Masao Maruyama, reporter Ann Freelance Coop Bicknell na Animazement 2025
Jeśli miałbyś porównać przemysł anime z dokumentem historycznym, Masao Maruyama istnieje od czasu, gdy atrament został po raz pierwszy złożył pergamin-lub w jego przypadku malowanie do celloid. W swojej ponad 60-letniej karierze płodny producent kreatywny zaciągnął trudne projekty, których nikt inny nie odważyłby się dotknąć. Jego własnymi słowami Redline Takeshi Koike jest doskonałym przykładem jednego z takich projektów. Ale zapytany, jaki był jego najtrudniejszy projekt, pan Maruyama głośno ogłosił: „Zenbu! Wszystko!”
W dzisiejszych czasach nie martwi się o wydanie następnego domu Madhouse, Mappa lub M2 z ziemi, ale raczej spokojnie realizując swoje twórcze namiętności z czasem, w którym opuścił. W wieku 83 lat pan Maruyama może mieć trochę problemu z poruszaniem się po salach centrum kongresowego Raleigh-dom animazmu Karoliny Północnej-ale nigdy nie wiedziałbyś o tym po usunięciu z nim na rozmowę z nim. Z ostrożnym dowcipem, który przez wiele dni wykracza poza barierę językową i swagger, prawie pomyliłeś go z podekscytowanym dwudziestokilkulankiem, który z dumą pokazuje swój wybór dla najlepszej dziewczyny na swojej kurtce. Dla niego jest to oryginalna anime Dream Girl, Betty Boop.
Gdy zacząłem rozmawiać z panem Maruyamą, myślałem o moim własnym dziadku-w szkole do rdzenia, z tymi dobrymi i złych, które się z tym wiąże. Nie wspominając już o tym, że zszedł tak trudniej niż paznokcie, pozornie nieuporządkowany swoim długim lotem lub stojąc w linii wraz z fanami, aby zdobyć autograf z jego dawnej kohorty Madhouse, Hiroshi Nagahama. Ale najbardziej uderzyło mnie w pana Maruyamy, jest jego życzliwość. Najwyraźniej wyczuł iskrę w moich oczach, kiedy rozmawialiśmy, ponieważ nie zamierzał mi wyjść z pokoju bez zrobienia zdjęcia. Nie zamierzał też pominąć naszego tłumacza, pioniera społeczności anime w Ameryce Północnej i absolwentów animagów Takayuki Karahashi.
© Tezuka Production CO., LTD/MUSHI Production Co., Ltd
Maruyama-san, jesteś częścią branży od czasów manga-eiga [Osamu] Tezuka-sensei [filmy manga]. Mając to na uwadze, jakie dominujące trendy zauważyłeś przez lata? Jak zmieniła się branża i jak nie? Wtedy wielkość branży była znacznie mniejsza. Było w tym mniej ludzi i niewiele z szerszego świata naprawdę przypisało nam uznanie za naszą pracę. Dziś wszystko jest zupełnie inne. Japońska animacja przemawia teraz do światowej publiczności i widzieliśmy ogromne zmiany. Wydaje mi się, że animacja była uważana za coś tylko dla dzieci w Japonii. Czuję jednak również, że sentyment zaczął się zmieniać w czasie, gdy stworzyliśmy Genmę Taisen [Harmageddon]. Anime zaczęło odwoływać się również do dojrzałej publiczności. Od tego, jak zbliżył oryginalny zespół Madhouse, po to, jak odejście [Osamu] Dezaki-san i [Akio] Sugino-san rozpoczęło drugą erę Madhouse z [Yoshiaki] Kawajiri-san. Pięćdziesiąt lat później, co sądzisz o serii? A jak to jest wiedzieć, że zachodnia publiczność jest teraz w stanie go oficjalnie oglądać?
Maruyama: Wszystko zaczęło się, gdy byliśmy w produkcji Mushi [gdzie wyprodukowano Ashita no Joe], który poszedł na brzuch. Wielu pracowników zastanawiało się, co zrobiliby dalej. Więc spotkaliśmy się i założyliśmy Studio Madhouse. Właśnie tam Dezaki, Sugino i ja poszliśmy po tym, jak zrobiliśmy Ashitę bez Joe. Jednak Dezaki i Sugino znaleźli swoje własne studio, Annapuru [gdzie duet stworzył Ashitę No Joe 2]. W następnej generacji Madhouse obejmowała Kawajiri, który przebywał w studio, i zrobiliśmy takie pokazy, jak przygody Marco Polo.
