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Bleach: Thousand-Year Blood War revela estreia antecipada de 2 episódios para 1.000 fãs content/uploads/2022/08/Bleach-Thousand-Year-Blood-War-offcial-anime-poster.jpg?resize=780%2C439&ssl=1″>Poster oficial do anime Bleach Thousand-Year Blood War. Crédito da foto: Studio Pierrot Uma das muitas franquias massivas que estão voltando para novos episódios como parte do calendário de anime do outono de 2022 é Bleach, com a história da Guerra de Sangue de Mil Anos. O anime revelou que alguns fãs sortudos poderão experimentar um evento especial de estreia da série antes de seu lançamento oficial! Desde que a série de mangá original de Tite Kubo celebrou recentemente o 21º aniversário de sua publicação inicial na revista Weekly Shonen Jump da Shueisha, todos os olhos estão focados na adaptação do anime, que está se preparando para estrear neste outono depois de passar o últimos anos em produção. Esperar está se tornando mais difícil para os fãs, no entanto. Bleach: Thousand-Year Blood War estreia antecipada A conta oficial do Twitter para a série revelou que alguns fãs sortudos no Japão seriam poderá participar de uma ocasião especial de estreia da série em 11 de setembro de 2022. Bleach: Thousand-Year Blood War também confirmou que novos episódios serão lançados globalmente no final de outubro de 2022. Mil fãs receberão a oportunidade de assistir aos dois primeiros episódios do novo anime Bleach cedo e ouvir novas mensagens dos atores, novos e antigos, como parte deste concurso. Infelizmente, parece que apenas os fãs no Japão poderão ver essa estreia antecipada.
◤￣￣￣￣￣￣￣￣￣￣￣◥ 　千人先行上映会＜第 2 部 ＞ ライブ ビュー イング 決定 ◣ ＿＿＿＿＿＿＿＿＿＿＿ ◢ ✦ 9/11 （日） 17:00 開演 ✦ 第 1 、 2話上映+キャストトークプレオーダーは【8/14(日)】締切⚠️ぜひご応募下さい！/t.co/azKjA3pX56″>https://t.co/azKjA3pX56#BLEACH_anime #BLEACH21st pic.twitter.com/RfldJmZHcv— 【公式】TVアニメ『BLEACH』 (@BLEACHanimation) 6 de agosto de 2022
Embora estreie em outubro como parte do calendário de animes de outono de 2022 ferozmente competitivo, Bleach: Thousand-Year Blood War ainda não anunciou um data para o lançamento de seus novos episódios. Viz Media tem l licenciou o novo anime para um lançamento em inglês. Ainda assim, eles ainda não confirmaram seus planos para streaming internacional ou se incluirá uma dublagem em inglês (e muito menos potencialmente trará de volta o elenco da série original). Por outro lado, o elenco e a equipe japonesa original se juntaram novamente para a nova produção. O próximo passo do Bleach Epic Muitos dos dubladores do primeiro anime de Bleach já foi confirmado para retornar em Bleach: Thousand-Year Blood War, incluindo Masakazu Morita (Tiger & Bunny), Kentaro Ito (Blue Exorcist) e Fumiko Orikasa (Ascendance of a Bookworm) como Ichigo, Renji e Rukia, respectivamente. Recentemente, vários membros adicionais do elenco foram revelados, mais notavelmente Daiki Yamashita (Don’t Toy with Me, Miss Nagatoro) e Asami Seto (The Rising of the Shield Hero), que interpretam Ryunosuke Yuki e Shino Madarame, respectivamente. Yoshitsugu Matsuoka (Demon Slayer: Kimetsu no Yaiba), Koichi Yamadera (Lupin the Third Part Six) e Hideyuki Tanaka (One Piece) são três artistas experientes adicionais que se juntaram ao elenco de Thousand-Year Blood War. A Weekly Shonen Jump da Shueisha publicou pela primeira vez a série Bleach do mangaka Tite Kubo em agosto 2001; o capítulo final apareceu em agosto de 2016. Ichigo, um delinquente juvenil que obtém as habilidades de um Soul Reaper, luta para impedir que criaturas malignas conhecidas como Hollows consumam almas inocentes na trama. Com mais de 130 milhões de cópias impressas, Bleach é uma das séries de mangá mais populares de todos os tempos, ao lado de One Piece de Eiichiro Oda e Naruto de Masashi Kishimoto. episódios como parte do calendário de anime do outono de 2022 abarrotado é Bleach, com a história da Guerra de Sangue de Mil Anos. O anime revelou que alguns fãs sortudos poderão experimentar um evento especial de estreia da série antes de seu lançamento oficial! Desde… Leia mais

