Tomohiro Furukawa se baseia na filosofia e nos métodos de lendas vivas como Mamoru Oshii, Hideaki Anno e seu mentor Kunihiko Ikuhara. Ele reconstrói seus ensinamentos e suas influências de inúmeros campos em um estilo único e emocionante-isso é Revue Starlight The Movie, e o que ele chama de anime centrado na experiência.
Uma habilidade indispensável para um diretor é a capacidade de contar à mãe sobre o filme que viram no outro dia e fazê-lo parecer interessante. Essas são as palavras divertidas da lenda viva Mamoru Oshii, e uma espécie de mantra para Tomohiro Furukawa, que começou a perceber o quão fortemente elas ressoaram com ele quando sua carreira como diretor decolou.
Afinal, essa frase resume toda a sua abordagem ao processo criativo. Para começar, enfatiza o poder de apresentação, o aspecto que ele acredita ser sua maior força. Muito parecido com Oshii, Furukawa é um nerd de filmes bem lido com o conjunto mais eclético de influências que você poderia imaginar, todas as quais ele também reembalará com entusiasmo em seus trabalhos. As palavras de Oshii chegaram perto de casa quando se trata da percepção que Furukawa teve como diretor novato: não é apenas o público que você precisa manter engajado, mas também a equipe que o faz. No final, a mãe na analogia não é apenas seu público, mas também sua equipe e, até certo ponto, você mesmo. E assim, quando a ideia de uma continuação da Revue Starlight foi lançada a ele, ele rapidamente descobriu o ângulo certo para abordar o filme de recapitulação Rondo Rondo Rondo e sua espetacular Reveja Starlight the Movie. Isso seria formulado em uma linha proferida pelos personagens como preparação para esse filme final, bem como ao longo de seu tempo de execução: “já estamos no palco” – um nós que se estende a todos na frente, dentro e atrás da tela.
Neste momento, Furukawa ocupa uma posição curiosa. Por um lado, ele está sendo celebrado por ícones da indústria e jornalistas mais conceituados do anime como um diretor disruptivo, tão comprometido com sua visão única que pode trazer a animação de vanguarda para um cenário comercial cada vez mais restritivo. Por outro lado, ele ainda é desconhecido pelo público em geral, já que ele só dirigiu um projeto próprio, e estar ligado a uma fábrica de entretenimento produzida em massa como a Bushiroad significa que ele não está exposto a um público de arte, mas sim a espectadores mais jovens. que não estão acostumados com seus métodos fora do padrão. E, no entanto, não tenho certeza se pularia em uma linha do tempo diferente na esperança de que sua carreira fosse diferente. Embora ele não esteja ciente da extensão de sua deliciosa estranheza, como demonstrado por suas explicações casuais de que desenhar de pintores do século 16 e filmes de nicho que nunca foram lançados no Japão é apenas normal, Furukawa pelo menos sabe que ele oferece algo radicalmente diferente de o que seu público acha que eles querem — e ele pretende explorar essa incompatibilidade para apresentá-los com novas experiências.
Para começar, é importante estabelecer de onde um diretor tão pouco convencional tira suas influências; não apenas porque é importante entender suas habilidades estilísticas não convencionais, mas porque é importante para ele, como pessoa. Felizmente, como uma figura franca e experiente da indústria, Furukawa teve a oportunidade de compartilhar suas inspirações em múltiplos lojas. Ele tocou em tópicos como o mangá shoujo dos anos 70 ao início dos anos 80 com elementos BL que ele pegou emprestado de sua mãe, que ele sentiu enfraquecer sua percepção de gênero como um fator de romance, ao mesmo tempo que lhe deu um gosto pela bela nobreza-dois aspectos que você ainda pode sentir fortemente em seu trabalho atual. Mesmo detalhes como sua tese sobre a história arquitetônica da Catedral de Canterbury parecem tangíveis em sua produção, como alguém que se afeiçoou a usar o processo de design de cenário como talvez um dispositivo de contar histórias mais importante do que a própria escrita aberta; especialmente depois que ele percebeu que os diretores que ele admirava não sentiam a necessidade de desenhar um personagem para nos contar sobre eles.
