10 lat temu Toei Animation wydało Nijiiro Hotaru: Rainbow Fireflies, oszałamiającą kulminację długiego produkcja honorująca kultowe dzieła z ich przeszłości i siłę tradycyjnej animacji. Dziesięć lat później utrata takich projektów zagraża przyszłości studia.
Toei to konglomerat rozrywkowy, z którym żadne studio anime nie może się równać, a pod pewnymi względami żaden z jego rówieśników nie powinien mieć nadziei być porównanym do; bo tak kolosalne jak ich dziedzictwo w anime, ten ogromny ślad rzuca również pewne czarne jak smoła cienie, zarówno na frontach pracy, jak i kreatywności. W ciągu ostatnich 7 dekad ich dział animacji przekształcił się w giganta, jakim jest teraz. Taki, który jest w stanie wyprodukować wiele jednoczesnych, niekończących się światowych hitów i, jak mogą teraz zaświadczyć widzowie One Piece, również wykonuje z nimi fantastyczną robotę, gdy te tytuły są dobrze zarządzane. Jak pamięta więcej doświadczonych fanów tej samej serii, ich model może również przekładać się na ciągłą stresującą pracę i wynik, który wydaje się istnieć tylko z bezwładności i potrzeby dostarczania produktu co tydzień.
Podczas gdy przemysł anime przygnębiająco zmierza w kierunku przyszłości, w której studia to niewiele więcej niż linie montażowe, Toei jest doświadczonym weteranem, dla którego taki wynik nie jest niczym nowym. Byli traktowani jako tacy przez wiele lat, ale wciąż potrafią połączyć wystarczająco dużo kreatywnych samorodków w ramach tych komercyjnych zobowiązań, aby powstrzymać cynizm przed całkowitym przejęciem. Może to być niepewna równowaga, ale Toei znalazł formułę, która pozwala im spełnić te wymagania, jednocześnie łącząc niezapomnianą pracę i wychowując jedne z najbardziej błyskotliwych młodych umysłów w anime. Powtarzające się cykle z Sailor Moon, Doremi, Ashita no Nadja i przez Precure, z Kunihiko Ikuharą, Mamoru Hosodą, Takuyą Igarashi, Rie Matsumoto i Haruka Kamatani — te pozytywne wzorce nie są szczęśliwym przypadkiem. Nigdy nie można brać ich za pewnik w jednej konkretnej serii, ale jest jedna rzecz, która jest pewna od dziesięcioleci: zawsze będzie coś bardzo interesującego wydarzyć się w ogromnych halach Toei.
Tutaj sztuczka, z Oczywiście jest to, że Toei ma wentyle ucieczkowe dla tej stłumionej, radykalnej kreatywności. Chociaż możliwe jest podejście do tych popularnych, długotrwałych tytułów, z których studio jest znane, z większą ambicją i kreatywnością niż jest to normalne, a kultura studia zachęca do tego odważnych reżyserów, można zrobić tylko tyle, aby popchnąć ścisłe granice popularnego anime akcji lub ogromnej franczyzy, która musi nadal sprzedawać plastik. Często to najbardziej idiosynkratyczni reżyserzy zajmują się kultowymi odcinkami flagowych tytułów Toei, ale gdyby to było wszystko, nad czym mogliby pracować, ich kariera w studiu byłaby raczej krótka. Nawet jeśli zdarza się to tylko od czasu do czasu, niezwykle wyjątkowi artyści muszą zostać uwolnieni z kajdan, dlatego Toei wydawało się, że warto mieć zawsze alternatywy na boku, gdy ewoluowali w kierunku rzeczywistości linii fabrycznej. Jednym z takich projektów, wydanym 10 lat temu, był niezapomniany Nijiiro Hotaru — tęczowe świetliki.