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Nijiiro Hotaru: Rainbow Fireflies – O impressionante tributo da Toei Animation ao seu passado e as ameaças ao seu futuro produção para homenagear as obras icônicas de seu passado e o poder da animação tradicional. Uma década depois, a perda de projetos como esse ameaça o futuro do estúdio. Toei é um conglomerado de entretenimento que nenhum estúdio de anime pode comparar e, em alguns aspectos, que nenhum de seus pares deveria esperar ser comparado; por mais colossal que seja seu legado no anime, essa pegada maciça também lança algumas sombras negras, tanto no trabalho quanto nas frentes criativas. Ao longo das últimas 7 décadas, sua divisão de animação evoluiu para o gigante que é agora. Um que é capaz de produzir muitos sucessos mundiais simultâneos e intermináveis, e como os espectadores de One Piece podem atestar agora, também de fazer um trabalho fantástico com eles quando esses títulos são bem gerenciados. No entanto, como mais fãs veteranos da mesma série se lembrarão, o modelo deles também pode se traduzir em um trabalho continuamente estressante e um resultado que parece existir apenas por inércia e pela necessidade de entregar um produto semanalmente. Enquanto a indústria de anime marcha deprimente em direção a um futuro onde os estúdios são pouco mais que linhas de montagem, a Toei é uma veterana experiente para quem esse resultado não é novidade. Eles foram tratados como tal por muitos anos, mas ainda conseguem agrupar pepitas criativas suficientes dentro dessas obrigações comerciais para impedir que o cinismo assuma totalmente. Pode ser um equilíbrio precário, mas a Toei encontrou uma fórmula que lhes permite cumprir essas exigências enquanto montam trabalhos memoráveis ​​e criam algumas das mentes jovens mais brilhantes do anime. Repetindo ciclos com nomes como Sailor Moon, Doremi, Ashita no Nadja e Precure, com Kunihiko Ikuhara, Mamoru Hosoda, Takuya Igarashi, Rie Matsumoto e Haruka Kamatani — esses padrões positivos não são um acaso feliz. Você nunca pode tomá-los como garantidos em uma série específica, mas há uma coisa que é uma certeza há décadas: sempre haverá algo muito interessante acontecendo nos enormes salões da Toei. O truque aqui, de claro, é que a Toei tem válvulas de escape para essa criatividade reprimida e radical. Embora seja possível abordar esses títulos populares de longa duração pelos quais o estúdio é conhecido com mais ambição e criatividade do que a norma, e a cultura do estúdio encoraja diretores ousados ​​a fazê-lo, há muito que se pode fazer para empurrar o limites estritos de um anime de ação popular ou uma grande franquia que deve continuar vendendo plástico. Muitas vezes, são os diretores mais idiossincráticos que lidam com episódios icônicos dos principais títulos da Toei, mas se isso fosse tudo em que eles pudessem trabalhar, suas carreiras no estúdio seriam bastante curtas. Mesmo que seja apenas de vez em quando, artistas descontroladamente únicos precisam ser libertados de seus grilhões, por isso a Toei parecia fazer questão de sempre ter alternativas ao lado à medida que evoluíam para essa realidade da linha de fábrica. Um desses projetos, lançado há 10 anos, foi o inesquecível Nijiiro Hotaru—Rainbow Fireflies. Konosuke Uda certamente não é tão glamoroso como contemporâneos dele como Ikuhara ou seu modelo Junichi Sato, que conquistou seus lugares no cânone dos maiores diretores da Toei de todos os tempos. No entanto, a falta de renome público ou crítico não torna a carreira de ninguém menos importante. Por um lado, ninguém mais pode se gabar de ser o primeiro diretor da série de One Piece… embora um Goro Taniguchi possa reivindicar a propriedade do primeiro papel de kantoku da série, já que dirigiu o piloto que décadas depois levou ao próximo One Piece Film Red. Os melhores trabalhos de Uda em diferentes espaços de gênero, como Lovely Complex, Ginga e Kickoff e MAJIN BONE não são megahits comerciais nem seu protótipo de queridinho da crítica , mas são o tipo de trabalho que as pessoas se lembram com carinho. Como um diretor que se viu perdido e sem motivação no início de sua carreira, trabalhando com o já mencionado SatoJun-e mestre de todos os tempos em injetar diversão nos cenários estereotipados que você provavelmente encontrará na Toei-muito energizado Uda, que desde então em seguida, consistentemente conseguiu transmitir esse prazer ao público. Dentro dessa carreira de feitos silenciosamente significativos e trabalhos agradáveis, mas não extraordinários, há uma grande exceção. Uma que estava sendo preparada desde 2007, quando o produtor Atsutoshi Umezawa abordou Uda para lançar-lhe um filme inspirado em um romance que ele havia lido