Por mais amplos que sejam seus interesses, é claro que ele não seria fazendo anime se não fosse por esses diretores que ele admira, por isso ele tem dedicado tanto elogios a eles. Isso vai de nomes como Shigeyasu Yamauchi, o primeiro diretor a chamar sua atenção com Saint Seiya: Legend of Crimson Youth, até Takuya Igarashi, cuja eficiência e incrível capacidade de criar uma imagem própria ao mesmo tempo em que aderiu à visão de mundo de uma obra existente fascinaram Furukawa; tanto assim, que ele tentou replicar o storyboardStoryboard (絵コンテ, ekonte): Os projetos de animação. Uma série de desenhos geralmente simples servindo como roteiro visual do anime, desenhados em folhas especiais com campos para o número de corte da animação, notas para a pauta e as linhas de diálogo correspondentes. Mais para Futari wa Pretty Cure #08, assistindo obsessivamente cena a cena.
Se estamos falando de suas maiores influências, não há dúvida de que temos que conversar sobre diretores como Hideaki Anno, cujo ritmo que Furukawa ainda sente reverbera ao longo de sua obra, bem como o já mencionado Oshii – tão próximo de um ícone filosófico quanto ele tem na animação. Foi estudando seus trabalhos e colaborando com diretores semelhantes que ele chegou à sua interpretação do mantra de controle da informação: um conceito intrinsecamente ligado ao escolha de material de expressão para ele, a ponto de se tornar cauteloso com leituras puramente temáticas das obras de diretores tão idiossincráticos; por que abraçar esse ângulo, afinal, quando ele os viu transformar seus temas em conformidade com seus meios de expressão? E quando se trata desse processo de escolher o material perfeito para expressar o que você tem a dizer, ou moldar o que você tem a dizer para se adequar ao seu material preferido, não há ninguém melhor do que seu mentor: Kunihiko Ikuhara >. Se eu tivesse apresentado Furukawa como um estudante de Ikuhara, porém, seu eu passado poderia ter se sentido desconfortável. E essa relação complicada também é palpável em seu trabalho.
Não há como negar que Furukawa é aprendiz de Ikuhara. Ele não tem desejo de esconder isso e vai encher seu professor de elogios em qualquer oportunidade, mesmo quando ele zomba de quão fofo seu mau humor insincero pode ser. É claro que ele tem uma profunda compreensão de Ikuhara na forma como ele alude qualidades curiosamente ignoradas dele, como suas habilidades de aferição inigualáveis e vontade de se cercar de jovens criadores que valem a pena ouvir sem comprometer a inconfundível sensação de Ikuhara, que sempre destacamos neste site. Furukawa costuma se referir a ele como seu mentor com o maior respeito, em vez de dizer seu nome, mas se você é um fã atento, deve ter notado que ele faz isso agora. Em sua entrevista com Yuichiro Oguro para a 16ª edição do AnimeStyle, Furukawa se abriu sobre esse tópico mais do que o habitual. Embora ele sempre o tenha admirado muito e essencialmente modelado a maneira como ele monta a animação após o gerenciamento de recursos e pessoal de Ikuhara, Furukawa odiava a ideia de que as pessoas o encaixassem perfeitamente como um seguidor de Ikuhara e se permitissem parar de pensar mais; qualquer nuance e qualidades pessoais, perdidas para a facilidade de um rótulo.
Isso realmente o incomodou, não apenas como alguém com um vasto conjunto de influências, mas talvez em um nível mais filosófico também. Para quem extrai elementos de inúmeras obras e campos, Furukawa não tem interesse em homenagens como recriações diretas. Em vez disso, ele armazena tudo o que chama sua atenção como pacotes de informações e técnicas. O processo criativo é, pelo menos para ele, transformar, adicionar e subtrair dessas peças preexistentes para se adequar a novos cenários – e a condição de sucesso, construir algo que pareça inteiramente único a partir dessas influências atomizadas. Rotulá-lo simplesmente como seguidor de um indivíduo específico, então, é antitético à sua visão do trabalho. E a verdade é que você pode sentir esse atrito no trabalho dele; quando lhe foi confiado pela primeira vez um projeto com garotas de teatro que lutavam entre si, ele rapidamente pensou em dar a elas roupas semelhantes às de A Rosa de Versalhes… antes de desistir rapidamente da ideia, pensando que as pessoas imediatamente fariam a associação Utena e recorrer aos preconceitos dos seguidores de Ikuhara.
