Tomohiro Furukawa czerpie z filozofii i metod życia legend, takich jak Mamoru Oshii, Hideaki Anno i jego mentor Kunihiko Ikuhara. Rekonstruuje ich nauczanie i wpływy z niezliczonych dziedzin w unikalny, ekscytujący styl — to jest Revue Starlight The Movie i to, co nazywa anime zorientowanym na doświadczenie.
Niezbędna umiejętność dla każdego Reżyserem jest umiejętność opowiedzenia mamie o filmie, który obejrzeli pewnego dnia i sprawienia, by brzmiał interesująco. To zabawne słowa żywej legendy Mamoru Oshii i coś w rodzaju mantry dla Tomohiro Furukawy, który zaczął zdawać sobie sprawę z tego, jak mocno współbrzmiały z nim po jego karierze reżyserskiej. wystartował.
W końcu to jedno zdanie zawiera w sobie całe jego podejście do procesu twórczego. Na początek podkreśla siłę prezentacji, aspekt, który słusznie uważa za swoją największą siłę. Podobnie jak Oshii, Furukawa jest dobrze oczytanym maniakiem filmowym z najbardziej eklektycznym zestawem wpływów, jakie można sobie wyobrazić, z których wszystkie entuzjastycznie przepakuje do swoich prac. Słowa Oshiiego uderzyły nawet w sedno, jeśli chodzi o uświadomienie sobie, że Furukawa jako reżyser początkujący: nie tylko publiczność musi być zaangażowana, ale także zespół, który to robi. W końcu mama w analogii to nie tylko twoi odbiorcy, ale także twoja ekipa i do pewnego stopnia ty sam. I tak, gdy wpadł na pomysł kontynuacji Revue Starlight, szybko znalazł odpowiedni kąt, by zająć się filmem podsumowującym Rondo Rondo Rondo i jego spektakularnym Revue Starlight the Movie. Zostałoby to sformułowane w linijce wypowiedzianej przez bohaterów jako wstęp do ostatniego filmu, a także w trakcie jego trwania: „jesteśmy już na scenie” – my, która rozciąga się na wszystkich przed, wewnątrz i za ekranem.
W tej chwili Furukawa zajmuje dziwną pozycję. Z jednej strony jest celebrowany przez ikony przemysłu i najbardziej renomowani dziennikarze anime jako destrukcyjny reżyser, tak oddany swojej unikalnej wizji, że potrafi wprowadzić awangardową animację na coraz bardziej restrykcyjną scenę komercyjną. Z drugiej strony, wciąż jest nieznany opinii publicznej, ponieważ kierował tylko jednym własnym projektem, a przywiązanie do masowo produkowanej fabryki rozrywki, takiej jak Bushiroad, oznacza, że nie jest narażony na podobnie myślącą publiczność artystyczną, ale raczej na młodszych widzów którzy nie są przyzwyczajeni do jego niestandardowych metod. A jednak nie jestem pewien, czy przeskoczyłbym na inną oś czasu w nadziei, że jego kariera potoczy się inaczej. Furukawa nie zdaje sobie sprawy z rozmiarów swojej rozkosznej dziwności, o czym świadczą jego przypadkowe wyjaśnienia, że czerpanie z XVI-wiecznych malarzy i niszowych filmów, które nigdy nie zostały wydane w Japonii, jest po prostu normalne, Furukawa przynajmniej wie, że oferuje coś radykalnie innego niż czego jego widzowie myślą, że chcą — i zamierza wykorzystać tę niedopasowanie, aby zaprezentować im nowe doświadczenia.
Na początek ważne jest, aby ustalić, skąd tak niekonwencjonalny reżyser czerpie swoje wpływy; nie tylko dlatego, że ważne jest zrozumienie jego niekonwencjonalnych stylistycznych kotletów, ale dlatego, że jest to ważne dla niego jako osoby. Na szczęście, jako szczery i kompetentny przedstawiciel branży, Furukawa miał okazję podzielić się swoimi inspiracjami w wielu punktów sprzedaży. Poruszył takie tematy, jak manga shoujo z lat 70. i 80. z elementami BL, które pożyczył od swojej matki, co jego zdaniem osłabiło jego postrzeganie płci jako czynnika romansu, jednocześnie dając mu zamiłowanie do pięknej szlachetności – dwa. aspekty, które wciąż można mocno wyczuć w jego obecnej pracy. Nawet szczegóły, takie jak jego teza o historii architektury katedry w Canterbury, są namacalne w jego twórczości, jako kogoś, kto polubił proces projektowania scenografii jako być może ważniejszy sposób opowiadania historii niż samo pisanie; zwłaszcza po tym, jak zauważył, że reżyserzy, na których się podziwiał, nie czuli potrzeby nawet rysowania postaci, aby nam o nich opowiedzieć.