recentemente. Umezawa, que se juntou ao estúdio na era Toei Doga e continuou a arranjar tempo para pequenos projetos estranhos mesmo depois sua aposentadoria, conseguiu fazer uma oferta muito tentadora. E para isso, ele primeiro vendeu a ideia para os superiores, convencendo-os de que era o momento certo para homenagear aqueles filmes historicamente significativos do Toei Doga de sua juventude com um sucessor espiritual totalmente financiado pelo estúdio. Umezawa foi então capaz de passar esta oportunidade talvez única na vida para um diretor como Uda: liberdade criativa desde que ele fizesse algo digno do legado do estúdio, com uma equipe de alto nível e muito tempo à sua disposição. Enquanto depois de um longo processo-2 anos para a animação, 3,5 para a produção como um todo e quase 5 para lançá-lo-os superiores acabaram se cansando e exigiram um produto acabado, essa pressão não foi suficiente para comprometer um filme que está de igual para igual com as maiores conquistas da Toei em animação. Na verdade, muito poucos animes podem se comparar ao que essa equipe alcançou. Como Uda explicou em AnimeStyle002, embora a premissa do projeto possa ter sido revestida de açúcar, a estrada que eles trilharam não era necessariamente doce – ou mesmo uma estrada, dado o quanto eles correram em círculos durante o processo de pré-produção, como eles imaginaram a identidade do trabalho que estavam criando. A jornada de Nijiiro Hotaru começou com Uda e Takaaki Yamashita, cuja participação foi uma recomendação de Kenkichi Matsushita do lado gerencial. Dado que o único mandato de cima que eles tinham inicialmente era honrar a história da Toei Doga, a participação de Yamashita se encaixava; ele também se juntou durante os últimos estágios daquela era do estúdio e, eventualmente, se viu orientando pessoas como Hosoda e Tatsuzou Nishita, incorporações atraentes das possibilidades modernas do estúdio. Se alguém tivesse que celebrar as qualidades do passado da Toei enquanto explora os pontos fortes de seu presente, Yamashita seria o homem. Ou seja, em um mundo ideal onde o tempo não é um recurso finito. A essa altura, Yamashita já estava em alta demanda, tanto em programas de TV quanto com uma carreira teatral-seu único foco hoje-que era decolando também. Nijiiro Hotaru foi um compromisso tão longo que se sobrepôs a não um, mas dois filmes de Hosoda, muito menos outros projetos que exigiam sua assistência. Como ficou claro desde o início que ele não seria capaz de dedicar toda a sua atenção a Nijiiro Hotaru, Uda pediu ajuda a um artista muito especial que corria em círculos semelhantes: Hisashi Mori, um animador de ação estilo Kanada que se desviou muito para surfe na onda realista de Mitsuo Iso, mas nunca perdeu sua nitidez e formas geométricas, dobrando-se na ousada lineart daqui em diante. Os três fariam extensas viagens de reconhecimento de locações, uma anormalidade para o estúdio na época, desenhando artes conceituais para ajudar a imaginar a forma ideal do filme. De certa forma, parecia mais uma descoberta arqueológica cuidadosa de seu resultado natural, em vez de uma equipe avançando com ideias preconcebidas. Novamente, esse processo não foi fácil, e a equipe se viu voltando atrás em suas decisões mais frequentemente do que não. A primeira grande mudança de planos foi dentro desse trio: enquanto Mori originalmente se juntou para ajudar o ocupado Yamashita, Uda amou tanto seus rascunhos ousados ​​que foi rapidamente decidido que ele deveria ser o designer de personagens. Isso também os ajudou a resolver algumas dúvidas iniciais que tiveram com a identidade do projeto; dado o pedido para seguir a tradição Toei Doga, exceto em um contexto mais moderno, Uda e sua equipe sentiram que eles se sobreporiam muito a outros herdeiros distantes desse estilo, como as obras de Ghibli ou a produção simultânea de Mai Mai Miracle. Ao construir sobre o trabalho de linha excepcionalmente espesso de Mori, no entanto, Nijiiro Hotaru imediatamente se sentiu como um trabalho próprio. O pipeline de animação que eles construíram também refletiu essa nova dinâmica. Yamashita ainda emprestou sua experiência em composição de imagens desenhando inúmeros layouts ásperos que expandiram o storyboard, que então seria passado para Mori para ajustar as especificidades de atuação e, finalmente, para animadores-chave específicos para seguir o fluxo de