No final, o que o fez mudar de mentalidade foi justamente esse projeto. Não é como se Revue Starlight induzisse uma revelação, mas sim que o ato de dirigir um show o fez perceber o quão incrível e profundamente influente Ikuhara realmente era. Seu mentor lhe deu uma chance quando ele não tinha nenhuma experiência em cargos de direção e ensinou-lhe as cordas praticamente, permitindo que ele fizesse parte do jovem grupo de diretores principais de Mawaru Penguindrum. E na época de Yurikuma Arashi, ele já o tinha ao seu lado como assistente de direção da sérieDiretor da série: (監督, kantoku): A pessoa responsável por toda a produção, tanto como uma decisão criativa-criador e supervisor final. Eles superam o resto da equipe e, finalmente, têm a última palavra. No entanto, existem séries com diferentes níveis de diretores – diretor-chefe, diretor assistente, diretor de episódios da série, todos os tipos de papéis não padronizados. A hierarquia nesses casos é um cenário caso a caso. Liderar seu próprio projeto deixou claro para Furukawa o quanto ele devia ao seu mentor, a ponto de ofuscar completamente esse desgosto por rótulos. Ao mesmo tempo, porém, essa admiração parece estar cegando-o para o fato de que a inspiração funciona nos dois sentidos. Por mais fundamental que Ikuhara tenha sido no processo de Furukawa para descobrir seu estilo, este último também foi fundamental no refinamento e evolução de seu admirado mentor.
Em um desses casos divertidos de Furukawa fazendo uma piada sobre o mau humor de seu mentor, ele mencionou que um dos poucos aspectos pelos quais ele o elogiou abertamente foi sua orelha para euphony e seu domínio do trocadilho. Como de costume, a avaliação de Ikuhara foi acertada. Graças a obras como Kaze Densetsu: Bukkomi no Taku, Furukawa desenvolveu um gosto por frases e motivos com uma presença tão forte que parecem existir fisicamente na obra, mesmo quando não são diegeticamente digitado nele. Para um diretor que percebeu que tudo depende da escolha do material, isso naturalmente se estende à entrega desses motivos por meio do design gráfico e efeitos visuais, elementos-chave no trabalho de Furukawa. Das linhas meméticas em que a base de fãs rapidamente se apegou-Este é Tendou Maya, eu sou Reborn, o uso de Starlight como um verbo-para As imagens inconfundíveis de Yuto Hama, seu estilo é cativante de uma forma que até pegou seu mentor de surpresa. Isso se estende até mesmo ao seu próximo trabalho; embora ainda não tenha um título oficial, os sons esteticamente agradáveis de Love Cobra, os trocadilhos patetas, e a iconografia de retorno de Hama conseguiu pintar um quadro memorável do nada. Fale sobre o carisma transbordante.
Embora a iconografia sempre tenha sido um aspecto bastante importante para Ikuhara, parece que seu elogio ao olho e ouvido de Furukawa, pois esses motivos vieram de um lugar muito genuíno, dado o quanto ele passou a enfatizar esse tipo de imagens e trechos de som desde que começaram a trabalhar juntos. Desde a Estratégia de Sobrevivência da Penguindrum e o design gráfico icônico de Wataru Osakabe até os símbolos ア de Sarazanmai, essa obsessão perdurou mesmo quando seus respectivos horários os mantiveram separados, tanto que que esses motivos podem ser a primeira coisa que vem à mente quando você pensa na produção moderna de Ikuhara. Talvez cego por sua admiração reforçada, porém, Furukawa não vê nada além da personalidade de Ikuhara na tela quando assiste seus trabalhos; e ele pode estar certo, mas acredito que ele se tornou parte integrante disso agora.
Além de desencadear essa mudança de atitude em relação à sua própria linhagem criativa, como foi a Revue Starlight? Se você acompanha este site, sabe que achamos que é uma série muito divertida que não conseguiu atingir todo o seu potencial. Entre as severas lutas de produção que eles só suportaram graças a contribuições importantes de jovens animadores individuais no exterior-uma maneira preocupante de estar à frente de seu tempo-e os arcos desiguais dos personagens, parecia ficar aquém da obra-prima que poderia ter sido. Revue Starlight é uma série sobre garotas de palco competindo pela glória do primeiro lugar em um cenário de partes iguais Takarazuka e fantasia surreal. Seu elenco está bem organizado em casais e trios com um tema compartilhado, mas esses não foram criados iguais, e o par central com sapatos maiores para preencher caiu aos olhos de muitos; para uma série que essencialmente equivale a uma batalha de carisma, ela não conseguiu vender adequadamente os personagens que finalmente ficaram no topo, o que deixa um sabor amargo mesmo com seu final emocionante.