Patrząc wstecz, myślę, że Ashita No Joe była prawdopodobnie początkiem nas, którzy odczuwają bardziej dojrzałą publiczność z naszym materiałem. Był to jeden z najwcześniejszych punktów zwrotnych w japońskiej animacji, w których zaczął obracać się w kierunku bardziej hardkorowych i zorientowanych na akcję historii. Miałem szczęście być tam w tym samym czasie, co talenty takie jak Dezaki, Sugino, Kawajiri, a także Rintarō, który wyreżyserował Genmę Taisen [Harmageddon], jak zgromadziliśmy się w naszym punkcie wyjścia-ASHITA NO Joe.
© aSao takamari ・ tetsuya chiba/tms A twoi koledzy opuścili Mushi Pro, aby założyć Madhouse, czy był jakiś cel, który wszyscy mieliście? Czy czułeś się, jakbyś miał coś do udowodnienia?
Maruyama: Kiedy zaczynaliśmy Madhouse, wciąż były duże studia, takie jak Animacja Toei i Nippon. Więc jako osobiste przedsięwzięcie byłem bardziej zainteresowany tym, co mogłem zrobić sam-jako jednostkę.
Czy pamiętasz, dlaczego dążyć do asa! Czy został wybrany na pierwszy projekt Madhouse? Czy było to po prostu kwestia tego, co zostało ci w tym czasie oferowane, czy też wasza reputacja „zespołu za Ashitą No Joe”?
Maruyama: cel asa! Był tytułem, który produkował wtedy film Tokyo [TMS Entertainment], a my wzięliśmy je jako klient. Właśnie tam wszedł Dezaki i Sugino.
Na temat AIM dla Ace!, Uczęszczając do jednego z jego paneli, zapytałem o to, jak rzekomo użył nazwy pseudonimu „Yumeji Asagi” podczas pisania odcinków oryginalnego serialu telewizyjnego z 1973 roku. Szybko, ale nieświadomie odpowiedział, migając znanego uśmieszku.
Maruyama: Czy naprawdę napisałem coś dla tego programu? [Wszyscy zaczynają się chichoć] Powiedziałbym, że nie jest w mojej pamięci, ale gdybym to zrobił (i prawdopodobnie tak), byłoby tak, ponieważ w tym czasie nie było nikogo dostępnych. A potem dyrektor powiedziałby: „Czy możesz być za to napinającym szczyptem?” Minęłaby moment produkcji, kiedy brakowało nam czasu i budżetu. Gdyby nie było nikogo, kto chciałby to zrobić-i nigdy bym się do tego zgłosił-ale gdyby nie ma czasu ani pieniędzy, a jeśli jest to coś, co można by uspokoić reżysera, po prostu to zrobiłbym. Świetny reżyser zawsze mógłby wziąć dobry scenariusz i wykonać z tego dobrą robotę. Dobry po prostu przepisałby źle napisany scenariusz i zrobiłby, jak mu się podoba. Myślę, że wyróżniałem się przybyciem jako pisarz uderzający, który mógłby dostarczyć coś, co można łatwo przepisać.
Uważam, że napisałem pod pseudonimem najbardziej dla Ashity no Joe, używając nazw takich jak „Kobayashi” i innych. Wynika to z faktu, że reżyser Dezaki, niezależnie od tego, kim był scenarzysta, być może użyłby najwyżej trzech wierszy ze scenariusza i sam wymyślił resztę. Tak więc większość pisarzy po prostu opuściła program ze złością i protestem. W końcu nie pozostanie nikogo, a ja pomyślałem: „Cóż, jeśli i tak zamierza użyć trzech linii, mógłbym po prostu napisać ogólną wytyczną, a on chętnie przepisałby scenariusz, a następnie zrobiłby z tego dobry program”. W ten sposób zrobiłem wiele zastępczych pensjonatu. Yamamoto/shueisha ・ TMS
W ostatnim wywiadzie rozmawiałeś o byciu osobą w produkcji, która zrobi wszystko, co wymaga-od gotowania do szorowania toalet i pisania scenariusza od czasu do czasu. Mając to na uwadze, jak zmieniła się etyka pracy na przestrzeni lat? Czym różni się twoje podejście do nowoczesnych projektów od tego, jak poradziłeś sobie z szansami i końcami w swoich wczesnych dniach?
