Wszyscy tam byliśmy-znajdziesz program z tak przekonującą, wciągającą historią, że nie możesz przestać oglądać… ale wygląda jak absolutne śmieci. Być może projekty postaci są okropne, może animacja jest intensywnie słabsza, może dokonano zaskakujących wyborów kolorów, a może wszystkie trzy, a także jeszcze bardziej bezbożne wybory wizualne. Ale to nie ma znaczenia; Jesteś uzależniony, ponieważ sama historia jest tak dobra. Poprosiliśmy nasz zespół redakcyjny o wymyślenie przykładów anime, które obserwowali ściśle w sprawie historii. Czy zgadzasz się z ich wyborami?
Lucas Deruyter
Nie jest przesadą, aby powiedzieć, że manga Berserk odegrała kluczową rolę w popularyzacji mangi w regionach zachodnich. Mroczna fantazja mangi, powolna spółka zemsty na samowystarczalność, wspaniałe dzieła sztuki i badass, głęboko rezonowały z międzynarodową publicznością na wszystkich środowiskach. Jeszcze przed przedwczesnym przejściem Mangaka Kentarō Miury w 2021 r. Manga Berserk została uznana za wyjątkowe osiągnięcie w medium i celebrowane na całym świecie. Wiedziałem, jak wielka oferta Berserk zmierza do lata po moim drugim roku studiów w 2016 roku. Dzięki mojej rzadkiej obecności w klubie anime i relacjach w mediach społecznościowych, które podążyłem, oczekiwanie anime Berserk przez tę sequel anime było namacalne. Zrobiłem więc to, co każdy, kto ma początkujące zainteresowanie anime, mangi i krytyką medialną, i próbowałby nadrobić zaległości w serii przed wydaniem nowego anime. Gdy tylko finały na ten semestr zakończyły się, przeczytałem rozdział Mangi Zaginionej dzieci podczas częstych powolnych okresów przy mojej konicie. Pomiędzy Hangouts a zajęciami letnimi obserwowałem całość sensacyjnie nazwanego anime Berserk z 1997 roku, które zostało (i niewytłumaczalnie) przesłane w całości na YouTube. Następnie 1 lipca się przewróciłem, a ja, teraz w pełni przygotowałem się do wskoczenia i całkowicie emocjonalnie zainwestowałem w Berserk, podpisałem się w Crunchyroll, aby obejrzeć to nowe anime i… to było gówno. Wielu utalentowanych ludzi włożyło dużo czasu i energii na wyjaśnienie, w jaki sposób Berserk (2016) jest bardzo rozczarowujący i badając, dlaczego stało się to z adaptacją tak ukochanej dzieła. Nie relignuję tego wszystkiego tutaj, ale podsumowując, Berserk (2016) nie był rozczarowaniem wyłącznie dlatego, że jego wizualizacje nie spełniły zapierających dech w piersiach animacji Miury. Każda część produkcji, od projektu dźwięku po kompozycję strzału, była amatorska lub niekompetentna. Podczas gdy ludzie byli ostrożnie optymistyczni co do wykorzystania animacji CGI, biorąc pod uwagę, jak dobre studio 4 ° C Berserk: filmy z złotego wieku wyglądały pod koniec ich biegu, było od razu jasne, że połączone wysiłki studio Gemba i Millespensee nie mogły dopasować się do jakości filmów. Pomimo uniwersalnego przesuwania, nadal oglądałem anime Berserk (2016). Błędny koszt zatopiony był na mnie i musiałem wiedzieć, dokąd poszła historia Berserka. Poprzez to anime, przeżuwanie ludzkiego ducha, które sprawiło, że manga Mirua była tak wyjątkowa, udało się zabłysnąć. W tym sezonie widziałem, jak Guts przekształca się z nieustannego agenta zemsty w walczącego dozorcę dla Casca i zaczynam uczyć się, jak leczyć się z jego traumy, zamiast po prostu się z nią konfrontować. Widziałem, jak Guts zaczyna odbudowywać swoją społeczność za pośrednictwem innych Misfits, takich jak Isidro, Farnese i Serpico. Patrzyłem, jak Griffith wychodził z piekła i zaczyna budować swoją utopię na ciałach jego byłego zespołu jastrzębia. Na koniec obserwowałem, jak każda postać zmaga się z tym, jak wygląda szczęście i jak mogliby ją znaleźć w świecie naznaczonym miażdżącym przemocą i cierpieniem. Nie oglądałem Berserka (2016) po pierwszym sezonie zapakowanym. Nawet do czasu zakończenia pierwszego sezonu przeczytałem daleko tę część historii w mandze. Będę charytatywny dla anime i przyznam, że odcinek mangi próbuje dostosować ślady dość duże zmiany tonalne w serii, a zatem zawsze stawiam pewne poważne wyzwania dla nawet najbardziej wykwalifikowanych zespołów produkcyjnych. Na zawsze polecam, aby ludzie czytali manga Berserk lub zanurzają palce u stóp w serii z anime z 1997 roku. Jednak część mnie zawsze będzie zadowolona, że Berserk (2016) istnieje, ponieważ moją motywacją do zainwestowania znacznego czasu w przeżycie pracy, która jest zarówno przełomowa w jej średnim, jak i niezwykle wpływowym kulturowo. Tak, obserwowałem Berserk (2016) za jego historię, ale także, że mogłem doświadczyć obok innych pokoleniowych dzieł sztuki, która ma kształt sztukę opowiadania historii dla reszty ludzkości. Przeczytaj manga Berserk! Rebecca Silverman Jest to bariera wejścia, którą znają fani anime BL. Na szczęście nie może zniszczyć jednej z najsłodszych historii rodzinnych, które należy animować od czasu szkolnych opiekunów. (Co też nie wygląda świetnie. Wyczuwam inny wzór.) Masaki i Hiromu są małżeństwem niezwykłej odmiany Omega/Alpha, co oznacza, że mają biologiczne dzieci. Początkowo obie ich rodziny są sprzeczne z małżeństwem, a rodzina Masaki bardziej martwi się o niego i bardziej po snobistym stronie Hiromu. Podczas gdy kochają swoich rodziców, obaj są również całkowicie zadowoleni z rodziny, którą stworzyli, zwłaszcza ze swoich dzieci, pierwszego syna Hikari i późniejszej córki Hinaty. Losowanie nie jest tak, że dwóch mężczyzn jest współzałożycielem; Ciepła i kochająca rodzina przechodzi przez codzienne życie, wchodząc w interakcje ze sobą i ludźmi wokół nich, gdy powoli budują własną większą, znalezioną rodzinę. Chociaż występuje niepokój, nie jest to czynnik napędowy w fabule; To po prostu coś, czego wszyscy doświadczają przez całe życie. Pomimo czasami upiornej pastelowej palety, Tadaima, Okaeri jest najlepszym przytulnym, dobrego samopoczucia. Nawet jeśli wolisz zwierzęta od dzieci, obserwowanie, jak Hikari pisze list do psa obok (jego najlepszy przyjaciel, którego też się boi) jest urocze, a Masaki i Hiromu robią to najbardziej niezwykłe rzeczy w fikcji: rozmawiaj ze sobą, gdy mają problem. Jest to kawałek życia w najczystszym tego słowa znaczeniu, historia, która wita nas w rodzinie na chwilę i pozwala nam dzielić kawałek swojego życia. Tak, wygląda źle. Tak, to Omegaverse. Ale ważniejsze jest ciepło serii i wygodny sposób, w jaki pozwala nam to uwierzyć, że ostatecznie wszystko będzie w porządku. Richard Eisenbeis © okina