Mamoru Hosoda at Takayuki Hirao. > Pompo the Cinephile at One Piece Baron Omatsuri and the Secret Island : ginamit ng dalawa sa pinakamatalino na filmmaker ng anime ang kanilang mga personal na kasawian upang pasiglahin ang mga nakakaaliw na pelikula, na pinoproseso ang kanilang mas madidilim na damdamin sa pamamagitan ng masiglang animation.
Ang Eiga Daisuki Pompo-san , na-localize bilang Pompo the Cinéphile , ay isa sa mga pinaka nakakaaliw na anime na pelikula sa isang 2021 na puno ng mga nakakaaliw na anime mga pelikula. Iyon lang ang dapat na magsilbing rekomendasyon, ngunit kung naghahanap ka ng mas konkretong pitch, ang Pompo ay nangyayari na halos kapareho sa isang mataas na itinuturing na pelikula ng isa sa mga pinakamamahal na direktor sa ating panahon.
Given na ang Pompo ay idinirek, isinulat, at ganap na ginawang storyboard ni Takayuki Hirao , makatuwirang isipin na ang tinutukoy ko ay ang mga gawa ng kanyang unang tagapagturo sa industriya— Satoshi Kon , isa sa mga pinakadakilang filmmaker na nagpala ng anime. Habang ang impluwensya ni Kon kay Hirao ay nananatili hanggang ngayon, lalo na sa kanyang pag-unawa sa oras at espasyo bilang isang artipisyal na tela upang gupitin at tahiin sa kalooban, hindi ang kanyang mga pelikula ang unang pumasok sa isip habang nanonood ng Pompo. Hindi rin yaong mga ng iba pang mga direktor na hayagang binanggit niya bilang mga impluwensya , o yaong mga mas tahimik na kumukuha mula sa .
Sa huli, ang pelikulang parang pinakamalapit kay Pompo ay One Piece: Baron Omatsuri at ang Secret Island , at sa pamamagitan ng extension ang direktor nito na Mamoru Hosoda ; gumagana nang walang mga pagkakatulad sa halaga, na may mahalagang walang direktang malikhaing mga link sa pagitan ng mga direktor, at gayon pa man sila ay nagbabahagi ng isang bagay na medyo malalim.
Upang maunawaan ang parallel na ito, kailangan nating bumalik sa simula ng kuwentong ito, na sa ang ibig sabihin ng kasong ito ay ang taong 2000. Sa puntong iyon, ang isang batang Hosoda ay nakakaranas na ng masiglang paglago bilang isang direktor sa Toei Animation, na umuunlad mula sa isang bagong direktor ng episode tungo sa isang hinahangaang pinuno ng proyekto sa loob lamang ng ilang taon. Iyon ay nakakuha ng mata ng mahahalagang producer, kaya’t nahanap niya ang kanyang sarili sa isang posisyon upang dalhin ang kanyang karera sa isang buong bagong antas sa pamamagitan ng pagdidirekta sa Howl’s Moving Castle sa maalamat na studio na Ghibli; tiyak ang kumpanyang nabigo siyang salihan bago magtrabaho kasama ang Toei, at isa na hinding-hindi niya masusuwerte.
Mula nang magsimula ang proyekto, nakipag-away si Hosoda sa isang studio na itinayo sa panimula upang patahimikin ang kapritso at pangangailangan ng dalawang iconic na pinuno nito. Habang nagawa niyang mag-storyboardStoryboard (絵 コ ン テ, ekonte): Ang mga blueprint ng animation. Isang serye ng karaniwang simpleng mga guhit na nagsisilbing visual script ng anime, na iginuhit sa mga espesyal na sheet na may mga patlang para sa numero ng animation cut, mga tala para sa mga tauhan at ang magkatugmang linya ng diyalogo. Higit pang tatlong buong kilos ng kung ano ang maaaring matanggap niya sa materyal, patuloy siyang nagpupumilit na bumuo ng isang koponan at secure ang mga asset na kakailanganin niya upang matupad ang kanyang pananaw, na patuloy na negatibong nakakaapekto sa iskedyul. Inaasahan na si Hosoda ay isang taong hindi siya, isang taong walang sinuman ang maaaring umasang gayahin sa simula, sa isang kapaligiran na maaaring hindi aktibong malisyoso ngunit nilinlang laban sa kanya gayunpaman; isang hindi pantay na labanan, gaya ng tinutukoy niya mismo.
