Po emisji pierwszego odcinka Dandadana nadszedł czas, aby poznać zespół stojący za tym dziełem: nie tylko personel i jego kreatywne wybory, ale także łatwo zrozumiałą filozofię reżyserską stojącą za tak bombastyczną zabawą.
Są dzieła, które trzeba poczekać, zanim zacznie się je dobrze czytać. W przypadku adaptacji inspirowanej proces ten może potrwać jeszcze dłużej; w końcu interakcja między wizją oryginalnego autora a zespołem dokonującym jej reinterpretacji może być jeszcze trudniejsza do rozwikłania. Jeśli wypróbowałeś już Dandadan, musisz wiedzieć, że absolutnie nic z tego nie dotyczy tej serii. Podążanie za gęsto upakowaną, porywającą sekwencją otwierającą z kopnięciem z półobrotu, które kończy się, zanim zdążysz zaczerpnąć oddechu, jest tak jasne, jak tylko mogą być stwierdzenia. Czeka Cię szalona przejażdżka.
W wywiadzie dla Alu, pierwotnego autora Yukinobu Tatsu i redaktora Shihei Lin wyjaśnili, w jaki sposób dotarli do i tak już prostego materiału źródłowego. Choć obecnie odnosi sukcesy, prawda jest taka, że Dandadan jest wynikiem powtarzających się niepowodzeń w serializacji. Po tym, jak projekty, które starannie zaaranżował, zostały odrzucone, a ich kulminacją było ponowne odrzucenie potencjalnej serii o jiangshi, Tatsu był całkowicie zniechęcony. Jego równie przygnębiona i zdenerwowana rada redaktora była prosta: po prostu rysuj, co chcesz, bez nadmiernego myślenia. Seria, którą natychmiast przełożył na papier, bez żadnego konkretnego planu, miała na celu czystą, podnoszącą na duchu rozrywkę, opracowaną przez autora, który także sam sobie poprawiał humor. Pomimo zajmowania się tematami kojarzącymi się z mrocznymi skojarzeniami, takimi jak okultyzm, i z pewnością nie unikania tragedii w fabułach, Tatsu, co zrozumiałe, chciał stworzyć podnoszący na duchu serial.
Jak od tego czasu wielokrotnie wyjaśniał, fabuła zrodziła się z tropu krzyżowania się fantastycznych wrogów, co następnie zwiększył chaos, zwiększając liczbę imprez i gatunki wrzucane do blendera; nadprzyrodzone i nowe, science fiction przefiltrowane przez klasyczne soczewki tokusatsu, a dlaczego nie osadzić tego w znanym scenariuszu komedii romantycznej? Powód był znowu całkiem prosty: widział własną notatkę o głupim crossoverze horroru Sadako vs Kayako, który wypadł świetnie. Sposób, w jaki łączył mroczne elementy w zabawny pakiet, odpowiadał ówczesnym potrzebom, więc pomaszerował do przodu z czymś, co szybko stało się Dandadanem. Nawiasem mówiąc, ten film jest jedną z wielu parodii otwierających Shingo Yamashita dla CSM – kolejna seria z Lin w roli redaktora. Wyświetlany jest plan wciągnięcia shonenheadów do J-Horrora.
Wiesz też, czym jest prawdziwe kino? Sekwencja otwierająca Dandadan, wyreżyserowana/scenorysowana przez Abla Gongorę, który zapewnił także animację, tła, a także zajmował się komponowaniem i montażem. Kolejny certyfikowany banger od Creepy Nuts, ucieleśniający eklektyczny charakter serii.
Zespół odpowiedzialny za adaptację tej eklektycznej mieszanki jest ciekawy, choć również podatny na nieporozumienia. Jeśli jesteś fanem animacji, prawdopodobnie Twój wzrok od razu przylgnął do nazwy stojącej za projektami kosmitów i youkai: jedynego Yoshimichi Kameda. Jest powszechnie znany ze swojej żwawej animacji i dynamicznego pozowania, czyli cech, które czynią go wiodącym głosem wśród współczesnych artystów w stylu kanadyjskim. Pomimo jego przytłaczającego poczucia obecności, gdy pełnił funkcję reżysera animacji, projekty takie jak Mob Psycho również dowiodły, że chce stworzyć przestrzeń dla innych artystów, aby mogli zaprezentować swój indywidualny głos – nawet jeśli ostatecznie nie zostaną oni przydzieleni w swoich ramach stylistycznych. Jest wyjątkowo dobrym animatorem, który może poprowadzić produkcję na dowolnym poziomie, a… to nie jest to, czym się tutaj zajmuje.