baba, tsukusa kiryu/wydawane przez Kadodawę/SO I JESTEM ALIGHT=”338″Partnerzy Więc jestem pająkiem, więc co? jest jedną z moich ulubionych historii fantasy z ostatniej dekady. Zaczyna się od komediowego zwrotu gatunku Isekai, w którym nasz bohater jest reinkarnowany jako potwór pająka głęboko w najniebezpieczniejszym lochach na świecie, podczas gdy jej koledzy z klasy mogą być rycerzy i szlachty. Znaczna część serialu podąża za bitwą Kumoko o przetrwanie, gdy krok po kroku porusza się w górę łańcucha pokarmowego-dosłownie. Gdy historia się rozwija, podczas gdy komedia pozostaje, tajemnicza i zagrożenia. Staje się jasne, że rzeczy są dalekie od tego, co się pojawiają. Kim są bohaterowie i którzy są złoczyńcami, są kwestionowani, a nawet sama natura świata, z magicznym systemem gry, staje się tajemnicą do rozwiązania. Co więcej, cały pierwszy sezon jest zbudowany wokół dobrze wykonanej i aktualizowanej sztuczki opowiadania historii-takiej, która nie została w pełni ujawniona do ostatniego odcinka serialu. Ale co do tego, jak to wygląda… cóż, przypuszczam, że nadszedł czas, aby wspomnieć o tym, że jest animowany przez Millepensee i wyreżyserowany przez Shin Itagaki, podobnie jak Berserk z 2016 roku. Oglądanie pierwszego odcinka-a nawet pierwszego w połowie sezonu-więc jestem pająkiem, więc co?, możesz być zszokowany, gdy znalazłeś go na tej liście. Chociaż w tym programie jest wiele niższych CG (wraz z więcej niż odrobiną dobrze wyglądającego CG), fakt, że jest ono używane do animacji potworów, ukrywa, jak niski jest jakość. Jednak gdy nasza bohater pająka opuszcza granice swojego lochu, a coraz więcej walk to ludzkie postacie, skazy stają się oczywiste i wprost bolesne. W ostatnich kilku odcinkach, w których akcja ukończyła sceny całej wojny na epickiej skali, sprawy osiągnęły najniższy punkt na froncie CG. Modele 3D dla głównych bohaterów stoją w wyraźnym kontraście z ich sztuką 2D, a niekończące się ilości tego samego żołnierza lub dwóch są kopiowane na polu bitwy, aby wykonywać działania wyglądające na roboty. Najgorszą rzeczą jest tło w niektórych scenach. Stwierdzenie, że wyglądają jak grafika PS1 z nienaturalnie płaską geometrią i pojedynczym małym blokiem tekstury, powtarzany ad infinitum byłby zniewagą dla gier z tej epoki. Nawet gdy serial próbuje zrobić coś fajnego z animacją 3D, na przykład poruszającego się lub obrotowego ujęcia, który byłby niemożliwy dla prawdziwego aparatu, liczba klatek na sekundę spadnie w pojedyncze cyfry-zastanawiasz się, czy to problem twojego komputera lub tabletu, a nie animacja. Szkoda, budzącym lepszy program. Gdy historia zbliża się do ostatecznego punktu kulminacyjnego, faktyczna animacja staje się coraz mniejsza. Dostajemy patelnie nad statycznymi ramkami, aby dać złudzenie ruchu, a nawet mamy postacie rozmawiające o niemożliwych szerokich ujęciach, w których nie pokazano żadnych ust i nic nie jest animowane. I nawet gdy wszystko się porusza, mamy problemy, takie jak nonsensowna kompozycja strzału, chwiejne oczy na bohaterach i brak szczegółów na temat postaci stojących w uczciwie głupie odległość. ze wszystkimi wizualnymi negatywami i faktem, że możesz po prostu przeczytać serię nowatorską dla historii, możesz zastanawiać się, dlaczego kiedykolwiek chciałbyś to obejrzeć. Odpowiedź jest prosta: aoi yūki. Większość tego anime to jednoosobowy program z Kumoko Aoi Yūki w jego centrum. Mamy tylko jej monolog, z którym można się połączyć z widzami, a ona zapewnia prawdziwy Tour de Force. Zarówno komedia, jak i niebezpieczeństwo przechodzą perfekcyjnie i nie można nie zakorzenić się w nadawanym Kumoko-nawet tak, jak robi to coraz bardziej zaaranżowane rzeczy. To doświadczenie warte animacji i zachęcam wszystkich do doświadczenia tego dla siebie. Andrew Osmond © 2006 竜騎士０７／ひぐらしのなく頃に製作委員会・創通 Tak wiele wpływu Higurashi pochodzi z jego zwrotów i sztuczek, a wstydem jest ich zepsucie, w ten sam sposób, w jaki nigdy nie powinieneś zepsuć kogoś, kto po raz pierwszy obserwuje Psycho lub wiklinowego człowieka. (Co masz na myśli, które?) Jak sugerują te porównania, Higurashi to seria horrorów. Jego wczesne odcinki opowiadają znaną przerażającą opowieść. Chłopiec, Keiichi, przenosi się do odległej japońskiej wiejskiej wioski, spotyka uroczych mieszkańców-zwłaszcza zabawne dziewczyny w jego szkole-i angażuje się z nimi. To prawda, że to po prologu flash-forward, w którym widzimy tego samego chłopca w trudnej sytuacji. W grę wchodzą nietoperz baseballowy i krew-losy i dużo krwi. No cóż, jestem pewien, że nie jest to ważne. Wczesne sceny wydają się podróbką haremów anime. Jakie są nieoczekiwane niebezpieczeństwa dla chłopca otoczonego żywymi kobietami, ponieważ prowadzą go do mitów i tajemnic ich miasta? Następuje mistrzowska klasa nieliniowej historii, pomijając punkty widzenia i ramy czasowe, ale pozostaje zaangażowany i uzależniający. Główna sztuczka Higurashi nie była nowa nawet w 2006 roku; Olśniewające jest to, jak pięknie zbudowano program. Seria składa się z kilku historii wielu odcinków i horrorów opartych na postaciach przedstawionych jako ta sama historia. Znajdują się tak misternie, że zaczynasz przeglądać każdy szczegół. Wszystkie historie obejmują wiejskie miasto, głównie w tym samym lata. Niosą te same postacie-około dziesięciu ważnych, w tym Keiichi i różnorodnych dziewcząt. Te postacie działają radykalnie-choć nigdy nie niemożliwe-bardziej wzbudzone sposoby od jednej historii do drugiej. Mordercy stają się bohaterami, a potem morderców. Złoczyńcy stają się ofiarami. Postacie przechodzą na sekundę z przyjaznego na przerażające. Łowcy zakazanych prawd znikają lub oszaleją. Powinienem podkreślić, że to horror. Jest dużo przemocy krwawej, niektóre przeciwko szokująco małym ofiarom, choć nawet okropne sceny często działają w sprzeczności z zasadami pornografii tortur. Wiele ofiar odmawia postrzegania siebie jako ofiar, pozostając wyzywające, gdy pokrojone i rozdarte. Są akcenty bardziej humorystycznego horroru; Środkowa fabuła dotyczy nieudanego „idealnego” morderstwa. Ta doskonała seria jest opowiadana z niechlujnymi, tandetnymi, szkicowymi rysunkami, dzięki uprzejmości Studio Deen. Rozumiem każdego, kto upuszcza Higurashi na długo przed osiągnięciem dobrych rzeczy. Ale na szczęście, serial jest wystarczająco dobrze skierowany, aby przekroczyć tandetność, gdy się liczy, z histerycznymi skręconymi twarzami i wymyślnie zredagowanymi