Nazwa Konosuke Uda z pewnością nie jest tak efektowna jako rówieśnicy, jak Ikuhara czy jego wzór do naśladowania Junichi Sato, który zasłużył sobie na miejsca w kanonie największych reżyserów wszech czasów Toei. Jednak brak renomy publicznej lub krytycznej nie sprawia, że niczyja kariera staje się mniej ważna. Po pierwsze, nikt inny nie może pochwalić się tym, że jest pierwszym reżyserem One Piece… chociaż jeden Goro Taniguchi może ubiegać się o własność pierwszej roli kantoku w serialu, ponieważ wyreżyserował pilota kilka dekad później doprowadziła do powstania One Piece Film Red. Najlepsze dzieła Udy w różnych przestrzeniach gatunkowych, takie jak Lovely Complex, Ginga e Kickoff i MAJIN BONE nie są ani komercyjnymi megahitami, ani twoją prototypową ulubieńcem krytyków , ale są to prace, które ludzie czule pamiętają. Jako reżyser, który na początku swojej kariery znalazł się zagubiony i pozbawiony motywacji, pracując pod okiem wspomnianego wcześniej SatoJun – i wszechczasów mistrz w wstrzykiwaniu zabawy w schematyczne scenariusze, z którymi możesz się spotkać w Toei – bardzo naenergetyzował Udę, który od tego czasu potem konsekwentnie udawało się przekazać tę radość publiczności.
W tej karierze cichej, znaczącej wyczynów i przyjemnych, ale nie nadzwyczajnych dzieł, jest jeden główny wyjątek. Ten, który warzył się od 2007 roku, kiedy producent Atsutoshi Umezawa zwrócił się do Udy zaproponować mu film inspirowany powieścią, którą niedawno przeczytał. Umezawa, który dołączył do studia w erze Toei Doga i nadal znajduje czas na dziwne małe projekty nawet po na emeryturze, udało mu się złożyć bardzo kuszącą ofertę. Aby to zrobić, najpierw sprzedał pomysł przełożonym, przekonując ich, że nadszedł właściwy czas, aby oddać hołd tym historycznie znaczącym filmom Toei Doga z jego młodości z duchowym następcą w pełni sfinansowanym przez studio.
Umezawa był wtedy w stanie przekazać tę być może jedyną w życiu okazję reżyserowi takiemu jak Uda: twórczą wolność, o ile stworzył coś godnego spuścizny studia, z głośnym zespołem i dużo czasu do jego dyspozycji. Podczas gdy po długim procesie – 2 lata na animację, 3,5 na całą produkcję i prawie 5 na wydanie – przełożeni w końcu mieli dość i zażądali gotowego produktu, ta presja nie wystarczyła, by pójść na kompromis film, który mierzy się z największymi osiągnięciami Toei w animacji. W rzeczywistości bardzo niewiele anime może się równać z tym, co osiągnął ten zespół.
Jak wyjaśnił Uda w AnimeStyle002 chociaż założenie projektu mogło być pokryte cukrem, droga, którą wyruszyli, niekoniecznie była słodka — a nawet w ogóle droga, biorąc pod uwagę, jak często biegali w kółko podczas procesu przedprodukcyjnego, jak sobie wyobrażali określić tożsamość dzieła, które tworzyli. Podróż Nijiiro Hotaru rozpoczęła się od Udy i Takaaki Yamashity, których udział był rekomendowany przez Kenkichi Matsushitaze strony menedżerskiej. Biorąc pod uwagę, że jedynym mandatem z góry, jaki początkowo mieli, było uhonorowanie historii Toei Doga, udział Yamashity pasował do ustawy; dołączył również na późniejszych etapach tej ery studia, a ostatecznie znalazł się mentorem takich jak Hosoda i Tatsuzou Nishita, przyciągające wzrok ucieleśnienie nowoczesnych możliwości studia. Jeśli ktoś musiałby celebrować przeszłość Toei, jednocześnie wykorzystując mocne strony ich teraźniejszości, Yamashita byłby ich człowiekiem. Oznacza to, że w idealnym świecie, w którym czas nie jest ograniczonym zasobem.