Noong tagsibol ng 2002, ang Howl ni Hosoda ay pinatay, at natagpuan niya ang kanyang daan pabalik sa Toei salamat sa mga kaibigan tulad ng producer na si Hiromi Seki > at direktor Takuya Igarashi . Sa isang pagkakataon na tila gumuho ang kanyang karera, kung saan hindi sigurado si Hosoda kung aling landas ang tatahakin, inalok nila siya ng pagkakataong magtrabaho sa Ojamajo Doremi Dokkan —isa na kanyang tinahak, na ibinaba ang mga damdaming iyon sa isa sa mga pinakanakakapukaw na episode ng TV anime na nagawa. Episode # 40, Doremi and the Witch who gave Up on Being a Witch, ay naglalagay ng titular na karakter sa isang katulad na suliranin: lahat ng kanyang mga kaibigan ay nakahanap ng isang layunin na kinahihiligan nila at maaaring ituloy sa hinaharap, ngunit pakiramdam niya ay walang patutunguhan at grabe. walang kakayahan sa kanilang tabi, natigil sa sangang-daan ng buhay. Ang simple ngunit napakatalino na ginawang talinghaga na muli niyang babalikan sa The Girl Who Leapt Through Time ay nagmula sa isang napaka-personal na lugar, sa panahon kung saan inaalam din ni Hosoda kung ano ang gagawin sa kanyang buhay.
Pagkatapos magdirekta ang napakalaking episode na iyon, nagpatuloy si Hosoda sa pakikipagtulungan kay Toei — at sa ibang lugar sa ilalim ng kanyang kilalang pangalang panulat na Katsuyo Hashimoto —sa ilang sandali, na tumutuon sa mas maliliit na proyekto bago ipagkatiwala sa kanyang susunod na pangunahing gawain. At major ito, dahil siya ang napiling magdirek ng pang-anim na One Piece na pelikula: ang nabanggit na Baron Omatsuri at ang Secret Island. Bagama’t dinala lamang siya sa proyekto kapag naitatag na ang senaryo, mabilis itong ginawa ni Hosoda sa kanyang sarili, na binago ang mga ideyang nasa talahanayan na upang maging isang bagay na magagamit niya upang ipahayag ang kanyang damdamin sa panahong iyon. Kung si Doremi Dokkan # 40 ay isang pagkikristal ng kanyang kawalan ng katiyakan tungkol sa hinaharap, si Baron Omatsuri ay naging kanyang outlet upang maglabas ng sama ng loob at takot, gamit ang pagtuon ng serye sa pakikipagkaibigan upang bigyang-porma ang kanyang mga saloobin sa kung ano ang ibig sabihin ng pamunuan ang isang koponan — maging ito ay mga pirata o mga animator.
Dahil malinaw na malinaw ang Hosoda tungkol dito, walang saysay na makipagtalo sa paligid. Gaya ng inamin niya sa mga panayam tulad ng ito para sa AnimeStyle na mababasa mong isinalin dito , si Baron Omatsuri ay kahalintulad ng kanyang karanasan sa Ghibli. Sa pelikula, si Luffy at ang kanyang mga tauhan ay naloko sa isang parang mala-paraiso na isla ng resort kung saan mabilis na lumabas ang mga bagay na hindi tulad ng inaanunsyo. Ang mga naninirahan dito, na pinamumunuan ng palm tree-haired Omatsuri , ay pinipilit silang makipagkumpetensya sa mga minigames; ngayon iyon ay isang ideya mula sa orihinal na senaryo na nag-isip sa pelikula bilang isang comedic game show, ngunit pinilipit ito ni Hosoda upang ang buong gig ay na-rigged patungo sa mga lokal mula pa noong simula. Kung alam mo ang kanyang background, ang kanyang kapaitan ay malinaw na nakakatuwang. Ang mga tauhan ni Omatsuri, na ipinahayag na isang crew din ng pirata, ay nagtagumpay sa paglikha ng hindi pagkakasundo sa pagitan ng mga kaibigan ni Luffy sa pamamagitan ng paggamit ng mga rigged minigames na iyon bilang isang wedge sa pagitan ng mga crewmate. Habang unti-unting nalaman ng mga karakter ang tungkol sa isla at ang plano ni Omatsuri na buhayin muli ang kanyang phantom crew, nagsimulang matanto ng manonood kung ano ang kinakatawan ng lahat ng mga stranded na kapitan ng pirata. Bagama’t ang Baron Omatsuri ay isang pelikulang may mapait na damdamin na nagpapalinaw na inisip ng direktor na hindi maganda ang pakikitungo sa kanya ni Ghibli, hindi ito isang mababaw na pagpapatunay sa kanyang mga aksyon, at iyon ang dahilan kung bakit ito ay lubhang kawili-wili. Ang ilang mababaw na pagbabasa ay nagbigay-kahulugan kay Omatsuri na kumakatawan din sa mga pinuno ni Ghibli, ngunit sumang-ayon si Hosoda na ang kanyang papel ay nakamapa sa ibang tao — ang kontrabida ng pelikula ay ang kanyang sarili. sa pagkakaroon ng isang team project na pinamunuan mo ay biglang nalaglag. Kasama ni Omatsuri, inihahatid ni Hosoda ang mga panghihinayang niya sa kanyang saloobin noong panahong iyon: katulad ng kapitan na nabuhay na nakulong sa nakaraan ng mga Red Arrow Pirates, na walang kakayahang lumipat sa punto ng pagiging mapait at nakakasakit, ang pagkahumaling ni Hosoda sa pamumuhay hanggang sa mga pangako na ginawa niya sa kanyang koponan ay hindi siya pinayagang sumulong. Kinondena ng direktor ang saloobing ito, habang tinatanggap na ang pakiramdam ng tungkulin ay hindi likas na nagmumula sa isang maling lugar, at kinikilala pa nga na ang ganitong uri ng pagmamatigas ay may likas na pang-akit dito sa pamamagitan ng halos paglakad ni Luffy sa landas na iyon sa mga huling yugto. ng pelikula.