Bez względu na to, jak szerokie mogą być jego zainteresowania, jasne jest, że nie byłby robi anime, gdyby nie reżyserzy, których podziwia, dlatego poświęcił im tak wiele pochwał. Od Shigeyasu Yamauchiego, pierwszego reżysera, który zwrócił jego uwagę Saint Seiya: Legenda Karmazynowej młodości, po Takuyę Igarashiego, którego wydajność i niesamowita umiejętność stworzenia własnego obrazu, przy jednoczesnym trzymaniu się światopoglądu istniejącego dzieła, zafascynowały Furukawę; tak bardzo, że próbował odtworzyć storyboardStoryboard (絵コンテ, ekonte): Plany animacji. Seria zazwyczaj prostych rysunków służących jako wizualny scenariusz anime, rysowanych na specjalnych arkuszach z polami na numer cięcia animacji, notatkami dla pięciolinii i pasującymi do nich linijkami dialogów. Więcej o Futari wa Pretty Cure #08 obsesyjnie oglądającym go ujęcie po ujęciu.
Jeśli jednak mówimy o jego największych inspiracjach, nie ma wątpliwości, że musimy porozmawiać o reżyserach takich jak Hideaki Anno, którego rytm Furukawa wciąż rozbrzmiewa w jego twórczości, a także o wspomnianym wcześniej Oshii – tak blisko filozoficznej ikony, jak w animacji. To dzięki studiowaniu jego dzieł i współpracy z podobnymi reżyserami doszedł do interpretacji ich mantry kontroli informacji: koncepcji nierozerwalnie związanej z wybór materiału w wyrazie do niego, do tego stopnia, że stał się nieufny wobec czysto tematycznych odczytań dzieł takich idiosynkratycznych reżyserów; po co w końcu przyjmować ten kąt, skoro widział, jak zmieniają swoje tematy, aby dostosować się do ich środków wyrazu? A jeśli chodzi o proces wyboru idealnego materiału do wyrażenia tego, co masz do powiedzenia, lub kształtowania tego, co masz do powiedzenia, aby pasował do preferowanego materiału, nie ma nikogo lepszego niż jego mentor: Kunihiko Ikuhara. Gdybym jednak właśnie przedstawił Furukawę jako ucznia Ikuhary, jego przeszłe ja mógłby czuć się nieswojo. Ta skomplikowana relacja jest również namacalna w jego pracy.
Nie można zaprzeczyć, że Furukawa jest uczniem Ikuhary. Nie ma ochoty tego ukrywać i chwali swojego nauczyciela przy każdej nadarzającej się okazji, nawet gdy wyśmiewa się z tego, jak urocza może być jego nieszczera zrzędliwość. Jasne jest, że ma głębokie zrozumienie Ikuhary w sposobie, w jaki nawiązuje do dziwnie przeoczonych jego cech — takich jak jego niezrównane umiejętności harcerskie i chęć otaczania się młodymi twórcami, których warto posłuchać, bez narażania na szwank niepowtarzalnego klimatu Ikuhary, co zawsze podkreślaliśmy na tej stronie. Furukawa często nawiązuje do niego jako swojego mentora z najwyższym szacunkiem, zamiast nawet wypowiadać jego imię, ale jeśli jesteś uważnym fanem, być może zauważyłeś, że robi to teraz. W swoim wywiadzie z Yuichiro Oguro dla 16. wydania AnimeStyle, Furukawa otworzył się na ten temat bardziej niż zwykle. Chociaż zawsze bardzo go podziwiał i zasadniczo wzorował sposób, w jaki tworzy animację po zarządzaniu zasobami i personelem Ikuhary, Furukawa nienawidził pomysłu, że ludzie zgrabnie wpisaliby go jako wyznawcę Ikuhary i pozwolili sobie przestać myśleć dalej; wszelkie niuanse i cechy osobiste, stracone dla łatwości etykiety.
