Kumusta mga kababayan, at maligayang pagbabalik sa Wrong Every Time. Ngayon ay mayroon akong isang dampi ng tunog at galit para sa inyong lahat, dahil ang mga screening ng linggo ay may kasamang pelikulang kinasusuklaman ko sa bawat himaymay ng aking pagkatao. Oo, napanood nga namin ang kasuklam-suklam na Lion King na muling paggawa ni Favreau, kaya’t masisiyahan kayong lahat sa isang dash ng hubad na galit na iyon na idinidirekta ko lang sa mga bagay na nagpapalala sa mundo. Sa kabutihang palad, ang natitira sa mga screening sa linggong ito ay higit na hindi sinasadya, mula sa isang natatanging artifact ng digital transition ng anime hanggang sa isang simpleng mahusay na slasher film. Magsimula tayo sa masama at magpatuloy sa kabutihan, habang tinatalakay natin ang pinakabagong Linggo sa Pagsusuri!

Dahil sa pagpupumilit ng aking mga kasambahay, sinundan namin ang panonood noong nakaraang linggo ng The Lion King kasama ang 2019 CG reimagining nito. Well, ang”reimagining”ay marahil ang maling salita, dahil nabigo akong mag-parse ng isang guhit ng imahinasyon sa anumang aspeto ng isinumpang pelikulang ito. Inaasahan ko na kung gaano kasama ang hitsura nito: sa mga kamay ng kawit ng karne ni Jon Favreau, bawat magagandang kulay, bawat nakamamanghang komposisyon, at bawat fragment ng pag-arte ng karakter ay pinatuyo mula sa orihinal. Sa kanyang walang katuturang paghahangad ng di-umano’y photorealism, tinitiyak niya na ang bawat kuha ng pelikulang ito ay nakakaramdam ng hindi nakatutok at nakakainip, na naghahangad ng hindi hihigit sa panatilihin ang kanyang walang ekspresyong CG na mga hayop nang higit pa o mas kaunti sa mid-frame. Sa sandaling dynamic, mayaman sa kulay na mga pagkakasunud-sunod ng kanta ay ganap na pinatuyo ng kanilang apela; halos hindi mo makita kung ano ang nangyayari sa buong madilim na Be Prepared, habang ang I Just Can’t Wait To Be King ay nag-aabandona sa anumang uri ng visual na pagkukuwento na higit sa”narito ang ilang mga hayop sa screen.”

Ngunit si Favreau ay palaging naging isang hack, at ang”ituloy natin ang photorealism sa halip na kasiningan”ay palaging isang likas na walang kwentang ehersisyo. Ang ikinagulat ko sa pelikulang ito ay kung gaano ito kapos sa orihinal kahit na binabalewala mo ang mga visual. Ang pagsulat ay mas clumsier at hindi gaanong nakatutok, na tila mas interesado sa pagpapakita ng”hey, mayroon kaming mga artista sa boses ng celebrity!”kaysa talagang magkwento. At ang paghahalo ng kanta ay kasuklam-suklam, na ang mga instrumento ay ganap na nakalubog at ang mga boses ay napakataas sa halo, sa isang paraan na higit na nagha-highlight kung gaano kalala ang vocal melodies kumpara sa kanilang mga orihinal na katapat. Halos ang tanging vocal performance na maihahambing sa orihinal ay ang kay Donald Glover, ngunit kahit na siya ay hindi madaig ang mga bahid ng produksyon. Ang bersyon na ito ng The Lion King ay”ang orihinal ngunit kapansin-pansing mas masahol pa”sa lahat ng paraan na maiisip mo, ang pagkuha ng isang pelikula na hinangaan ng milyun-milyon at nire-regurgitating ito bilang isang mapang-uyam na ehersisyo sa pagsasamantala sa mga naliligaw na priyoridad ng madla. Favreau, nagawa mo na naman.