Sa kaibahan nito, ang pelikula ay nagbibigay din ng mahalagang papel sa duwag na ama na namumuno sa mga tauhan ng pamilya ng Tearoom Pirates. Kapag nahaharap sa bitag ni Omatsuri, ang kanyang desisyon ay tumakas at protektahan ang kanyang pamilya sa lahat ng mga gastos; esensyal, katumbas ng pagtanggal sa lahat ng responsibilidad upang protektahan ang kanyang koponan hangga’t kaya niya. Sa isang lugar sa pagitan ng matinding reaksyong iyon, mahahanap mo ang Brief of the Short Mustache Pirates: isang taong minsang iniwan ang kanyang crew sa harap ng sakuna upang iligtas ang kanyang sarili, ngunit hindi tulad ni Omatsuri, ito ay humantong sa positibong paglago sa kanyang desisyon na pigilan itong mangyari sa ang iba, at gayundin ang humanap ng mga bagong kasama na muling itatayo sa paligid.
Sa huli, ang idealistikong mantra ni Luffy na ipaglaban ang kanyang mga kasama ay hindi nagbibigay ng mahiwagang solusyon; pagkatapos ng lahat, kahit gaano ka nagmamalasakit sa isang pinuno ng proyekto, palaging may hindi mabilang na mga kadahilanan sa labas ng iyong mga kamay. Ang pelikula, gayunpaman, ay naninirahan sa kung ano ang mukhang pinakamalusog na paraan upang sumulong: pagbuo ng isang bagong grupo upang harapin ang iyong mga hamon. Sa huli ay natalo ni Luffy si Omatsuri dahil sa palihim na mga panlilinlang ng nag-iisang miyembro ng Short Mustache at ang pinakabata sa Tearoom Pirates, at higit sa lahat, salamat sa dating duwag na ama na lumaban sa hamon.
Once the flower that ay nagpapakita na ang zombie crew ni Omatsuri ay napatay, ang kanilang mga tunay na boses ay humihiling sa kanya na lumayo sa kanila at humanap ng mga bagong kasama — itinuturo si Luffy, na napapalibutan ng bagong ragtag team na ito, bilang isang taong nagtagumpay sa bagay na iyon. Si Hosoda ay nagmungkahi na kung ang kanyang mga tauhan ay hindi halos nakaligtas, ang natural na kahihinatnan ay para kay Luffy na makipagtulungan sa mga bagong kasamang ito. Isang uri ng radikal na paninindigan na dapat gawin kasama ng isang karakter na karaniwang hindi susuko sa sinuman sa kanyang mga kasamahan sa crew, ngunit kinatawan ng konklusyon na narating ni Hosoda.
Dahil sa mga masasakit na damdamin at karanasang ito, at ang pagsasama ng mga kaganapang kasing dilim ng pagpapahirap at pakikipaglaban hanggang sa kamatayan, maaaring iniisip mo na si Baron Omatsuri ay isang bummer ng isang karanasan. At siyempre, talagang mali ka. Sa pagitan ng kapanapanabik na pacing, ang makulay na aesthetic, ang masiglang animation, at ang direksyon na may sense of humor kahit na ang mga bagay ay hayagang lumiliko, tiniyak ni Hosoda na ang sandali-sa-sandali na pagpapatupad ng pelikula ay lubhang kasiya-siya. Para sa mga hindi pamilyar sa kanyang mga personal na kalagayan, kahit na walang ideya tungkol sa pangkalahatang etos ng One Piece, sulit pa rin si Baron Omatsuri sa presyo ng pagpasok bilang isang masaya, matinding adventure na pelikula. Kung mas kilala mo ang konteksto nito, mas marami kang makukuha sa karanasan, ngunit ipagkanulo ng direktor ang kanyang papel kung gumawa siya ng isang pelikulang pampamilyang napakasensitibo sa konteksto na ikinabigla ng kanyang kabataang manonood.