Po przejściu do ten niedawny dla Mantan Web, sam Tatsu potwierdził to, cytując legendarny Ultra projektant Tohl Narita wywarł ogromny wpływ. Łącząc to z jego skłonnością do ekstremalnych deformacji w celu dramatyzacji, przebiegłym rysunkiem, gdy dąży do ilustracyjnego ciosu, oraz anime, które chętnie wykorzystuje celowo niską liczbę rysunków, otrzymujesz koktajl, który całkiem dobrze pasuje do gustu Kamedy. Nawet bez niego jako aktywnego współpracownika Dandadan niewątpliwie będzie w lepszej sytuacji dzięki swojej pracy.
Prawie każdy dział estetyczny jest w podobnie luksusowych rękach. Naszym projektantem postaci i – chociaż nie – głównym reżyserem animacji jest Naoyuki Onda. Sugerowana trójwymiarowość projektów Ondy może być zatrutą pigułką dla nieprzygotowanych produkcji, choć zamiast z własnej winy należy to uznać za pochwałę; czasami jest dosłownie za dobry. Dyrektor artystyczny Dyrektor artystyczny (美術監督, bijutsu kantoku): Osoba odpowiedzialna za grafikę tła serialu. Rysują wiele obszarów roboczych, które po zatwierdzeniu przez reżysera serialu służą jako punkt odniesienia dla tła w całej serii. Koordynacja w dziale artystycznym jest koniecznością – projektanci scenerii i kolorów muszą współpracować, aby stworzyć spójny świat. to prezes Studio Easter Junichi Higashi, który na tym etapie swojej znakomitej kariery jest bardziej skłonny jedynie do nadzorowania pracy innych. Tym razem angażuje się bardziej bezpośrednio, z Yusuke Mizuno jako jego zastępcą i przy wsparciu wyjątkowych projektantów graficznych, takich jak Seiki Tamura z Anime Kobo Basara. Godny zaufania weteran Satoshi Hashimoto zaprojektował paletę wraz z Makiho Kondo; obaj są obecnie związani z WIT, podobnie jak Kameda, choć oszczędzę wam tyrad na temat zmiany sytuacji kontraktowej w branży jako desperackiej próby zabezpieczenia talentów w obliczu nadprodukcji. Splotem wszystkiego będzie fotografiaFotografia (撮影, Satsuei): połączenie elementów wytworzonych przez różne działy w gotowy obraz, obejmujący filtrowanie w celu nadania mu bardziej harmonijnego charakteru. Nazwa odziedziczona z przeszłości, kiedy w tym procesie faktycznie używano kamer. reżyser Kazuto Izumita, który kolekcjonuje prace reżyserów o wyjątkowej wrażliwości stylistycznej, jakby były jego własnymi kamieniami.
Pomimo gwiazdorskiego składu na poziomie koncepcyjnym warto podkreślić, że Dandadan nie jest produkcją wyjątkowo głośną i wymagającą wygodnego planowania; powstał zaledwie dwa lata temu i do tego momentu ma już ukończony przebieg, co jest równie dobrą wskazówką dotyczącą napiętych terminów, jak wynika z chaotycznej animacji. Jeśli wynik jest imponujący, a rzeczywiście jest, nie dzieje się tak dlatego, że zespołowi przetarto łatwą drogę.
Wśród tych wszystkich nazwisk szczególnie interesujący wyróżnia się kompozytor Kensuke Ushio. W wywiadzie dla funkcji Dandadan firmy SWITCH Ushio wyjaśnia, że w jego oczach atrakcyjność tej pracy wynikała z uczucia wszystko jest dozwolone, więc chciał wyrazić tę swobodę i szerokość ekspresji również poprzez ścieżkę dźwiękową. Jego narzędziem do tego byłby Big Beat, gatunek elektroniczny, który charakteryzuje się między innymi różnorodnym wykorzystaniem sampli. Biorąc pod uwagę, że włączanie wcześniej istniejących materiałów do dzieła komercyjnego jest koszmarem związanym z prawami autorskimi, Ushio zamiast tego nagrał własne fałszywe melodie i różne dźwięki, które można wykorzystać w ścieżce dźwiękowej. Chociaż miał na myśli wiele gatunków wymieszanych w Dandadanie, wiele warstw fikcyjnej twórczości złożyło się na brzmienie, które wydaje się nieznane nawet tak wyjątkowemu kompozytorowi jak on.
