Olá pessoal, e seja bem-vindo de volta ao errado sempre. Recentemente, fui convidado a escrever uma peça sobre direção e atmosfera em anime, de acordo com a minha peça anterior sobre as prioridades do acampamento descontraído e shows semelhantes. Inicialmente, lutei com o conceito, pois a peça mais antiga é amplamente independente e concentrei-me principalmente em evangelizar para programas que não priorizam a ação narrativa. Muitas das minhas peças no Crunchyroll foram basicamente baseadas na questão de”como faço para que alguém que só assistisse Naruto ou Slayer Demony para apreciar o Hyouka”, o que significa que eles estavam contentes em terminar com a sugestão de se ramificar e deixar seus leitores chegarem a suas próprias conclusões. Mas vocês são um público muito diferente; Qualquer pessoa que esteja interessada em meus pensamentos sobre Wong Kar-wai provavelmente não precisa estar convencida de que o minimalismo dramático possa ser convincente, por isso não vou perder seu tempo com uma contração em nome do cinema lento.
Em vez disso, vamos às coisas boas. Como a direção e a atmosfera realmente intertwine? Temos que posicionar essa câmera. Obviamente, a animação envolve conceber layouts e desenhar storyboards, em vez de posicionar uma câmera real, mas o efeito final é o mesmo; De qualquer forma, como você escolhe enquadrar sua cena tem um efeito dramático sobre como essa cena é percebida. É através do posicionamento da câmera que grande parte do relacionamento de seus personagens com o ambiente deles é estabelecida. Eles estão aconchegados, realizados através de fotos próximas de corpo inteiro que os apresentam em paz com um ambiente seguro? Se aproximarmos a câmera, podemos criar uma sensação de desconforto-as fotos parciais do corpo criam uma sensação de estar em exame, bem como uma sensação frequente de aprisionamento ou claustrofobia. ou mesmo revertido em sua implicação pelo posicionamento narrativo ou design de som. Puxar a câmera para um tiro amplo convida um contraste semelhante-esse contexto mais amplo enquadra o personagem como perdido dentro de um mundo enorme e hostil (Satoshi Kon adora essas fotos, que são frequentemente facilitadas por seu movimentado cenário alienígena) ou o ponto de vista de seu ambiente. Assim como no posicionamento, as regras básicas são simples, mas elas são uma variedade enorme de contrapontos individuais baseados nas ressonâncias múltiplas de diferentes tradições estéticas, bem como na complexidade da negociação entre intenção autoral e experiência do público. Independentemente disso, o princípio básico é que tiros de alto ângulo tendem a transmitir uma sensação de superioridade, segurança ou controle, oferecendo ao público uma perspectiva ampla e de longo alcance e enfatizando como o público não está realmente preso na cena. Por outro lado, tiros de baixo ângulo transmitem naturalmente uma sensação de ser sobrecarregado ou aprisionado, olhando para uma força muito maior com pouca esperança de fuga. Não é sua perspectiva geométrica, mas sua narrativa-somos solicitados a participar de uma cena da multidão, estamos olhando para baixo em uma situação em evolução da visão de um pássaro, o protagonista está nos abordando diretamente? As respostas a essas perguntas implicam uma relação específica entre o público e o drama que informa diretamente o tom e o impacto dramático de qualquer cena. Esteja você fazendo o público se sentir cúmplice, como um espectador, ou totalmente divorciado da ação, todas essas escolhas ditam não apenas a atmosfera, mas mesmo as intenções emocionais e temáticas da sua história.
Agora, como vamos mover essa câmera à medida que a ação continua? Como regra geral, mais cortes são iguais a ritmo mais frenético; Quanto mais você tem momentos únicos, mais o público parece que eles mesmos são luxuriantes nesses momentos, com o oposto também sendo verdadeiro (embora, é claro, os cortes Bravura Long tenham sua própria forma de ritmo e tensão). Esse princípio foi implacável explorado na era da identidade pós-Bourne, quando cortes incrivelmente rápidos eram frequentemente empregados para criar uma sensação de alta energia e desorientação, uma técnica que, sem surpresa, pode tornar as sequências de ação bastante difíceis de seguir. Por outro lado, os veículos de ação mais recentes enfatizaram a complexidade técnica e o aprisionamento sem fôlego do corte longo; Na esteira de exemplos impressionantes como o velho garoto e o ataque, filmes como extração e um tiro começaram a se concentrar em torno do potencial dramático do corte de longa data. Na maioria das vezes, mais cortes implica maior velocidade de ação, mas também se divorciaram do público da participação ativa, enquanto os cortes mantidos podem criar uma sensação de lângulo através da quietude ou participação ativa do público através do movimento. O cinema lento se entrega a cortes longos onde a câmera desaparece; Sem movimento da câmera e nenhuma ação a seguir, o público pode parecer ainda mais intimamente envolvido com as mudanças menores na estrutura da câmera. No final, o movimento pesado da câmera, além de nenhum corte, tende a criar uma sensação de envolvimento pessoal em uma sequência; Scorsese e Spielberg usam esses cortes para integrar o público ao elenco, enquanto o gênero de filmagem encontrado é praticamente definido por essa dinâmica.
Tudo bem, vamos falar sobre o relacionamento da câmera com seu assunto. O que seu enquadramento prioriza-o meio ambiente, o personagem que atua, o público no universo do drama ativo? Toda escolha é intensamente carregada; Você está ilustrando a quietude e a segurança do mundo circundante, a vulnerabilidade ou a confiança de seu caráter ou alguma implicação da vigilância, a idéia de que um terceiro pode estar observando-os de uma posição obscurecida? Seus personagens estão sendo documentados ou espionados, caçados ou adorados, detestados ou adorados? Tais inferências surgem de uma análise combinada e instintiva do enquadramento da câmera, design de som e atuação de personagens, o que significa que todas essas facetas devem trabalhar em conjunto para criar um efeito dramático coerente. Existem quase inúmeras maneiras de provocar uma certa emoção através da direção e inúmeras maneiras de alterar o tom preciso ou as implicações dessa emoção através de mais escolhas. E essa é precisamente a magia da narrativa visual-que existem tantas variáveis e que cada membro da platéia traz tantas de suas próprias expectativas para a experiência, que todas as histórias e todas as experiências dessa história serão distintas. As regras são numerosas, mas flexíveis; No final, os grandes criadores sempre adicionarão suas próprias contribuições à linguagem em evolução da narrativa visual.
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