Bagama’t mahirap tawaging maliwanag ang mga visual nito, lalo na’t ang isang naka-mute na palette ang pumalit sa unti-unting pagsisiwalat ng mga lihim ng isla, ang trademark na kagenashi aesthetic ng Hosoda ay napakatapat at transparent na hindi nito kayang iwan sa iyo ng magulo na damdamin. At, kahit na ang mga kulay ay hindi palaging nasa pinakamataas na liwanag, ang kanyang direksyon ay pinaka-tiyak. Damang-dama ang musicality ng direksyon kahit sa mga mapapait na talakayan, lalo pa sa mas nakakatuwang mga sequence. Sa lahat ng mga tagasunod ng Kunihiko Ikuhara , palaging namumukod-tangi si Hosoda sa kanyang kakayahang pakasalan ang itinanghal na artipisyal na storyboarding na may napakakomplikadong arkitektura, at ang pelikulang ito ay maaaring magkaroon ng kanyang pinakanakakatawang pagkakataon ng mga karakter na naliligaw sa mga kahanga-hangang arkitektura. Ang lahat ng kanyang karaniwang mga trick ay nakatuon sa pagpapalakas ng agarang saya; ang kanyang kilalang doupoji shots, ang umuulit na layoutsLayouts (レ イ ア ウ ト): Ang mga guhit kung saan aktwal na ipinanganak ang animation; pinapalawak nila ang karaniwang simpleng visual na ideya mula sa storyboard patungo sa aktwal na balangkas ng animation, na nagdedetalye ng parehong gawa ng pangunahing animator at ng mga background artist. ginagamit niya upang silipin ang pang-araw-araw na buhay ng kanyang mga karakter, pinabilis para sa nakakatawang epekto sa buong pelikula, na pinapanatili ang napakasiglang pacing sa buong pelikula.
Ang animation ng pelikula ay gumagana sa parehong mataas na antas ng enerhiya, simula na may mga disenyo ng karakter ng pangunahing direktor ng animation na Sushio . Bagama’t napili siya bilang isang likas na angkop para sa istilo at kaluwagan ng One Piece na hinihingi nito, may kakaibang talas sa kanyang pananaw sa seryeng gumagalaw, na tinulungan niyang ipalaganap sa buong pelikula. Itinampok ng pangkat na kanyang pinamunuan ang lahat ng uri ng mga sikat na pangalan ngayon, isa sa mga pinakamahusay na humarap sa serye hanggang ngayon; at, sa angkop na tema na paraan, ito ay isang crew na nagtatampok ng mga lumang kaalyado na nilayon ni Hosoda na makipagtulungan para sa Howl pati na rin sa mga bagong mukha, nawawala ang ilan sa kanyang mga karaniwang kasosyo ngunit pinupunan ito ng napakaraming talento. Kahit na ang mas magaspang na aspeto tulad ng sobrang ambisyosong paggamit ng 3DCG — ang kaibahan sa pagitan ng malinis na aesthetic at ng mga halimaw na iyon ay maaaring maging totoo doozy —minsan ay pinapagana ang mga dynamic, napaka-imbento na mga pagkakasunud-sunod. Ang lahat ng mga pormal na aspeto nito ay nakatuon sa pagiging viscerally kasiya-siya na ang isang madalas na madilim na pelikula na pinalakas ng personal na kasawian ay hindi kailanman nalalapit sa pakiramdam ng madilim. Kung hindi iyon isang tagumpay sa paggawa ng pelikula, hindi ko alam kung ano ang. sa katunayan, isa pang nakakaaliw na biyahe, kung mayroon mang mas maliwanag at mas lantad na masaya kaysa kay Baron Omatsuri, ngunit pinalakas din ng mga kasawiang-palad sa pagbabago ng karera ng direktor na nagpapaalam sa kakulangan o kakulangan ng thesis ng pelikula. Kaya, sa halip na tanungin kung ano ang pakikitungo sa Pompo, marahil ay mas mabuting tanungin natin kung ano ang nangyari sa direktor nito.