To naprawdę zepsuło mu drogę, nie tylko jako kogoś z ogromnym zestawem wpływów, ale być może także na bardziej filozoficznym poziomie. Dla kogoś, kto czerpie elementy z niezliczonych dzieł i dziedzin, Furukawa nie interesuje hołdów jako bezpośredniej rekreacji. Zamiast tego przechowuje wszystko, co przyciąga jego wzrok, jako wiązki informacji i technik. Proces twórczy polega, przynajmniej dla niego, na przekształcaniu, dodawaniu i odejmowaniu tych wcześniej istniejących elementów, aby pasowały do nowych scenariuszy – i warunku sukcesu, budowania czegoś, co wydaje się całkowicie wyjątkowe z tych zatomizowanych wpływów. Nazywanie go po prostu wyznawcą jednej konkretnej osoby jest zatem sprzeczne z jego wizją pracy. A prawda jest taka, że można wyczuć to tarcie w jego pracy; kiedy po raz pierwszy powierzono mu projekt z teatralnymi dziewczynami, które miałyby ze sobą walczyć, szybko pomyślał o stworzeniu im strojów podobnych do tych z Róży Wersalskiej… zanim szybko zrezygnował z tego pomysłu, myśląc, że ludzie od razu założą stowarzyszenie Utena i powróć do tych uprzedzeń zwolenników Ikuhary.
W końcu to, co skłoniło go do zmiany sposobu myślenia, to właśnie ten projekt. To nie tak, że Revue Starlight wywołała rewelację, ale raczej to, że wyreżyserowanie serialu uświadomiło mu, jak niesamowity i głęboko wpływowy był naprawdę Ikuhara. Jego mentor dał mu szansę, gdy nie miał żadnego doświadczenia w rolach reżyserskich i praktycznie nauczył go podstaw, pozwalając mu stać się częścią młodego grona głównych dyrektorów Mawaru Penguindrum. A do czasu Yurikumy Arashiego, miał go już u swojego boku jako asystent reżysera serialuReżyser serii: (監督, kantoku): Osoba odpowiedzialna za całą produkcję, zarówno jako twórcza decyzja-twórca i ostateczny przełożony. Przewyższają resztę personelu i ostatecznie mają ostatnie słowo. Istnieją jednak serie z różnymi poziomami reżyserów – dyrektor naczelny, zastępca reżysera, reżyser odcinka serialu, wszelkiego rodzaju niestandardowe role. Hierarchia w tych przypadkach jest scenariuszem dla każdego przypadku. Prowadząc własny projekt wyjaśnił Furukawie, ile jest winien swojemu mentorowi, do tego stopnia, że całkowicie przyćmił niechęć do etykiet. Jednocześnie jednak ten podziw zdaje się go oślepiać na fakt, że inspiracja działa w obie strony. Ponieważ Ikuhara był tak fundamentalny, jak Ikuhara był w procesie odkrywania jego stylu przez Furukawę, ten ostatni był również kluczem do udoskonalenia i ewolucji jego podziwianego mentora.
W jednym z tych zabawnych przykładów Furukawa żartując o zrzędliwości swojego mentora, wspomniał, że jednym z niewielu aspektów, za które otwarcie go chwalił, było jego ucho eufonię i jego mistrzostwo w grze słów. Jak zwykle ocena Ikuhary była trafna w kwestii pieniędzy. Dzięki pracom takim jak Kaze Densetsu: Bukkomi no Taku Furukawa zasmakował w zdaniach i motywach o tak silnej obecności, że czują, jakby fizycznie istniały w pracy, nawet jeśli nie są diegetycznie złożony do niego. Dla reżysera, który zorientował się, że chodzi o wybór materiału, naturalnie rozciąga się to na dostarczenie tych motywów poprzez projekt graficzny i efekty wizualne, kluczowe elementy pracy Furukawy. Od memetycznych linii, do których szybko przyczepiła się grupa fanów — To jest Tendou Maya, Jestem Reborn, użycie Starlight jako czasownika — do Niepowtarzalny wizerunek Yuto Hamy, jego styl jest chwytliwy w sposób, który zaskoczył nawet jego mentora. Dotyczy to nawet jego nadchodzącej pracy; chociaż nie ma jeszcze nawet oficjalnego tytułu, estetycznie przyjemne dźwięki Love Cobra, głupkowatych kalamburów, a powracająca ikonografia Hamy zdołała namalować niezapomniany obraz zasadniczo z niczego. Mów o emanującej charyzmie.
