Olá pessoal, e bem-vindos de volta ao Wrong Every Time. O verão está em pleno andamento neste momento, mas previsivelmente, estou passando a maior parte do meu tempo livre dentro de casa e preocupado com uma repetição de Fire Emblem: Three Houses. Eu não sou realmente um fã de musou, mas o lançamento de Three Hopes me lembrou o quanto eu amei Three Houses, e eu certamente não posso dizer não a essa infusão em massa de novas fanarts. Infelizmente, apesar de meus melhores esforços, estou apenas repetindo a rota das Águias Negras. Olha, é muito difícil trair Edel uma vez que você já assumiu esse compromisso, e também é muito difícil recrutar Bernie se ela ainda não estiver em sua equipe. Mas felizmente para todos vocês, minhas desventuras em Garreg Mach foram acompanhadas por uma seleção eclética de exibições, e tenho muito a dizer sobre todas elas. Vamos analisar os recursos mais recentes em mais uma semana em análise!
A primeira desta semana foi um recurso de terror bastante comum, a recente adição do Shudder, Haunt. Haunt centra-se num grupo de amigos à procura de arrepios de Halloween e encontrando-os na forma de uma sinistra casa mal-assombrada. Uma vez lá dentro, eles rapidamente descobrem que as emoções oferecidas por este estabelecimento são um pouco mais hardcore do que o previsto, e talvez eles não devessem ter deixado seus celulares obedientemente em um cofre na frente. Whoopsie!
Nada sobre a trajetória narrativa de Haunt provavelmente irá surpreendê-lo, mas essa claramente não é a intenção de um filme como este. Adequadamente atuado, habilmente produzido e recheado de pequenas peças malvadas, Haunt tem a intenção principalmente de fazer golpes básicos no campo externo interno, forçando suas estrelas a chegar muito longe em cubículos escuros e similares, enquanto uma procissão de malvados mascarados reduz seus números. O filme perde força quando sua premissa dá lugar a um pandemônio geral de terror, mas nunca é tão monótono ou tão cruel a ponto de decepcionar genuinamente. Ainda assim, se você está procurando por um filme de terror de Halloween, você pode fazer muito melhor do que isso-tente The Funhouse ou Hell House LLC, para começar.
Depois disso, verificamos um pedaço duradouro de pop cultura efêmera, o filme de aventura dos anos 80 The Last Starfighter. Como The Goonies, The Last Starfighter é um daqueles filmes infantis dos anos 80 por excelência que eu nunca assisti quando criança, mas cuja pegada cultural parecia significativa o suficiente para merecer uma visita. Quero dizer, você certamente já viu pelo menos um show ou dois que riffs sobre o conceito de “os personagens são tão bons em algum jogo que são convocados para defender o universo”, então parecia valer a pena conferir o material de origem.
p>
Felizmente, acontece que The Last Starfighter ainda é um filme encantador, tirando a computação gráfica rudimentar. O filme é estrelado por Lance Guest como Alex Rogan, seu típico garoto de cidade pequena que sonha com algo mais. A única diversão de Alex da mundanidade de sua vida no parque de trailers vem na forma de um gabinete de fliperama, onde ele assume o papel de um caça estelar defendendo a galáxia. E quando suas performances de bravura convocam o criador interestelar do jogo, ele finalmente tem a chance de se provar no maior palco possível.
A primeira coisa crucial que The Last Starfighter acerta é a textura da casa de Alex vida. Eu imaginei que sua cidade inicial seria apenas uma plataforma de lançamento para o verdadeiro drama do filme, mas o dia-a-dia de Alex e sua família são todos capturados com um grau convincente de detalhes corajosos, tornando as sequências terrestres tão satisfatórias quanto os do espaço. O filme também atinge um equilíbrio agradável de humor irônico, com o próprio Lance Guest conseguindo esticar seus músculos cômicos através de seus papéis duplos como Alex e o andróide substituto de Alex Beta. É um relógio alegre no geral, cheio de personagens secundários divertidos e impulsionado por um desejo sincero que, juntamente com sua premissa forte, mais do que explica seu apelo duradouro. Apenas um pequeno filme divertido para a família.
Nosso próximo recurso foi um daqueles artefatos históricos improváveis que não parecem reais mesmo quando você os assiste, como o surpreendentemente divertido Battleship. Infelizmente, Reign of Fire não consegue se igualar ao exemplo grandioso de Battleship, apesar de estrelar Christian Bale, Matthew McConaughey e um monte de dragões famintos. A premissa pós-apocalíptica sobrecarregada do filme é uma desculpa transparente para enfrentar tanques e helicópteros contra lagartos voadores, mas os talentos formidáveis de Bale são desperdiçados em um filme que principalmente idolatra, mas fundamentalmente não consegue construir uma cena de ação satisfatória. McConaughey pelo menos anima as coisas em seu papel como o soldado americano sem sentido, mas no final, Reign of Fire é muito menos do que a soma de suas partes alternadamente talentosas e escamosas.
