. Com i7, pudemos vê-la evoluir não apenas com a equipe de Troyca, mas também com o texto original; desde um começo brilhante com um pouco mais de exposição do que o natural, até um drama da indústria muito mais fundamentado e autenticamente entregue.
Embora o elenco colorido da série faça com que você sempre queira algumas reações explícitas do elenco, a direção que sua escrita estava tomando fica clara quando você examina o crescimento desta franquia. Num espaço como a anime comercial para televisão, onde os guiões seguram a mão do público ao ponto de não o deixar pensar, ela tem dominado a arte das implicações e das omissões elegantes. E ela fez isso ao lado de uma equipe que lhe dá espaço para isso, incentivando-a ainda mais com sua entrega assertiva.
Mas por que dedicar tanta atenção ao Idolish7 para falar sobre uma série diferente? A verdade é que parece difícil entender por que o Overtake! se destaca na forma como funciona sem todo esse contexto. Anteriormente, mencionei que i7 representou uma enorme carga de trabalho para o estúdio, mas não tenho certeza se isso por si só significa que mais de 40% dos episódios que Troyca produziu até esta temporada foram para esta série. Se limitarmos aos feitos desde que começaram a produzir o i7, passa a ser dois terços da produção total. E esse é precisamente o longo período que a produção de Overtake! abrange, envolvendo muitos desses indivíduos que temos gritado.
A série pode não ter sido concebida para se tornar o título de comemoração do 10º aniversário do estúdio. início, mas permaneceu por tanto tempo que eventualmente tropeçou nesse status. E, no processo, herdou todas as tendências que vinham fermentando na franquia e que os mantiveram ocupados por mais tempo. Assim como há aspectos da série que você não consegue compreender totalmente sem conhecer a encenação melodramática de Aoki e a energia dos ex-animadores da AIC, todo um outro lado não faz sentido se você não estiver familiarizado com o fundamento. , excelência naturalista que eles têm praticado com um certo grupo de ídolos masculinos.
Has Overtake! realmente está flutuando há tanto tempo? Provavelmente já se passou mais tempo, desde que suas primeiras viagens de reconhecimento de locações e entrevistas datam de 2017. Além das habituais entrevistas com a equipe que tendem a surgir a partir de transmissões de novos programas, bem como de alguns eventos comemorativos, Troyca concedeu Overtake ! um ciclo promocional bastante luxuoso. Todas as semanas, durante a transmissão, Aoki e o dublador Anan Furuya transmitiram na conta oficial do estúdio para comentar o episódio mais recente, muitas vezes apresentando convidados como o produtor de Troyca, Nagano. Além disso, o estúdio também editou e enviou 17 viagens de caça a locais, principalmente para eventos de corrida reais e instalações que foram incorporados à série; de 2017 a 2023, embora ambos os extremos sejam atípicos nesse processo para aprender mais sobre o assunto que queriam retratar.
Graças a tudo isso, sabemos que naqueles primeiros dias eles nem tinham história nem personagens ainda-tudo o que perceberam, enquanto conversavam com o pessoal da Kadokawa que eventualmente estaria envolvido na produção também, é que queriam fazer algo envolvendo F4. Como uma disciplina no limite dos esforços profissionais e das corridas amadoras, onde a diferença entre as equipes pode ser enorme dependendo de sua posição nesse espectro, parecia para eles a tela perfeita para o drama dos personagens. Embora eu não possa falar sobre a autenticidade do retrato que eles fazem desse cenário automobilístico em particular, além de atestar todo o tempo que gastaram nisso, já morei perto de ambientes esportivos profissionais de nível inferior o suficiente para reconhecer as tensões que eles retratam ao longo deste mostrar. E deixe-me dizer: eles são realmente atraentes o suficiente para serem a espinha dorsal de um programa de TV.
No processo de descobrir exatamente qual história eles queriam contar, a equipe também começou a reunir uma equipe muito familiar.. Em retrospecto, é impossível não notar que esta equipe é composta pelo mesmo pessoal que pilotou a nave de Aldnoah. Isso é algo de que eles acabaram se conscientizando, fechando o círculo quando a natureza do projeto ficou clara, mas já em em seus revelação do projeto, eles já estavam afirmando que isso também não foi premeditado.