Chociaż ikonografia zawsze była dość ważnym aspektem dla Ikuhary, wydaje się, że chwalił oko – i ucho Furukawy – ponieważ te motywy pochodzą z bardzo autentycznego miejsca, biorąc pod uwagę to, jak bardzo zaczął kłaść nacisk na ten rodzaj obrazów i dźwięków, odkąd zaczęli razem pracować. Od strategii przetrwania Penguindrum i kultowego projektu graficznego Wataru Osakabe po symbole ア Sarazanmai, ta obsesja przetrwała nawet wtedy, gdy ich harmonogramy tak bardzo ich rozdzieliły. że te motywy mogą być pierwszą rzeczą, która przychodzi na myśl, gdy myślisz o współczesnej twórczości Ikuhary. Być może zaślepiony jego wzmocnionym podziwem, Furukawa nie widzi na ekranie niczego poza osobowością Ikuhary, kiedy ogląda jego prace; i może ma rację, ale wierzę, że do tej pory stał się jego integralną częścią.
Ale poza wywołaniem tej zmiany nastawienia do własnej twórczej linii, jak poszło Revue Starlight? Jeśli śledzisz tę stronę, wiesz, że uznaliśmy ją za szalenie zabawną serię, która nie może w pełni wykorzystać jej potencjału. Pomiędzy poważnymi walkami produkcyjnymi, które przetrwali tylko dzięki kluczowemu wkładowi młodych indywidualnych animatorów za granicą – niepokojący sposób na wyprzedzenie swoich czasów – a nierównymi łukami postaci, wydawało się, że nie jest to arcydzieło, jakim mogło być. Revue Starlight to seria o dziewczynach ze sceny rywalizujących o chwałę najwyższego miejsca w równych częściach Takarazuka i surrealistyczna fantazja. Jego obsada jest zgrabnie ułożona w pary i tria o wspólnym motywie, ale te nie zostały stworzone równe, a centralna para z większymi butami do wypełnienia spadła w oczach wielu; jak na serial, który w gruncie rzeczy sprowadza się do walki o charyzmę, nie udało się odpowiednio sprzedać postaci, które ostatecznie znalazły się na szczycie, co pozostawia gorzki posmak nawet w ekscytującym finale.
Biorąc pod uwagę Można by pomyśleć, że to postać Furukawy, która szybko przeniesie się do zupełnie nowych projektów, ale propozycja, by kontynuować Revue Starlight z kilkoma filmami – ulepszonym podsumowaniem i odpowiednią kontynuacją – stała się dla niego kuszącym pomysłem. Bushiroad zaprojektował franczyzę jako szeroką własność multimedialną z aktorkami, które grają postacie w musicalach, a także wyrażają je w anime, i to właśnie rozmawiając z nimi, Furukawa stawał się coraz bardziej świadomy powracającego tematu aktorstwa. Grali fikcyjną postać, ci grali postać ze swojej sztuki, i czy wszyscy nie grali również postaci samych siebie?
Rozmawiałem z Momoyo Koyamą, aktorką za główną bohaterką Karen Aijo, było dla niego szczególnie pouczającym doświadczeniem. Koyama opowiedział o swoich zmaganiach, by dostać się do butów Karen; jak jako nieco pesymistyczna osoba walczyła o to, by stać się nieskazitelną, bystrą protagonistką. Karen jest ucieleśnieniem protagonisty, ale to tarcie między wadliwą ludzką naturą aktora a rolą, która wydaje się tak sztucznie idealna, sprawiło, że zaczął się zastanawiać – co, jeśli Karen też grała? Ten impuls skłonił go do zagłębienia się w postać, odsłaniając jej zmartwienia, a nawet hipokryzję, którą zakończył oryginalną serię. I tak oto mamy Revue Starlight The Movie, opowieść o śmierci i odrodzeniu Karen: zniknęła dziewczyna, która po prostu chciała zagrać w jednej konkretnej sztuce u boku swojej przyjaciółki, odrodzona jako prawdziwa aktorka, która tęskni za sceną.