Maruyama: Zacząłem Madhouse, ale gdy dorastał i stał się większym studiem, trudniej było mi nadzorować poszczególne jej części. Potem chciałem się zmniejszyć, więc zacząłem MAPPA, ale również wyrosła w większe studio i tylko się starzeję. Tak więc opuściłem zarządzanie studiem młodszym prezydentowi i kontynuowałem ustanowienie mniejszego studia. Mappa została pozostawiona młodszym producentom i kierownictwu, którzy teraz nadzorują personel. Moją skłonnością było rozpoczęcie studia, pójście do mniejszego start-upu, a następnie po prostu starzejąc się z wdziękiem i zanikaj tam.
Tak długo, jaka jest twoja filozofia, abyś twoich współpracowników było szczęśliwe, zdrowe i twórcze? Jak to się zmieniło na przestrzeni lat?
Maruyama: Mam tendencję do myślenia, że morale jest najlepsze, gdy możesz cieszyć się tą pracą. Jeśli uważasz, że wynagrodzenie jest zbyt niskie lub praca jest uciążliwa, to sprawiasz, że jest to tylko trudne. Tak więc wydaje mi się, że najważniejsze jest pokochanie pracy.
Skoro poruszyłem twoją reputację gotowania kilka minut temu, muszę zapytać: jakie to danie zawsze proszą o to? Czy było coś wyjątkowego, co Dezaki-san szczególnie lubił?
Maruyama: Hmm, może Curry czy Gyudon? W Japonii jest wyrażenie: „Onaji kama”. Oznacza jeść z tego samego garnka, tego samego kotła. Ma tendencję do wzmacniania koleżeństwa i wzmacniania więzi między kolegami.
Biorąc pod uwagę swoją rolę we wspieraniu kariery niezastąpionych talentów, takich jak [Satoshi] Kon-san i [Sayo] Yamamoto-san, jak czujesz, że branża radzi sobie w dzisiejszych czasach? Czy uważasz, że nadal jest to kluczowy nacisk dla studiów, czy też spada w pośpiechu, aby wydać następny projekt?
Maruyama: Powiedziałbym, że nigdy nie byłem tym, który wspierał talent, mogłem przygotować dla nich tylko środowisko. Wydaje mi się, że talent jest czymś, co się sprzyja. Po prostu przygotowałbym lokalizację-środowisko, w którym może nastąpić samorozumienie.
Minęło nieco ponad półtora roku, ale ponownie gratuluję wydania Plutona. Biorąc pod uwagę, że był to twój wymarzony projekt tak długo, jak to było w końcu wyciągnąć go za drzwi? I aby odkryć, że było to również dobrze przyjęte?
Maruyama: zacząłem od produkcji Mushi pod Osamu Tezuka, a Pluton Naoki Urasawa to dzieło zainspirowane bohaterami Tezuki. Pracuję również z Urasawą, odkąd [Madhouse] ożywiliśmy jego serial, Yawara! [w 1989 r.]. To była najlepsza nagroda, którą mogłem pracować nad Plutonem od ponad dekady. Przez cały ten okres pracowałem nad Plutonem. Martwiłem się, czy rzeczywiście żyję, aby zobaczyć jego zakończenie, ale udało mi się to zrobić. Jestem bardzo wdzięczny za wszystko, zwłaszcza personel, który to umożliwiło.
Fantastycznie, cieszę się, że wciąż jesteś w pobliżu.
Maruyama: Dziękuję.
Jako ktoś, kto utrzymał bliski twórczy relacje zarówno z Tezuka-sensei, jak i [Naoki] Urasawa-sensei, jak to było jako producent kreatywny, który najlepiej reprezentował obie wrażliwości w jednym projekcie? Czy kiedykolwiek myślałeś: „Zastanawiam się, co Tezuka-sensei powiedziałby, gdyby był na tym spotkaniu?”