Eventos como aniversários de estúdio e títulos são, afinal, marcos um tanto arbitrários nas carreiras mais fluidas das pessoas quem os fez; embora haja sentido em celebrar o que uma equipe criativa realizou em conjunto, já abordamos o fato de que o que hoje conhecemos como “Troyca” deve muito de sua existência a uma linha de produção anterior na AIC (Spirits). O renomado mangaká Takako Shimura emprestou os designs originais de Overtake! pode ser considerado outro aceno para Aldnoah, já que ela teve o mesmo papel lá, mas, ao mesmo tempo, nada disso teria acontecido se Aoki não tivesse dirigido uma adaptação de sua série Wandering Son alguns anos depois. antes disso. E esta nova série apresentaria uma abertura cantada por Kanae de Nijisanji se ela não tivesse realmente entrado em suas transmissões através das pessoas menos familiares possíveis? Bem, sim, essa parte é uma coincidência, mas é engraçada. Salvo circunstâncias não naturais-como uma sacola de desenho animado com um sinal de dinheiro visível-os criadores simplesmente gravitarão em torno de indivíduos e equipes com os quais já tiveram experiências positivas antes, e foi isso, mais do que qualquer outra coisa, que atraiu tantos rostos familiares para Overtake!.
E assim, lenta mas seguramente, essa equipe cheia de conhecidos construiu algo que sinergizava com os pontos fortes circundantes dos quais eles haviam se conscientizado. Pode não ter começado com o objetivo de celebrar o estúdio e o que esse equilíbrio específico de conjuntos de habilidades poderia realizar, mas quando ficou claro que essa era a direção que eles estavam tomando e graças ao amplo tempo concedido ao projeto, eles tiveram a capacidade de girar graciosamente e se comprometer totalmente com esta ideia: um drama de personagem confiante ambientado no mundo das corridas semi-profissionais, com storyboards claros e impressionantes permitindo uma escrita de roteiro naturalista.
É dessa forma que o primeiro casal de episódios já transmitem muita informação ao espectador. Dentro de cada interação divertida entre o fotógrafo Kouya Madoka e um superior na mesma área chamado Saeko, intuímos uma relação complicada que os dois ainda estão tentando descobrir como navegar; este último está claramente consciente da distância, ainda gosta dele, mas não na mesma posição em que estavam antes, seja lá o que for. Antes de vermos dicas diretas do possível trauma relacionado ao trabalho de Kouya, temos vislumbres de um comportamento que pode parecer preguiçoso para alguém sem contexto, mas claramente sugere algo de mais substância pesando sobre seus ombros. Especificamente, são apenas objetos inertes que permanecem no rolo da câmera, as desculpas para fugir do trabalho só acontecem em tarefas onde ele teria que tirar fotos de pessoas, e apenas apontar a câmera para uma pessoa já desencadeia uma reação. O programa não recorrerá ao espectador para explicar essas coisas e, francamente, neste ponto ainda não há motivos para confiar os detalhes da psique de Kouya. Mas esses sentimentos reprimidos já estão lá, informando todas as suas ações.
O outro lado da moeda é o co-protagonista Haruka Asahina, um estudante do ensino médio que corre por uma modesta equipe de F4 chamada Komaki. Motores. A grande disparidade entre equipas neste espaço, onde uma grande marca com muito pessoal dedicado a diferentes disciplinas pode enfrentar amadores essenciais, foi a razão pela qual a equipa se sentiu atraída por esta ideia, por isso pode apostar que é um grande ponto de foco. Embora haja alguma exposição sobre esses detalhes-não é como se o programa fosse alérgico a explicar as coisas, apenas o limita a informações que seriam transmitidas naturalmente-é a representação cuidadosa das realidades cotidianas em todo o programa que torna esse aspecto tão fácil de entender. comprar em. E isso é atraente não apenas para o espectador, mas para o próprio Kouya, que rapidamente se envolve na difícil batalha de Haruka e Komaki Motors. Tanto que ele se pega tirando uma foto do choro frustrado de Haruka depois que um de seus pneus termina a corrida sem cerimônia.
