10 taon na ang nakalipas, inilabas ng Toei Animation ang Nijiiro Hotaru: Rainbow Fireflies , ang stunning culmination produksyon upang parangalan ang mga iconic na gawa ng kanilang nakaraan at ang kapangyarihan ng tradisyonal na animation sa kabuuan. Makalipas ang isang dekada, ang pagkawala ng mga proyektong tulad nito ay nagbabanta sa kinabukasan ng studio.
Ang Toei ay isang kalipunan ng libangan na walang pag-asa sa anime studio na maihahambing, at sa ilang bagay, na hindi dapat asahan ng sinuman sa mga kapantay nito maihahalintulad sa; dahil napakalaki ng kanilang legacy sa anime, ang napakalaking footprint na iyon ay naglalabas din ng ilang madilim na anino, kapwa sa paggawa at malikhaing larangan. Sa nakalipas na 7 dekada, ang kanilang animation division ay naging behemoth na ngayon. Isa na may kakayahang gumawa ng maraming magkakasabay, walang katapusang mga hit sa buong mundo, at tulad ng mapatunayan ngayon ng mga manonood ng One Piece, na gumagawa din ng isang kamangha-manghang trabaho sa kanila kapag ang mga pamagat na iyon ay mahusay na pinamamahalaan. Gayunpaman, dahil matatandaan ng mas maraming beteranong tagahanga ng eksaktong parehong serye, maaari ding isalin ang kanilang modelo sa tuluy-tuloy na nakaka-stress na trabaho at isang resulta na parang nag-e-exist lang ito dahil sa pagkawalang-galaw at ang pangangailangan na magkaroon ng isang produkto na maihatid linggu-linggo.
Habang ang industriya ng anime ay malungkot na humahakbang patungo sa hinaharap kung saan ang mga studio ay higit pa sa mga linya ng pagpupulong, si Toei ay isang batikang beterano kung saan ang kinalabasan ay hindi na bago. Itinuring silang ganoon sa loob ng maraming taon, ngunit nagagawa pa rin nilang mag-bundle ng sapat na mga creative nuggets sa loob ng mga komersyal na obligasyong iyon upang pigilan ang pangungutya sa ganap na pagkuha. Maaaring ito ay isang tiyak na balanse, ngunit ang Toei ay nakahanap ng isang pormula na nagbibigay-daan sa kanila na sumunod sa mga kahilingang iyon habang pinagsasama-sama ang hindi malilimutang gawain at pagpapalaki ng ilan sa mga pinakamatalino na kabataang isip sa anime. Ang mga paulit-ulit na cycle sa mga tulad ng Sailor Moon, Doremi, Ashita no Nadja, at sa buong Precure, kasama ang Kunihiko Ikuhara , Mamoru Hosoda , Takuya Igarashi , Rie Matsumoto , at Haruka Kamatani —ang mga positibong pattern na ito ay hindi isang masayang aksidente. Hinding-hindi mo maaaring balewalain ang mga ito sa isang partikular na serye, ngunit may isang bagay na naging tiyak sa loob ng mga dekada: palaging may isang bagay na kawili-wili na mangyayari sa loob ng malalaking bulwagan ng Toei.
Ang trick dito, ng Siyempre, ang Toei ba ay may mga escape valve para sa nakakulong, radikal na pagkamalikhain. Bagama’t posibleng lapitan ang mga sikat na matagal nang pamagat na kilala sa studio na may higit na ambisyon at pagkamalikhain kaysa sa karaniwan, at hinihikayat ng kultura ng studio ang mga matatapang na direktor na gawin ito, marami lamang ang magagawa upang itulak ang mahigpit na mga hangganan ng isang sikat na action anime o isang malaking prangkisa na dapat magpatuloy sa pagbebenta ng plastic. Kadalasan ang mga pinaka-idiosyncratic na direktor ang humahawak sa mga iconic na episode ng mga flagship title ng Toei, ngunit kung iyon lang ang magagawa nila, magiging maikli ang kanilang mga karera sa studio. Kahit na paminsan-minsan lang, kailangang palayain ang mga kakaibang artist mula sa kanilang mga tanikala, kaya’t tila ginawa ni Toei na isang punto na laging may mga alternatibo sa panig habang sila ay umunlad patungo sa realidad ng factory line na ito. Ang isang naturang proyekto, na inilabas 10 taon na ang nakararaan, ay ang hindi malilimutang Nijiiro Hotaru — Rainbow Fireflies .