napięciem i okrucieństwami. Ma również wspaniałą sekwencję tytułową, z kwiatami otwierającymi się w wyświetlaczach kalejdoskopu i Waifish Girls patrząc z ekranu, a ich twarze zabarwione łzami lub krwią. Jean-karlo lemus © akihito yoshitomi • mediaWorks/bandai Kōichi MashimoS 1997 Eat-Man Adaptacja jest, jak to ujął Justin Sevakis, coś w rodzaju rzeczy, które wydasz tylko wtedy, gdy chcesz zbankrutować. Czy jest to dobra adaptacja mangi Akihito Yoshitomi z 1996 roku? NIE; Anime przyjmuje tylko najbardziej podstawowe elementy mangi i posypuje je rzadko. Utrzymuje bohatera Bolta Cranka i jego dwie zdolności (jedząc niejadalne skrawki przemysłowe i przywołanie w pełni uformowanej broni z jego rąk). W przeciwnym razie idzie całkowicie na lam. Czy wygląda dobrze? NIE; Program miał budżet sznurowy, więc pobrano wiele skrótów animacji. Daleki od napełnienia szalonym strzelaninami, w których Bolt przywołuje masywną broń zagłady z jego rąk, serial wykorzystuje wiele powolnych patelni i zatrzymuje się, aby wyrzucić swoje epizody-najdłużej frustrująco. Program uwielbia zatrzymać pozornie losowe obrazy na to, co może się zbyt długa. Ale to musi oznaczać, że historia jest dobra, prawda? Nie do końca; Eat-Man to zdecydowanie epizodyczna narracja w stylu lat siedemdziesiątych The Incredible Hulk; Bolt Crank wędruje w czyjeś życie, oferuje swoje usługi jako jack-of-all-trade, rzeczy się zdarzają, a Bolt wędruje w postapokaliptyczne pustkowie, pokryte zdewastowanym statkiem kosmicznym unoszącym się na niebie. Czy historie mają szczęśliwe zakończenia? Dostają zakończenia, to wystarczy. czy program jest do kitu? Nie. Eat-Man to znacznie więcej niż suma jego części. Rozumiem, że Eat-Man był anime, które wyemitowało to, co lubię nazywać „Otaku O’Clock” (1 rano). To program, który wykorzystuje ten przedział czasowy. O godzinie 1 rano zakurzone wizualizacje i powolne patelnie nadają temu pokazowi kontemplacyjny nastrój; Każde spojrzenie kradnie wszystko, co się dzieje, wydaje się bardziej znaczące. Powtarzające się cięcia i retrospekcje są rozwinięte za każdym razem, gdy je widzisz, wypełniając coraz więcej pustych przewagi dla cotygodniowego dramatu. Każda mroczna postać, przed którą ukrywa się bezradny Waif tygodnia, jest o wiele bardziej przerażająca. To ton, który z powrotem do starszego wieku telewizji, w którym można usiąść i oddawać się wibracjom programu-jeśli na to pozwoliłbyś. Niewiele dowiadujemy się o Bolcie, ale to prawie nie ma znaczenia; Zamiast tego zajmuje się tym, że ludzie Bolt pomaga, tajemnice pozostawione przez tych, którzy minęli ich na długo, oraz życie, które prowadzą w swoim beznadziejnym postapokaliptycznym świecie. Pod pewnymi względami jest to trochę jak anime podejście do pokazu życia w środkowym świecie ciemnej wieży: świat ruszył dalej, ale ci, którzy w nim mieszkają, nadal wyklucza ich egzystencje. Eat-Man otrzymaliby „lepszą” kontynuację w następnym roku w formie Eat-Man `98. Animacja jest lepsza, kolory są jaśniejsze, historie wiążą się ze sobą zamiast epizodycznych opowieści o kudła i wszystkie wykonują lepszą robotę związaną z historiami z mangi. A jednak-oryginalny Eat-Man jest tym, który wolę. Jego wady spowodowały coś niezapomnianego, czego nie mogę znaleźć nigdzie indziej. Czasami mniej jest więcej. Christopher Farris Projekty takie jak te mogą być zabawne, ponieważ skłoniły mnie do głębokości, głęboko w zakamarkach mojego pałacu umysłu i przypomnienia anime, o którym nie miałem wielu powodów do przemyślenia. „Racja”, mówię sobie, „był jakiś program, z którym wyraźnie pamiętam, pomimo jej animacji obejmującej tyle skorupy. Pamiętam, jak rozmawiali z przyjaciółmi konkretnie o tym. Co to było znowu?” Oczywiście był to Phantom w Zmierzchu, nadprzyrodzona historia z odwrotnym haremem 2018 od czasu, gdy gorącym trendem branżowym były koprodukcje w chińskich studiach animacji. Ogrywało naród. Phantom w Zmierzchu nigdy nie wygląda szczególnie okropnie. Niektóre odcinki są nawet bardzo dopracowane! Istnieje ogólnie fajne poczucie stylu wspierania wszystkiego, co ma sens, biorąc pod uwagę rzekomy atrakcyjność sprzedaży gorących chłopaków, którzy są również wilkołakami i wampirami i tym podobne. Ale Phantom in the Twilight jest prawie sztywny przez cały czas, a kiedy jego lakier nie jest obecny, modele postaci ślizgają się bardziej niż wściekła moc wilka, przesuwa się po dachu. Trend efektów wizualnych w kierunku taniego i zapasu oraz wiele pospiesznych, często zaskakujących edycji łączy to wszystko. Ten 200% nie jest programem, który oglądałem dla wizualizacji, co jest tak zabawne, ponieważ „wyglądające seksownie” powinno być całym powodem takiej serii. Czego oglądałem Phantom w Zmierzchu? Mówiąc najprościej, to po prostu świetna zabawa, głównie ze względu na jej postacie i niektóre z jego wyborów, które są dość wyjątkowe w jego gatunku. Universal Monsters Gijinkas, które są domniemanym głównym wydarzeniem, nie są złe-choć w serii, która już prawie nie jest modna, jestem prawie pewien, że Jiangshi Boy Tauryu nigdy nie jest rysowany. Krzyczeć na gorącego wilkołaka Luke’a i jego brata Chrisa, którzy w jakiś sposób wygląda jak wersja postaci Kingdom Hearts, które nie istnieją. Prawdziwym urokiem jest Heroine Ton, która, choć nie jedyna silna prowadzenie odwrotnego, jest jednak szczególnie niesamowita. Sposób, w jaki Ton wścibuje, zarządza i ogólnie obsługuje Monster Boys na swojej romantycznej orbicie, szczególnie jej niedoszłym niebezpiecznym chłopaku Vlada, jest niezwykle ujmujący. I robi to wszystko, walcząc z tą chorej nadprzyrodzoną bronią wieloosobową i świecącymi czerwonymi włosami, które pozwalają jej wyglądać super zwolon. A przynajmniej tak fajne, jak pozwala na to sztuka tego programu. Poza tym Phantom in the Twilight to seria haremu dziewcząt, która jest wystarczająco odważna, aby być Juri. Rzeczywisty rdzeń emocjonalny jest ton i jej specjalny przyjaciel Shinyao, robiąc dziewczęta, które zaczynają się na poziomie „Nie ma heteroseksualnego wyjaśnienia tego” i stamtąd eskaluje romans. Shinyao dostaje Damsel’d na ogromny kawałek serialu, a Ton stara się ją uratować, zakładam, że ich związek obezwładniłby każdą możliwość wysyłki tonę z instrukcją instrukcji Monster Manual of Male Piramours. Działa głównie, ponieważ wszystkie żele z tym, jak bardzo, przyjemnie głupi fantom w Zmierzchu. Byłoby frustrujące, gdyby Ton był nawet o 20% mniej fajny i mógłby