É importante notar que esta é uma sequência impressionante que se destaca como uma das joias da coroa de um episódio maravilhosamente animado, liderado pela designer de personagens Masako Matsumoto. Embora sua posição lhe dê um ponto de foco diferente, Matsumoto se assemelha ao já mencionado Makino, bem como a outros animadores ás adjacentes a Troyca-o que significa que ela é uma animadora de personagens muito animada com um talento especial para explosões poderosas. Embora nenhum episódio em Overtake! corresponde bastante à riqueza de movimento do primeiro, a liderança de Matsumoto como diretor-chefe de animação Diretor-chefe de animação (総作画監督, Sou Sakuga Kantoku): Muitas vezes, um crédito geral que tende a estar nas mãos do designer do personagem, embora ultimamente confuso os projetos com vários ADs Chefes aumentaram em número; mais do que os diretores de animação regulares, seu trabalho é garantir que os personagens tenham a aparência que deveriam. A consistência é o seu objetivo, que eles aplicarão tanto quanto quiserem (e puderem). é um dos esforços mais impressionantes deste ano, comparável ao que Reiko Nagasawa está conseguindo atualmente com Frieren. Matsumoto está sempre presente para proteger a qualidade dos desenhos, mas também está ciente da necessidade de mudar estilos em alguns pontos para melhor transmitir estados de espírito específicos, portanto, consistência estrita não é algo com que o programa se preocupe. Como animadora que praticamente só trabalhou com esta equipe durante esta década que o projeto comemora, fica claro que ela encontrou uma maneira de maximizar não apenas os seus, mas também os pontos fortes de outras pessoas.
Falando em sinergias, o o segundo episódio marca a primeira aparição de Makoto Kato, famoso por Bloom Into You, provavelmente o maior protegido de Aoki. Além de continuar a estabelecer a situação dos personagens principais, como o fato do pai de Haruka ser um piloto que morreu em um acidente, este episódio é interessante no que diz respeito ao estilo de trabalho que vai além do domínio imediato do diretor da série. Não é raro ver um líder de projeto com ideias claras e eficazes, mas sem a capacidade de colocar todos na mesma página. Como Aoki conseguiu administrar um navio tão compacto, então? Muito disso se resume à tripulação – a grande maioria da equipe é composta por conhecidos de longa data que estão cientes de suas inclinações, se não totalmente inspirados por elas. Embora haja espaço para peculiaridades pessoais, pessoas como Kato enfrentam a ideia de apresentar informações ao espectador de um ângulo muito semelhante, então é fato que resulta em similarmente trabalho legível. É particularmente lindo quando Kato é quem está no comando!
Kouya continua tão emocionado que ele dedica-se a auxiliar a Komaki Motors. Depois de um rápido lembrete de que o dinheiro governa o mundo, ele arrasta Haruka para implorar por patrocínios para que possam competir em um campo mais equilibrado. Embora seja a comercialização de um jovem chorando fazendo o seu melhor que (acidentalmente) lhes concede fundos no final, é muito revelador de uma perspectiva temática que o primeiro instinto de Kouya é pedir ajuda a todas as lojas locais; especialmente lugares relacionados à comida, como ficará mais óbvio mais tarde no programa. Com apenas essa ajuda extra, Haruka pode começar a competir por posições mais altas-o que revela que seu sonho de querer subir ao pódio novamente é uma motivação tão importante quanto seu próprio falecido pai, bem como sua rivalidade com o segundo piloto. de Belsorriso, um time grande o suficiente para que sua estrela seja sempre seguida por groupies.
A gradual a introdução de mais peças no tabuleiro é interessante, pois era uma ideia central da equipe apresentar personagens apenas se eles tivessem um papel tangível a desempenhar. Embora os arcos tenham escopo diferente, Overtake! é o tipo de show em que até mesmo aquela estrela chamativa de um time rival tem mais carne do que pode parecer à primeira vista; embora, infelizmente para ele em alguns momentos, sua posição seja usada para explorar a pressão específica que apenas alguém em uma posição genuína de privilégio e sucesso esperado pode enfrentar, contrastando com a narrativa do oprimido de Haruka.