Konosuke Uda ang pangalan ay tiyak na hindi kasing ganda bilang mga kontemporaryo niya tulad ni Ikuhara o ang kanyang huwaran na si Junichi Sato , na nakakuha ng kanilang mga puwesto sa canon ng mga pinakadakilang direktor ng Toei sa lahat ng panahon. Gayunpaman, ang kakulangan ng publiko o kritikal na katanyagan ay hindi ginagawang mas mahalaga ang karera ng sinuman. Para sa isa, walang sinuman ang maaaring ipagmalaki ang pagiging pinakaunang direktor ng serye ng One Piece… kahit na ang isang Goro Taniguchi ay maaaring mag-claim ng pagmamay-ari ng unang kantoku role ng serye, gaya ng kanyang direksyon sa pilot na na pagkaraan ng mga dekada ay humantong sa paparating na One Piece Film Red . Ang pinakamagagandang gawa ni Uda sa iba’t ibang genre, gaya ng Lovely Complex , Ginga e Kickoff , at MAJIN BONE ay hindi commercial megahit o ang iyong prototypical critical darling , ngunit sila ang uri ng trabaho na naaalala ng mga tao sa kanilang sarili. Bilang isang direktor na natagpuan ang kanyang sarili na nawala at walang drive sa maagang bahagi ng kanyang karera, nagtatrabaho sa ilalim ng nabanggit na SatoJun — at all-time master sa pag-iniksyon ng saya sa mga formulaic na sitwasyon na malamang na makaharap mo sa Toei — lubos na nagpasigla kay Uda, na mula noon pagkatapos ay patuloy na nagtagumpay sa paghahatid ng kasiyahang iyon sa madla.
Sa loob ng karerang iyon ng tahimik na makabuluhang mga gawa at kaaya-aya ngunit hindi pambihirang mga gawa, mayroong isang pangunahing pagbubukod. Isa na ginagawa mula noong 2007 , nang lumapit sa Uda ang producer na Atsutoshi Umezawa para i-pitch siya ng isang pelikulang hango sa isang nobela na nabasa niya kamakailan. Umezawa, na sumali sa studio noong panahon ng Toei Doga at patuloy na naglalaan ng oras para sa mga kakaibang maliliit na proyekto kahit na pagkatapos kanyang pagreretiro, pinamamahalaang upang magkasama ng isang napaka mapanukso alok. At para magawa ito, ibinenta muna niya ang ideya sa mga nakatataas, na kinukumbinsi sila na ito na ang tamang oras para magbigay pugay sa mga makasaysayang mahalagang pelikula ng Toei Doga noong kabataan niya na may espirituwal na kahalili na ganap na pinondohan ng studio.
Nagawa ni Umezawa na ibigay ang marahil minsan-sa-buhay na pagkakataong ito sa isang direktor tulad ni Uda: kalayaang malikhain basta’t gumawa siya ng isang bagay na karapat-dapat sa pamana ng studio, kasama ang isang high-profile na koponan at maraming oras sa kanyang pagtatapon. Habang pagkatapos ng mahabang proseso — 2 taon para sa animation, 3.5 para sa produksyon sa kabuuan, at halos 5 para maipalabas ito — ang mga nakatataas sa kalaunan ay nagsawa at humingi ng tapos na produkto, hindi sapat ang pressure na iyon para ikompromiso ang isang pelikula na nakatayo hanggang paa sa pinakamagagandang tagumpay ni Toei sa animation. Sa katunayan, napakakaunting anime ang maaaring ihambing sa kung ano ang nakamit ng koponang ito.