Kung sinusubaybayan mo ang site na ito, ang pigura ni Takayuki Hirao ay hindi nangangailangan ng maraming isang pagpapakilala. Bagama’t kilala siya sa mga tulad ng Kara no Kyoukai / The Garden of Sinners: Paradox Spiral , si Hirao ang nangunguna sa boses noong mas naunang panahon ng ufotable, mas eksperimental na panahon. Ang kanyang kakayahang mag-isip sa labas ng kahon, kapwa bilang isang direktor sa trenches at bilang isang pinuno ng proyekto, ay ginawa siyang perpektong tagalikha upang magkaroon sa harap ng isang batang studio na sinusubukang hanapin ang personalidad nito. Bilang isang storyboarder, nagkaroon siya ng nakakasilaw na pakiramdam ng daloy at kontrol sa tempo, pati na rin ang mapanlikhang isip upang makabuo ng mga bagong trick na hindi pa napag-isipan ng sinuman — bagay na naaangkop sa kanyang pamumuno bilang direktor ng serye na Direktor ng Serye: (監督, kantoku): Ang taong namamahala sa buong produksyon, kapwa bilang isang malikhaing tagapasya at panghuling superbisor. Nahigitan nila ang natitirang mga kawani at sa huli ay may huling salita. Ang mga serye na may iba’t ibang antas ng mga direktor ay umiiral gayunpaman-Chief Director, Assistant Director, Series Episode Director, lahat ng uri ng hindi karaniwang mga tungkulin. Ang hierarchy sa mga pagkakataong iyon ay isang case by case scenario. din. Bagama’t siya ang pinakamalapit sa isang tradisyunal na direktor sa mga pamagat tulad ng Manabi Straight , kinuha ng proyekto ang ideya ng studio ng isang parang pamilyang kapaligiran na walang mahigpit na hierarchy sa sukdulan at nagkaroon ng 4 na magkakaibang pinuno para sa major mga aspeto ng palabas; pagsulat, aesthetic, layoutsLayouts (レ イ ア ウ ト): Ang mga guhit kung saan aktwal na ipinanganak ang animation; pinapalawak nila ang karaniwang simpleng visual na ideya mula sa storyboard patungo sa aktwal na balangkas ng animation, na nagdedetalye ng parehong gawain ng pangunahing animator at ng mga background artist., at pagpapatupad. Kahit na sa mga proyektong may mas tradisyonal na pinagsama-samang koponan, ang pagkakaroon ng Hirao sa isang posisyon ng kapangyarihan ay nangangahulugan na may kakaibang mangyayari.
Kahit na ang tagumpay ng relasyon ng ufotable sa mga kumpanya tulad ng Aniplex at Type-Moon ay ginawa ang studio settle into a much orderly routine, nagpatuloy ang relasyon ni Hirao sa kanila sa pamamagitan ng mga kahanga-hangang gawa tulad ng Majocco Shimai no Yoyo to Nene , isang radikal na pag-alis mula sa matinding post-processing na naging kasingkahulugan na ng ufotable. Kahit na sa mga pagkakataon kung saan siya ay makaligtaan, ang isang Hirao failure ay malamang na isang medyo kawili-wiling pagtatangka na gumawa ng bago. Sa kasamaang palad para sa kanya, ang lahat ay bumagsak sa panahon ng paggawa ng GOD EATER na palabas sa TV. Si Hirao ay paulit-ulit na nagtrabaho sa prangkisa, na bumuo ng isang malakas na relasyon sa mga producer ng Bandai sa proseso, na gumawa ng isang proyekto na maaari mong ipagpalagay na araling-bahay lamang para sa tulad ng isang kakaibang direktor sa isang napaka-personal na deal. Nagpatuloy siya sa storyboardStoryboard (絵 コ ン テ, ekonte): Ang mga blueprint ng animation. Isang serye ng karaniwang simpleng mga guhit na nagsisilbing visual script ng anime, na iginuhit sa mga espesyal na sheet na may mga patlang para sa numero ng animation cut, mga tala para sa mga tauhan at ang magkatugmang linya ng diyalogo. Higit pa sa kabuuan ng palabas, may kinalaman din sa lahat ng script, habang napakaespesipiko tungkol sa kanyang pananaw bilang direktor ng serye Direktor ng Serye: (監督, kantoku): Ang taong namamahala sa buong produksyon, parehong bilang isang malikhaing gumagawa ng desisyon at panghuling superbisor. Nahigitan nila ang natitirang mga kawani at sa huli ay may huling salita. Ang mga serye na may iba’t ibang antas ng mga direktor ay umiiral gayunpaman-Chief Director, Assistant Director, Series Episode Director, lahat ng uri ng hindi karaniwang mga tungkulin. Ang hierarchy sa mga pagkakataong iyon ay isang sitwasyon sa bawat kaso. marami mula sa kanyang koponan. Ang mga detalyadong disenyo na may multitoned shading na humihingi ng espesyal na pagtrato mula sa mga kawani ng pagpipinta, pati na rin ang mabigat na aksyon sa kanyang palaging kasangkot na camerawork, ay nagdaragdag sa isang cocktail na hindi mo dapat naisin sa koponan ng animation. Higit pa rito, ang kanyang pagpupumilit sa paghawak ng lahat ng bagay mismo ay nagbigay ng preemptive na kritikal na hit sa iskedyul; na nabigong isulat ang lahat ng mga script bago ang isang makatwirang deadline, lahat ay nahuli sa iskedyul mula noong simula. Kung ang ufotable ay nasa kanilang pinakamahusay, gayunpaman, malamang na nalampasan ng studio ang bagyo. Kung hindi pa lang nila natapos ang pangalawang kurso ng Fate/Stay Night: Unlimited Blade Works , isang pamagat na may mas mataas na priyoridad na nauunawaan na nagtulak sa kanila sa kanilang limitasyon, maaaring gumana ang mga bagay para kay Hirao. Malamang na siya ay nagtatrabaho pa rin sa kanila, kasama ang kanyang asawa at madalas na collaborator ng color design na si Emi Chiba . Madaling makita kung paano matatapos ang isang timeline na tulad nito, ngunit hindi ito ang tinitirhan natin.