Jak już ustaliliśmy, to, co mówi Furukawa, jest prawie drugorzędne w stosunku do tego, jak to mówi, więc musiał również wymyślić właściwy sposób podejścia do produkcji. Reżyser nawiązał do nadprodukcji anime jako jednego z ważnych czynników, argumentując, że jeśli doświadczeni reżyserzy i duże studia już odczuwają ból Jeśli chodzi o zebranie znanego zespołu, który potrafi stworzyć konsekwentnie dopracowaną tradycyjną animację, ktoś taki jak on nie ma żadnych szans. Po usunięciu tego z obrazu postanowił wykorzystać swoje mocne strony, tworząc coś, co nazwał filmem zorientowanym na doświadczenie. Furukawa czule spogląda na swoich wspomnianych idoli, na ich prace z lat 90., które pozostawiły na Tobie bardzo silne wrażenie, nawet jeśli nie mogłeś śledzić wszystkich narracyjnych bitów. Podjął w pełni świadomą decyzję, by pójść wbrew trendowi podkreślania fabuły i gadatliwych wątków, tworząc bardziej satysfakcjonujący film. Takie, które bardziej przemawia do zmysłów niż do bazy danych w mózgu, katharsis najlepiej odczuwalne podczas fizycznego przebywania w teatrze — w końcu jest to przedstawienie o byciu na scenie.
Można to poczuć od razu. Pierwsza sekwencja w filmie nie była tak naprawdę w scenariuszu, ale Furukawa poczuł potrzebę natychmiastowego przyciągnięcia uwagi widza najbardziej satysfakcjonującym pomidorem, jaki kiedykolwiek odczuliśmy w animacji. Choć może się to wydawać przypadkowe, pomidory są prawdopodobnie najważniejszym motywem w całym filmie i to właśnie z powodów Furukawy. Revue Starlight notorycznie zawsze przedstawiała gadatliwą żyrafę jako awatara dla publiczności, a zagłębiając się głębiej w dynamikę sceny, Furukawa doszedł do wniosku, że nie tylko wykonawcy, ale także widzowie dobrowolnie dają się spalić i zostać pochłoniętym. Aby przedstawić ten pomysł w dość prosty sposób, scenariusz zawierał scenę, w której dziewczyny jadły mięso żyrafy. Uważając ten scenariusz za odrobinę zbyt groteskowy, Furukawa wyciągnął ze swojej niekończącej się listy inspiracji i zapamiętanego malarza Giuseppe Arcimboldo, który często z warzyw konstruował portrety ludzkie. W ten sposób pomidory stały się sercem widowni i samym filmem, a scena, która mogła być nieco niesamowita, stała się znacznie bardziej zapadającym w pamięć koszmarem. Och Furukawa, nigdy się nie zmieniaj.
Wszystkie motywy w filmie mają podobny wzór. W końcu to podejście zorientowane na doświadczenie jest niczym innym jak praktycznym zastosowaniem filozofii animacji, którą zaczerpnął od swoich idoli, wykorzystującej połączenie wpływów do napędzania nieustannego spektaklu. Revue Starlight The Movie to ekscytująca przejażdżka, która ponownie wykorzystuje elementy ze wszystkiego między Lawrence z Arabii a Mad Max Fury Road, zawsze podążając za jego formułą dodawania i odejmowania tych fragmentów. Na przykład konfrontacja Junny i Nany wykorzystuje scenografię z filmu Mishima – A Life in Our Chapters z 1985 roku, w którym przedstawienie Kinkakuji otwiera się na pół i oślepia postać. Jak się okazuje, oślepiające światła zawsze były motywem dla Nany, reprezentującym blask pierwszego etapu, na którym stała ze swoimi przyjaciółmi – tego, z którego walczyła, by przejść dalej i którego nigdy więcej nie będzie w stanie pojąć. To dało mu wymówkę, by użyć z natury fajnej techniki inscenizacji w nowy sposób, który pasuje do jego własnego scenariusza; a gdyby tak się nie stało, mógłby po prostu to zmienić, by dać sobie dobrą wymówkę, żeby to zrobić. W końcu niezapomniane wrażenia są najważniejsze.