Apesar da lacuna em seus personalidades e idades, o entusiasmo de Kouya derrete o exterior frio de Haruka. O quarto episódio, sobre o qual já escrevi mais detalhadamente aqui, é outro interessante pela forma como é delimitado por imagens que representam esse processo específico. Repetição é o nome do seu jogo em geral, pois também é utilizado para corte de fósforos em sua elegante exposição, e até para fins cômicos em outra excelente cena animada por Makino. Dentro deste contexto mais amplo de uma equipe com apenas rostos familiares, esta é uma exceção fascinante, pois é abordada e dirigida por Shotaro Kitamura-o mais recente produto do fascinante trabalho de Mamoru Hatakeyama em Kaguya-sama, como você pode ser capaz de dizer pela súbita propensão deste episódio para sombreamento plano. Apesar da mudança estilística, porém, as ideias motrizes são próximas o suficiente de Aoki e do resto da equipe principal para que o episódio ainda se sinta em casa. E como poderia ser de outra maneira? A própria Sekine escreveu a maioria dos roteiros e, sempre que não o fez sozinha, provavelmente foi porque Aoki também ajudou. Além de sua função como diretor da sérieDiretor da série: (監督, kantoku): A pessoa responsável por toda a produção, tanto como tomador de decisões criativas quanto como supervisor final. Eles superam o resto da equipe e, em última análise, têm a última palavra. No entanto, existem séries com diferentes níveis de diretores-Diretor Chefe, Diretor Assistente, Diretor de Episódios da Série, todos os tipos de funções fora do padrão. A hierarquia nesses casos é um cenário caso a caso. Ele está diretamente presente em metade da série de alguma forma tangível, então não há espaço para a série perder o enredo.
A história prossegue da mesma forma nível de naturalidade na sua entrega. Isso envolve garantir que os personagens só se abram aos outros sobre assuntos espinhosos quando houver um vínculo de confiança e a situação certa para falar, mas também permitir que os personagens sejam falíveis. Especialmente depois de um acidente na pista que fez com que Kouya voltasse sua câmera para uma vítima novamente-embora apenas para um piloto de Belsorriso não gravemente ferido-fomos levados a acreditar que seus problemas decorrem das críticas que recebeu por tirar uma foto de uma criança assustada em meio ao o infame terremoto de 2011. Até mesmo Saeko, que sabemos há muito tempo ser a ex-mulher de Kouya neste ponto da série, acreditou durante anos que este era o cerne da situação. Talvez no melhor episódio da série, Haruka descobre que esse não é o caso e também ajuda Kouya a dar o primeiro passo genuíno em frente.
O episódio 09 é importante o suficiente para que o próprio Aoki fosse escalado para dirigir. e storyboardStoryboard (絵コンテ, ekonte): Os projetos de animação. Uma série de desenhos geralmente simples que servem como roteiro visual do anime, desenhados em folhas especiais com campos para o número do corte da animação, notas para a pauta e as linhas de diálogo correspondentes. mas também tarde o suficiente para que o diretor da sérieDiretor da série: (監督, kantoku): A pessoa responsável por toda a produção, tanto como tomador de decisões criativas quanto como supervisor final. Eles superam o resto da equipe e, em última análise, têm a última palavra. No entanto, existem séries com diferentes níveis de diretores-Diretor Chefe, Diretor Assistente, Diretor de Episódios da Série, todos os tipos de funções fora do padrão. A hierarquia nesses casos é um cenário caso a caso. não poderia mais justificar esse nível de dedicação a um episódio específico. Apesar de também ter um show para dirigir em breve, seu aluno Kato veio em seu socorro-e cara, ele sempre fez isso. Kouya fugiu de casa, mas Haruka consegue rastreá-lo até a área rural onde ele está descansando. Os storyboards de Kato deixam claro que, embora ele pareça alegre e esteja fisicamente saindo juntos, Haruka é separado, bloqueado do mundo de Kouya . Somente depois que ele tenta repetidamente se colocar no mesmo nível e pede que seu amigo fale que vemos algo em mudança; À medida que a história se desenrola e Kouya se abre, eles estão agora em um campo cada vez mais uniforme , com as tentativas de Haruka para alcance fisicamente fora da conexão até o final. Em um programa que tem sido tão deliberadamente escasso com o diálogo expositivo, pedindo a um amigo que confie em você tem muito mais poder, e Kato captura visualmente esse significado. Ou, para ser preciso, Kato e o restante da equipe, porque #09 é um episódio impressionante que Através de sua animação.. 12 anos antes do show, ele estava estacionado na mesma área em que está escondido agora, imerso em um recurso sobre o estilo de vida local desta cidade pescadora. Sua genuína curiosidade ganhou a simpatia dos habitantes locais, mas tudo desabou. Uma cidade costeira e velha, à direita quando o tsunami atingiu. A equipe optou por canalizar as imagens reais dos relatórios da vida real da NHK sobre o terremoto e colocar Makino encarregado da animação para a cena mais assustadora. Antes, eu o descrevi como um animador que pode evocar expressões de vida real para dar uma vantagem à animação, e poucas vezes ele fez isso de maneira tão importante ao discar o horror realista enquanto as pessoas assistem ao mar engolindo sua cidade, e Ao perceber que algumas pessoas-como a criança, Kouya acaba tirando uma foto de-não é salvo. pelos habitantes locais. Sabemos que ele passou a ficar por aqui para ajudá-los a reconstruir suas casas, para ajudar os necessitados, mas nada disso importa para as narrativas artificiais que construímos para ter bodes expiatórios em situações em que não há culpado real. Uma vez que uma foto chega ao público, Kouya é pintado como um monstro frívolo, mesmo por alguns habitantes locais que devem conhecer melhor. Mas não é isso que realmente impede o dedo, pois ele paira sobre o botão do obturador da câmera. É a memória dos olhos desamparados de uma criança olhando para ele, em sua mente, perguntando por que ele não poderia salvá-la.