mnie wyciągnąć z programu, gdyby wyglądał lepiej. Za każdym razem, gdy modele postaci przekazują się do Jank, lub istnieje źle ozdobiony przejście kątów lub wycierania, przypomina mi to bezsłuszość tego ćwiczenia, przykład, dlaczego czasami solidna 7/10 jest przyjemniejsza niż jakakolwiek doskonała produkcja prestiżowa. Caitlin Moore © 2023 Netflix to maja. Niepopularna opinia w niektórych kręgach, ale jakość animacji ma znaczenie. Podobnie jak silne wizualizacje mogą podnieść przeciętną historię, nieinspirowany kierunek, a sztywne postacie mogą aktywnie utrudniać wizualne opowiadanie historii, ciągnąc całą produkcję. Trzeba dużo, aby usiąść i poświęcić czas na serię ze złej prezentacji, zwłaszcza że ledwo mam czas na te, które są silne na obu frontach, które chcę oglądać. Jednak co jakiś czas pojawia się, która jest wystarczająco przekonująca, aby mnie obserwować, a ōoku jest jednym z takich przypadków. jest to adaptacja mistrzowskiego fragmentu spekulacyjnej alternatywnej historii uznanej Mangaka Fumi Yoshinaga, w której śmiertelna choroba zabija większość ludzi w Japonii. W rezultacie kraj ten jest prowadzony przez kobiety, podczas gdy mężczyźni są cenione jako towary. Jak wskazuje tytuł, historia koncentruje się na sądzie Shogunate, szczególnie na wewnętrznym dziedzińcu-ōoku, w którym setki ludzi są trzymane, niedostępne dla każdego oprócz Shoguna. Yoshinaga używa tego otoczenia do zbadania, w jaki sposób dynamika władzy społecznej zmieniłaby się w takiej sytuacji, biorąc pod uwagę i uwzględniając szeroką gamę czynników poza uczynieniem matriarchii, która jest funkcjonalnie identyczna z patriarchatem, z wyjątkiem tego, że kobiety są odpowiedzialne. Jako jej włączenie do tej listy sugeruje, że animacja nie jest wielka. Animacja postaci jest sztywna, a scenorys jest sztuką bezpośrednią kopią paneli Yoshinagi połączonych razem bez uwzględnienia zamiaru ułożonego obrazów i sposobu przejścia z jednego medium na drugie, może wpłynąć na to, jak odbiera go widz. Jednak poza jedną lub dwiema nieumyślnie zabawnymi scenami erotycznymi, w których wygląda na to, że para na ekranie atakuje się nawzajem, a nie złapana w pasji, biedna produkcja nie powstrzymuje tego tak bardzo, jak niektóre z innych serii, które rozważałem dla tej listy, takich jak pożegnanie, mój drogi Cramer. jest to, że to naprawdę opowieści, które są opowiadane przez ludzi przede wszystkim rozmawiających ludzi. W końcu jest to opowieść o intrygach sądowych, a wiele postaci jest w pozycjach, w których są chronione przed fizycznym konfliktem. Zamiast akcji napięcie wynika z obserwowania, jak ludzie walczą w desperackich sytuacjach, w których czują się uwięzieni, spisku i spisku, gdy dżokej na jakichkolwiek pomiarach, jakie mogą znaleźć. Jest w sprzecznych emocjach i ulotnych połączeniach. Podczas gdy piękna animacja niewątpliwie wspierałaby tę różnorodność opowiadań, sama jest wystarczająco dobrze. Innym zbawieniem produkcji jest naprawdę niesamowita obsada głosowa, która dostarcza te linie. Doskonałe pisanie Yoshinagi ożywia się wraz z występami wokalnymi, w tym jak legendy branżowe Kikuko Inoue, Mamoru Miyano i Seki Tomokazu. Każda postać jest złożona, poruszając świat konkurujących motywacji osobistych i obowiązków społecznych. Każdy aktor głosowy ma sprawiedliwość postaci z wielowarstwowymi występami. Występ Miyano jako Arikoto, mnich porwany i zmuszony do bycia jednym z pierwszych mężczyzn, który wszedł do ōoku, zawiera linię, które wciąż słyszę w mojej głowie, nawet ponad rok po obejrzeniu programu. ōoku jest rodzajem anime, do którego mogę zastosować oba znaczenie „znaczyłem to„ oglądałem to historia ”. Prosto, po prostu ma bardzo dobrą historię, którą warto obejrzeć! Jest dobrze napisany i bogaty tematycznie! W drugiej interpretacji Snidera, wizualna prezentacja jest poważnie brakuje i nikt nie obejrzy jej animacji. Mimo to niesamowita historia Yoshinagi sprawia, że wszystko jest tego warte… zwłaszcza jeśli nie możesz sobie pozwolić na mangę. Jeremy Tauber © Lynn Okamoto • Shueisha/VAP • Genco Oglądałem, że Elfen kłamał na jego historię, ale nie dlatego, że myślałem, że to świetnie. To dlatego, że jej mizantropia była tak mrożona i ciężka, że nie mogłem się oprzeć oglądaniu reszty. Problem? Oglądałem to w niewłaściwym czasie. Jako osłonięte dziecko, którego rodzina zabroniła go, aby grać w gry o ocenę M i pozostało z cieniem GameCube GameCube jako proxy edginess, jestem pewien, że Elfen Lied zestawu Moe Kawaii i przemoc graficzna działałaby na mnie. Ale obserwowałem to prawie dekadę po jego wydaniu, wiele lat po zjawisku anime umarnie. Nie byłem już nastolatkiem, ale 21-letnim na studiach, w mojej szkole Zeitgeist Uber-Macho Football-and-Beer, który zrobił mi 180 w świecie kawałka życia. Dlatego kłamstwo Elfen jest tak kontrowersyjne. Działa, jeśli możesz postawić się nastolatkiem Emo z czasów 00. Jeśli nie możesz, zobaczysz to jako bzdury Evangelion-Meets-Clockwork Orange. Dla mnie jest to trochę oboje. Elfen Lied pozostaje jednym z najtrudniejszych anime, które kiedykolwiek uświadomiły fale powietrzne, a jego pierwszy odcinek zostanie na zawsze zapamiętany jako przełomowy moment dla ludzi, którzy myśleli, że anime to nieszkodliwe dzieci, takie jak Pokémon i Sailor Moon. Ale jego chrzcie nie jest wspierane przez coś intelektualnego. Nie dlatego, że możesz wycisnąć błyskotliwość z jego fabuły Jekyll i Hyde, ale nie sądzę, żeby prosi o zbyt wiele, gdy domagasz się nieuzasadnionej przemocy, seksu i mizantropii, aby być czymś więcej niż sosem okiennym. Lucy przełącza się z dziecinną amnezją na zimnokrwistego zabójcę, który nienawidzi ludzkości. Najgorsze ludzkość pokazano tu i tam, a jest ten degirge OP, który stanowi niezły wejście. Reszta serialu i jego postacie czują się płytkie tematycznie, rozlane przez datowaną animację 00s-y i czytanie jak fanfiction, czternastolatek, z gniewem w kierunku mamy uziemiając go przez tydzień. Kiedy jego historia nie jest przemoczona we krwi, wydaje się niezręczna i nieumyślnie przezabawna. , a jednak serial działa jako winna przyjemność, więc dam jej zasługę. Związuje kontrowersje, czyniąc działanie ultrafiolent i niektóre sceny niepokojące. Projektowanie postaci Lucy i horror serialu prawdopodobnie pomogły ustąpić miejsca jak Madoka i School-Live!. English Dub nie jest dokładnie najbardziej wypolerowanym, ale nadal jest dobrze wykonane; Jest to głównie dokładne