Personal na kinuha ni Hirao ang pagbagsak. Sa isa pang panayam sa pinakabagong isyu ng AnimeStyle , inamin niya kung gaano kalubha ang kapaligiran sa koponan ay nakuha, na ang kanyang mga kapantay ay nagtatanong sa kanyang pagkatao at katinuan habang ang GOD EATER ay nahulog. Sa totoo lang, si Hirao ay may reputasyon noon pa man na hindi isinasaalang-alang ang pagiging posible ng kanyang mga ligaw na ideya, ngunit sa pamamagitan ng pagiging nasa isang napakalakas na studio, siya ay nakatakas sa halos lahat ng nakakaaliw na buntong-hininga. Sa sandaling ang mga bagay ay naging tunay na kakila-kilabot, iyon ay naging bukas na poot, na sinamahan ng kabiguan ng palabas na makatanggap ng kritikal o komersyal na pagbubunyi ay nag-iwan kay Hirao sa isang posisyon kung saan naramdaman niyang kailangan niyang umalis sa kanyang lugar ng trabaho.
Hindi ka magugulat na marinig na ito ay nagdulot kay Hirao ng lubos na pagkawasak , bagaman sa kabutihang palad para sa kanya, ito ay kung saan nagsisimula ang hitsura ng mga bagay. Sa halos anumang oras upang mag-isip tungkol sa nangyari, nakatanggap siya ng tawag mula sa isa sa kanyang pinakamatandang kaibigan sa industriya: Tetsuro Araki , ng Death Note at Attack on Titan katanyagan. Nagkataon silang dalawa sa mga unang yugto ng kanilang mga karera sa Madhouse, mabilis na naging matalik na magkaibigan at kasing higpit ng isang collaborator hangga’t maaari habang sila ay nagiging abala sa iba’t ibang studio. Si Araki, na ayon sa kanyang kaibigan ay itinulak din sa posisyon na muling isaalang-alang ang kanyang mga responsibilidad bilang isang pinuno ng proyekto at ang epekto ng kanyang hinihingi na pananaw sa mga kawani, ay nagbigay-daan kay Hirao na muling buuin ang kanyang kumpiyansa sa pamamagitan ng pag-storyboard ng mga climactic na yugto sa ikalawa at ikatlong season. ng Attack on Titan.
Sa gitna nito — 2017 to be precise — isang reinvigorated Hirao ang nakatanggap ng isang kawili-wiling panukala. Sa dami ng pinsalang ginawa ng produksyon ng GOD EATER sa kanyang karera, ang kanyang baliw na dedikasyon ay nagbigay din sa kanya ng mabuting kalooban. Si Yusuke Tomizawa , ang producer para sa mga laro sa Bandai, ay nilapitan si Hirao upang irekomenda sa kanya ang isang Pixiv manga series na sa tingin niya ay nasa kanyang alley; siyempre, iyon ay walang iba kundi si Pompo. Sa sandaling nagpasya siyang harapin ang proyekto nang totoo, ang bawat iba pang piraso ay nahulog sa lugar na parang ang proyekto ay nakatadhana. Si Hirao ay gumagawa noon ng isang nobela na may Shingo Adachi na mga guhit at inilathala ni Kadokawa, na naging taga-disenyo at pangunahing financier ng Pompo ayon sa pagkakabanggit. Ang isa pang matandang kaibigan niya mula pa noong panahon niya sa Madhouse at nang maglaon sa mga ufotable na proyekto tulad ni Majocco, si Ryoichiro Matsuo , ay nagkataon lamang na nakahanap ng studio na CLAP na may perpektong timing para mahawakan ang proyektong ito. Isang magandang serye ng mga coincidence na may isang napaka-nakakatawang punchline: Sa wakas ay walang kinalaman si Bandai sa pelikula, ngunit Si Tomizawa ay nakaupo pa rin sa ibabaw ng ang espesyal na pasasalamat ng pelikula , at ipinagmamalaki na ilista rin ang kanyang curious na tulong sa kanyang Twitter profile .
Tulad ng trabaho ni Hosoda pagkatapos ng kanyang mapaminsalang karanasan sa Ghibli, ang pananaw ni Hirao sa Pompo ay lubos na produkto ng mga kalagayan ng direktor. Sa kabila ng pagiging adaptasyon, mabilis niyang napagtanto na walang sapat na materyal ang komiks para sa isang feature-length na pelikula, na nagbigay sa kanya ng perpektong pagkakataon na ilabas ang kanyang nahuhulog na damdamin. Bilang resulta, ang Pompo ay isang kasiya-siyang gulo; ito ay maasahin sa mabuti at nagbibigay kapangyarihan nang madalas hangga’t ito ay walang taros na malungkot at nakakapinsala sa sarili, na nagbubuod sa saloobin ni Hirao sa proseso ng malikhaing sa kasalukuyan. Ang salaysay ng pelikula, na sinusundan ng malungkot na mukhang assistant producer na si Gene at ang kanyang charismatic producer na si Pompo habang ang una ay natitisod sa isang pagkakataon na idirekta ang kanyang sariling gawa, ay nag-iiwan ng maraming puwang para sa mga magkasalungat na damdamin.