trabalho de animação padrão. Como um personagem principal no material de origem passou a ter Okuyama como seu sobrenome, assim como a lenda do Toei Doga Reiko Okuyama, a equipe teve a ideia atrevida de nomear o protagonista que não tinha sobrenome no livro em homenagem a Yoichi Kotabe, uma figura igualmente significativa para o estúdio. Para evitar exagerar, eles optaram por Otabe, que parecia muito próximo, dada a pronúncia de seu VA. No final, Kotabe assistiu ao filme ao lado de outras lendas do Toei Doga e ficou muito agradecido pelo gesto. Essa mudança foi apenas a primeira de muitas que virão, muitas delas motivadas pela decisão anterior que tomaram. Por um lado, optar por abraçar as linhas ousadas de Mori acabou criando uma atmosfera muito opressiva, como eles perceberam amargamente quando foram convidados a animar um filme piloto. Tentar diminuir esse impacto visual imitando o efeito de papel carbono marrom visto em obras como Meu vizinho Totoro também não funcionou , pois isso deu uma sensação elegante de outono a um filme que deveria incorporar o verão de cima a baixo. A solução que eles escolheram foi interromper as linhas pretas de Mori com segmentos traçados de cor deliberadamente posicionados que permitem que as imagens respirem. Isso foi acompanhado por uma mudança na direção de arte, aumentando ainda mais essa sensação de frescor. O Seiki Tamura do Anime Kobo Basara, que substituiu a supervisão inicial do Kentaro Akiyama do Studio Pablo devido a conflitos de agenda-fale sobre conseguir dois dos maiores especialistas de sua época-foi encorajado para descartar seletivamente os detalhes, espelhando a polarização consciente de mestres anteriores da Toei como Takamura Mukuo. Uda conheceu o trabalho de Mukuo antes de sua trágica morte durante Sailor Moon e ficou fascinado por seu estilo; tão escassa em pontos que o fez pensar se aquelas pinturas estavam mesmo terminadas, e ainda assim tão impressionantes quando todas as peças foram eventualmente colocadas em camadas. Essa economia deliberada tornou-se outro grande pilar no equilíbrio visual, mantendo uma forte impressão, mas não a ponto de sobrecarregar a atmosfera alegre da cidade que deveriam retratar. Pesado e leve, moderno e antigo, animação e live-action, fantasia e mundanidade, vida e morte, os contrastes fundamentais no centro do trabalho começaram lentamente a se desdobrar. Em sua essência, Nijiiro Hotaru é sobre a beleza da efemeridade, temática em torno de criaturas como vaga-lumes que só podem brilhar tanto porque o fazem por um curto período de tempo. É a história de uma criança que mergulha no passado e, em vez de ficar obcecada com a mecânica da viagem no tempo, seu foco é apreciar o momento com o pleno conhecimento de que ele acabará por passar por nós. O protagonista Yuuta é encorajado a aproveitar esta experiência de verão única na vida, e ele aprende a fazê-lo, apesar do espectro da separação de seus novos amigos se aproximando a cada dia. Suas aventuras se passam em uma vila que está fadada a ser abandonada e inundada para construir uma represa – um resultado que Yuuta sabe ser inevitável, pois esse era seu destino em sua linha do tempo original. Como ele percebe, muitos de seus novos conhecidos com quem ele está se divertindo muito têm circunstâncias pessoais que levarão a consequências igualmente inevitáveis. E é isso que o estilo visual que essa equipe escolheu deve incorporar: muito impactante em alguns aspectos, como a lineart de Mori, porque são eventos memoráveis ​​para todos os envolvidos, mas também com um toque de fragilidade para eles. Nada é eterno. Arte conceitual inicial publicada em AnimeStyle002. O que completa o filme tematicamente é sua confiança nas novas gerações, o que transforma o que poderia ter sido um pouco deprimente em um conto muito animador. Tendo tomado conhecimento de eventos semelhantes na vida real e sabendo de sua complexidade, Uda evitou tomar partido na questão da barragem por meio de uma voz autoral definitiva; é claro que os adultos que vivem na aldeia se sentem de uma certa maneira, mas são apresentados como mais passivos e aceitadores do inevitável. Esse não é o caso das crianças, que expressam abertamente sua discordância em um filme que se compromete a deixá-las falar por si mesmas, mesmo que não esteja em seu poder reverter essas circunstâncias. É a eles que o futuro pertence, e suas críticas