For ti år siden begynte et prosjekt å flytte. Nå er resultatet at en av de største regissørene av tørr japansk kino slår seg sammen med en stigende stjerne innen animasjon for en rotoskopert film om funnet familie, foreldrerollen og den morsomste irreverente oransje katten.
Nobuhiro Yamashitaer et navn som burde være kjent for fans av japansk film. Selv om det er mest kjent for den lavmælte, men enormt oppløftende filmen Linda Linda Linda, består det meste av arbeidet hans av en tørrere, faktapresentasjon av hverdagen som omfavner øyeblikkene av tafatthet som utgjør den.
Yamashita har opparbeidet seg et rykte for å lage slakere filmer, og det er god grunn til det – fra og med debutverket hans Hazy Life, en skildring av et usannsynlig vennskap mellom gode for-ingenting som likevel bestemmer seg for å leve videre. Lignende mønstre dukker opp gjennom filmografien hans: Drugery Trains selvdestruktive fortelling om sønnen til et seksuelt rovdyr, som boikotter seg selv på hver eneste tur og ikke fikser noe med livet sitt, men som likevel har fått en liten hobby ved slutten av filmen; de to uhjelpelige mistilpassede i No One’s Ark, hvis planer om å bli rike blir ler av både i byen og på landsbygda de flykter til; til og med hovedpersonen i Tamako i moratorium, arbeidsløs etter endt utdanning og nedsenket i en sykdom som ikke lar henne finne veien videre.
Til tross for denne tilbøyeligheten til karakterer som ville bli ansett som tapere av samfunnet, Yamashita verken gjør et bombastisk poeng ut av situasjonen deres, eller begrenser seg til tradisjonelt skurkeaktige, late karakterer. Et åpenbart eksempel er hans tilpasning av Cream Lemon, som skildrer et par veltilpassede søsken som kaster det hele på grunn av sin lidenskapelige, tabubelagte kjærlighet – og til slutt ikke helt klarer å være på samme side. Enten det er degenerasjon, uønskede karaktertrekk, eller rett og slett ikke passer inn i samfunnsmessige standarder, er Yamashita interessert i karakterer som har avviket fra den forventede veien i ulik grad. Aldri fullstendig uløselig selv når de kommer nær det ekstreme, og alltid feil når de er nærmere den andre. Selv i verket som skulle bli hans store debut innen animasjon, har denne smaken for oddballs fundamentalt endret historien de hadde tenkt å fortelle.
Et annet aspekt som umiddelbart vil hoppe til seeren med rett om noen av Yamashitas filmer er pausene. Selv om han neppe er den eneste regissøren som omfavner en langsommere rytme, gir hans forkjærlighet for å holde et skudd så lenge at til og med skuespillerne blir synlig klosset, en veldig spesiell smak til arbeidet hans.
Som for å gjøre et poeng om hvor mange samtaler i det virkelige liv ikke går jevnt, karakterene hans blir stadig plassert i ubehagelige, altfor lange skudd – spilt for rar humor på punktvis, men også brukt som en byggestein i hans fortellinger. I den nevnte Tamako, får tempoet i livet hennes, som ofte stopper opp, deg inn i tankegangen hennes: den til en sløv ung voksen som trenger å rekonstruere en rutine gjennom mimikk, som til slutt gir henne mulighet til å bare så vidt kanskje gå videre. I The Drudgery Train er stasen til hovedpersonen dramatisk og smertefull; de som omgir ham klarer å utvikle seg, mens han sitter fast i sine selvdestruktive gamle måter, innenfor de endeløse skuddene. Mer enn et rent stilistisk trekk, som det også er, er den rytmen en integrert del av Yamashitas historiefortelling.
Hvis vi tar”langsom og ustø progresjon”og”smak for feiltilpassninger”, er vi perfekt forberedt på å begynne å snakke om Bakeneko Anzu-chan, lokalisert som Ghost Cat Anzu. Selv på produksjonsnivå, men ikke så med vilje her, har denne filmen tatt sin søte tid på å nå målet; ikke alltid beveger seg i samme tempo, eller beveger seg i det hele tatt for den saks skyld. I et informativt intervju for Animation Magazine, regissørene bemerket at de ble kontaktet for ca. 8 år siden med en pitch for denne filmen. I presentasjonen av filmen av teamet på Annecy International Animation Film Festival 2024, bemerket hovedprodusent Keiichi Kondo at det er et helt tiår siden han begynte å formulere et prosjekt for å tilpasse Takashi Imashiro sin manga. For en film som har tatt så lang tid å bli realisert, tok det imidlertid ikke lang tid å overbevise Yamashita; Ikke bare samsvarer Anzu-chan med verdensbildet hans, men han hadde allerede planer om å en dag tilpasse det selv, og har siden da jobbet med andre Imashiro-tilpasninger som Hard-core (2018).
Av Kondo er spesifikt en animasjonsprodusent ved studio Shin-Ei, men tonehøyden var ikke til Yamashita alene. I Animation Magazine-intervjuet bemerker medregissøren at allerede den gang var tanken at han skulle samarbeide for en rotoskopisk innsats med live action med noen som lesere av dette nettstedet kanskje er godt kjent med: Yoko Kuno.
Kunos talenter er mange, og de er umiddelbare å legge merke til. Som animatør og regissør innen både 2D og 3D anime, illustratør, mangaka, designer, og uansett hvilken rolle hun bestemmer seg for å takle, forblir stilen hennes overdådig og utstråler barnlig undring. Hennes konstant forvandlende animasjon er typen som tar pusten fra deg, og har allerede ofte blitt brukt for å gi en spesielt magisk kvalitet til distinkte øyeblikk; en drøm, en fremmed verden, en oneirisk destillasjon av et forhold, eller den grenseløse fantasien til et barn. Hun er en type artist som umiddelbart kan få deg til å føle at noe spesielt skjer når hun går inn på scenen.