Maruyama: cóż, być może nas skarcił i zachęcił nas do lepszego. Zarówno Tezuka, jak i Urasawa nigdy nie byli zadowoleni z tego, co było przed nimi. Wiem więc, że on [Tezuka] po prostu złamałby bicz i dalej mówił nam, abyśmy radzili sobie lepiej.
Z Plutonem ostatecznie ukończonym, jaki był twój największy wynos z całego doświadczenia?
Maruyama: Czułem, że Atom Tetsuwan [Astro Boy] jest świetnym punktem wyjścia, ale Urasawa wziął to i rozszerzył go w historię o znacznie większym kontekście. Widzimy to, ponieważ nasz własny świat znacznie się rozszerzył od czasów atomu, a talent Urasawy pozwolił mu rosnąć wraz z czasem, więc możemy go dziś docenić. Wspaniale było widzieć, jak ten rodzaj dynamicznego postępu rozwija się przed moimi oczami.
© 浦沢直樹／長崎尚志／手塚プロダクション © 浦沢直樹／長崎尚志／手塚プロダクション／「 Pluto 」製作委員会
Mówiąc o adaptacjach, pan Maruyama miał to do powiedzenia na jednym ze swoich paneli, gdy fan zapytał: „Gdzie znajdziesz równowagę pozostania wierną oryginalnej pracy podczas adaptacji jej do animacji?”
Maruyama: To, czy nastąpiłaby jakakolwiek zmiana w stosunku do materiału źródłowego, naprawdę zależy od projektu lub producenta. Ale przede wszystkim będę pierwszym, który zwrócę uwagę, że Manga ma swoją własną gramatykę narracyjną, podobnie jak powieść, a wszystko różni się od gramatyki narracyjnej, którą można znaleźć w anime. Nie możesz więc używać tych samych technik opowiadania historii, które robi materiał źródłowy. Jeśli ktoś ma głęboką miłość do pewnej mangi i chce zobaczyć dokładnie to samo na ekranie, lepiej byłoby po prostu go czytać… a następnie rant o tym, jak wszystko się zmieniło. Ale jest jeden wyjątek i jest to mój najnowszy tytuł o nazwie Pluton.
To bardzo długa historia, która trwa osiem tomów w mandze. Gdybyśmy wiernie go odtworzyć w anime, zajęłoby to osiem godzin. Powiedziałem Urasawie, że w tym momencie nie będę w stanie stworzyć ośmiogodzinnej eposu. Gdyby chciał, aby był wiernie animowany, musiałby to nazwać porzuceniem, a nie robić tego ani nie zgodzić się na drastyczne przegrupowanie historii. Urasawa nie był skłonny opuścić projektu, więc powiedział: „Maruyama, proszę, idź to”. Początkowo nalegałem, aby połowa opowieści musiała zostać usunięta, ale to zagrałoby zbyt wiele narracji-nie byłoby to możliwe. Powiedziałem Urasawie: „Twoja manga jest idealna, tak jest, nie byłoby nic o anime, które by to ulepszyło”. Ale potem powiedział: „Nie, to nieprawda. Breza nie trzepotałaby po wyciągnięciu, ani nie usłyszałbyś dźwięku śpiewu ptaków. I żaden z dialogów nie jest wypowiadany na głos. To niektóre rzeczy, które anime może dostarczyć”. Powiedziałem mu, że niektóre elementy historii mogą zostać zmienione. To był jeden przykład, w którym materiał źródłowy był tak doskonały, że nic nie można zmienić. Tak powstał Pluton.
Istnieje inny przykład, w którym materiał źródłowy został drastycznie zmieniony w adaptacji anime, i to jest funkcja o nazwie Perfect Blue. Oryginalna powieść to opowieść o chłopcu, który goni swojego idealnego idola i staje się prześladowcą, ale nie interesuję się tego rodzaju tematem. Zamiast tego poszedłem do Stwórcy i powiedziałem: „To nie jest rodzaj narracji, nad którą Satoshi Kon lub ja byłby w stanie pracować, ale gdybyśmy zmienili perspektywę opowieści i sprawisz dziewczynę, która zostanie przerażona przez prześladowcę. W końcu dzieje się coś dziwnego, gdzie rzeczywistość i fantazja stają się nieostronne. Tak powstała filmowa wersja Perfect Blue.
Nezumikozo Jirokichi key visual
MFINDA Key Key Visual 