às decisões que os adultos tomam que ameaçam seu mundo é mantida com tanto respeito quanto sua capacidade de se recuperar. Depois de usar a frase “mesmo assim, as crianças ainda vivem no presente” como slogan para promover o filme, a cena final acrescenta “e siga em direção ao futuro” depois de mostrar que todos se levantaram e encontraram novos caminhos a seguir. Nijiiro Hotaru envelheceu como um bom vinho, e o aspecto agora é mais animador do que nunca. Com esses temas finalizados, algo que demorou, já que eles continuaram ajustando o roteiro enquanto o processo de animação já estava em andamento – o que restava era tomar as decisões estilísticas finais e finalmente colocar todas essas ideias no papel. Embora eles ainda tivessem que mudar um pouco seus planos nesta fase, o processo era mais direto a essa altura. Uda deixou claro desde o início que, se ele fosse prestar homenagem aos títulos clássicos da Toei Doga e mergulhar Yuuta e o espectador de forma crível em uma cidade rural dos anos 70, as técnicas que eles usaram deveriam refletir isso também. Ele teve que abandonar a ideia de usar animação cel porque não era mais viável por razões mecânicas, mas se viu traçando uma linha dura quando se tratava de técnicas digitais modernas. Como consequência, Nijiiro Hotaru não usa CGi, apesar de destacar elementos como os próprios vaga-lumes que são mais facilmente retratados com essas ferramentas. A animação do filme sendo totalmente desenhada em papel e supervisionada por pessoal próprio especializado também foi um ponto de discórdia, uma anomalia para a indústria e especificamente para a Toei; enquanto os relatórios de seus investidores se orgulham há anos de quanto dessa carga de trabalho é rapidamente tratada no exterior por sua subsidiária Toei Phils, Uda sabia que muitas dessas sequências foram desenhadas em tablets, então ele limitou o processo intermediário a empresas nacionais que ele sabia que trabalhava exclusivamente no papel. Cada elemento do filme foi feito para respeitar a tradição da animação analógica tanto quanto possível, mesmo que isso significasse limitar o trabalho de câmera ou sair do caminho com subcontratação mais cara. O aspecto mais interessante a esse respeito foi o processo de composição, que ele deliberadamente confiou a um diretor de fotografia como Masao Oonuki que estava trabalhando nessa função desde os dias dos materiais físicos. Foi pedido a Oonuki que se limitasse a efeitos de aparência prática, e até mesmo acentuasse uma distância física entre as camadas dos personagens e os fundos, semelhante à que você teria quando colocasse celulóides em camadas. Abandonando o efeito imersivo imediato de uma imagem filtrada com efeitos de iluminação envolvidos, Uda reforçou a imersão com a qual ele realmente se importava: lançando o espectador naquele mundo nostálgico da animação tradicional, que pode não ter a coesão calculada das melhores obras digitais, mas permite que você sentir com mais força o artesanato. Essas ideias tradicionais permearam a filosofia da própria animação. A equipe se esforçou para gravar as crianças que eles escalaram para dar voz aos personagens fazendo todo tipo de ação que eles fariam no filme, citando os métodos de certos trabalhos do Toei Doga. E uma vez que eles tinham essa filmagem de referência para aumentar a autenticidade, todos os indivíduos eram encorajados a desenhar como quisessem; novamente, tentando trazer de volta aquele sentimento nostálgico de uma época em que a consistência nas fichas de personagens não era valorizada do jeito que é agora. A direção de animação de Mori foi voltada para proteger a identidade dos personagens através de seus gestos mais do que qualquer estilo visual específico, e assim o filme se tornou um espetáculo interminável de animação de personagens com muito espaço para interpretações pessoais. Seja como for. Os olhos expressivos e redondos de Shinji Hashimoto e as linhas constantemente fluidas ou o toque mais suave de Hiromi Ishigami, o filme não tinha medo de mudar constantemente de estilo, mas nunca parecia assim prejudicou a caracterização de ninguém. Ninguém incorporou melhor essa abordagem do que Shinya Ohira, cujo trabalho impressionante foi implantado quando mais eficaz; sua animação vive na fronteira entre o fotorrealismo e o expressionismo surreal, que Uda sabia que seria mais eficaz nos momentos em que os personagens