W miarę postępów ten subiektywny brak rzeczywistość okazała się atutem. Będąc zbyt wielkim strachliwym kotem, aby sam oglądać horrory, opierał piosenki na postrzeganej grozy, która czerpała z rzeczy, które sobie wyobrażał i jego rzeczywistych doświadczeń gdzie indziej; aby wprowadzić szczególnie próżną postać, oparł swoją kompozycję na przykład na piosence, którą zapamiętał jako używaną w reklamie kosmetyków… która ostatecznie okazała się nieistniejąca. Ta mieszanka gatunków, źródeł dźwięku, rzeczywistych elementów i nieporozumień stała się energicznym, ale niepokojącym dźwiękiem, którego potrzebował Dandadan. Chociaż zauważył, że był jedynie kompozytorem, w przeciwieństwie do dzieł teatralnych Naoko Yamady, w których obraz i dźwięk są formułowane w spójny sposób, nie można zaprzeczyć, że włączenie Ushio wzbogaca smak prawa o każdym pracy.
Biorąc pod uwagę liczbę osób na stanowiskach kierowniczych, które przedstawiliśmy, być może zauważyłeś, że wyraźnie brakuje jednego nazwiska. Chociaż nie wymieniliśmy jeszcze Fugi Yamashiro w tym artykule, jest to ktoś, o kim pisaliśmy już wcześniej. W 2019 roku studio Science Saru przygotowywało się na zbliżające się odejście swojego założyciela i lidera Masaaki Yuasy – który nadal wydawał z nimi dzieła po tym wydarzeniu – rekrutując gwiazdy z zewnątrz, a także będąc mentorem dla własnych. Podczas produkcji Eizoukena Yuasy próbowali zmaksymalizować skuteczność tej drugiej strategii, umieszczając dwójkę młodych ludzi z kontrastujących środowisk pod okiem ich doświadczonego przywódcy; strategia, która miała na celu nie tylko przeszkolenie ich z nadrzędnej pozycji, której nowicjusze zwykle nie doświadczają, ale także wykorzystanie różnicy w ich punktach widzenia podczas procesu produkcyjnego. Te dwie osoby to animatorka Mari Motohashi, którą mogłeś znać jako ilustratorkę Nemuri, oraz asystent produkcji Asystent produkcji (制作進行, Seisaku Shinkou): faktycznie najniższa pozycja w rankingu „ rolę producenta, a jednocześnie niezbędny trybik w systemie. Sprawdzają i noszą materiały oraz kontaktują się z dziesiątkami artystów potrzebnych do ukończenia odcinka. Zwykle zajmuje się wieloma odcinkami programów, w które jest zaangażowany. Fuga Yamashiro mający niewielkie lub żadne doświadczenie reżyserskie.
Rozmawia z Gigazine Yamashiro ujawnił wówczas, jak podchodził do swojej roli – właściwie sekretarza Yuasy – i w ogóle do aktu twórczego. Jego zmagania były zrozumiałe dla początkujących reżyserów, którzy nie mieli doświadczenia w animacji; to znaczy, miał trudności z wymyśleniem, jak przekazać dokładnie to, czego chciał, reszcie ekipy, co było wyzwaniem, które animatorzy, którzy stali się reżyserami, w dużym stopniu polegają na swoich rysunkach. Podobnie jego problemy z kompozycją ujęć są powszechne wśród osób, które nie mają tradycyjnego wykształcenia w zakresie animacji. Aby to nadrobić, podwoił swoje indywidualne cechy, które były już wtedy zauważalne, a teraz stały się podstawą jego reżyserii serialowej. Jakby podsumowując to podejście, autor Dandadana upodobał sobie nazywanie go enshutsu otaku, czyli kujonem zajmującym się samym aktem kierowania technicznego.