Natapos namin ang run-through namin sa inuri ng aking kasambahay bilang”the essential Rockys”(Rocky 1 hanggang 4) na may pagtingin o Rocky III, kung saan haharapin ni Stallone ang kaakit-akit na pinamagatang Clubber Lang (Mr. T). Habang nagsusulat tungkol sa Rocky II, naisip ko kung paano ang mga pelikula ni Stallone ay may posibilidad na mag-lock sa alinman sa pag-aaral ng karakter o hoo-rah machismo na mga modelo; Minamarkahan ni Rocky III ang punto ng paglipat sa pagitan ng mga modelong iyon, habang ang ating bida ay lumipat mula sa isang lalaking pinagmumultuhan ng kanyang mga demonyo patungo sa isang superhero na nakikipaglaban sa isang supervillain.

Ang una, nabigong laban ni Rocky laban kay Lang ay parang konklusyon sa unang kuwento ni Rocky: lumayo siya kasama ang kampeon, sa huli ay nanalo sa kampeonato, nawalan ng tiwala sa bisa ng kanyang mga nagawa, at pinarusahan ng isang malagim na paalala kung ano ang tunay na mahalaga sa buhay. Ang eksena ni Stallone na humahagulgol sa tabi ng kanyang namamatay na coach ay isa sa pinakamahusay sa kanyang karera; sa sandaling iyon, ang lahat ng kanyang pagkabalisa tungkol sa”mga tunay na panalo”ay napatunayang walang kabuluhan, dahil sabik siyang nagsisinungaling tungkol sa kanyang pagganap upang mapawi ang mga alalahanin ng kanyang coach. Sa abot ng kanyang makakaya, si Stallone ay maaaring magdulot ng isang trahedya na katulad ni De Niro sa mga kamay ni Scorcese, isang pockmarked na sagisag ng kapangyarihang panlalaki sa isang mundo kung saan ang gayong lakas ay maaari lamang magdulot ng kapahamakan.

Pagkatapos ay lumitaw si Carl Weathers, mayroon tayong isang masiglang montage ng pagsasanay, at tinalo ni Stallone ang kalokohan ni Mr. T sa kanilang rematch. Kaya’t oo, sa huli ay isang medyo putol-putol na pelikula, ngunit sa totoo lang ay nasiyahan ako sa parehong bahagi nito. May mga bagay na gustong mahalin kay Stallone na machong lalaki at Stallone sa panlalaking kritika, at si Rocky III ay nag-aalok ng panalong bahagi ng bawat isa.

Sumunod ay ang Housebound, isang New Zealand horror-comedy tungkol sa isang dalagang nagngangalang Kylie (Morgana O’Reilly), na nasentensiyahan ng walong buwang pag-aresto sa bahay sa tahanan ng kanyang lumang pamilya matapos ang pinakahuling sunod-sunod na krimen. Pagdating doon, muli niyang nakasama ang kanyang nanay sa chatterbox, na tila naniniwalang may kung anong presensiya ang bumabagabag sa kanilang bahay. Sa paglipas ng panahon, nagsimulang masaksihan ni Kylie ang ilang sarili niyang hindi maipaliwanag na mga kaganapan, na humahantong sa isang paranormal na pagsisiyasat sa pinakamadilim na sikreto ng bahay.

Ang housebound ay talagang mas comedy kaysa horror, ngunit matagumpay itong nagtagumpay sa parehong larangan, na nag-aalok ng maraming ng demented comic payoffs at isang napakagandang cast ng mga character. Hindi ito nagsisimula sa ganoong paraan; Ang karakter ni Kylie ay sobrang bilib sa sarili na kailangan ng ilang oras upang mamuhunan sa kanyang kwento, at ang kanyang ina ay may kakayahang gumanap ng papel ng isang tao na sabay-sabay na”mabait”ngunit imposibleng makasama. Ngunit kapag nasangkot na ang house arrest officer-slash-paranormal na imbestigador na si Amos, ang pelikula ay mauuwi sa isang mahigpit at patuloy na nakakatawang ghost hunt, na may maraming kasiya-siyang twist, at ilang nakakatuwang malapot na praktikal na epekto. Nag-aalok ang panghuling gawa ng Housebound ng perpektong pagsasanib ng tensyon ng pusa at daga at paglabas ng komiks, na nagtatampok ng isang gag na napakahusay kaya kailangan kong magdikit ang aking mga ngipin upang maiwasang masira ito. Magaan, kaakit-akit, at matalinong pagkakagawa, ang Housebound ay isang kapakipakinabang na relo para sa mga tagahanga ng komedya o horror, at malamang na isang magandang”gateway horror”na pelikula para sa mga taong nagsusumikap na lumapit sa genre.

