Witajcie i witajcie ponownie w Wrong Every Time. Wszyscy znosicie tę absurdalną falę upałów, dobrze? Obecnie spędzam czas migrując między dwoma pokojami o kontrolowanej temperaturze, traktując każdy pobyt w zewnętrznym świecie jako coś w rodzaju moonwalk przez bardzo wrogi obcy krajobraz. Który, szczerze mówiąc, schemat, z którym już się zapoznałem z powodu COVID – więc myślę, że od teraz taka będzie przyszłość? Poddaliśmy świat zewnętrzny niezłagodzonej zmianie klimatu i falom pandemii i po prostu musimy zaakceptować to jako nową normalność. Zachwycający! Ale nawet jeśli ludzkość nie może zjednoczyć się w solidarności, aby się ocalić, możemy przynajmniej spotkać się razem, by gadać o niektórych filmach. Przejdźmy więc do tego od razu, biorąc pod uwagę ostatni tydzień przeglądu!
Naszym pierwszym filmem tygodnia był Iron Monkey, film o sztukach walki z 1993 roku. Tytułowa Żelazna Małpa to ludowy bohater, coś w rodzaju Robin Hooda, który okrada skorumpowanego samorządu, by wesprzeć zwykłych ludzi. Kiedy wędrowny artysta sztuk walki (Donnie Yen) i jego syn zatrzymują się w mieście, początkowo zostają zmuszeni do pokonania Iron Monkey. Wkrótce jednak Donnie i Monkey zdają sobie sprawę, że ich dusze płoną z równą pasją sprawiedliwości i łączą siły, aby obalić swoich nikczemnych nadzorców.
Iron Monkey to klasyczna opowieść wykonana z niezgłębioną hojnością, oferująca scena po scenie olśniewająca choreografia sztuk walki. Łącząc mocne sportowe podstawy z ozdobną scenografią i odrobiną wire-fu, walki Iron Monkey są kreatywne, oszałamiające fizycznie i często całkiem zabawne. Absurdalna praca nóg i stalowe spojrzenie Donniego Yena często kradną sceny, ale film jest czymś znacznie więcej niż tylko jego wizytówką – w rzeczywistości zarówno jego syn, jak i siostra Iron Monkey otrzymują własne najwyższej klasy sekwencje, w pełni wykorzystując wielopoziomowe scenografie filmu do tworzenia wędrownych bitew z wyraźnym poczuciem rozmachu. Film łączy w sobie śmiałą prostotę i humor produkcji Shaw Brothers z unowocześnioną skalą i zręcznym drutowaniem, którego kulminacją jest bitwa o szczyty słupów o szalejące piekło. Widziałem sporo filmów o sztukach walki, a jeśli chodzi o gęstość i jakość walk, Iron Monkey stoi ramię w ramię z każdym z nich. Obowiązkowa pozycja dla fanów tego gatunku.
Następna była Velvet Buzzsaw, film fabularny napisany i wyreżyserowany przez Dana Gilroya, scenarzystę/reżysera Nightcrawlera. Nightcrawler był wstrząsającą podróżą do jednego z najgorszych możliwych zawodów, gdy Jake Gyllenhaal przeczesywał ulice Los Angeles w poszukiwaniu przemocy, by wstrząsnąć wiadomościami o szóstej rano. Ten film służył jako zjadliwe oskarżenie głębi ludzkiej natury – ale po obejrzeniu Velvet Buzzsaw nie sądzę, by Gilroy miał zbyt wiele nadziei na jakikolwiek fragment ludzkości.
Film skupia się na sztuce LA LA. scena, podążając za krytykiem sztuki, kierownikiem studia i agentem, gdy odkrywają pełną kolekcję mistrza, który zmarł w zapomnieniu. Choć początkowo zachwycony tą finansową i twórczą gratką, w tej kolekcji zaczynają się kumulować dziwne zdarzenia, po których następuje złowieszczy ślad ciał.
W Velvet Buzzsaw zasadniczo nie ma postaci dających się lubić, choć jest ich wiele. ludzi do nienawiści. Jasne jest, że Gilroy gardzi nijakimi sieciowymi i performatywnymi spektaklami sztuki pięknej, postrzegając to medium jako nic więcej niż szczególnie pompatyczną wersję manipulacji zapasami. Największą pogardę rezerwuje dla krytyka sztuki Gyllenhaala, którego film nieustannie przedstawia jako zasadniczo zastraszającego artystów, dając im złe recenzje. Uczucia Gilroya wobec krytyków są tak ekstremalne i tak małostkowe, że Gyllenhaal w rzeczywistości wznosi się w rodzaj błazeńskiego uroku – pomimo jego kwaśnego języka, jasne jest, że on i inne skazane na zagładę gwiazdy filmu naprawdę kiedyś kochali sztukę, zanim zostali wciągnięci w wysoki poziom. rynek twórców hitów kulturowych.
Szczerze trudno jest określić moje pełne uczucia do Velvet Buzzsaw. Jest wiele scen, w których pogarda dla ludzkości w filmie wydaje się tak ekstremalna, że uprzedza wszelkie znaczące wnioski, tak jakby sam Gilroy podzielał całkowitą obojętność Nightwalkera-Gyllenhaala wobec naszego małostkowego życia. Są też inne, na przykład kiedy wcześniej uznany John Malkovich jest czule ponaglany przez swojego wieloletniego agenta, by znalazł się, gdzie wydaje się, że Gilroy ma ogromną sympatię dla procesu, który zdehumanizował gwiazdy Buzzsawa. Proponowana w filmie dwoistość autentycznej sztuki ulicznej i wysokiej sztuki jest zbyt uproszczona, aby traktować ją jako poważny argument, zwłaszcza że rozumienie sztuki przez Gilroya wydaje się nie wykraczać poza „zrobili z pieprzonej toalety wystawę sztuki”. Ale te chwile równoważą sekwencje prostego, entuzjastycznego uznania dla naprawdę wielkiej sztuki, w całej jej transformacyjnej, a nawet straszliwej mocy. Film jest bałaganem, ale grzebanie w jego szczątkach jest o wiele ciekawsze niż chwalenie po prostu funkcjonalnego obrazu.