Kiedy chciał zostać zatrudniony przez Saru, Yamashiro przyłapał go uwagę Yuasy, wyciągając gruby notatnik, w którym odtwarzał sekwencje, które przyciągnęły jego uwagę z różnych mediów (zwłaszcza filmów aktorskich) już od czasów, gdy był studentem. Do dziś regularnie zasadza się na ankieterów, wyciągając go i pokazując im swój słownik technik – coś, co uznał za swoją wyjątkową broń, dzięki której może nadrobić swoje słabości w porównaniu z animatorami z lepszymi umiejętnościami rysowania. Takie studia byłyby czymś naturalnym dla takich artystów jak oni, ale kujonowska pasja Yamashiro przenosi ją na wyższy poziom i zaskakuje każdego weterana, którego spotka. W rozmowie z Switch znany kompozytor seriali Hiroshi Seko przyznał, że nigdy nie widział, żeby ktoś szczegółowo kreślił swoje wybory reżyserskie dla każdej sceny w rogach oryginalnej mangi. Zamiast być tylko ciekawostką, to obsesyjne podejście pozwoliło im uwzględnić wiele z tych wyborów już w scenariuszach, ugruntowując wizję serialu na wczesnym etapie.
Ponownie, podejście Yamashiro było przedmiotem zainteresowania podkreślaliśmy, kiedy był zupełnym nowicjuszem, ponieważ było to już oczywiste. Eizouken #04 precyzyjnie wykorzystuje przypominającą bazę danych wiedzę bohaterki na temat konkretnych metod produkcji, pozwalając jej tchnąć nowe życie w swój własny projekt animacji, pożyczając to, czego nauczyła się od innych. Miłość Yamashiro do filmu wyraża się w duchu, gdy wyświetlają swoje prace publiczności, która zanurza się niczym w micie otaczającym kojarzona z czerwonym, natomiast pierwsi kosmici, których widzimy, są niebiescy — a moc przebudzona do walki z tą dwójką, piękny turkus. Sytuacja staje się monochromatyczna w przypadku kolejnej istoty pozaziemskiej, podczas gdy przyszłe odcinki będą miały różowy, pomarańczowy i zielone specjalnie powiązane z jednym nadprzyrodzonym stworzeniem. Łącząc to wszystko, tworzą chaotyczny obraz, jaki każdy wyobrażał sobie jako Dandadan, ale proces reżysera prowadzący do osiągnięcia tego celu jest niezwykle logiczny. Łączenie analizy artystycznej z ideą „rozwiązania” problemu to błąd, który może prowadzić do ominięcia wielu wyjątkowych dzieł opartych na instynktach, ale jeśli lubisz zastanawiać się nad konkretnymi powodami decyzji reżyserskich, Dandadan może być serialem dla Ciebie.
W trakcie redagowania tego artykułu nowy wywiad z Yamashiro dla Animate Times wyszło na jaw. Reżyser podsumowuje tam swój ideał reżyserski jako taki, w którym nie ma miejsca na ujęcia bez konkretnego znaczenia, gdzie wszystko, co nie sprzyja narracji lub mówi nam coś konkretnego o bohaterach i świecie, jest elementem obcym, który należy wyciąć. Dodatkowo zauważa, że nigdy nie użyłby określonej techniki z niejasnych powodów, takich jak spokój lub po prostu dlatego, że wydaje się to właściwe – wszystko musi mieć dla niego sens, a aby to osiągnąć, potrzebny jest namacalny powód. To właśnie ten sposób myślenia mieliśmy na myśli, mówiąc o nim jako o niezwykle logicznym twórcy i dlaczego podejście do niego jako do autora eksperymentalnego jest, jak sam przyznaje, złym pomysłem; jeśli jest coś radykalnego w Yamashiro jako reżyserze, to właśnie te utylitarne, uporządkowane poglądy na opowiadanie historii.
Porównując pierwszy odcinek – wyreżyserowany i oparty na scenorysie przez samego Yamashiro – z jego odpowiednikiem w mandze, możemy uzyskać lepszą lekturę o tym, jak te idee się manifestują. Anime Dandadan nie traci czasu na przedstawienie swojej pierwszej zasady, jeśli chodzi o adaptację pracy Tatsu, właśnie dlatego, że ma ona wiele wspólnego z samym czasem. Mangę czyta się szybko, w bardzo charakterystycznym tempie, a w oczach reżysera to wesołe kołysanie się między rejestrami nie było zwykłym dziwactwem, ale całą jej tożsamością. W związku z tym anime Dandadan ma alergię na zastrzyki, ograniczone do minimum w taki sposób, że osoba z nietolerancją laktozy haniebnie angażowałaby się w swoją słabość, ale tylko od czasu do czasu. Jednak jedyną poduszką, którą zobaczysz w tym programie, będzie ta na łóżku, po tak wyczerpującym doświadczeniu oglądania zemdlejesz. Tak, to pozytywna ocena.