Oglądanie Revue Starlight The Movie to atak na zmysły w najlepszy możliwy sposób, ponieważ ekran jest zalany pomysłami Furukawy, a bombastyczny dźwięk im towarzyszy. Podczas gdy pisanie wydaje się bardziej przejmujące dzięki dalszej uwadze, jaką zespół poświęcił dynamice sceny, to nie więcej słów na papierze sprawiło, że tak wielu ludzi zakochało się w filmie, ale raczej nieskrępowane zaangażowanie Furukawy w jego największe mocne strony. Dynamika postaci, którą ludzie już pokochali w serialu, nigdy nie była zbudowana na szczególnie złożonym pisaniu, zamiast tego polegała na wizualnej charyzmie, obecności na scenie i przyciągającym wzrok kierunku, który nadał im Furukawa. Ten film jest odważną eskalacją tego przez reżysera, który przyznaje, że nie potrafi opowiedzieć historii w prosty sposób, ale którego wyobraźnia i kreatywna amunicja mogą zabrać Cię w niekończącą się oszałamiającą jazdę; i to nie przesada, biorąc pod uwagę, że nawet po pozostawieniu wielu pomysłów na talerzu, Furukawa miał prawie trzygodzinne koncepcje zaplanowane na ewentualne dwie godziny czasu pracy tego filmu.
To pocieszające, że zespołowi udało się osiągnąć sukces coś, co choć częściowo wynika ze stanu branży, jest tak pięknie anachroniczne, jak wyobrażał sobie to Furukawa. Jednak nie wszyscy w końcu podzielają to poczucie sukcesu i to po raz kolejny odnosi się do filozofii reżysera. O ile towarzysze broni, widzowie i dziennikarze chwalili film Revue Starlight jako oszałamiający sukces, Furukawa wielokrotnie powtarzał w jego oczach, że jest to rodzaj żałosnej porażki; może taki, który jest dumnie destrukcyjny w swoich celach, głośny i chwytliwy w wykonaniu, ale ostatecznie przygnębiony przez jego rzekomą niezdolność do spełnienia swojej wizji i potencjału swojego zespołu. Nieskazitelne uznanie krytyków tylko go zdezorientowało, do tego stopnia, że próbuje odtworzyć cechy, które ludzie widzą w jego pracy na podstawie tej krytycznej oceny, ponieważ sam ich nie widzi.
Aby Chciałbym, żeby Furukawa mógł kiedykolwiek zrobić coś, co uzna za sukces, obawiam się, że nawet jeśli jest w stanie osiągnąć jeszcze więcej niż już, to jego wrażenia zawsze będą zabarwione żalem. Gdyby zajmował się tym biznesem, aby skupić się na opowiadaniu pełnometrażowej historii lub dopracowanej animacji, mógłby osiągnąć coś bardziej namacalnego i przekonać samego siebie, że odniósł sukces. Jednak jako filmowiec zorientowany na doświadczenie goni za pomysłem. Jako jednostka, jego celem jest dopasowanie do pogłosu swoich idoli, tych, które skłoniły go do realizacji animacji. A tych nigdy nie możesz pojąć. Oto bardziej fascynujące rzekome niepowodzenia!
Motto Revue Starlight The Movie to Wi(l)d Screen Baroque. To gra słów między szerokoekranowym barokowym podgatunkiem science fiction, który lubił jako zapalony czytelnik, a koncepcją dzikiej scenki – jednym z pierwszych wątków filmu, który przedstawia aktorów i ich głód wprost zwierzęcy sposób. To także nawiązanie do szerokiego formatu obrazu, jaki wybrał reżyser, jako wielkiego fana formatu, oraz do jego kompatybilności z obrazami pociągu i pustyni. Takim typem reżysera jest Furukawa i jakim reżyserem nadal będzie.
Wspieraj nas na Patreon, aby pomóc nam osiągnąć nasz nowy cel, jakim jest utrzymanie archiwum animacji w Sakugabooru, SakugaSakuga (作画): Techniczne rysowanie obrazów, ale dokładniej animacja. Zachodni fani już dawno przywłaszczyli sobie to słowo, aby odnosić się do przypadków szczególnie dobrej animacji, w taki sam sposób, jak robi to podzbiór japońskich fanów. Całkiem integralna część marki naszych witryn. Wideo na Youtube, a także SakugaSakuga (作画): Technicznie rysuję zdjęcia, ale dokładniej animację. Zachodni fani już dawno przywłaszczyli sobie to słowo, aby odnosić się do przypadków szczególnie dobrej animacji, w taki sam sposób, jak robi to podzbiór japońskich fanów. Całkiem integralna część marki naszych witryn. Blog. Dziękujemy wszystkim, którzy do tej pory pomogli!