Mówiąc o prostych, funkcjonalnych obrazach, nasze następne obejrzenie „Wakat” było właśnie takie. W filmie występują Kate Beckinsale i Luke Wilson jako para na krawędzi rozwodu, ich małżeństwo zostało zatrute przypadkową śmiercią syna. W drodze powrotnej z ostatniego spotkania rodziny, oboje są zmuszeni przez kłopoty z samochodem do wynajęcia pokoju w przerażającym przydrożnym motelu. Tam odkrywają filmy przedstawiające poprzednich lokatorów atakowanych przez nieznanych napastników i wkrótce stają się gwiazdami najnowszego domowego filmu motelu.
Wakat wie, o co chodzi, i kurwa to idzie. Ciasne piętnaście minut na ustalenie podstawowej relacji i założenia, tlące się pół godziny na odkrycie, co dokładnie jest nie tak, a następnie napięty dystans po napiętym dystansie, gdy oboje wspinają się po obiektach, próbując uciec lub pokonać swoich prześladowców. Największą siłą filmu jest inteligentne wykorzystanie scenerii; zwraca się szczególną uwagę na aktywne pole widzenia wrogów, groźba odblokowania okien lub drzwi stwarza nieustanne wrażenie tykającego zegara, a ewentualne wprowadzenie systemu tuneli zamienia cały motel w satysfakcjonujący labirynt dziwnych połączeń i ślepych zaułków. Nic nadzwyczajnego, ale całkowicie pewne tego, co to jest – Vacancy to świetny mały horror-thriller, który ożywi leniwe popołudnie.
Naszym następnym filmem był film o samurajach, wersja Ronina Gaia z 1990 roku. Ten film był podobno tylko jedną z wielu adaptacji oryginalnego filmu niemego, ale trafiliśmy na niego w szczególności tylko z jednego powodu: występują w nim Yoshio Harada (wizualna inspiracja dla Admirała Aramaki z One Piece), Kunie Tanaka (jak również dla Admirała Borsalino). , oraz Shintaro Katsu (podobnie dla admirała Issho). Tylko Harada jest tutaj w roli, która bezpośrednio zainspirowała jego osobowość One Piece, ale wciąż było to nie lada przeżyciem widzieć tak wyraźne inspiracje wizualne na żywo i na żywo.
Sam film jest brutalną opowieścią, grającą przypomina bardziej cyniczną wersję Seven Samurai. Podczas gdy lokalny szlachcic wykonuje egzekucje dziewcząt z biednego burdelu dla własnej rozrywki, rezydent ronin hem and haw rozpacza nad ich upadłym statusem, ale odmawia wezwania tej ostatniej szansy na ucieleśnienie cnót samurajów. W filmie pojawia się poczucie zasłużonego zmęczenia, a główni bohaterowie świetnie ilustrują różne ślepe uliczki post-chwały, od chaotycznego gniewu Harady po desperackie targi Tanaki. Czułem, że środkowy odcinek był odrobinę powtarzalny w serii podobnych morderstw, ale elektryzujące zakończenie trzech samurajów stojących twarzą w twarz ze stu mężczyznami więcej niż wynagrodziło takie spory. Całkowicie skuteczny film o samurajach z bonusem dla wszystkich fanów One Piece.
Naszym ostatnim elementem tygodnia było doświadczenie niepodobne do żadnego innego, zapierający dech w piersiach MAD BÓG. Film jest dziełem miłości mistrza animacji poklatkowej Phila Tippetta i przedstawia wstrząsającą wizję świata zniszczonego przez okrucieństwo i wojnę. Bezimienny odkrywca zostaje zesłany w dół, w głąb brutalnego królestwa boga, jego misja jest niepewna, mapa rozpada się w jego rękach. W tych głębinach nie ma pociechy ani usprawiedliwienia; tylko jedno przerażające stworzenie lub piaskowane ruiny po drugim, wznoszące się w dal niczym zanikające świadectwa szaleństwa ludzkości.
Nie mając praktycznie żadnej otwartej narracji, która by zagmatwała sprawy, MAD BÓG postępuje jak podróż przez dziewięć kręgów piekielnych, podczas których jeden lub drugi podróżnik jest świadkiem doprowadzającej do szaleństwa procesji straszliwych cudów. Film jest celebracją niezrównanej dotykowej formy animacji poklatkowej, olśniewającej zarówno szeroką gamą potworności, jak i niewyobrażalnie ozdobną scenografią. Na przemian klaustrofobiczny i przerażająco rozległy w swoim zakresie, MAD BOD wydaje wystarczająco przerażających koncepcji i projektów w dowolnym pięciominutowym odcinku, aby w pełni wypełnić twój przeciętny horror, zanim skieruje swój wzrok na nowy zestaw cudów. Nieustannie wywołując poczucie zarówno fatalizmu, jak i podziwu, przywołuje wrażenie po prostu dawania świadectwa upadłemu światu, jakiego nie widziałem, co wymaga przejścia do dzieł Dantego lub Cormaca McCarthy’ego w celu uzyskania rozsądnego punktu porównawczego. Absolutnie niezbędna praca dla każdego entuzjasty animacji.