pomimo zmian, chociaż dodanie przekleństw jest przezabawnie niepotrzebne. Nie jestem tym obrażony-jestem z Filadelfii. Wulgarność jest tutaj tylko częścią języka. Mimo to, gdy jeden ze złych facetów przysięga jak marynarz, aby wyglądał bardziej antagonistyczny, wydaje się tak sztywny, że nie mogę się powstrzymać od chichotania za każdym razem. Znowu prawdopodobnie fascynowałoby mnie to jako niedojrzały nastolatek. Ale po ponownym obejrzeniu tej serii jako dorosły dialog brzmi jak zły komik, który uważa, że dodanie więcej przekleństw sprawi, że jego występ będzie bardziej niezapomniany. wydany we wczesnych rogu, Elfen kłamał, pozostaje produktem swoich czasów, gdy gorący temat był jeszcze w powtobieniu, a Tim Burton Renaissance był tuż za rogiem. Spodobało się dziś Elfen, aby spojrzeć wstecz na tę epokę i dziesiątki Evanescence AMV, które pojawiły się. Dla tych nostalgicznych w latach 2000. Anime Elfen Lied jest nadal warta obejrzenia, nawet jeśli się nie utrzyma. Reuben Baron © 2006 Kadokawa Shoten/Welcome w N-H-K Partners Na długo przed tym, jak zostało ono zredukowane do szylingu NFTS, Gonzo Anime Studio miało reputację wizualnie ambitnych produkcji. CG z lat 2000. nie zawsze się starzeje, ale wysiłek był tam, a seria jak Last Exile, Gankutsuou: The Count of Monte Cristo i Afro Samurai wciąż trzymają się wizualnie dzięki świetnej pracy projektowej i imponującej ręcznej animacji. Witamy w NHK-jednym z dziewięciu anime Gonzo wyprodukowanych w 2006 roku, dwa lata po tym, jak studio odrzuciło „DIGIMATION” z nazwy-nie było najwyższym priorytetem studia na froncie animacji. Można mieć nadzieję, że seria będzie mniej ambitna, niż coraz większe efekty Gonzo może przynajmniej pozwolić na spójność wizualną, ale nie. Jakość animacji rośnie w górę i w dół, osiągając wysokość „przejezdnych” w najlepszym razie i wpadając w modne bazgroły (a nie zabawne artystyczne). Nawet po wyciągnięciu modelu, projekty postaci są ogólnym obniżeniem ilustracji Yoshitoshi Abe dla Tatsuhiko Takemoto oryginalnej lekkiej powieści. Założę się, że witam w problemach wizualnych NHK są drugim najbardziej znaczącym powodem, dla którego serial nie mówi tak samo jak inne wielkie anime z ery. Podejrzewam jednak, że największym powodem jego niższej popularności jest jedna z jej największych mocnych stron: jest po prostu taka realna. Takemoto był jednym z pierwszych pisarzy, którzy poważnie zagłębili się w temat Hikikomori, opierającym zmagania Satou z ekstremalnym lękiem i depresją na własnych doświadczeniach. Any progress Satou makes towards becoming a productive member of society always leads him to run into some new big problem, from developing a porn addiction to falling for a multi-level marketing scam to accidentally joining a suicide pact. As the show eventually reveals, Misaki’s fraught Manic Pixie Dream Girl quest to cure Satou of his hikikomori-dom is driven by her deep psychological wounds. None of this makes for easy casual viewing, and if you found this anime too triggering, uncomfortably relatable, or just plain cringe to keep watching at any point, I can’t blame you. That’s not to say the show isn’t entertaining. It’s often hilarious, just in a very dark register. Scenes like Satou talking to his furniture about his conspiracy theories on how TV networks are turning their viewers into hikikomori or Satou and Kaoru trying to apply every single fetish to their gal game protagonist are comedy gold. The English dub gets credit for doing a good job localizing and punching up jokes (I’m thinking of Chris Patton’s delivery of “BEGONE, DIRTY WHORES” and “SUCK ME DRY!”). The anime’s sense of humor prevents this series of so many unfortunate events from turning into misery porn, guiding the viewer along to find the light at the end of the tunnel. Welcome to the NHK uses its pitch-black humor and twisted story to explore many social problems, deal with mental health issues, and expose the darker sides of otaku culture. Ultimately, it’s a story about trying. It doesn’t promise everything will turn out okay, but it says it’s worth it to keep living and trying to help yourself no matter how much you mess up. Satou and Misaki might not find redemption, but they find hope and the strength to keep going. The many places where the show’s animators messed up should not detract from the strength of the series’message, the realism of its characterization, and the catharsis of its comedy and drama. Kalai Chik © 時計野はり・白泉社／「学園ベビーシッターズ」製作委員会 Gakuen Babysitters is a comfort anime for the ages. The lockdowns of 2020 must have done a number on my brain because I forgot this anime was released in 2018, not 2020. I have watched a clip or a full episode of Gakuen Babysitters anytime I need a pep in my step, and that’s a testament to the levels of serotonin this series has brought to my life. Its premise is straightforward as the slice-of-life anime focuses on the life of Ryuuichi Kashima and the children in the daycare part of his high school. Every episode has one or two self-contained stories, some more emotional than others. However, there’s character development and overall plot progression as brothers Ryuuichi and Kotaro learn to adapt to their new normal after losing their parents in a tragic plane crash. Although the series lacks any notable moments for animation quality, each episode is consistent and mirrors the charm and simplicity of the source material. The muted, pastel colors help to provide a relaxing watch for the eyes, while the overall character designs easily communicate their unique personalities. Mina Oosawa, the character designer who adapted the manga art for the anime, has gone on to work on designs for other heartwarming series like Given and Tadaima, Okaeri. Ryuichi and Kotaro are taken in by the matriarch of Morinomiya Academy, Yoko Morinomiya, on the condition that the Ryuichi help with the school’s babysitter center. The series’twelve episodes are a collection of various stories, such as a zoo field trip and Kotaro going on his first errand to deliver his brother’s lunchbox. To put it simply, cute preschoolers are always busy with the normal antics expected of schoolchildren. Of course, it’s not only the children who care deeply for Ryuuichi. The parents also watch over the two orphaned brothers as an unofficial community, guiding them without being patronizing. Chairwoman Morinomiya, who also