Gaya ng ipinaliwanag ni Uda sa AnimeStyle002 , habang ang saligan ng proyekto ay maaaring pinahiran ng asukal, ang kalsadang kanilang itinakda ay hindi naman matamis — o kahit isang kalsada, kung gaano sila tumakbo nang paikot-ikot sa panahon ng proseso ng pre-production, ayon sa kanilang naisip ang pagkakakilanlan ng gawaing kanilang nililikha. Nagsimula ang paglalakbay ni Nijiiro Hotaru kina Uda at Takaaki Yamashita, na ang partisipasyon ay rekomendasyon ni Kenkichi Matsushita mula sa managerial side. Dahil ang tanging utos mula sa itaas na mayroon sila sa simula ay parangalan ang kasaysayan ng Toei Doga, ang paglahok ni Yamashita ay umaangkop sa panukala; sumali rin siya sa mga huling yugto ng panahong iyon ng studio, at kalaunan ay natagpuan ang kanyang sarili na nagtuturo sa mga tulad nina Hosoda at Tatsuzou Nishita, na kapansin-pansing mga embodiment ng mga modernong posibilidad ng studio. Kung kailangang ipagdiwang ng isang tao ang mga katangian ng nakaraan ni Toei habang sinasamantala ang mga lakas ng kanilang kasalukuyan, si Yamashita ang magiging tao nila. Iyon ay, sa isang perpektong mundo kung saan ang oras ay hindi isang limitadong mapagkukunan.
Sa puntong iyon, si Yamashita ay nasa mataas na demand, kapwa sa mga palabas sa TV at sa isang karera sa teatro — ang kanyang tanging pokus ngayon — iyon ay pag-alis din. Napakahabang pangako ni Nijiiro Hotaru na nag-overlap ito sa hindi isa kundi dalawang pelikula ng Hosoda, pabayaan ang iba pang mga proyekto na nangangailangan ng kanyang tulong. Dahil malinaw na sa simula pa lang na hindi niya maiaalay ang kanyang buong atensyon kay Nijiiro Hotaru, humiling si Uda ng tulong mula sa isang napakaespesyal na artist na tumatakbo sa magkatulad na mga lupon: Hisashi Mori, isang istilong-Canada na action animator na umiwas nang husto para sumakay. Ang realist wave ni Mitsuo Iso ngunit hindi nawala ang kanyang sharpness at geometrical forms, na nagdodoble pababa sa bold lineart mula ngayon. Silang tatlo ay pupunta sa malawak na mga paglalakbay sa pagmamanman sa lokasyon, isang abnormalidad para sa studio noong panahong iyon, pagguhit ng konsepto ng sining upang tulungan ang kanilang sarili na makita ang perpektong anyo ng pelikula. Sa isang paraan, ito ay parang isang maingat na arkeolohiko na pagtuklas ng natural na kinalabasan nito, sa halip na isang pangkat na nagmamadaling sumulong na may mga naisip na ideya.
Muli, ang prosesong iyon ay hindi madali, at natagpuan ng koponan ang kanilang sarili na babalik sa ang kanilang mga desisyon ay mas madalas kaysa sa hindi. Ang unang malaking pagbabago ng mga plano ay nasa loob ng trio na iyon: habang si Mori ay orihinal na nag-tag upang tulungan ang abalang Yamashita, mahal na mahal ni Uda ang kanyang mga bold draft kaya mabilis itong napagpasyahan na siya na lang ang character designer. Nakatulong din iyon sa kanila na matugunan ang ilang maagang pag-aalinlangan na mayroon sila sa pagkakakilanlan ng proyekto; dahil sa kahilingang sundin ang tradisyon ng Toei Doga maliban sa isang mas modernong konteksto, nadama ni Uda at ng kanyang koponan na labis silang magkakapatong sa iba pang malayong tagapagmana ng istilong iyon, gaya ng mga gawa ni Ghibli o ang kasabay na paggawa noon ng Mai Mai Miracle. Gayunpaman, sa pamamagitan ng pagbuo sa kakaibang makapal na linework ng Mori, agad na naramdaman ni Nijiiro Hotaru na parang sarili nitong gawa. Ang animation pipeline na kanilang ginawa sa kalaunan ay sumasalamin din sa mga bagong dynamic na iyon. Ipinahiram pa rin ni Yamashita ang kanyang kadalubhasaan sa komposisyon ng imahe sa pamamagitan ng pagguhit ng hindi mabilang na magaspang na mga layout Layouts (レ イ ア ウ ト): Ang mga guhit kung saan aktwal na ipinanganak ang animation; pinapalawak nila ang karaniwang simpleng visual na ideya mula sa storyboard patungo sa aktwal na balangkas ng animation, na nagdedetalye ng parehong gawa ng pangunahing animator at ng mga background artist. na nagpalawak ng storyboardStoryboard (絵 コ ン テ, ekonte): Ang mga blueprint ng animation. Isang serye ng karaniwang simpleng mga guhit na nagsisilbing visual script ng anime, na iginuhit sa mga espesyal na sheet na may mga patlang para sa numero ng animation cut, mga tala para sa mga tauhan at ang magkatugmang linya ng diyalogo. Higit pa, na pagkatapos ay ipapasa kay Mori upang ayusin ang mga detalye ng pag-arte, at sa wakas sa mga partikular na pangunahing animator upang sundin ang karaniwang daloy ng trabaho sa animation.