O próximo passo foi um thriller de ficção científica sombrio e fascinante, Ex Machina. O filme é estrelado por Domnhall Gleeson como Caleb Smith, um programador que tem a sorte de ganhar uma viagem para a propriedade do fundador de sua empresa, Nathan Bateman (Oscar Isaac). Nathan é essencialmente o criador do Google neste universo e vive uma vida de isolamento elevado em sua casa/laboratório particular. Ao chegar, Smith descobre que o objetivo de sua viagem será testar a mais recente invenção de Nathan: uma verdadeira inteligência artificial, construída na forma de uma jovem chamada Ava.
Ex Machina é construída como uma série de entrevistas realizadas entre Caleb e Ava, intercaladas com conversas desconexas entre Caleb e Nathan. Desde o início, não está claro se Ava ou Nathan têm uma melhor compreensão da natureza humana. Apesar, ou mais provavelmente por causa de sua riqueza e poder, Nathan está totalmente divorciado da interação humana autêntica – embora ele deseje expressamente que Caleb o trate como um velho amigo, ele simultaneamente brande seu poder sobre Caleb com prazer, apenas desejando “ fazer amizade” quando lhe convém. Ele está genuinamente alegre ao explicar como usou todos os dados pessoais coletados do Google para criar sua inteligência artificial e, quando confrontado com as implicações morais de seu trabalho, acena com o vazio “não importa, as máquinas nos substituirão eventualmente de qualquer maneira.” Ele é o filho bilionário amoral por excelência, parecendo muito com uma figura do tipo Elon Musk.
Em contraste, Ava é curiosa, atenciosa e até engraçada, construindo um relacionamento natural com Caleb ao longo do tempo. suas entrevistas. Ava é “humana o suficiente”, de acordo com nossa percepção natural da humanidade, para Caleb realmente se apaixonar por ela e para o público acreditar em seu vínculo ao lado dele. Mas é claro que Ava é, em última análise, “mais humana do que humana” de uma forma que nem Caleb nem Nathan estão preparados para entender – ela é a expressão coletiva do anseio humano equipada com a mente de um supercomputador, e talvez a criação mais perigosa na humanidade. história.
Ex Machina dirige as simpatias do público tão magistralmente quanto os próprios personagens, apresentando experimentos mentais tentadores sobre o verdadeiro valor dos dados do mecanismo de busca ao lado de espetáculos extravagantes e hediondos como Nathan dançando ao lado de seus robôs-escravos programados. Questões sobre a natureza da inteligência artificial são rapidamente complementadas por dúvidas sobre a inteligência convencional, com nem a erraticidade de Nathan nem a previsibilidade de Caleb fornecendo um modelo encorajador da natureza humana. Enquanto isso, a cinematografia austera do filme turva ainda mais a distância entre seus sujeitos experimentais, unindo Caleb e Ava através de seu aprisionamento mútuo em salas de observação higienizadas. O final une esses tópicos em uma conclusão devastadora, apresentando a natureza humana não como um ideal a ser almejado, mas simplesmente uma pele que encaixamos sobre o que realmente nos impulsiona. Sombrio, lindo e cheio de ideias, Ex Machina é definitivamente um filme que vai ficar comigo.
Nosso último destaque da semana foi a antologia de terror Black Sabbath, de Mario Bava. Tendo ficado impressionado anteriormente com Blood and Black Lace de Bava, eu estava ansioso para ver mais de um dos talentos fundamentais do cinema de terror e não fiquei desapontado. Black Sabbath oferece três contos de terror, cada um encaixado em um nicho de terror diferente. O primeiro é essencialmente um thriller clássico, apresentando uma mulher que é assediada por telefone por um ex-amante que parece estar espionando-a. O segundo é um vigoroso recurso de quase-criatura, centrado em um homem (Boris maldito Karloff!) que afirma ter matado um monstro morto-vivo, mas parece estar se transformando nessa criatura por sua vez. E a terceira é uma história de fantasmas tensa, seguindo uma mulher que realmente não deveria ter roubado aquele anel do cadáver daquela velha assustadora.
Todas as três histórias são envolventes à sua maneira, embora a primeira seja fechada realmente não dá a Bava muita chance de alongar seus músculos estéticos. Mas tanto a segunda quanto a terceira histórias estão repletas de mise-en-scène ornamentadas e design de cores impressionantes, aplicando o vocabulário visual de giallo a histórias de terror mais tradicionais, quase no estilo universal. O conto de Karloff é sem surpresa o destaque – sua presença é elétrica, e eu amei a natureza ambígua da besta “Wurdulak”, que parecia mais uma doença do que um vampiro. Há tons de Poe em The Wurdulak, bem como uma emocionante recriação da cena mais arrepiante de The Monkey’s Paw. Essa história prossegue como um conto clássico de fogueira, enquanto o primeiro é quase hitchcockiano, e o último definido por seu design de cenário desordenado e pistas sonoras sinistras e repetitivas. É uma coleção tremendamente generosa no geral, evocando com confiança uma faixa diversificada de estilos de terror de meados do século. Eu claramente tenho mais Bava pela frente!