lost her son and daughter-in-law in the same plane crash, provides the brothers with tough love, which is undercut when Kotaro occasionally calls her hair “shaggy.” There are no overarching stakes, though, I find it emotionally heart-wrenching to see young children in distress even if it’s relatively minor. For example, my heart simply breaks when Taka—the loudest and ‘brattier’ of the children—loses his beloved toy sword during a festival. Or, on a more serious note, when Kotaro attempts to jump into open water when he thinks his brother is drowning and cries in anguish when the mother of his classmates holds the toddler from doing so. By the end of episode one, you’ll be emotionally invested in the well-being of Ryuuichi and Kotaro, which will extend to all the characters in the series. The lighthearted nature of Gakuen Babysitters leads you to forget that it revolves around a teenager and his four-year-old brother who lost their parents, and only have each other. Every episode provides a moving, overarching narrative, and shows simple moral lessons that kids can understand while including relatable subjects for adults. Like a father who fears his children are emotionally distant from him because of his busy work as an actor, or an emotionally insecure schoolgirl. Maria Inomata, Ryuuichi’s classmate, is a book-smart but socially awkward schoolgirl with a stern attitude. She bottles up her feelings of loneliness, which the children help unload and relax by simply being happy to see her. Gakuen Babysitters also dabbles into light romance but never goes anywhere with that subplot, as the number one person in Ryuuichi’s heart is his younger brother. You’ll laugh and you’ll cry at this simple series about babysitting in a daycare center. Come forget your woes while watching a heartwarming anime with cute depictions of toddlers. MrAJCosplay © 2006 CLAMP・講談社/アヤカシ研究会 There is a lot about xxxHOLiC that I think still holds up today. Just like how the title is a play on words with the xxx representing a blank space, and the rest of the title is a stand for addiction (for example, being an ALCOholic), the series is all about going through the miserable experiences that are afflicted on other people. Sometimes, these afflictions are random and circumstantial, while other times, they are self-imposed. There’s a strong emphasis on how words and language hold special meanings that can physically and spiritually affect others. Our main character, Watanuki, is somebody cursed to see horrific spirits that also find themselves attracted to him. All he wants to do is live a normal life. There’s this prevailing sense of misery throughout the show and while there are genuine moments of old-school comedy thrown in there for the sake of levity, almost every episode ends on a bit of a downer note. The series is episodic, going through different types of people who need help from our beautiful witch Yuko, who does her best to help. But I never walked away from an episode feeling happy. It’s more like a cold, hard truth gets revealed, and a lesson is learned, but that doesn’t necessarily mean the world gets brighter. It makes sense that a show where words hold such power would have the dialogue and writing would be treated with such care. A major selling point of this show is Yuko and how she talks to those around her, particularly with our main character Watanuki. The writing is so tightly packed with comedic punch and plenty of wordplay that it doesn’t always translate well in the English version, but the effort is still there in trying to communicate the layered double meanings in a lot of the exchanges. There is a lot of exposition about spirits, but there’s also a lot of talk about the human spirit, destiny, and the power of choice. I’m glad these exchanges still hold up because the animation and art direction certainly have not. Some gorgeous, aesthetic shots work perfectly as stills, and almost all of them have to do with Yuko. She is the definition of aesthetic, and the animation staff tries their hardest to ensure we, the viewers, understand that. But this animation style has not held up so many years later, outside of those shots and a few scant moments throughout the season. This is the show that I think about whenever somebody makes fun of the CLAMP art style with the incredibly long and lanky body proportions. These body types work for comedy, but so much of the show is dragged in serious melancholy that it gets incredibly distracting. The show is trying to combine real-world issues with supernatural influences and the art design doesn’t work in communicating that idea. The color palette emphasizes shades of brown and plenty of black with the illusion of very dim lighting across most scenes outside of the high school the main character attends. However, the character designs and movements are too cartoony to convey any major sense of realism. Everything looks so flat and lifeless. At best, the show can look very messy, and at worst, it just looks very boring with a soundtrack that mostly exists as background noise outside of a few scant tracks, such as the themes that play when Yuko is present. In some ways, I almost think the show would work better as an audio drama where I can just listen to the characters describe everything taking place. Maybe that would’ve been a better way to consume it, or maybe the show would work a lot better if there was some kind of reboot with an updated aesthetic because other studios have shown that they can adapt the CLAMP art style incredibly well. Bamboo Dong © 2003 Shuichi Shigeno/KODANSHA/prime direction/OB PLANNING But the story! The story was pure perfection. It turned an entire generation of fans into street racing enthusiasts. Even if you didn’t care about cars, the tension of every episode kept you coming back for more. Initial D wasn’t just a sports anime—it was the story of an unlikely underdog whose coolness wasn’t even desired. It was just thrust upon him as a filial chore! You see, the main hero of Initial D, Takumi Fujiwara, wasn’t even the chosen one. He was just a guy who had to deliver tofu for the family business in the early hours before school. And if you’ve ever had freshly made silken tofu, you know how delicate it is. That was the burden thrust upon Takumi, whose daily chore led his father—a racing legend back in his