Bilang isang pangunahing karakter sa pinagmulang materyal ay nagkataong may Okuyama ang kanyang apelyido, katulad ng Toei Doga legend na si Reiko Okuyama, ang koponan ay may bastos na ideya ng pinangalanan ang kalaban na walang apelyido sa aklat pagkatapos ng Yoichi Kotabe, isang katulad na makabuluhang pigura para sa studio. Para hindi ma-overdo, sumama na lang sila kay Otabe, which sounded very close given the pronunciation of his VA. Sa huli, pinanood nga ni Kotabe ang pelikula kasama ng iba pang mga alamat ng Toei Doga at lubos siyang nagpapasalamat sa kanilang kilos.
Ang pagbabagong iyon ay una lamang sa maraming dumating, marami sa kanila ang naudyukan ng nakaraang desisyon na kanilang ginawa. Una sa lahat, ang pagpiling tanggapin ang mga matatapang na linya ni Mori ay naging masyadong mapang-api ng isang kapaligiran, dahil malungkot nilang napagtanto nang hilingin sa kanila na i-animate ang isang pilot na pelikula. Ang pagsisikap na bawasan ang visual na epekto na iyon sa pamamagitan ng paggaya sa ang brown carbon paper effect na nakikita sa mga gawa tulad ng My Neighbor Totoro ay hindi rin nagtagumpay , dahil iyon ay nagbigay ng makinis na taglagas-y pakiramdam sa isang pelikula na nilalayong isama ang tag-init mula sa itaas hanggang sa ibaba. Ang solusyon na kanilang naayos ay upang matakpan ang itim na linework ni Mori na may sadyang inilagay na mga segment na may kulay na sinusubaybayan na nagbibigay-daan sa mga larawan na huminga.
Sinamahan din ito ng pagbabago sa direksyon ng sining, na higit na nagpapahusay sa sariwang pakiramdam na iyon. Hinikayat ang Seiki Tamura ni Anime Kobo Basara, na pumalit sa Kentaro Akiyama ng Studio Pablo dahil sa mga salungatan sa pag-iiskedyul — pag-usapan ang pagkuha ng dalawa sa pinakadakilang mga espesyalista sa kanilang panahon — ay hinikayat. upang piliing i-drop ang detalye, na sumasalamin sa maingat na polarisasyon ng mga dating Toei-adjacent masters tulad ng Takamura Mukuo . Nakatagpo ni Uda ang gawain ni Mukuo bago ang kanyang kalunos-lunos na pagpanaw noong Sailor Moon at nabighani sa kanyang istilo; kalat-kalat sa mga spot na ito ay nagpaisip sa kanya kung ang mga kuwadro na iyon ay tapos na, at gayon pa man ay nakakaakit kapag ang lahat ng mga piraso ay kalaunan ay pinagpatong. Ang sinasadyang ekonomiyang ito ay naging isa pang pangunahing haligi sa pagbabalanse ng mga visual, na nagpapanatili ng isang malakas na impresyon ngunit hindi sa punto ng labis na karga ang simoy na kapaligiran ng bayan na nilalayong ilarawan. Mabigat at magaan, moderno at luma, animation at live-action, fantasy at mundo, buhay at kamatayan, ang mga pangunahing kaibahan sa ubod ng trabaho ay dahan-dahang nagsimulang lumaganap.