W tym momencie Yamashita cieszył się już dużym zainteresowaniem, zarówno w programach telewizyjnych, jak i w karierze teatralnej – na której obecnie skupiał się wyłącznie startuje również. Nijiiro Hotaru był tak długim zobowiązaniem, że nałożył się na nie jeden, ale dwa filmy Hosody, nie mówiąc już o innych projektach, które wymagały jego pomocy. Ponieważ od początku było jasne, że nie będzie w stanie poświęcić całej swojej uwagi Nijiiro Hotaru, Uda poprosił o pomoc bardzo szczególnego artystę, który działał w podobnych kręgach: Hisashiego Moriego, animatora akcji w stylu Kanady, jeździć na realistycznej fali Mitsuo Iso, ale nigdy nie stracił ostrości i geometrycznych form, odtąd podwajając śmiały lineart. Cała trójka udawała się na rozległe wyprawy w teren, co było ówczesną anomalią dla studia, rysując grafiki koncepcyjne, aby pomóc sobie wyobrazić idealną formę filmu. W pewnym sensie wydawało się to bardziej ostrożnym archeologicznym odkryciem jego naturalnego wyniku, a nie zespołem pędzącym do przodu z wcześniej przyjętymi pomysłami.
Ponownie ten proces nie był łatwy i zespół musiał się cofać na ich decyzje częściej niż nie. Pierwsza poważna zmiana planów miała miejsce w tym trio: podczas gdy Mori początkowo przyłączył się do pomocy zapracowanemu Yamashita, Uda tak bardzo pokochał jego śmiałe szkice, że szybko zdecydowano, że zamiast tego powinien zostać projektantem postaci. Pomogło im to również odnieść się do wczesnych obaw związanych z tożsamością projektu; biorąc pod uwagę prośbę o podążanie za tradycją Toei Doga, z wyjątkiem bardziej nowoczesnego kontekstu, Uda i jego zespół uznali, że zbyt mocno pokrywają się z innymi odległymi spadkobiercami tego stylu, takimi jak dzieła Ghibli lub równoczesna produkcja Mai Mai Miracle. Opierając się na wyjątkowo grubej linii Mori, Nijiiro Hotaru od razu poczuł się jak dzieło własne. Potok animacji, który ostatecznie zbudowali, również odzwierciedlał tę nową dynamikę. Yamashita nadal użyczał swojej wiedzy na temat kompozycji obrazu, rysując niezliczone szorstkie układyUkłady (レイアウト): Rysunki, na których rodzi się animacja; rozszerzają zwykle proste pomysły wizualne ze scenorysu na rzeczywisty szkielet animacji, szczegółowo opisując zarówno pracę kluczowego animatora, jak i artystów w tle. który rozszerzył storyboardStoryboard (絵コンテ, ekonte): Plany animacji. Seria zazwyczaj prostych rysunków służących jako wizualny scenariusz anime, rysowanych na specjalnych arkuszach z polami na numer cięcia animacji, notatkami dla pięciolinii i pasującymi do nich linijkami dialogów. Więcej, które następnie zostałyby przekazane Mori w celu dostosowania specyfiki działania, a na koniec do określonych kluczowych animatorów, którzy podążaliby za standardowym przepływem pracy animacji.
Jako główna postać w materiale źródłowym miała nazwisko Okuyama, podobnie jak legenda Toei Doga Reiko Okuyama, zespół wpadł na bezczelny pomysł nazwania bohater, który nie ma w książce nazwiska po Yoichi Kotabe, podobnie znaczącej postaci dla studia. Aby uniknąć przesady, zamiast tego wybrali Otabe, co brzmiało bardzo blisko, biorąc pod uwagę wymowę jego VA. W końcu Kotabe obejrzał film wraz z innymi legendami Toei Doga i był bardzo wdzięczny za ich gest.