Ang mantra na sinabi ni Hirao Naayos na, isa na sinasabi niya na ang pag-alis lamang sa ufotable ang nagpapahintulot sa kanya na maayos na magbalangkas, ay ang gusto niyang lumikha ng mga gawa kung saan ang minorya ay nakakabawi sa karamihan. O, para mas tumpak, ang mga gawang nagdiriwang ng tagumpay ng mga outcast at hindi pagkakaangkop sa lipunan nang hindi naaalis ang kanilang mga natatanging pagkakakilanlan. Ito ay maganda ang echo sa isa sa mga climactic na eksena, kung saan sinabi ni Gene na ang mga pelikula ang nagligtas sa kanya — gaya ng sinabi ni Hirao na nangyari sa kanya noong kanyang kabataan — at para mangyari ito sa iba, gagawa siya ng mga pelikula na ang mga nahulog na. sa gilid ng daan ay makikita rin ang kanilang mga sarili, habang ang mga visual ay kumikislap sa lahat ng uri ng mga komunidad na matagal nang nawalan ng karapatan. Ang mga huling gawa ng pelikula ay lumalabo ang mga linya sa pagitan ni Gene at ng pelikulang ginagawa niya, at sa paggawa nito, direkta nilang ibinabahagi ang mga pangarap ni Hirao na may magandang layunin.
Gayunpaman, sa katulad na paraan, ang hindi malusog na diskarte ni Hirao sa ang malikhaing proseso ay nagiging isang hindi matatakasan na presensya sa pelikula. Bagama’t ang orihinal na akda ay medyo nababahala tungkol sa pagkapagod nito, sineseryoso itong tinatalakay ni Hirao, na pinag-iisipan kung ang proseso ng pagiging malikhain ay talagang kasingkahulugan ng pagsasakripisyo ng mga bahagi ng iyong buhay — mga relasyon, oras, maging kalusugan — at isang likas na malungkot na proseso. At sa kanya, lumalabas talaga. Ang paglalakbay ni Gene at ng kanyang mga karakter ay nakakasira sa sarili; alam ng direktor na, ang pelikula ay lubos na nakakaalam tungkol dito, at gayon pa man ay wala sa kanilang sarili na ganap na kondenahin ito. Hinahamon ang kanilang pananaw sa mundo, ngunit hindi tulad ng Baron Omatsuri ni Hosoda na nagkaroon ng sapat na oras upang makabuo ng isang tiyak na sagot, ang maibibigay lang ni Hirao ay isang maayos na pagkakasalungatan ng mga ideya.
Ito ay pinakamahusay na inilarawan sa pamamagitan ni Alan, isang ganap na orihinal karakter na hiwalay sa mundo ng pelikula na naisip ni Hirao para maabot ang mas maraming manonood. Sa naunang bahagi ng pelikula, sinabi ni Pompo na kinuha niya si Gene dahil wala itong buhay sa kanyang paningin, dahil ang mga tao lamang na hindi namuhay ng kasiya-siyang buhay ang maaaring maghatid ng kanilang mga pangangailangan sa pagtakas upang lumikha ng mga nakakaaliw na mundo ng fiction. Kabaligtaran iyon ni Alan, bilang isang tanyag na bata na lumaki na mabilis na nakakuha ng mahalagang posisyon sa isang bangko — ngunit, may kulang sa kanyang buhay. Sa isa sa kanyang pinaka tahimik na makabuluhang mga eksena, sinabi niya kay Gene na ang kanyang mga mata, na nakatuon sa proseso ng pagiging malikhain, ay kumikinang sa buhay. Sa isang kamakailang talakayan kay Yuichiro Oguro, inamin ni Hirao na hindi niya kayang suportahan nang buo ang alinmang posisyon, at kahit na ang malungkot na pagtingin sa proseso ng malikhaing iyon ang nakikita niya para sa kanyang sarili, sa palagay niya ay ang pananakit sa sarili ni Pompo, ang labis na trabaho. ay ang huling bagay na pinangungunahan ng industriya ng anime ngayon. Pabiro, napagkasunduan nila na kung ginawa niya ang pelikulang ito sa huling bahagi ng kanyang buhay, tiyak na magkakaroon ito ng mas mainit na tono tungkol doon. isang halos mathematically refreshing na pelikula na panoorin. Ang totoo, sa kabila ng pagiging mataas na iginagalang para sa kanyang snazzy editing, si Hirao ay nawalan ng tiwala dito, iniisip kung siya ay nagiging isang gimik, mababaw na direktor. Napansin lamang ang lahat ng papuri sa kanyang direksyon sa mga gawa tulad ng Paradox Spiral na nakuha pagkatapos maging freelance, at pagkatiwalaan ng isang pelikula tulad ng Pompo na nagdiriwang ng kahusayan ng pelikula at ang kapangyarihan ng pag-edit, pinakawalan niya ang lahat ng kanyang mga trick sa mas matulis na paraan kaysa dati.
