Olá pessoal, e bem-vindos de volta ao Wrong Every Time. Como vocês estão aproveitando o advento de agosto? Embora eu certamente não esteja feliz com a velocidade com que mais um verão está escorregando pelos meus dedos, posso pelo menos apreciar a dissolução da última onda de calor do nosso planeta em ebulição. Quanto a assuntos mais pessoais, estou atualmente no processo de criar as primeiras batidas da minha primeira campanha de D&D liderada por mim e estou me divertindo muito com tudo isso. Estou querendo voltar a escrever minha própria ficção há anos, e elaborar descrições de áreas, personagens secundários e batidas narrativas serviu como um delicioso retorno ao mundo da pura criação. Estou aproveitando esta oportunidade para me deliciar com meus próprios sabores favoritos de contar histórias, então tenho certeza de que não é surpresa que a campanha comece durante um festival de colheita no estilo Wicker Man. Manterei todos informados sobre isso à medida que se desenvolve, mas, por enquanto, parece que devemos fazer a Semana em Revisão. Vamos ver alguns filmes!
O primeiro desta semana foi um recurso de Kurosawa, Throne of Blood. O filme é a adaptação de Macbeth de Kurosawa, que sempre me pareceu uma entrada particularmente divertida no catálogo do bardo. Não em termos de comédia aberta ou algo assim – Shakespeare tem muitas peças escandalosamente e intencionalmente engraçadas, e Macbeth não é uma delas. Mas em termos de sua trajetória narrativa, sempre foi divertido para mim como, diferentemente das outras tragédias de Shakespeare, nada em “A Tragédia de Macbeth” parece destinado ou inevitável. Macbeth não é arruinado por sua arrogância ou orgulho-ele é arruinado pelo fato de ter se casado com a mulher mais sanguinária e sedenta de poder em toda a terra, que sussurra bobagens nefastas em seu ouvido até que todo o castelo desmorone ao redor deles.
p>
Comigo sendo eu, tenho certeza que não é surpresa que eu tenha um grande carinho pela malvada Lady Macbeth. Ela é basicamente aquele meme “Eu quero uma garota que me odeie e me mate” em forma literária, possuindo uma infinidade de esquemas sangrentos e absolutamente nenhuma qualidade redentora. É esse contraste entre a alegada inevitabilidade da queda de Macbeth e o fato claro de que simplesmente dizer não à esposa teria impedido tudo o que há de tão encantador para mim nessa peça, e os protagonistas aqui são perfeitamente escolhidos para seus papéis. Isuzu Yamada exala uma sensação de ameaça e malevolência durante toda a sua performance, enquanto a personalidade maior que a vida de Toshiro Mifune é reduzida a uma obsequiosidade ansiosa em sua presença. E, claro, as composições de Kurosawa são tão impressionantes como sempre, deslumbrantes tanto na escala de suas cenas de batalha quanto nos contrastes precisos de seus momentos íntimos. filme de terror, com a floresta sinistra do Castelo da Teia de Aranha e espíritos sombrios evocando um tom de ameaça e mistério. Dentro do castelo, Mifune é assombrado primeiro por sua esposa e depois por seus arrependimentos, rugindo para as sombras e brandindo sua espada sem provocação. No entanto, no final, senti que a percepção de Kurosawa sobre Macbeth não estava muito longe da minha – em vez de ser enquadrada como uma tragédia sóbria, a queda de Macbeth é toda farsa e palhaçada, enquanto ele arregala os olhos e dança para longe de frotas de flechas.. É uma coisa louca, como a ficção pode achatar o arco da passagem do tempo e nos fazer sentir próximos de criadores presos décadas ou mesmo séculos de distância. Assistir a Throne of Blood foi como compartilhar bebidas e piadas com Shakespeare e Kurosawa, o tempo que nos separava evaporando por nossa diversão mútua nas aventuras malucas de Macbeth.
A seguir foi Halloween II, uma sequência escrita e produzida pelo original Par John Carpenter/Debra Hill, mas dirigido por Rick Rosenthal. Se você estiver muito sintonizado com a cinematografia, notará a mudança imediatamente-Halloween II carece inteiramente daquelas cenas sinistras do original, onde Myers está à espreita em alguma parte distante do cenário e, em vez disso, se apóia em rastreamento ou perspectiva mais convencional tiros. Mas o que falta ao filme em finesse fotográfica, ele faz o possível para compensar em violência sem sentido.
Halloween II é essencialmente “e se fizéssemos um filme inteiro no teor dos últimos dez minutos do original, ” e eu meio que amo isso por isso. Tanto Donald Pleasance quanto Jamie Lee Curtis estão de volta, e com a história começando momentos após a conclusão do original, é capaz de continuar a tensão da conclusão maníaca do original. Com um hospital cheio de vítimas à sua frente, Myers se diverte muito abrindo caminho em direção à sua pedreira, entregando-se a mortes que variam de Sauna Too Hot a Needle Too Close. Muito menos essencial que seu antecessor, mas ainda assim uma fatia bem-sucedida de slasher.
Seguimos com uma sequência de terror muito pior, raspando o fundo do barril da serra elétrica com Texas Chainsaw Massacre: The Beginning. Eu sou tão fã de terror folclórico que basicamente vasculhei toda a biblioteca do Texas Chainsaw e, de cada um deles, este é sem dúvida o pior.