Ta zmiana była dopiero pierwszą z wielu, które nastąpiły, wielu z nich było motywowanych wcześniejszą decyzją, którą podjęli. Po pierwsze, zdecydowane przyjęcie odważnych linii Mori okazało się stworzyć zbyt przytłaczającą atmosferę, jak gorzko zdali sobie sprawę, gdy poproszono ich o animację filmu pilotażowego. Próba złagodzenia tego efektu wizualnego przez naśladowanie efektu brązowej kalki widocznego w pracach takich jak Mój sąsiad Totoro też nie zadziałała , ponieważ nadało to elegancki jesienny klimat filmowi, który miał uosabiać lato od góry do dołu. Rozwiązanie, które zdecydowali, polegało na przerwaniu czarnej linii Mori celowo umieszczonymi segmentami z zaznaczonymi kolorami, które pozwalają obrazom oddychać.
Towarzyszyła temu również zmiana kierunku sztuki, jeszcze bardziej wzmacniając to świeże uczucie. Zachęcono Seiki Tamura z Anime Kobo Basary, który zastąpił wczesny nadzór Kentaro Akiyamy ze Studio Pablo ze względu na konflikty w harmonogramie — rozmowa o pozyskaniu dwóch największych specjalistów swojej epoki — selektywnie porzucać szczegóły, odzwierciedlając uważną polaryzację wcześniejszych mistrzów sąsiadujących z Toei, takich jak Takamura Mukuo. Uda zetknął się z pracą Mukuo przed jego tragiczną śmiercią podczas Sailor Moon i był zafascynowany jego stylem; tak rzadkie w miejscach, że zaczął się zastanawiać, czy te obrazy są w ogóle skończone, a jednak tak frapujące, kiedy wszystkie elementy zostały ostatecznie ułożone warstwami. Ta przemyślana ekonomia stała się kolejnym ważnym filarem w równoważeniu efektów wizualnych, utrzymując silne wrażenie, ale nie do tego stopnia, by przeciążać przewiewną atmosferę miasta, które miały przedstawiać. Ciężkie i lekkie, nowoczesne i stare, animacja i akcja na żywo, fantazja i przyziemność, życie i śmierć, podstawowe kontrasty w rdzeniu dzieła powoli zaczęły się ujawniać.
W istocie Nijiiro Hotaru dotyczy piękno efemeryczności, skupione wokół stworzeń takich jak świetliki, które mogą świecić tak jasno, ponieważ świecą tak przez krótki czas. Jest to historia dziecka, które cofa się w przeszłość i zamiast obsesji na punkcie mechaniki podróży w czasie, skupia się na docenieniu chwili z pełną świadomością, że w końcu nas minie. Bohater Yuuta jest zachęcany do korzystania z tego jedynego w swoim rodzaju letniego doświadczenia i uczy się tego, pomimo widma rozłąki z nowymi przyjaciółmi, które z dnia na dzień są coraz bliżej. Ich przygody rozgrywają się w wiosce, która na pewno zostanie opuszczona i zalana, aby zbudować tamę – wynik, o którym Yuuta wie, że jest nieunikniony, ponieważ taki był jej los w jego pierwotnej linii czasu. Jak zdaje sobie sprawę, wielu jego nowych znajomych, z którymi spędza czas w swoim życiu, ma osobiste okoliczności, które doprowadzą do podobnie nieuniknionych skutków ubocznych. I to właśnie styl wizualny, na który zdecydował się ten zespół, ma ostatecznie uosabiać: bardzo wpływowy pod pewnymi względami, takimi jak lineart Mori, ponieważ są to niezapomniane wydarzenia dla wszystkich zaangażowanych, ale także z odcieniem kruchości dla nich. Nic nie jest wieczne.
Wczesne grafiki koncepcyjne opublikowane w Styl Anime002.