Dado Como o personagem de Furukawa, você pensaria que ele passaria rapidamente para projetos totalmente novos, mas a ideia de seguir Revue Starlight com alguns filmes – uma recapitulação aprimorada e uma sequência adequada – se tornou uma ideia tentadora para ele. Bushiroad projetou a franquia para ser uma ampla propriedade multimídia com atrizes que interpretam os personagens em musicais e também os dublam no anime, e foi conversando com eles que Furukawa ficou cada vez mais consciente sobre o tema recorrente da atuação. Eles estavam interpretando um personagem fictício, aqueles estavam interpretando um personagem em sua peça, e todos eles não estavam interpretando um personagem deles mesmos também?
Falando com Momoyo Koyama, a atriz por trás da protagonista Karen Aijo, foi uma experiência particularmente esclarecedora para ele. Koyama se abriu sobre suas lutas para entrar no lugar de Karen; como, como uma pessoa um tanto pessimista, ela lutou para se tornar uma protagonista brilhante e impecável. Karen é a própria personificação de um protagonista, mas esse atrito entre a natureza humana imperfeita do ator e um papel que parece tão artificialmente perfeito o fez pensar – e se Karen estivesse atuando também? Esse impulso o levou a se aprofundar no personagem, desenterrando suas preocupações e até as hipocrisias com as quais ele concluiu a série original. E assim temos Revue Starlight The Movie, a história sobre a morte e o renascimento de Karen: se foi a garota que simplesmente queria estrelar uma peça específica ao lado de sua amiga, renascida em uma verdadeira atriz que anseia pelo palco.
Como estamos estabelecendo, no entanto, o que Furukawa diz é quase secundário à forma como ele diz, então ele teve que descobrir a maneira certa de abordar a produção também. O diretor aludiu a superprodução de anime como um dos fatores importantes aqui, argumentando que se diretores veteranos e grandes estúdios já sentem a dor de montar uma equipe de alto nível que pode montar uma animação tradicional consistentemente polida, alguém como ele não tem chance. Com isso fora de cena, ele decidiu usar seus pontos fortes com o que chamou de um filme centrado na experiência. Furukawa olha com carinho para seus ídolos mencionados, para seus trabalhos dos anos 90 que deixaram impressões muito fortes em você, mesmo que você não pudesse acompanhar todas as batidas narrativas. Ele tomou uma decisão totalmente consciente de ir contra a tendência de enfatizar o folclore e as tramas prolixas com um filme mais visceralmente recompensador. Um que fala mais aos seus sentidos do que ao banco de dados em seu cérebro, uma catarse melhor sentida quando fisicamente em um teatro-é um show sobre estar no palco, afinal.
Isso pode ser sentido logo de cara. A primeira sequência do filme não estava realmente no roteiro, mas Furukawa sentiu a necessidade de chamar imediatamente a atenção do espectador com o tomate estourando mais satisfatório já sentido em animação. Por mais aleatório que possa parecer, os tomates são sem dúvida o motivo mais importante em todo o filme, e por razões muito Furukawa. A Revue Starlight sempre apresentou uma girafa falante como um avatar para o público e, ao se aprofundar na dinâmica do palco, Furukawa concluiu que não são apenas os artistas, mas também os espectadores que se deixam queimar e ser consumidos. Para representar essa ideia de maneira bastante direta, o roteiro incluiu uma cena em que as meninas comiam a carne da girafa. Achando esse cenário um pouco grotesco, Furukawa tirou de sua interminável lista de influências e lembrou do pintor Giuseppe Arcimboldo, que costumava construir retratos humanos com vegetais. Assim, os tomates se tornaram o coração do público e do próprio filme, e uma cena que pode ter sido um tanto estranha se tornou um pesadelo muito mais memorável. Oh Furukawa, nunca mude.