Os problemas começam com o visual do filme Projeto. O Texas Chainsaw Massacre original foi encharcado em um filtro sujo de sujeira dos anos 70, criando uma sensação de decadência e desespero antes que qualquer coisa acontecesse fisicamente. Por outro lado, esta versão é produzida por Michael Bay e, portanto, se parece com todos os filmes de Michael Bay: saturação total de azuis e laranjas, visibilidade imaculada e falta de confiança no material que força cada frase de efeito violenta na frente e no centro do filme. quadro. A visão de Tobe Hooper raramente tem paralelo no cinema de terror; O protegido de Bay, Jonathan Liebesman, nem tenta e, portanto, este filme parece principalmente um comercial de carro para violência.
Junto com suas profundas deficiências estéticas, The Beginning também é apenas um exercício cruel, inútil e feio no estilo narrativo menos valioso: explicar por que cada elemento de alguma outra história era do jeito que era. Precisávamos saber como o pai de Leatherface se tornou um xerife? Não realmente, e de fato, a resposta apenas dissipa mais da mística de seu antecessor. Tínhamos que saber como o tio de Leatherface perdeu as pernas? Claro que não, e de fato, a resposta é tão artificial que só chama a atenção para os objetivos equivocados deste filme. Não tenho certeza se há uma motivação artisticamente menos valiosa para criar algo do que explicar as intrigantes ambiguidades de seu antecessor, e parte meu coração que isso tenha se tornado um dos principais ganchos de tanto cinema recente.
Próximo foi um filme de anime que eu estava querendo assistir há algum tempo, Vampire Hunter D: Bloodlust. Bloodlust é uma fatia de drama de ação gótico com design ornamentado, com designs de personagens vigorosos e sombras assustadoras que realmente fazem um bom trabalho ao evocar as ilustrações incrivelmente detalhadas de Yoshitaka Amano. O enredo do filme é direto: a filha de um nobre foi “sequestrada” por um vampiro, e o caçador meio-vampiro conhecido como “D” é contratado para recuperá-la (ao lado de um grupo de outros caçadores e mercenários). À medida que todas as partes correm em direção ao castelo ancestral do vampiro, D enfrentará uma variedade de ameaças sobrenaturais, apenas para descobrir que sua presa supostamente roubada na verdade partiu para o amor.
A narrativa de D é simples e icônica, com um fundo complicado O folclore rapidamente dá lugar a um mundo cuja estética é tão poderosa que argumenta convincentemente por si mesma. Sua mistura de tecnologia pós-apocalíptica e floreios mágicos góticos é distinta e muitas vezes bonita, e o sombreamento e a linha de seus personagens são notáveis. A própria complexidade da arte de seus personagens significa que não há a animação mais ativa, mas isso funciona bem para uma história como essa – personagens se aproximando ou se dirigindo ameaçadoramente é o que é ficção gótica, e D prega esse tom com total confiança. E as cenas de ação são impressionantes, no entanto, complementando os pontos fortes estéticos do filme com a violência brutal de um Pergaminho Ninja. Bloodlust parece ser um relógio essencial para qualquer um que esteja analisando a amplitude do cinema de anime e também uma recomendação fácil para qualquer fã de ficção gótica ou ação de fantasia sombria.
Nossa exibição final da semana foi Natural Born Killers, Oliver O tributo de Stone aos excessos berrantes dos meios de comunicação de massa. Woody Harrelson e Juliette Lewis estrelam como Mickey e Mallory, uma Bonnie e Clyde moderna cuja fama é quase tão impressionante quanto sua contagem de mortes. À medida que a câmera gira em torno deles, adotando saturação selvagem ou fotografia em preto e branco aparentemente ao acaso, nossos anti-heróis abrem um caminho de matança pelo sudoeste, atraindo muita atenção da polícia e da mídia ao longo do caminho.
Assassinos natos por natureza. A estética está profundamente ligada a um momento particular da cultura da TV americana, quando a MTV ainda era uma força cultural, e uma única história lasciva poderia capturar toda a atenção da América. Na era pós-verdade da saturação de informações online, seu comentário sobre a cultura pop parece um envio urgente de outro mundo – por outro lado, sua estética delirante, rica em colagem visual ostensiva e trabalho de câmera inquieto, ainda parece selvagem e vital hoje. Stone balança basicamente em todos os arremessos em termos de desorientação visual, e sua taxa de acertos é realmente muito boa, já que quase todas as cenas parecem evocar o final de uma viagem de ácido ruim.
O filme se beneficia ainda mais. de seu excelente elenco principal. Woody Harrelson é um dos melhores atores de sua geração e mergulha alegremente no romantismo sangrento do assassino impenitente Mickey. Sua grandiosa entrevista no final do filme (conduzida por um deliciosamente ansioso Robert Downey Jr.) E Juliette Lewis é uma das melhores de todos os tempos em interpretar personagens que foram quebrados de alguma maneira fundamental e cujas tentativas de evocar o comportamento humano autêntico apenas esticam as costuras que mantêm sua máscara unida. Uma peça generosa e desafiadoramente errática de teatro de exploração e uma cápsula do tempo vívida de uma era específica da cultura da TV.