Sa kaibuturan nito, ang Nijiiro Hotaru ay tungkol sa ang kagandahan ng ephemerality, na may tema sa paligid ng mga nilalang tulad ng mga alitaptap na maaari lamang magningning nang napakaliwanag dahil ginagawa nila ito sa loob ng maikling panahon. Kuwento ito ng isang bata na nagbalik-balik sa nakaraan, at sa halip na mahuhumaling sa mga mekanika ng paglalakbay sa oras, nakatuon ang pansin nito sa pagpapahalaga sa sandaling ito nang may buong kaalaman na sa kalaunan ay lilipas din ito sa atin. Hinihikayat ang kalaban na si Yuuta na tamasahin ang minsan-sa-buhay na karanasan sa tag-araw, at natututo siyang gawin ito, sa kabila ng multo ng paghihiwalay mula sa kanyang mga bagong kaibigan na lumalapit sa araw. Ang kanilang mga pakikipagsapalaran ay itinakda sa isang nayon na tiyak na abandunahin at babaha upang magtayo ng dam — isang resulta na alam ni Yuuta na hindi maiiwasan dahil iyon ang naging kapalaran nito sa kanyang orihinal na timeline. Sa kanyang napagtanto, marami sa kanyang mga bagong kakilala na nakakasama niya sa kanyang buhay ay may mga personal na kalagayan na hahantong sa mga hindi maiiwasang pagbagsak. At iyon ang layunin ng visual na istilo na pinagtibay ng team na ito: napaka-epekto sa ilang aspeto tulad ng lineart ni Mori, dahil ito ay mga di malilimutang kaganapan sa lahat ng kasangkot, ngunit mayroon ding tint ng fragility sa kanila. Walang walang hanggan.
Na-publish noong unang bahagi ng sining ng konsepto AnimeStyle002.
Ang kumukumpleto sa pelikula ayon sa tema ay ang kumpiyansa nito sa mga bagong henerasyon, na ginagawang isang napaka-nakapagpapalakas na kuwento ang maaaring naging isang nakababahalang kuwento. Nang mapansin ang mga katulad na kaganapan sa totoong buhay at alam ang pagiging kumplikado ng mga ito, iniwasan ni Uda na pumanig sa usapin ng dam sa pamamagitan ng isang tiyak na may-akda na boses; Ito ay malinaw na ang mga nasa hustong gulang na naninirahan sa nayon ay nakakaramdam ng isang tiyak na paraan, ngunit sila ay ipinakita bilang mas pasibo at tumatanggap ng hindi maiiwasan. Hindi ganoon ang kaso para sa mga bata, na hayagang nagpahayag ng kanilang hindi pagkakasundo sa isang pelikula na nakatuon na hayaan silang magsalita para sa kanilang sarili, kahit na sa huli ay hindi nila kayang ibalik ang mga sitwasyong iyon. Sila ang pag-aari ng hinaharap, at ang kanilang pagpuna sa mga desisyong ginagawa ng mga nasa hustong gulang na nagbabanta sa kanilang mundo ay pinanghahawakan nang may paggalang gaya ng kanilang kakayahang bumalik. Pagkatapos gamitin ang pariralang”kahit na, ang mga bata ay nabubuhay pa rin sa kasalukuyan”bilang tagline para i-promote ang pelikula, ang huling eksena ay nagdagdag ng”at tumungo patungo sa hinaharap”pagkatapos ipakita na lahat sila ay nanindigan at nakahanap ng mga bagong paraan sa pasulong. Ang Nijiiro Hotaru ay tumanda na tulad ng masarap na alak, at ang aspeto ngayon ay higit na nakapagpapatibay kaysa dati.