Todos os motivos do filme seguem um padrão semelhante. Afinal, essa abordagem centrada na experiência nada mais é do que uma aplicação prática da filosofia de animação que ele derivou de seus ídolos, explorando seu amálgama de influências para alimentar o espetáculo constante. Revue Starlight The Movie é um passeio emocionante que reaproveita elementos de tudo entre Lawrence da Arábia e Mad Max Fury Road, sempre seguindo sua fórmula de adição e subtração para essas peças. O confronto entre Junna e Nana, por exemplo, usa um setpiece do filme de 1985 Mishima – A Life in our Chapters onde uma representação do Kinkakuji se abre ao meio e cega um personagem. Como se vê, luzes ofuscantes sempre foram um motivo para Nana, representando o brilho do primeiro palco em que ela esteve com seus amigos-um que ela lutou para seguir em frente e que nunca mais conseguiu entender. Isso lhe deu a desculpa para usar uma técnica de encenação inerentemente legal de uma nova maneira que se encaixasse em seu próprio cenário; e se não tivesse, ele poderia apenas tê-lo alterado para se dar uma boa desculpa para fazê-lo de qualquer maneira. Afinal, a experiência memorável vem em primeiro lugar.
Assistir Revue Starlight The Movie é um assalto aos sentidos da melhor maneira possível, pois a tela é inundada com as ideias de Furukawa e o áudio bombástico as acompanha. Embora a escrita pareça mais comovente graças à consideração adicional que a equipe deu à dinâmica do palco, não são mais palavras no papel que fizeram tantas pessoas se apaixonarem pelo filme, mas sim o compromisso descarado de Furukawa com seus maiores pontos fortes. A dinâmica dos personagens que as pessoas já amavam na série nunca foram construídas sobre uma escrita particularmente complexa, confiando no carisma visual, presença de palco e direção atraente que Furukawa lhes concedeu. Este filme é uma escalada ousada de um diretor que admite que não pode contar uma história de maneira direta, mas cuja imaginação e munição criativa podem levá-lo a um passeio interminável de cair o queixo; e isso não é exagero, já que mesmo depois de deixar muitas ideias em seu prato, Furukawa tinha quase três horas de conceitos planejados para as duas horas de duração deste filme.
É reconfortante ver essa equipe ter sucesso em fazer algo que, apesar de ser em parte uma consequência do estado da indústria, é tão belamente anacrônico quanto Furukawa imaginou que fosse. No entanto, nem todos compartilham dessa sensação de sucesso no final, e isso mais uma vez se relaciona com a filosofia do diretor. Por mais que camaradas de armas, espectadores e jornalistas tenham elogiado Revue Starlight the Movie como um sucesso estrondoso, Furukawa disse repetidamente aos seus olhos que é uma espécie de fracasso lamentável; talvez um que seja orgulhosamente disruptivo em seus objetivos, alto e cativante na execução, mas no final das contas arrastado por sua suposta incapacidade de viver de acordo com sua visão e o potencial de sua equipe. A aclamação imaculada da crítica só o confundiu, a ponto de ele tentar fazer engenharia reversa das qualidades que as pessoas veem em seu trabalho a partir dessa avaliação crítica, porque ele mesmo não pode vê-las.
Por mais que Eu desejo que Furukawa seja capaz de fazer algo que ele considere um sucesso, temo que mesmo que ele seja capaz de realizar ainda mais do que já fez, suas impressões sempre serão tingidas de arrependimento. Se ele estivesse nesse negócio para se concentrar em narrativas completas ou animação refinada, ele poderia conseguir algo mais tangível e se convencer de que teve sucesso. O que ele está perseguindo como um cineasta centrado na experiência, no entanto, é uma ideia. Como indivíduo, seu objetivo é igualar as reverberações de seus ídolos, aqueles que o levaram a buscar a animação em primeiro lugar. E esses, você nunca pode entender. Aqui estão as supostas falhas mais fascinantes, suponho!
Revue Starlight O slogan do filme é Wi(l)d Screen Baroque. Este é um jogo de palavras entre o subgênero barroco da ficção científica que ele gostava como um ávido leitor, bem como o conceito de uma garota de palco selvagem – um dos primeiros temas do filme, que retrata os atores e sua fome de forma franca maneira animalesca. É também uma referência à ampla proporção do cinemascope que o diretor escolheu, como grande fã do formato e por sua compatibilidade com as imagens do trem e do deserto. Este é o tipo de diretor que Furukawa é, e o tipo de diretor que ele continuará sendo.
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