I pagkatapos ay nagpalabas ng isang anime film na matagal nang nasa listahan ko, Hiroyuki Kitakubo’s Blood: The Last Vampire. Apatnapu’t limang minuto lang ang haba ng pelikula, at sa esensya ay isang serye lamang ng mga aksyong eksena, kasunod ng vampire slayer na si Saya mula sa isang subway confrontation sa Yokota Air Base, habang siya ay naghahanap ng isang serye ng mga uhaw sa dugo na mga hayop.

Ang Ang balangkas ng pelikula ay hindi partikular na kawili-wili, ngunit karaniwang lahat ng iba pa tungkol sa produksyon na ito ay. Ang setting, para sa isa; Ang”isang American air base sa Japan noong 1960s”ay isang partikular at nobela na kapaligiran, at pinapadali ang tiwala na pinaghalong English at Japanese na pananalita ng pelikula. Nararamdaman din ng dugo ang maraming inflection point sa kasaysayan ng produksyon ng anime. Bilang isang maikling theatrical feature na naisip bilang isang franchise foundation, ito ay umaabot pabalik sa maagang kasaysayan ng prestihiyo ng Production I.G., mga pelikulang hinimok ng creator at mga OVA, habang bilang isang pelikula na higit na nag-isip para ipakita ang potensyal ng digital animation, malinaw na ipinapahiwatig nito ang wholescale adoption ng industriya. o mga digital na pamamaraan. At higit sa lahat, talagang gumagana ito: Ang mga natatanging disenyo ng karakter ni Katsuya Terada ay mahusay na humahalo sa mga digital na bahagi, at ang pangkalahatang madilim na aesthetic ng pelikula ay gumagawa ng isang mahusay na trabaho ng pagtakpan ng mga tahi ng iba’t ibang bahagi nito. Isang kawili-wiling snapshot ng isang napaka-ibang panahon sa kasaysayan ng produksyon ng anime.

Huling naganap para sa linggo ay isang slasher semi-classic, The House on Sorority Row. Sa kabila ng hindi inspiradong pamagat nito, ang Sorority Row ay naging isang katangi-tangi at higit na mahusay na slasher, na pinalaki ng katangi-tanging istraktura ng pagsasalaysay nito, hindi karaniwang nakakatawang script, at malalakas na pagganap sa pangunahing cast. Sinusundan ng pelikula ang isang grupo ng magkakapatid na babae na nagtangkang gumawa ng kalokohan sa kanilang ina sa dorm, ngunit sa halip ay aksidenteng napatay siya. Dahil ang sorority ay nagho-host ng isang party sa loob ng ilang oras, pinili ng grupo na itago ang bangkay sa kanilang hindi na ginagamit na pool, na nag-udyok sa isang oras ng pagkabalisa ng pagtatangka na itago ang kanilang krimen habang dahan-dahang sinusundo ng isang misteryosong pumatay.

Sa halip na ang karaniwang gang ng mga hindi kilalang biktima na madalas mong makita sa mga feature na ito, ang cast ng Sorority Row ay katangi-tangi at dynamic, na nagtatampok ng malinaw na mga subdivision ng mga pangkat sa pagitan ng pangkalahatang pangkat ng lipunan, at maraming malalaking personalidad sa pagitan nila. Ang kamag-anak na kasalanan ng mga karakter na ito ay nagtutulak sa kanila sa kakaiba, natarantang mga direksyon bago pa man magsimula ang mga pagpatay, habang ang kaibahan ng karahasan at pagsasaya ay nagbibigay sa gitnang pagkilos ng pelikula ng isang galit na galit, halos nakakatuwang enerhiya. Ang pelikula ay may epektibong epekto sa trahedya ng pamana ng dorm mother na ito, na nag-tap sa patuloy na mayabong na ugat ng karanasang nagnanais ng kabataan. Nakakatuwa, ang pinakamahinang elemento ng slasher film na ito ay talagang ang paglaslas – ang mga pagpatay ay hindi partikular na natatangi o nakakatakot, ngunit kapag ang plantsa na nakapaligid sa kanila ay ganito kahanga-hanga, iyon ay isang madaling mapapatawad na pagkabigo.