Olá a todos e bem-vindos de volta ao Wrong Every Time. Vocês todos estão bem? Francamente, estou me sentindo um pouco letárgico no momento, mas, felizmente, minhas tarefas atuais são em grande parte mecânicas. Só tenho que escrever este parágrafo de abertura aqui, encontrar algumas capturas de tela para os recursos da semana e conectar tudo ao CMS – trabalho de tarde preguiçoso perfeito, após o qual vou limpar minha cabeça com uma boa corrida. Deixando meus próprios micro-humores à parte, temos uma coleção bastante interessante de filmes esta semana, desde outro clássico de Hitchcock até o Top Gun original. Não consigo imaginar que vou acrescentar algo ao discurso de Top Gun que já não tenha sido refeito mil vezes, mas seria um péssimo revisor se deixasse minha redundância intelectual me impedir de abrir minha boca grande e gorda. Vamos começar com uma trágica falha de ignição de um dos meus diretores favoritos, enquanto queimamos uma nova Semana em Revisão!
Tendo já assistido a todos os “bons” filmes geralmente aceitos de John Carpenter, nossas incursões em seus recursos menos aclamados começaram com a produção do final dos anos 90, Vampiros. E embora eu adoraria dizer a você que este é realmente uma jóia escondida, o consenso infelizmente se manteve: Vampiros meio que uma droga, e não é um filme que eu recomendaria a ninguém, exceto aos mais firmes completadores de Carpinteiros.
Há certamente elementos interessantes em Vampiros. Mais proeminentemente, as tentativas do filme de criar um “oeste de vampiro” resultam em algumas colisões tonais únicas, com a aparência suja e claustrofóbica da obra geral de Carpenter pressionando desajeitadamente suas tentativas de evocar grandeza por meio de cinematografia aberta, ou pathos por meio de sequências persistentes de homens estoicos dirigindo lugares. Mas, juntamente com a falta de jeito geral da execução do filme, ele é perpetuamente arrastado por um tom mesquinho e juvenil que emana tanto de seu ator principal (um James Woods perfeitamente/infelizmente escalado) quanto de seu roteiro implacavelmente feio.
Vampiros é um filme malvado, e não malvado no interessante estilo de estudo de personagens torturados. É cruel na forma como um valentão de playground vai te empurrar para baixo e começar a te chamar de xingamentos homofóbicos quando você chora – comportamento que eu esperaria prontamente de qualquer um dos protagonistas deste filme. O filme exala a bravata cruel da masculinidade raivosa e, como não tem a tensão ou a inspiração conceitual do melhor trabalho de Carpenter, não há realmente nada para focar, exceto essa feiúra de espírito. Um lamentável ponto baixo em uma carreira de diretor de outra forma suja, mas repleta de estrelas.
Felizmente, o recente lançamento do Shudder, The Cellar, serviu como um excelente limpador de paladar e mais uma boa entrada no meu amado subgênero “arquitetura malévola”. The Cellar se concentra em uma família que acaba de se mudar para uma casa de campo sinistra, cheia de portas rangendo e símbolos estranhos, que por algum motivo eles têm certeza que enriquecerão a vida de seus filhos de uma maneira não mencionada. Claro, os fantasmas habituais começam com muita pressa, e logo a filha adolescente da família é levada por alguma criatura no porão. Embora os policiais suspeitem de explicações mundanas, a mãe da garota sabe que algo sinistro levou sua filha e embarca em uma jornada para desvendar os terríveis segredos da casa.
Cara, eu amo uma história em que a casa é o monstro. Embora as atuações e a direção sejam perfeitamente razoáveis, a estrela de The Cellar é a casa, e é uma casa muito boa. Estranhos símbolos góticos sobre todas as portas, antigos registros sinistros, listas de números, e escadas cujos destinos mudam de acordo com os caprichos de seu dono. A partir do momento em que eles insistiram que o porão titular tivesse “apenas dez degraus”, eu sabia que eles estariam fazendo alguma merda com esse pronunciamento, e certamente não fiquei desapontado. Embora francamente não seja o mais assustador dos filmes de casas assombradas, The Cellar possui mais do que suficiente invenção narrativa, fantasia visual e desorientação arquitetônica para servir como um bom exemplo de por que os edifícios devem ser assustadores com mais frequência. Se houver uma adaptação mais próxima de SCP-087 por aí, quero saber!
Nosso próximo longa foi Shadow of a Doubt, um longa de Hitchcock estrelado por Teresa Wright como Charlotte, uma adolescente profundamente entediada, e Joseph Cotten como seu amado tio Charlie. Totalmente fatigada pela mundanidade do mundo e seus próprios pais mesquinhos, o desejo de Charlotte por uma existência mais fascinante é atendido quando o tio Charlie chega para ficar com a família. Charlotte vê seu tio como um farol de mundanismo e excitação, mas estranhas discrepâncias em seu comportamento logo levantam dúvidas sobre sua verdadeira natureza. E quando dois homens do governo chegam com ainda mais perguntas, Charlotte começa a perceber que o mundo pode não ser um lugar tão glamoroso.