day—to teach Takumi the finely honed art of drifting. It’s a technique where drivers intentionally oversteer a car through a turn so that it skids sideways with the wheels turning in the opposite direction. It was also awesome that Takumi’s car was an underdog too. Compared to the flashier, much more expensive cars driven by the other racers, Takumi’s ride was a Toyota AE86 Trueno, part of the Corolla lineup. On the straight-aways, it simply couldn’t compete with the fancier race cars, but on the turns? That’s where Takumi’s ridiculous and unbeatable skills shone. And yes, that’s the entire show. Sure, there are some side stories here and there about the people in his life, and he gets embroiled in several racing team spats and increasingly complex race courses, but at the end of the day, he always pulled ahead because he’s just a damned good driver. The fact that this series became such an enduring cult classic despite its unfortunate character designs, clunky animation, and truly awful CG car animations is a pure testament to how magnificently the action was written. They probably could have animated the entire show with stop-motion Kleenex boxes, and it would have still been immensely thrilling—that’s how good the story is for Initial D. The classic Eurobeat soundtrack doesn’t hurt either. Jairus Taylor © 荒木飛呂彦/集英社・ジョジョの奇妙な冒険製作委員会 Before you all raise your pitchforks in protest, hear me out. Yes, Jojo has a pretty distinctive visual style, and yes, the quality of David Productions’work on the series has (mostly) gone up with each subsequent part that’s been adapted. However, that hasn’t always transferred over to its actual animation quality, especially so with its first season when David Productions was a much smaller studio. Going by their portfolio before 2012, they were a pretty strange pick to adapt a property like Jojo, as their biggest claims to fame at the time were titles like Inu x Boku S.S., Ben-To, and assisting Studio Pierrot with Level E. It’s not a terrible track record, but certainly not the one you’d expect when they were given the keys to one of the biggest and seemingly unadaptable manga franchises in Japan. As such, it’s not too surprising that the animation quality of Jojo’s first season is pretty inconsistent. While there are a couple of standout episodes on that front, the majority are merely passable compared to what you’d expect out of the adaptation of such a big title, and some of the shortcuts taken with action scenes make it feel more like watching a comic book in motion than a TV show. However, it speaks to the strengths of Kenichi Suzuki and his team that they were able to leverage that into a feature rather than a weakness, and compensating for production flaws by leaning into that comic book aesthetic is a great example of how direction and intent can be more important to the aesthetic of a show than raw animation quality. Of course, it also speaks to how great Hirohiko Araki’s writing is, that it’s so easy to get swept into the series despite some of those shortcomings. The pseudo-Victorian drama that forms the basis for Phantom Blood is more entertaining than it has right to be. It’s fun seeing the conflict between British gentleman Jonathan Joestar and his newly adopted brother, Dio Brando, escalate from a battle for the family fortune to vampires versus humans with magic breathing. Dio contributes a lot to the appeal here, as he’s the kind of villain you love to hate, and both Takehito Koyasu and Patrick Seitz do a great job of chewing the scenery regardless of which language track you listen to. Whether he’s stealing the first kiss of Jonathan’s girlfriend Erina, or tricking a newly formed vampire into eating her baby, he’s so delightfully punchable that it’s hard not to be drawn in by his villainous antics. That energy gives the story a kind of goofy charm that’s impossible to look away from. This goes double for Battle Tendency, which shifts into a style more akin to an Indiana Jones movie and sees Jonathan’s descendant, Joseph trying to prevent the resurrection of an ancient race of superhumans as he crosses paths with vampires and actual nazis along the way. However, while a lot of series survive on escalation, the real strength behind Jojo is in just how good Araki is at crafting melodrama out of even the most bizarre of circumstances. For as silly as things like Jonathan and Dio’s rivalry, or the tragic history of the Joestars can get, a lot of it manages to be genuinely compelling, and Araki knows how to squeeze the most out of even the most off-putting of characters (that Stroheim, is even tolerable despite being a literal nazi-cyborg speaks volumes). With all those strengths working together, it makes sense that this first season helped take Jojo from a property with little reach outside Japan, into a global powerhouse, and while this isn’t the best-looking entry in the franchise, it wouldn’t be where it is without it. Kennedy © 桜井画門・講談社／亜人管理委員会 Ajin is one of those shows where I couldn’t even form a sentai team with all the people I’ve met who’ve seen it. But few as they are, everyone I’ve ever encountered who’s watched Ajin thinks it’s fantastic. One of the first few inmates of what would eventually become known as “Netflix jail,” Ajin primarily follows a seemingly ordinary high schooler named Kei Nagai. He has two key things that set him apart: first of all, getting hit by a truck didn’t result in him getting isekai’d. He probably would’ve been better off if he had been because, secondly, despite being soaked in his own blood, he didn’t die—in fact, his body instantly healed itself. He didn’t realize it until now, but he’s an Ajin: a rare, immortal demi-human. Ajin is routinely subjected to a relentless, neverending onslaught of painful tests and experiments, so thus begins Kei’s new life on the lam. But good as it is overall, this anime has some issues that are nothing if not visible—because most of them center around, well, the visuals. This TV anime from 2016 was animated entirely in CGI by Polygon Pictures (who, at the time, was fresh off the heels of Knights of Sidonia—another CGI, Netflix original anime). Now, does being animated entirely in CGI inherently make this show ugly? No. That being said, this isn’t exactly Land of Lustrous. Among other issues, figures (and especially the hair) tend to look a bit