Jak zauważyliśmy na początku tego artykułu, pomiędzy początkiem a walką pomiędzy zadziorną bohaterką Momo a jej przyszłym byłym chłopakiem nie ma żadnej przerwy. Rytm ten utrzymuje się przez cały odcinek iw nieco mniejszym stopniu pozostanie przez cały spektakl. Aby jeszcze bardziej przyspieszyć mangę i idealnie dopasować jej wpływ w formie anime, Yamashiro zdecydował się zwiększyć gęstość przedstawienia. Oznacza to, że na przykład małe panele tworzące scenę w materiale źródłowym są włączone do akcji w formie anime, dzięki czemu adaptacja może stale posuwać się do przodu. Te ciągłe skakanie z pewnością sprawia, że momentami jest zabawniej, jak na przykład natychmiastowa zmiana między agresywną postawą Momo a jej defensywną postawą.
Oczywiście w czarującym rytmie Dandadana kryje się coś więcej niż tylko bycie szybkim, a to było wyzwanie także dla zespołu anime. Tatsu opiera się na jednej konkretnej formule swoich ilustracyjnych ciosów, której nie ma powodu zmieniać; wielokrotnie w każdym tomie znajdziesz sekwencję, która albo buduje strach dla kilku paneli, albo spuszcza powietrze w podobny sposób przed oczywistą subwersją, w którym to momencie oszałamiającą całostronicową ilustracją. Może mu to uchodzić na sucho, ponieważ jest wyjątkowym artystą, ale nawet przy solidnym zespole adaptacja po prostu nie może konkurować z samymi umiejętnościami rysowania. Zamiast tego Yamashiro decyduje się użyć oświetlenia i ograniczonej widoczności, aby Turbo Babcia ujawniła szokujący moment, włączając kodowanie kolorami, o którym mówiliśmy wcześniej, w kierunku sceny. Nieco na odwrót, Momo zaatakowany przez kosmitów również wykorzystuje rytmiczne ograniczanie widoczności, aby zwiększyć dyskomfort. Na marginesie, przemoc seksualna w pierwszym odcinku/rozdziale wydaje się nie pasować do serii, którą Tatsu chce podnosić na duchu – i wydaje się, że się z tym zgadza, ponieważ szybko się od niej odsunął. Może to być niezręczny artefakt z tych nieplanowanych wczesnych etapów, choć szkoda, że zdarzyło się to w pierwszym odcinku.
Na szczęście niewola Momo jest przykładem także innych interesujących cech. Jeśli wrócimy do pomysłu, że Yamashiro wyciąga pomysły zapisane wcześniej w jego reżyserskim kapeluszu, warto dodać ciekawe zmarszczenie: stara się to robić w sposób, który tematycznie pasuje do konkretnej sceny. Oczywistym przykładem byłoby przedstawienie mocy prania mózgu, które ma przypominać efekty starej serii tokusatsu; w końcu ustaliliśmy już, że wszyscy ci twórcy bardzo pamiętają o tym, że te dzieła stanowią inspirację dla science-fiction, obcej strony Dandadanu.
Kolory zastosowane przez reżysera są być może bardziej oczywiste niż kiedykolwiek jako opętany Okarun, kujonowy współbohater serialu, wkracza, by uratować sytuację; albo raczej zabawnie ponieść porażkę. Jak zasugerowano wcześniej, gdy Momo rozmawiała z nim przez telefon, a z jej telefonu emanowała czerwona poświata , ta walka istot nadprzyrodzonych jest także walką kolorów. Niebieski statek kosmiczny jest skażony tym czerwonym youkai, którego przemoc wywołuje alarm, który diegetycznie rozjaśnia ten kolor w scenie. Kiedy zostaje pokonany, Okarun zostaje rozbity na te panele, co również w sposób organiczny wyłącza światła. A jednak ostatecznie prowadzi to do tego, że inny kolor rozbija przestrzeń i czas i zdominował scenę: turkus Momo, przebudzony jako użytkownik psychiczny. Kiedy pokonuje kosmitów kopnięciem podobnym do tego z początku odcinka, a jej specjalne moce osłabną, wracamy do statek kosmiczny w skali szarości… dopóki youkai nie będą miały kłopotów zabarwią go na czerwono jeszcze raz na chwilę.