Nang natapos na ang mga temang iyon — isang bagay na nagtagal, dahil patuloy nilang inaayos ang script habang nagpapatuloy ang proseso ng animation —Ang natitira ay ang paggawa ng panghuling mga desisyong pang-istilya at sa wakas ay inilalagay ang lahat ng mga ideyang iyon sa papel. Bagama’t kailangan pa nilang baguhin ang kanilang mga plano sa yugtong ito, ang proseso ay mas diretso sa puntong ito. Malinaw na ni Uda mula pa noong simula na kung magbibigay siya ng pugay sa mga klasikong titulo ng Toei Doga at malamang na ilulubog si Yuuta at ang manonood sa isang rural na bayan noong dekada 70, ang mga diskarteng ginamit nila ay dapat magpakita rin nito. Kinailangan niyang iwanan ang ideya ng paggamit ng cel animation dahil hindi na ito magagawa para sa mekanikal na mga kadahilanan, ngunit natagpuan ang kanyang sarili na gumuhit ng isang mahirap na linya pagdating sa mga modernong digital na diskarte.
Bilang resulta, Nijiiro Hotaru hindi gumagamit ng anumang CGi, sa kabila ng kitang-kitang nagtatampok ng mga elemento tulad ng mga alitaptap mismo na mas madaling ilarawan gamit ang mga tool na iyon. Ang animation ng pelikula na ganap na iginuhit sa papel at pinangangasiwaan ng kanilang sariling dalubhasang tauhan ay isa ring punto ng pagtatalo, isang anomalya para sa industriya at partikular sa Toei; habang ang mga ulat ng kanilang mga mamumuhunan ay ipinagmamalaki sa loob ng maraming taon tungkol sa kung gaano karami sa workload na iyon ang mabilis na pinangangasiwaan sa ibang bansa ng kanilang subsidiary ng Toei Phils, alam ni Uda na marami sa mga sequence na iyon ay iginuhit sa mga tablet, kaya nilimitahan niya ang proseso sa pagitan sa mga pambansang kumpanya na alam niyang eksklusibong nagtrabaho sa papel. Ang bawat elemento ng pelikula ay sinadya upang igalang ang analog animation tradisyon hangga’t maaari, kahit na nangangahulugan iyon ng paglimita sa camerawork o pag-alis sa kanilang paraan sa mas mahal na subcontracting.
Ang pinaka-kagiliw-giliw na aspeto sa bagay na ito ay ang proseso ng pag-composite, na sadyang ipinagkatiwala niya sa isang photographyPhotography (撮 影, Satsuei): Ang pagsasama ng mga elemento na ginawa ng iba’t ibang departamento sa isang tapos na larawan, na kinasasangkutan ng pagsala upang gawin itong mas maayos. Isang pangalan na minana mula sa nakaraan, kung kailan aktwal na ginamit ang mga camera sa prosesong ito. direktor tulad ng Masao Oonuki na nagtatrabaho sa tungkuling iyon mula pa noong panahon ng mga pisikal na materyales. Hiniling kay Oonuki na limitahan ang kanyang sarili sa mga praktikal na mukhang epekto, at kahit na bigyang-diin ang isang pisikal na distansya sa pagitan ng mga layer ng character at mga background, katulad ng isa na mayroon ka kapag nag-layer ka ng mga celluloid. Nauna nang nabanggit ang agarang immersive na epekto ng isang na-filter na larawan na may kasamang mga epekto sa pag-iilaw, pinalakas ni Uda ang pagsasawsaw na talagang mahalaga sa kanya: ibinaba ang manonood sa nostalgic na mundo ng tradisyonal na animation, na maaaring walang kalkuladong pagkakaisa ng pinakamahusay na mga digital na gawa, ngunit nagbibigay-daan sa iyo para mas maramdaman ang pagiging handcrafted.