blocky, movements are choppy, and the color palette barely ever leaves the realm of neutral tones. Though, to be fair, I’ve seen way worse-looking CGI in anime, too (cough EX-ARM cough). But once you get past the visuals, you’re left with one of the most thrilling “maybe humans are the real monsters”-stories in all anime. This anime has interpersonal drama, violent ghost fights, and the kind of tension that constantly keeps you at the edge of your seat, but more than anything, this anime has spectacle and plenty of it. And it’s often helmed by this anime’s shining star, the strategic and highly capable Ajin Satou. Satou is the force of nature behind more or less everything that happens in Ajin—and oh, how shih-tzu-minus-the-zu hits the fan in this show. While things become more complicated the further this anime gets (but I don’t dare spoil it for you, so we’re going to leave it at that), for most of the show, he seems to be acting primarily out of a desire to see the suffering the Ajin are subjected to put to an immediate end—no matter what it takes. He stands in sharp contrast to Kei, who’s far from the altruistic hero that you might expect an anime like this one to follow. This unusual dynamic between the two main characters is fascinating and also makes this anime perfect for people who like a story where the protagonist isn’t necessarily a good person. I think in 2016, the visuals and Netflix jail were the main two factors that kept more people from watching Ajin. But in 2025, Netflix has become a much bigger player in the anime industry than they were a decade ago. And the visuals—well, okay, fine, they haven’t aged all that well. Still, my point is that this anime has been massively overlooked, and a really big part of that has been because of how it looks. While I think the criticisms to be made about this anime’s visuals are fair (or at least the actual criticisms relating to the CGI itself, rather than the plain fact that it’s CGI), the show itself is nonetheless a fun watch, and I’m willing to die on this hill. Kevin Cormack © TSUTOMU NIHEI・KODANSHA／KOS PRODUCT COMMITTEE Back in 2014, I’m not sure what possessed Netflix to license a Polygon Pictures CG animated series as their first ever “Netflix Original Anime,” raising more than a few eyebrows among anime fans. At the time, Polygon was most recognized in the West for their contribution to US-produced animated shows Star Wars: The Clone Wars, Transformers Prime, and Tron: Uprising, all CG-animated shows that didn’t exactly scream “typical anime.” Similarly, the works of mangaka Tsutomu Nihei weren’t typically mainstream either. Even his most notable manga, the inscrutable but fascinating Blame!, had only received a seven-episode short ONA/OVA series in 2003. Based on Nihei’s fifteen-volume manga series of the same name, Knights of Sidonia follows young male protagonist Nagate Tanikaze’s life in the gargantuan (29 x 5km) sub-light-speed seed ship Sidonia, a typically stark, alien Nihei setting. Having been raised in seclusion by his grandfather, deep in the bowels of the ship, following his grandfather’s death, Tanikaze finds himself as an outsider among the other, subtly posthuman, Sidonia residents. One thousand years previously, the seemingly mindless alien “Gauna” entities destroyed the solar system, with humanity’s survivors fleeing in their huge concrete ships, expanding from the asteroids from which they were mined. To adapt, humanity developed the ability to photosynthesize (to reduce food requirements), while also maintaining population via cloning and asexual reproduction. One prominent character is a new, third sex, with the ability to choose between biological female and male sexual capabilities. The comparatively unaugmented Tanikaze struggles to assimilate while also being drafted into the military as a child soldier in the eternal war against the ever-pursuing Gauna. Knights of Sidonia is a mecha show with fairly standard shonen action and romance filtered through Tsutomu Nihei’s deeply strange mind. Tanikaze finds himself embroiled in a weird love triangle between one of the aforementioned third sex characters, and a fifteen-meter-tall human/Gauna hybrid who interacts with other characters mainly in the form of a massive phallic tentacle. No one else does romance quite like Nihei, and that’s probably for the best! Compared to the exemplary work of Studio Orange (BEASTARS, Land of the Lustrous, Trigun Stampede), Polygon Pictures’Knights of Sidonia looks jarringly janky. While the plentiful and kinetic mecha action scenes are incredibly detailed and dramatic, the character rigs and accompanying animation are hopelessly stiff and jerky. Faces are difficult to distinguish, with mask-like expressions that barely change, let alone emote. With a muted color scheme erring on the side of visually boring, it’s no wonder that many fans of more traditional 2D animation were repelled by Sidonia’s substandard presentation. Beneath the surface, however, is a compelling story of a people driven to desperate measures to survive. Tanikaze himself isn’t that interesting a protagonist, but the surrounding characters are quirky and entertaining, such as the twenty-two-strong “Honoka series”, a group of cloned pink-haired sisters with accelerated growth and development. Sidonia also isn’t afraid to kill off or horrifically alter characters if it serves the plot, which isn’t at all predictable. While its visuals can easily repel potential viewers, the soundtrack is superb, especially the first season’s pulse-pounding opener, and the dramatic, operatic score that accompanies battle scenes. After a six-year break following Sidonia’s second season, the story definitively concluded in the theatrical movie Love Woven in the Stars, which greatly compresses and alters the manga’s conclusion. Sidonia must have met with some measure of success for Polygon Pictures, because they subsequently produced a movie version of Nihei’s Blame! (which I also enjoyed), and the more recent Kaina of the Great Snow Sea (un?)fortunately using the same divisive CG approach. Disclosure: Kadokawa World Entertainment (KWE), a wholly owned subsidiary of Kadokawa Corporation, is the majority owner of Anime News Network, LLC. One or more of the companies mentioned in this article are part of the Kadokawa Group of Companies. 
Knights of Sidonia