Należy zauważyć, że wszystko to jest poparte świetnym scenorysem, który dzięki obsesji Yamashiro na punkcie sensownego przekazu jest zawsze całkiem czytelny. Na przykład pragnienie Okaruna, by ocalić Momo, jest wyrażone przez jego okulary w prosty, ale elegancki sposób; Kiedy wyjaśnia, że na jego desperacką prośbę o przyjaciela nie przybyli żadni kosmici, odbija się na nich puste niebo, ale sytuacja się zmienia, gdy ukazana zostaje przez nich jedyna osoba, która broniła go w szkole. We wcześniejszej części odcinka Momo otwierająca się przed nim opiera się na obrazach, które często widzimy w takich sytuacjach: dosłownie wychodzeniu na światło, odbiciach i w gorzkiej chwili introspekcji, gdy staje twarzą w twarz ze swoim cieniem. W momencie największej potrzeby podczas kulminacji, co służy do przełączania się między wspomnieniami, które odblokowują jej nowe moce? Jeszcze raz cienie rzucane przez jej babcię i ją samą.
Pod koniec odcinka otrzymujemy kilka ostatnich interesujących ciekawostek na temat podejścia Yamashiro. W wywiadach na Switchu zarówno reżyser, jak i scenarzysta wyrazili chęć nie odchodzenia od światopoglądu materiału źródłowego, ale raczej uzupełnienia go poprzez uzupełnienie luk. Wskazali na przykład na nowy pomysł anime, zgodnie z którym statek kosmiczny Serpoian maskował się jako księżyc; coś, o czym nie wspomniano w materiale źródłowym, ale co logicznie pasowałoby do jego świata, a to pozwala również na wbudowanie tego w zabawne elementy serialu.
Chociaż wcześniej rozmawialiśmy o tworzeniu scenorysów, które zwiększają gęstość jako oznacza kontrolowanie tempa, Yamashiro postrzegał to podejście również jako sposób na utrzymanie widza w napięciu. Nie szukaj dalej niż moment, gdy Momo dowiaduje się, że jej nowy przyjaciel ma takie samo imię jak zły aktor, którego jest idolem. Ta pointa pierwotnie opierała się na ilustracyjnej mocy autora, aby sprzedać ją jako tradycyjny moment komedii romantycznej niesionej przez wiatr przelatuje. Dosłowna interpretacja tego mogłaby nie mieć tak dużego wpływu w formie anime, podczas gdy ograniczenie się do bardziej dramatycznej, farsowej prezentacji niosłoby za sobą ryzyko przerwania naturalnego przepływu. Zamiast tego anime zadbało o to, aby statek kosmiczny, który rozbił się w niewyraźnym miejscu w oryginale, tuż za nimi – i huk, ten moment trzepotania serca jest teraz eksplozją. Chociaż w przyszłych odcinkach będzie więcej do odkrycia (i będziemy tu, aby to zrobić, być może pod koniec pierwszego wątku), uważam, że to powinno wystarczyć, aby stwierdzić, czy chcesz dołączyć do tej szalonej przejażdżki, czy nie.
Wspomóż nas na Patreonie, aby pomóc nam osiągnąć nasz nowy cel, jakim jest utrzymanie archiwum animacji na stronie Sakugabooru, SakugaSakuga (作画): technicznie rzecz biorąc, rysunki, ale dokładniej animacja. Zachodni fani już dawno przywłaszczyli sobie to słowo w odniesieniu do przykładów szczególnie dobrej animacji, w taki sam sposób, w jaki robi to część japońskich fanów. Całkiem integralna część marki naszych witryn. Film na Youtube, a także SakugaSakuga (作画): technicznie rysowane obrazy, ale dokładniej animacja. Zachodni fani już dawno przywłaszczyli sobie to słowo w odniesieniu do przykładów szczególnie dobrej animacji, w taki sam sposób, w jaki robi to część japońskich fanów. Całkiem integralna część marki naszych witryn. Bloga. Dziękujemy wszystkim, którzy dotychczas pomogli!