literalmente percorrem o caminho entre a vida e a morte. Embora o filme tenha justificado perfeitamente reforçar a idiossincrasia do animador por causa disso, especialmente no contexto de homenagear os métodos tradicionais de animação, vale a pena notar que também estava atento a quais estilos únicos implantar onde. Sua equipe incluía os animadores mais habilidosos que o estúdio tinha à disposição, além de conhecidos pessoais reunidos pelo próprio Mori, formando uma equipe apertada, onde todos conheciam as melhores qualidades de todos. O clímax do filme acabou sendo pura animação de Ohira: todos os desenhos aqui são chaves desenhadas por ele, e no final das contas não passou por nenhum tipo de correção porque seria muito demorado e dificilmente parecia uma sequência onde a ideia de correções se aplicasse. Os layouts para cortes únicos abrangem cerca de 6 metros de comprimento, e até mesmo o processo de digitalização foi ajustado para captar o máximo possível de nuances de seus desenhos. O resultado do trabalho de todos através de um processo de produção demorado e muito cuidadoso é um filme nada menos que extraordinário. Não seria realista esperar que a produção da Toei fosse preenchida com trabalhos como Nijiiro Hotaru, e como Uda confessou, foi justamente essa sensação de que era um projeto especial que levou todos a dar o seu melhor. Ele contrastou diretamente com o trabalho da franquia, dizendo que todos valorizavam a oportunidade de trabalhar em um filme que se destacasse por conta própria, com uma tremenda liberdade artística. Suas reações entusiasmadas deixaram claro que, embora você não possa esperar que a Toei produza filmes como esse-algo que seria antitético ao espírito deles em primeiro lugar-seus criadores mais brilhantes precisam dessas válvulas de escape. Por muito tempo, a Toei os teve, seja uma vaga ideia de vender produtos transformados no projeto de paixão hipnotizante que foi a visão de mundo de Kyousougiga ou Kenji Nakamura coloridamente engessada nos diferentes títulos que dirigiu no estúdio. Agora, em 2022, não posso mais dizer que a Toei tem projetos assim. E isso já é um problema. Nos últimos anos, os projetos alternativos da Toei foram bastante comprometidos ou cancelados. Popin Q foi um pequeno filme peculiar que foi sobrecarregado com a responsabilidade de atuar como um projeto de aniversário para o estúdio quando nunca foi planejado, e depois de ter um desempenho inferior, sua sequência prometida foi cortada e acabou desaparecendo em um livro. A iniciativa mais interessante desde então foi um projeto para dar uma plataforma para seus jovens funcionários por meio de curtas-metragens, que após vários comunicados de imprensa prometendo que seria um acessório regular, desapareceu completamente após a primeira entrada na forma de Megumi Ishitani‘s Jurassic. Desde então, o estúdio se concentrou em nada além do trabalho de franquia, enquanto projetos exclusivos carecem de suporte interno, são cerimoniosamente desconectados ou são golpes que é melhor ignorar. Os perigos disso para o estúdio não são apenas teóricos. Algumas das figuras mais populares da Toei saíram nos últimos anos citando precisamente o desejo de trabalhar em projetos que não pertencem a franquias maiores e duradouras; alguns deixaram mais ou menos a animação comercial como consequência, enquanto outros simplesmente se viram presos em diferentes franquias enquanto seus projetos pessoais estão presos no limbo, porque esse é o tipo de indústria de que estamos falando. Uda, que até hoje está feliz em trabalhar com a Toei às vezes, apesar de ter se distanciado deles, colocou isso muito claramente: você simplesmente tem que deixar sua equipe flexionar seus músculos criativos às vezes, de uma maneira que o trabalho da franquia nunca permitirá. Nijiiro Hotaru nunca iria iniciar uma nova onda de animação analógica, mas no mínimo deveria ser um lembrete impressionante de que os artistas precisam de liberdade, mesmo que seu trabalho não permita que isso seja a norma. 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10 anos atrás, a Toei Animation lançou Nijiiro Hotaru: Rainbow Fireflies, o impressionante culminar de uma longa produção para homenagear as obras icônicas de seu passado e o poder da animação tradicional. Uma década depois, a perda de projetos como Read more…

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