Bago pa man ang pelikulang ito, si Hirao ay naging isang malakas na tagapagtaguyod ng pag-edit bilang isang pagbabagong yugto sa animation na bihirang makakuha ng anumang atensyon — hindi mula sa kanyang mga kasamahan, lalo na sa mga manonood. Sapat na pinahahalagahan niya ito upang magkaroon ng dedikadong editor sa lahat ng kanyang mga gawa: Tsuyoshi Imai , kung kanino siya nakatrabaho noon pang yugto ng storyboarding. Sa isang paraan, ang Pompo ay naging isang pelikula na hindi gaanong nangangailangan mula sa nominal na yugto ng pag-edit nito dahil na-visualize na ito nang may tumpak na pag-edit sa isip. sa isang macro na antas ay sadyang sinadya. Ang karakter ni Pompo ay isang malakas na naniniwala sa mga pelikula na tumatagal ng humigit-kumulang 90 minuto, dahil mahirap para sa kanyang anak na manatili nang mas matagal nang pilitin siya ng kanyang lolo na manood ng pelikula. At kaya, inisip iyon ni Hirao; sa kabila ng labis na paggamit nito sa kanyang orihinal na materyal sa punto na mayroon siyang halos 2 oras na halaga ng script, pinutol niya ito upang 90 minuto bago ang pangalawang pagpasa sa pagitan ng unang paglabas ni Gene at ang huling kuha ng pelikula, kung saan ipinahayag niya ang kanyang pinakamalaking tagumpay. ay gumagawa ng pelikulang gustong haba ni Pompo. Ang higpit at ang kontrol na iyon ng tempo ang dahilan kung bakit ang Pompo ay isa sa mga pinakawalang friction na pelikulang napanood ko, na hindi madaling gawa kung isasaalang-alang na tumatalakay ito sa ilang mabibigat na paksa.
Sa huli, sina Baron Omatsuri at Pompo ay dalawang nakakaaliw na pelikula na hindi nangangailangan ng ganitong konteksto. Parehong produkto ng mga direktor na nauunawaan kung bakit ang pelikula ay isang viscerally kasiya-siyang karanasan, na maaaring kabilang sa kanilang pinakamahusay na mga gawa pagdating sa manipis na entertainment factor na iyon. Gayunpaman, ang dalawa ay likas na nakatali sa mga masasakit na karanasan na kanilang naranasan, na gumagawa para sa isang kamangha-manghang duality. Katulad ng kanilang mga sitwasyon, malinaw na dumarating sila sa iba’t ibang yugto ng pagpoproseso ng madidilim na damdamin: sa kabila ng mga mapait na alaala na nabuo dito, si Baron Omatsuri ay tungkol sa paglipat sa isang malusog na paraan, habang ang Pompo ay isang pelikulang walang sagot at kung saan ang sarili.-Ang mga mapanirang tendensya ay hindi ganap na pinabulaanan. Habang isinusulat ito, kasalukuyang gumagawa si Hirao ng isang orihinal na anime na may parehong tema ng mga nagpapasiglang outcast, kaya medyo posible na makikita natin siyang sumunod sa isang katulad na arko — iyon ang hinulaang mismo ng direktor!
Suportahan kami sa Patreon upang matulungan kaming maabot ang aming bagong layunin na mapanatili ang archive ng animation sa Sakugabooru, SakugaSakuga (作画): Teknikal na pagguhit ng mga larawan ngunit mas partikular na animation. Matagal nang inilaan ng mga tagahanga ng Kanluran ang salita upang tumukoy sa mga pagkakataon ng partikular na magandang animation, sa parehong paraan na ginagawa ng isang subset ng mga tagahanga ng Hapon. Medyo mahalaga sa tatak ng aming mga site. Video sa Youtube, pati na rin itong SakugaSakuga (作画): Teknikal na pagguhit ng mga larawan ngunit mas partikular na animation. Matagal nang inilaan ng mga tagahanga ng Kanluran ang salita upang tumukoy sa mga pagkakataon ng partikular na magandang animation, sa parehong paraan na ginagawa ng isang subset ng mga tagahanga ng Hapon. Medyo mahalaga sa tatak ng aming mga site. Blog. Salamat sa lahat ng tumulong sa ngayon!