Como muitos filmes de Hitchcock, Shadow of a Doubt acende um fusível no início e se recusa a desviar o olhar, deixando que a ameaça de uma eventual explosão atraia seu público para fora de seus assentos. Joseph Cotten é efetivamente afável e ainda mais efetivamente aterrorizante, sua máscara escorrega toda vez que ele é forçado a se envolver com os “vermes” que o cercam. Os discursos de Cotten, bem como a estrutura fortemente restrita do filme, trazem à mente o estilo ao qual Hitchcock mais tarde retornaria com Rope – mas ao contrário da experimentação estrutural de Rope, Shadow of a Doubt está mais interessado em ser um drama familiar, e não há James Stewart vindo. para salvá-los.
Enquanto Cotten atua magistralmente como o monstro à espreita de Shadow of a Doubt, é Teresa Wright quem define e eleva o filme. Seu tédio adolescente é palpavelmente percebido, e a disposição do filme de deixar os personagens literalmente falarem uns sobre os outros significa que suas primeiras cenas domésticas soam muito mais autênticas do que a maioria dos quadros familiares. Cada um de seus irmãos e pais analisa como pessoas reais e reconhecíveis, o que torna ainda mais fácil investir em como Charlotte acha todos eles chatos. Igualmente convincente é sua adoração precoce pelo tio Charlie, uma espécie de amor de cachorrinho que coloca nele todas as esperanças e expectativas que ela tem para o mundo real.
Infelizmente, o mundo real é um lugar muito mais sombrio do que ela. estava esperando. Sem o heróico James Stewart ou Cary Grant na mistura, cabe a Charlotte se salvar, diferenciando-a da lista geral de heroínas de Hitchcock. Em vez disso, Charlotte deve abandonar suas expectativas infantis e se tornar uma verdadeira femme fatale, eventualmente até jogando seu tio e a polícia um contra o outro para melhor aproveitar seu verdadeiro objetivo. E esse objetivo, afinal? Para salvar sua mãe de saber a verdade sobre seu amado irmão mais novo, uma revelação que destruiria sua visão ingênua e idílica da natureza humana e mancharia o único vínculo que a definia como indivíduo por direito próprio. Como sua mãe explica em lágrimas, é fácil ficar tão preso em ser uma esposa ou mãe que “você esquece que é uma pessoa” – tão comprometido e falso como ele é, tio Charlie é a última fatia restante de independência. em sua mente, o último fragmento que a define em sua rígida existência doméstica.
Há tanta coisa para cavar lá! Através da vasta fragilidade de sua mãe, chegamos a ver que Charlotte estava certa sobre a morte lenta da existência suburbana, mesmo que suas visões do mundo “real” fossem incrivelmente douradas. E através do tio Charlie, ela é forçada a se familiarizar com a escuridão escancarada que existe logo além de seu quintal cuidadosamente cuidado, as forças da violência e do esquecimento que sua mãe não tem vocabulário para descrever.
Cena por cena , Charlotte deve navegar cuidadosamente por esses mundos contraditórios, evoluindo para uma pessoa que pode derrotar Charlie antes que ele a destrua por sua vez. O roteiro do filme transforma suas filosofias em uma poesia corrompida, o trabalho de iluminação e sombra evoca a batalha feroz de suas verdadeiras naturezas, e os personagens de fundo expressam coletivamente a própria perspectiva lasciva de Hitchcock, enquanto amigos discutem a anatomia um crime perfeito da segurança de seus salas de estar. Eu sinto que as personagens femininas de Hitchcock são muitas vezes sua falha fatal, mas em Shadow of a Doubt, vemos uma heroína que se mobiliza ativamente contra e supera suas fascinações sombrias, que suporta o cadinho do noir e emerge mais sábia e forte, enquanto ainda possui esperança genuína de o mundo. Não é de admirar para mim que este seja o favorito de Hitchcock de seus filmes, pois parece o único filme em que o protagonista realmente o vence e se recusa a acreditar que o mundo é tão sem coração quanto ele. North by Northwest é mais expansivo e Vertigo é mais formalmente impressionante, mas em Shadow of a Doubt vemos Hitchcock em guerra consigo mesmo, e os resultados são de tirar o fôlego.
Com sua sequência agora nos cinemas, parecia passado. hora de finalmente assistir ao Top Gun original. Eu estava cético de que qualquer filme seria capaz de tornar as lutas de cães modernas particularmente interessantes, pois parecia que a tecnologia roubou amplamente o combate aéreo de qualquer drama visual. Nossos jatos são muito rápidos, suas armas são muito automatizadas e tudo acontece muito rápido – você pode realmente fazer um filme de ação convincente fora do combate a jato?
Bem, acontece que estou errado e também estúpido , porque Top Gun voa literal e metaforicamente sempre que seus personagens entram em um avião. As sequências de brigas de cães do filme são variadas e emocionantes, e a direção e o roteiro facilitam o acompanhamento das batidas essenciais do drama. Do início ao fim, cada sequência de voo real é um presente dramático.
Claro, como atestaria a reputação da cultura pop memefiada de Top Gun, todas as cenas entre esses voos são obviamente ridículas. A partida de vôlei azeitada basicamente resume o material focado no personagem de Top Gun: machismo tênue envolto em um vasto poço de homoerotismo, enquanto Tom Cruise e Val Kilmer se encaram com adagas do outro lado da pista. O romance de Cruise com Kelly McGillis é um desperdício pouco convincente de estoque de filmes, mas o filme é tão cheio de frases patetas e sérias e olhares de ódio que é difícil se sentir desapontado. Top Gun não é realmente um bom filme, mas certamente é divertido, e serve como uma entrada essencial no subgênero “o filme machista dos anos 80 se esforça para ser legal e transborda para o acampamento”.