Esse não é o tipo de trauma que você pode se livrar rapidamente, apenas porque porque Um adolescente diz às pessoas que variam a narrativa do bode expiatório para acordar. Mas esse suporte pode ajudar, pois pode descobrir que há moradores que ainda apreciam suas fotos de trás quando você estava trabalhando no seu recurso ao lado delas. Kouya não se livra magicamente de seu trauma, mas pela primeira vez ele está dando passos decisivos para a cura. Novamente, em um show tão tímido em realmente explicar os sentimentos das pessoas, os momentos em que eles se abrem simplesmente atingiram um impacto diferente. realizado; Logicamente, já que um de seus co-protagonistas tem mais ou menos completou seu arco de caráter. Parte da grandeza de Sekine como escritora é sua capacidade de lidar com narrativas mecanicamente complexas e multithreads, então tudo isso aconteceu e também avançando em outras parcelas. Um exemplo importante dessa interconexão é o fato de que o medo de um incidente de relações públicas sobre a reputação de Kouya também os deixou de volta sem patrocinadores e, relacionado, que Belsorisso tentou arrebatar Haruka para substituir seu motorista de ás atualmente ferido. Uma rejeição da música de sirene de um concorrente mais sofisticado é um item básico nas narrativas esportivas do oprimido, mas ultrapassar! Desejos para.
A resposta do programa ao poder avassalador do dinheiro sempre foi um: o poder igualmente incrível da comunidade local. Embora eles não estejam exatamente reinventando a linguagem cinematográfica da socioeconomia, ultrapassar! Quando Kouya partiu para procurar patrocinadores, ele viaja comida establishishments ; E, apesar de não receber esse dinheiro doce, os habitantes locais mostram seu apoio ao regar-os com seu próprio produto . A atitude descontraída da Komaki Motors é incorporada por seu presidente lanche em Takoyaki , e a equipe vai all-in em um local Evento em que os cidadãos idosos bem-intencionados compartilham sua comida… embora talvez demais e intensamente muito. Yuyucow/status/1728856594438660160″>shown through their eating habits, and even when Kouya is on his escapism trip, his saving grace is that Ele ainda está conectado à sua comunidade local através da comida . À medida que a questão do patrocínio reaparece perto do fim, são os estabelecimentos locais que entram com suas doações menores para ajudar uma equipe que eles se sentiram próximos de suas vidas. E assim, o carro da Komaki Motors é rebocado com muitos pequenos nomes em vez de um logotipo de patrocinador sofisticado-muitos dos correspondentes ao que correspondem ao provedores de alimentos que compõem esta comunidade. São eles que uniram o campo o suficiente para finalmente ver o que todos esperávamos: uma vitória emocionante para Haruka e uma oportunidade para Kouya tirar uma foto dele no pódio.
No Grande esquema das coisas, é apenas uma vitória singular em uma categoria menor de esporte a motores, mas a maneira como eles chegaram lá significou o mundo para esses personagens. E a maneira como isso foi transmitida, através desse equilíbrio de entrega austera, mas forte, que define perfeitamente essa equipe, vale o preço da admissão.
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