The Tunnel to Summer, the Exit of Goodbyes faz parte de um gênero crescente de filmes de anime de romance sobrenatural e segue muitas de suas batidas. Uma nova pessoa irrompe na vida do protagonista, trazendo consigo um acontecimento fantástico que serve como símbolo de um grave trauma na vida do protagonista. Os protagonistas têm que trabalhar juntos para resolver a ocorrência fantástica e, ao fazê-lo, tornam-se mais próximos, abrindo velhas feridas e tentando curá-las. As comparações com os filmes de Shinkai são inevitáveis aqui-no entanto, Tunnel to Summer é um filme que vale a pena assistir em seus próprios termos, lindamente dirigido e dolorosamente melancólico com talento estético e narrativo.
Uma das marcas registradas de Taguchi. o trabalho de direção é um uso elegante da cor, com impressionantes paletas monocromáticas que destacam qualquer cor contrastante, como vimos em Akudama Drive e Bleach: Thousand-Year Blood War. Tunnel to Summer não é diferente, muitas vezes usando cores para fins estéticos e simbólicos. Um mundo rosado cria uma sensação de conforto, mas também desconforto, como se o que desejamos e esperamos fosse inatingível. O túnel é escuro como breu e as folhas que caem dos bordos alaranjados dourados formam estruturas semelhantes a portões, fazendo com que até mesmo o mais claustrofóbico dos espaços pareça espaçoso e vivo.
Este túnel é um espaço liminar, um lugar onde os personagens devem enfrentar a violência de seu passado e seus apegos mais dolorosos. Kaoru e Anzu estão presos em seus passados e futuros abortados, tentando se agarrar à memória e à culpa pela morte de sonhos e entes queridos. No túnel, diante de representações simbólicas de sua dor, eles devem escolher no que se agarrar e no que abrir mão enquanto o tempo para para eles e todos os outros aceleram para o futuro. É uma visão sombria de desenvolvimento interrompido, como o sentimento de perda melancólica pode consumir uma pessoa e se tornar o que a alimenta e impulsiona.
Essa sensação de perda não é ajudada pela outra coisa que une Anzu e Kaoru: uma experiência compartilhada de abuso emocional dos pais, que eles processam de maneira única. Tendo sido forçada a desistir de seus sonhos de infância, Anzu permanece impassível durante a maior parte do filme, desconfortável em mostrar qualquer sinal de fraqueza ou emoção. Grande parte do prazer de assistir ao filme é vê-la se abrindo lentamente para Kaoru, principalmente em sua linguagem corporal e animação de personagem. Quando a vemos expressar alegria genuína pela primeira vez quando Kaoru diz que gosta do trabalho dela, é tão idiossincrático e cheio de nuances que faz você se apaixonar por ela. Não quero descrevê-lo para não estragar o momento, mas revela tanto: parece que depois de tantos anos a ouvir dizer-lhe o que lhe interessa não importa, não quer exprimir alegria por a aprovação de outra pessoa porque isso seria dar a ela muito poder sobre ela, então ela imediatamente tenta esconder isso, mesmo que ela esteja lentamente aprendendo a confiar naquela pessoa.
Por outro lado, Kaoru é assolado por um sentimento de dor e culpa que o levou a se distanciar de todos ao seu redor. Suas cenas com o pai, cujo abuso contribuiu para seu sentimento de culpa, são empáticas e realistas, em grande parte sem serem sensacionalistas. As cenas em que seu pai tenta fazer as pazes com ele após violento abuso físico e emocional e imediatamente retira quaisquer palavras gentis quando Kaoru não retribui são arrepiantes-há uma sensação de que este é um ciclo que já aconteceu antes. De certa forma, é assim que o túnel pode servir como um símbolo, representando como alguém se afasta da comunidade para se proteger enquanto tenta sobreviver a uma situação abusiva.
Também vale a pena notar que a versão do filme de Kaoru é uma melhoria marcante em sua contraparte do romance, que tem uma certa veia de edgelord. Um dos benefícios de uma boa adaptação de romance leve é a eliminação da minha parte menos favorita de muitos romances leves, o interminável monólogo interno. Talvez seja apropriado que o diretor Taguchi também tenha escrito a adaptação do roteiro, já que os pensamentos de Kaoru são muito melhor transmitidos por meio de sua direção magistral do que uma narração arrogante jamais poderia. Isso surge especialmente durante uma cena em que Kaoru, levado ao limite por seu pai abusivo, tem um ataque de pânico. O uso da câmera em primeira pessoa durante o ataque, assim como a dublagem e o design de som (que dispensa a música durante a cena), o torna respeitoso, permitindo que o público entre na experiência sem se sentir voyeurista.
Embora tenham circunstâncias semelhantes, suas respostas à violência são marcadamente diferentes. Anzu dará o primeiro golpe quando confrontado com uma ameaça, enquanto Kaoru aprendeu a fugir para evitar o confronto com a violência que experimentou-ambas as formas de enfrentamento mantêm as pessoas à distância. Seria muito simples fazer a história sobre como Anzu tem que deixar de se defender agressivamente, e Kaoru tem que aprender a parar de fugir. Ainda assim, o arco de cura que esses personagens percorrem é mais matizado do que isso, mais sobre consertar as raízes dos problemas que esses personagens enfrentam do que consertar seus mecanismos de enfrentamento para esses problemas.
A esse respeito, o mais A maneira significativa como o filme difere dos livros é uma ligeira decepção. Grande parte do arco do livro é sobre os dois personagens aprendendo a deixar outras pessoas entrarem em suas vidas, não apenas um ao outro. A limitação significativa do papel de Kawasaki, o valentão, e Shohei, o único amigo de Kaoru, na narrativa torna seu arco de cura menos significativo-pois são as duas pessoas por meio das quais passamos a entender mais profundamente as maneiras pelas quais Kaoru e Anzu interagem. com o mundo ao seu redor fora dos relacionamentos românticos do livro. Isso é uma pena porque corta uma parte considerável do processo de cura como sobrevivente: encontrar uma estrutura de apoio.
No entanto, esta é uma nota relativamente menor sobre um filme forte. Seria negligente não mencionar a trilha sonora eclética e precisamente utilizada por Harumi Fuuki e a direção de som de Satoki Iida, que sempre transmite uma qualidade intimista e atmosférica. Seja usando gamelan ilimitado durante as cenas do túnel para criar a sensação de um ritual multidimensional sobrenatural, ou os silêncios e a sutil direção sonora das cenas domésticas onde Kaoru é forçado a lidar com os resquícios de seu passado, o trabalho de som do filme é impressionante. Merece todos os elogios que posso dar. Este é o melhor trabalho de Fuuki até hoje.
O Túnel para o Verão, a Saída das Despedidas é uma bela representação de dois adolescentes tentando superar o abuso e a dor, com visuais impressionantes, música e um poço roteiro escrito. Mal posso esperar para ver o que vem a seguir da caneta e do olho diretor de Taguchi-san, que, entre este e Akudama Drive, agora está entre os meus diretores favoritos. Faça um favor a si mesmo e assista.