To, co tematycznie dopełnia film, to zaufanie do nowych pokoleń, które zmienia to, co mogło być nieco przygnębiające, w bardzo podnoszącą na duchu opowieść. Zauważywszy podobne wydarzenia w prawdziwym życiu i znając ich złożoność, Uda nie stanął po stronie w sprawie tamy poprzez zdecydowany autorski głos; jasne jest, że dorośli mieszkający w wiosce czują się w pewien sposób, ale są przedstawiani jako bardziej pasywni i akceptujący nieuniknione. Nie dotyczy to dzieci, które otwarcie wyrażają swój sprzeciw w filmie, który pozwala im mówić za siebie, nawet jeśli ostatecznie nie jest w stanie odwrócić tych okoliczności. To do nich należy przyszłość, a ich krytyka podejmowanych przez dorosłych decyzji zagrażających ich światu jest traktowana z takim samym szacunkiem, jak ich zdolność do odbicia się. Po użyciu frazy „mimo to, dzieci nadal żyją w teraźniejszości” jako sloganu promującego film, ostatnia scena dodaje „i kieruj się w przyszłość” po ukazaniu, że wszyscy wstali i znaleźli nowe drogi naprzód. Nijiiro Hotaru postarzał się jak dobre wino, a aspekt jest teraz bardziej zachęcający niż kiedykolwiek.
Po sfinalizowaniu tych tematów – coś, co zajęło trochę czasu, biorąc pod uwagę, że ciągle dostosowywali scenariusz, gdy proces animacji już trwał — to, co pozostało, to podjęcie ostatecznych decyzji stylistycznych i wreszcie przelanie tych wszystkich pomysłów na papier. Chociaż na tym etapie nadal musieli nieco zmienić swoje plany, w tym momencie proces był prostszy. Uda od samego początku miał jasno do zrozumienia, że jeśli zamierza oddać hołd klasycznym tytułom Toei Doga i wiarygodnie zanurzyć Yuutę i widza w wiejskim miasteczku w latach 70., to zastosowane przez nich techniki również powinny to odzwierciedlać. Musiał porzucić pomysł używania animacji cel, ponieważ nie było to już możliwe z powodów mechanicznych, ale stwierdził, że rysuje twardą granicę, jeśli chodzi o nowoczesne techniki cyfrowe.
W konsekwencji Nijiiro Hotaru nie używa żadnych W ogóle CGi, mimo że w widoczny sposób zawiera elementy, takie jak same świetliki, które łatwiej można przedstawić za pomocą tych narzędzi. Animacja filmu, która została w całości narysowana na papierze i nadzorowana przez ich wyspecjalizowany personel, była również punktem spornym, anomalią dla branży, a konkretnie Toei; podczas gdy raporty ich inwestorów od lat są dumne z tego, jak duża część tego obciążenia jest szybko obsługiwana za granicą przez ich spółkę zależną Toei Phils, Uda wiedział, że wiele z tych sekwencji zostało narysowanych na tabletach, więc ograniczył proces pośredni do firm krajowych, które wiedział, że pracuje wyłącznie na papierze. Każdy element filmu miał w jak największym stopniu szanować tradycję animacji analogowej, nawet jeśli oznaczało to ograniczenie pracy kamery lub zejście z drogi kosztowniejszym podwykonawstwem.
Najbardziej interesującym aspektem w tym względzie był proces komponowania, który celowo powierzył fotografiiFotografia (撮影, Satsuei): Mariaż elementów wytworzonych przez różne działy w gotowy obraz, obejmujący filtrowanie, aby uczynić go bardziej harmonijnym. Nazwa odziedziczona z przeszłości, kiedy faktycznie używano w tym procesie kamer. reżyser jak Masao Oonuki, który pracował w tej roli od czasów fizycznych materiałów. Oonuki został poproszony o ograniczenie się do praktycznych efektów, a nawet o zaakcentowanie fizycznej odległości między warstwami postaci a tłem, podobnej do tej, którą miałbyś, gdy nakładasz celuloidy. Rezygnując z natychmiastowego immersyjnego efektu przefiltrowanego obrazu z zaangażowanymi efektami świetlnymi, Uda wzmocnił immersję, na której mu naprawdę zależało: zanurzając widza w nostalgiczny świat tradycyjnej animacji, która może nie ma obliczonej spójności najlepszych dzieł cyfrowych, ale pozwala aby silniej poczuć ręczne wykonanie.