Ang mga tradisyonal na ideyang iyon ay tumagos sa pilosopiya ng animation mismo. Ang koponan ay nagsagawa ng kanilang paraan upang i-record ang mga bata na kanilang i-cast para bosesin ang mga karakter na gumagawa ng lahat ng uri ng mga aksyon na kanilang gagawin sa pelikula, na binabanggit ang mga pamamaraan ng ilang Toei Doga gumagana . At sa sandaling magkaroon sila ng reference na footage na iyon upang mapahusay ang pagiging tunay, ang lahat ng indibidwal ay hinikayat na gumuhit ayon sa gusto nila; muli, sinusubukang ibalik ang nostalhik na pakiramdam mula sa isang panahon kung saan ang pagkakapare-pareho sa mga sheet ng character ay hindi pinahahalagahan sa paraang ito ngayon. Direksyon ng animation ni MoriAnimation Direction (作画 監督, sakuga kantoku): Ang mga artist na nangangasiwa sa kalidad at pagkakapare-pareho ng animation mismo. Maaari nilang itama ang mga hiwa na masyadong lumilihis mula sa mga disenyo kung sa tingin nila ay akma ito, ngunit ang kanilang trabaho ay kadalasang tiyakin na ang galaw ay pantay-pantay habang hindi masyadong magaspang. Maraming espesyal na tungkulin sa Direksyon ng Animasyon ang umiiral-mecha, mga epekto, mga nilalang, lahat ay nakatuon sa isang partikular na umuulit na elemento. ay nakatuon sa pagprotekta sa pagkakakilanlan ng mga karakter sa pamamagitan ng kanilang mga kilos nang higit kaysa sa anumang partikular na visual na istilo, at sa gayon ang pelikula ay naging isang walang katapusang palabas ng animation ng karakter na may maraming puwang para sa mga personal na interpretasyon.
Maging ito Shinji Hashimoto ‘s expressive beady eyes and constantly flowing lines or Hiromi Ishigami ‘s softer touch, ang pelikula ay hindi natatakot sa patuloy na pagbabago ng mga istilo, ngunit hindi nito naramdaman na nakasira ito sa karakter ng sinuman. Walang sinuman ang naglatag ng diskarteng iyon nang mas mahusay kaysa sa Shinya Ohira , na ang nakamamanghang gawain ay nai-deploy kapag pinaka-epektibo; ang kanyang animation ay nabubuhay sa hangganan sa pagitan ng photorealism at surreal expressionism, na alam ni Uda na magiging pinakamabisa sa mga sandali kung saan literal na tinatahak ng mga karakter ang landas sa pagitan ng buhay at kamatayan. Bagama’t ang pelikula ay ganap na makatwiran sa pagpapatibay ng animator idiosyncrasy para sa kapakanan nito, lalo na sa konteksto ng pagbibigay-pugay sa mga tradisyonal na pamamaraan ng animation, ito ay nagkakahalaga ng pagpuna na ito ay nag-iisip din kung kaninong mga natatanging istilo ang ilalagay kung saan. Kasama sa koponan nito ang pinakamahuhusay na animator na magagamit ng studio pati na rin ang mga personal na kakilala na natipon mismo ni Mori, na gumawa para sa isang mahigpit na koponan kung saan alam nilang lahat ang pinakamahusay na mga katangian ng lahat.
Ang rurok ng pelikula ay nauwi sa pagiging purong Ohira animation: ang lahat ng mga guhit dito ay mga susi na iginuhit niya, at sa huli ay hindi ito dumaan sa anumang uri ng mga pagwawasto dahil ito ay masyadong nakakaubos ng oras at halos hindi naramdaman na isang pagkakasunud-sunod kung saan ang ideya ng mga pagwawasto ay nalalapat pa nga. Ang mga layout para sa mga solong hiwa sa loob ng span na humigit-kumulang 6 na metro ang haba, at maging ang proseso ng pag-scan ay nakatutok upang makakuha ng mas maraming nuance mula sa kanyang mga guhit hangga’t maaari.
Ang resulta ng trabaho ng lahat sa pamamagitan ng isang napakahabang proseso ng produksyon ay isang pelikula na walang kulang sa hindi pangkaraniwang bagay. Hindi makatotohanang asahan na ang output ni Toei ay mapupuno ng mga gawa tulad ni Nijiiro Hotaru, at tulad ng pag-amin ni Uda, iyon mismo ang pakiramdam na ito ay isang espesyal na proyekto na humantong sa lahat na ibigay ang kanilang makakaya. Direkta niya itong ikinumpara sa kanilang gawang prangkisa, na sinasabi na pinahahalagahan ng lahat ang pagkakataong gumawa ng isang pelikulang nag-iisa, na may napakalaking kalayaan sa sining. Nilinaw ng kanilang masigasig na mga reaksyon na, bagama’t hindi mo maasahan na magpapalabas si Toei ng mga pelikulang tulad nito — isang bagay na sa simula pa lang ay magiging kabaligtaran ng kanilang espiritu — kailangan ng iyong pinakamatalino na mga creator ang mga escape valve na ito.