Te tradycyjne idee przenikały filozofię samej animacji. Zespół zrobił wszystko, co w ich mocy, aby nagrać dzieci, które obsadzili, by głosić postacie wykonujące różne czynności, które wykonywali w filmie, powołując się na metody niektóre Toei Doga działają. A kiedy już mieli ten materiał referencyjny w celu zwiększenia autentyczności, wszystkie osoby były zachęcane do rysowania według własnego uznania; ponownie, próbując przywrócić to nostalgiczne uczucie z epoki, w której spójność arkuszy postaci nie była ceniona tak, jak jest teraz. Kierunek animacji Mori Kierunek animacji (作画監督, sakuga kantoku): Artyści nadzorujący jakość i spójność samej animacji. Mogą korygować cięcia, które zbytnio odbiegają od projektów, jeśli uznają, że pasują, ale ich zadaniem jest głównie zapewnienie, że ruch jest odpowiedni, a jednocześnie nie wygląda zbyt szorstko. Istnieje wiele wyspecjalizowanych ról w reżyserii animacji – mecha, efekty, stworzenia, wszystkie skupione na jednym konkretnym, powtarzającym się elemencie. był nastawiony na ochronę tożsamości postaci poprzez ich gesty bardziej niż jakikolwiek konkretny styl wizualny, dzięki czemu film stał się niekończącym się spektaklem animacji postaci z dużą ilością miejsca na osobiste interpretacje.
Czy to Wyraziste paciorkowate oczy Shinjiego Hashimoto i nieustanne płynne linie lub delikatniejszy dotyk Hiromi Ishigami, film nie bał się ciągłych zmian stylów, ale nigdy nie miał wrażenia, że niweczy czyjąś charakterystykę. Nikt nie ucieleśniał tego podejścia lepiej niż Shinya Ohira, której oszałamiająca praca została wdrożona, gdy była najskuteczniejsza; jego animacja żyje na pograniczu fotorealizmu i surrealistycznego ekspresjonizmu, o którym Uda wiedział, że najlepiej sprawdzi się w momentach, w których bohaterowie dosłownie kroczą ścieżką między życiem a śmiercią. Chociaż film doskonale uzasadniałby wzmacnianie specyfiki animatorów ze względu na to, szczególnie w kontekście oddawania hołdu tradycyjnym metodom animacji, warto zauważyć, że był również świadomy tego, czyje unikalne style zastosować gdzie. Jego zespół składał się z najbardziej utalentowanych animatorów, których studio miało do swojej dyspozycji, a także osobistych znajomych zebranych przez samego Moriego, tworząc zgrany zespół, w którym wszyscy byli świadomi najlepszych cech każdego.
czysta animacja Ohira: wszystkie rysunki tutaj są narysowanymi przez niego kluczami i ostatecznie nie przeszły żadnych poprawek, ponieważ byłoby to zbyt czasochłonne i prawie nie przypominałoby sekwencji, w której idea poprawek ma nawet zastosowanie. Układy pojedynczych cięć w jego obrębie mają długość około 6 metrów, a nawet proces skanowania został tak dostrojony, aby wychwycić jak najwięcej niuansów z jego rysunków.
Wynikiem pracy wszystkich w długim, bardzo uważnym procesie produkcyjnym jest film, który jest niczym niezwykłym. Nie byłoby realistyczne oczekiwanie, że twórczość Toei będzie wypełniona dziełami takimi jak Nijiiro Hotaru, a jak wyznał Uda, to właśnie poczucie, że jest to wyjątkowy projekt, sprawiło, że wszyscy dawali z siebie wszystko. Bezpośrednio skontrastował to z ich pracą franczyzową, mówiąc, że wszyscy cenią sobie możliwość pracy nad filmem, który stoi sam, z ogromną swobodą artystyczną. Ich entuzjastyczne reakcje jasno pokazały, że chociaż nie można oczekiwać, że Toei wyprodukuje takie filmy – coś, co byłoby przede wszystkim sprzeczne z ich duchem – Twoi najgenialniejsi twórcy potrzebują tych zaworów ucieczkowych.
Toei miał je najdłużej, choćby to był niejasny pomysł na sprzedaż towarów zamieniony w hipnotyzujący projekt pasji, którym był Kyousougiga, czy też światopogląd Kenjiego Nakamury był barwnie oklejony w różnych tytułach, które reżyserował w studiu. Teraz, w 2022 roku, nie mogę powiedzieć, że Toei ma już takie projekty. I to już jest problem.
W ciągu ostatnich kilku lat alternatywne projekty Toei zostały albo znacznie skompromitowane, albo całkowicie anulowane. Popin Q był dziwacznym małym filmem, który był obciążony odpowiedzialnością za działanie jako projekt rocznicowy dla studia, kiedy nigdy nie planowano tego, a po tym, jak osiągnął gorsze wyniki, jego obiecany sequel został obcięty i ostatecznie zniknął do książki. Najciekawszą inicjatywą od tamtego czasu był projekt polegający na udostępnieniu młodym pracownikom platformy za pomocą krótkich filmów, które po wielu komunikatach prasowych obiecujących, że będą stałym elementem, całkowicie zniknęły po pierwszym wpisie w postaci Jurajski Megumi Ishitani. Od tego czasu studio skupiło się wyłącznie na pracy na zasadzie franczyzy, podczas gdy unikalne projekty głodują wewnętrznego wsparcia, są uroczyście odłączane lub są oszustwami, które lepiej ignorować.
Niebezpieczeństwa związane z tym dla studia nie są tylko teoretyczne. Niektóre z najpopularniejszych postaci w Toei odeszły w ostatnich latach, powołując się właśnie na chęć pracy nad projektami, które nie należą do większych, wiecznych franczyz; niektórzy w konsekwencji w mniejszym lub większym stopniu opuścili animację komercyjną, podczas gdy inni po prostu utknęli w różnych franczyzach, podczas gdy ich osobiste projekty utknęły w stanie zawieszenia, ponieważ jest to rodzaj branży, o której mówimy. Uda, który do dziś jest szczęśliwy mogąc pracować z Toei, mimo że się od nich zdystansował, ujął to bardzo jasno: po prostu musisz czasami pozwolić swoim pracownikom na napinanie kreatywnych mięśni w sposób, na który praca franczyzowa nigdy im nie pozwoli. Nijiiro Hotaru nigdy nie zamierzał zapoczątkować nowej fali animacji analogowej, ale przynajmniej powinien stanowić oszałamiające przypomnienie, że artyści potrzebują wolności, nawet jeśli ich praca nie pozwala na to, by było to normą.
Wspieraj nas na Patreon, aby pomóc nam osiągnąć nasz nowy cel, jakim jest utrzymanie archiwum animacji w Sakugabooru, SakugaSakuga (作画): Technicznie rysowanie obrazów, ale dokładniej animacja. Zachodni fani już dawno przywłaszczyli sobie to słowo, aby odnosić się do przypadków szczególnie dobrej animacji, w taki sam sposób, jak robi to część japońskich fanów. Całkiem integralna z marką naszych witryn. Wideo na Youtube, a także SakugaSakuga (作画): Technicznie rysuję zdjęcia, ale dokładniej animację. Zachodni fani już dawno przywłaszczyli sobie to słowo, aby odnosić się do przypadków szczególnie dobrej animacji, w taki sam sposób, jak robi to część japońskich fanów. Całkiem integralna z marką naszych witryn. Blog. Dziękujemy wszystkim, którzy do tej pory pomogli!