Sa pinakamatagal na panahon, nakuha na ni Toei ang mga ito, maging isang malabong ideya na magbenta ng merch na naging isang nakakaakit na passion project na Kyousougiga o Kenji Nakamura ng pananaw sa mundo na makulay na nakaplaster sa kabuuan. ang iba’t ibang mga pamagat na idinirek niya sa studio. Ngayon, sa 2022, hindi ko na masasabi na ang Toei ay may mga proyektong tulad nito. At isa na itong problema.
Sa nakalipas na ilang taon, ang mga alternatibong proyekto ng Toei ay lubos na nakompromiso o direktang nakansela. Ang Popin Q ay isang kakaibang maliit na pelikula na nabibigatan ng responsibilidad ng pag-arte bilang isang anibersaryo na proyekto para sa studio nang hindi naman ito pinlano na maging, at pagkatapos na hindi ito gumanap, ang ipinangakong sequel nito ay pinutol at kalaunan ay nawala. sa isang libro. Ang pinaka-kagiliw-giliw na inisyatiba mula noon ay isang proyekto upang magbigay ng isang plataporma sa kanilang mga batang kawani sa pamamagitan ng mga maikling pelikula, na pagkatapos ng maraming press release na nangangako na ito ay isang regular na kabit, ganap na naglaho pagkatapos ng unang entry sa anyo ng Megumi Ishitani ‘s Jurassic . Mula noon, ang studio ay walang iba kundi ang franchise work, habang ang mga natatanging proyekto ay nagugutom para sa panloob na suporta, ay seremonyal na hindi na-plug, o mga scam na mas mabuting balewalain natin.
Ang mga panganib nito para sa studio ay hindi lamang teoretikal. Ang ilan sa mga pinakasikat na numero sa Toei ay umalis sa mga nakalipas na taon na nagbabanggit ng tiyak na pagnanais na magtrabaho sa mga proyekto na hindi kabilang sa mas malalaking, walang hanggang franchise; ang ilan ay may mas marami o mas kaunting natitirang komersyal na animation bilang isang resulta, habang ang iba ay natagpuan na lamang ang kanilang sarili na natigil sa iba’t ibang mga franchise habang ang kanilang mga personal na proyekto ay natigil sa limbo, dahil ito ang uri ng industriya na pinag-uusapan natin. Si Uda, na hanggang ngayon ay masaya na makipagtulungan kay Toei kung minsan sa kabila ng paglayo sa kanila, ay malinaw na sinabi: kailangan mo lang hayaan ang iyong mga tauhan na ibaluktot ang kanilang mga malikhaing kalamnan kung minsan, sa paraang hindi sila hahayaang magtrabaho ng prangkisa. Nijiiro Hotaru ay hindi kailanman magsisimula ng isang bagong wave ng analog animation, ngunit sa pinakakaunti dapat itong tumayo bilang isang nakamamanghang paalala na ang mga artist ay nangangailangan ng kalayaan, kahit na ang kanilang trabaho ay hindi pinapayagan iyon na maging karaniwan.
Suportahan kami sa Patreon para matulungan kaming maabot ang aming bagong layunin na mapanatili ang animation archive sa Sakugabooru, SakugaSakuga (作画): Teknikal na pagguhit ng mga larawan ngunit mas partikular na animation. Matagal nang inilaan ng mga tagahanga ng Kanluran ang salita upang tumukoy sa mga pagkakataon ng partikular na magandang animation, sa parehong paraan na ginagawa ng isang subset ng mga tagahanga ng Hapon. Medyo mahalaga sa tatak ng aming mga site. Video sa Youtube, pati na rin itong SakugaSakuga (作画): Teknikal na pagguhit ng mga larawan ngunit mas partikular na animation. Matagal nang inilaan ng mga tagahanga ng Kanluran ang salita upang tumukoy sa mga pagkakataon ng partikular na magandang animation, sa parehong paraan na ginagawa ng isang subset ng mga tagahanga ng Hapon. Medyo mahalaga sa tatak ng aming mga site. Blog. Salamat sa lahat ng tumulong sa ngayon!