I tillegg til det er Kuno også veldig godt bevandret i rotoskopering; en teknikk som hun ofte har brukt i sine personlige arbeider, så vel som hennes første krav om berømmelse innen animeindustrien i Shunji Iwais The Case of Hana & Alice. Selv om arbeidet hennes innen kommersiell animasjon for det meste har vært underordnet andre, ville det være feil å antyde at hun ikke har hatt en sjanse til å avsløre en egen visjon – eller rettere sagt, det er umulig for hennes sensibiliteter og fortryllende henrettelse å ikke stjele søkelys og transporter deg inn i hennes verden. Hun er den typen kunstner som produsenter dedikert til håndverket naturlig trekkes til, og det inkluderer Kondo i stor grad. Gitt tidslinjen er det tydelig at han henvendte seg til henne veldig tidlig i hennes profesjonelle karriere. Kunos kommentar til lanseringen av prosjektet, som er fremdeles tilgjengelig på den offisielle siden, antyder også at hun må ha akseptert akkurat som raskt siden hun også var en fan av kildematerialet.
Hurtig som alle kan ha vært med fra regissørens side, er det ingen hemmelighet at det å sikre finansiering og kunne danne et fullt team for prosjekter som avviker fra bransjens kommersielle norm er et mareritt. Det er verdt å merke seg at forholdet mellom disse kjerneskaperne gikk jevnt; Kuno ble en fast bidragsyter med stadig viktigere roller innen Shin-Ei-franchiser som Shin-chan, spesielt for filmene produsert av Kondo. Begge merket Yamashita for et annet arbeid: en reklamevideo for Culture City of East Asia in Toshima, som igjen viser appellen til et sted gjennom et barns fantasi. Når det gjelder hovedinnsatsen deres, klarte de imidlertid ikke å gå videre etter en forproduksjonsprosess som startet i 2017.
Det er ingen overdrivelse å si at med deres ankomst til prosjektet i 2021, Det franske studioet Miyu Productions reddet Anzu-chan. Det var først da produksjonen stivnet, og den gjorde det på en ganske unik måte: Shin-Ei ville håndtere cel-eiendelene – det vil si animasjonen så vel som dens fargelegging – mens Miyu ville være ansvarlig for kunstretningen , bakgrunner og fargedesign. På toppen av dette kompliserte arrangementet, snakker vi også fortsatt om en film som først skulle bli spilt inn i live-action av en ærverdig regissør i feltet, og deretter rotoskopert over med en annen modig regissør i spissen for animasjonen. Dette representerte en første gang for i hovedsak alle involverte; et første større prosjekt innen animasjon, en regidebut, den første samproduksjonen av denne typen. Det er vanskelig å forestille seg et prosjekt med flere potensielle kilder til friksjon, så hvordan er resultatet? Kort sagt: forbløffende bra.
For å være mer presis føles Anzu-chan som en film der alle måtte innrømme noe, dog på en måte som førte til et sjarmerende resultat som ingen individuelle bidragsytere kunne ha kommet frem til på egen hånd. Yamashitas karakteristiske rytme er veldig tilstede i filmen, selv om den ikke er fullt så ekstrem som i hans individuelle verk; noe som kan komme som et sjokk for seere som ikke er fullt kjent med stilen hans, fordi du fortsatt kommer til å stirre på karakterer som stirrer pinlig på deg i sekunder av gangen. Hans generelle tørrhet har også blitt tonet ned noe, ganske enkelt ved å være i kontakt med Kunos mye mer overdådige regitilnærming. Til og med hun fikk sine naturlige tendenser forskjøvet noe, ettersom hennes forkjærlighet for kalde farger måtte vike plass for Miyus mye varmere kunstretning – noe som gjør fortellingen lettere å svelge, slik at det føles som om du virkelig opplever en til tider mørk historie gjennom øynene til et barn.
Så, hva er den historien? Det er for det første ikke kildematerialet. Som en tilpasning – spesielt en ledet av to regissører som allerede var begeistret av den før – er det en fascinerende rekontekstualisering å fortelle hvilken type fortelling de trekker til. Anzu-chan følger den titulære katten, selv om de som har sett reklamemateriell allerede vet at han ikke er en vanlig katt; etter å ha blitt plukket opp i et kloster, fortsatte Anzu nonchalant å leve over forventet levealder… og tilsynelatende på et øyeblikk hadde han vokst til en antropomorf, full størrelse spøkelseskatt.
I løpet av 37-årsalderen har Anzu vokst til å bli akkurat det du kan forvente av en naturlig egoistisk skapning som en katt som blir gitt så lenge av en levetid, en menneskelignende tilstand og mytisk status mens vi er i gang. Det vil si at han er selvsentrert, hissig, dårlig oppførsel og så dårlig med penger som du forventer mens du leser denne beskrivelsen. Spesielt innenfor tilpasningen føler han seg som en virkelighetsnær, dypt mangelfull middelaldrende mann som de Yamashita elsker å følge med kameraet sitt.
På samme måte skinner egenskapene hans akkurat som lyst. Denne katastrofen med en katt kan spille bort et barns penger på en pachinko-salong, selv etter en lang pause der han tenker på at han ikke burde gjøre det, men han vil også lure en guddom for å holde vennene sine trygge eller til og med sette seg selv i fysisk fare for dette formålet; «Jeg er en spøkelseskatt, så jeg vil ikke dø» er en god replikk i en slik situasjon, men også når han med rette har gjort et frekt barn forbanna til det punktet at han får beskjed om å omkomme.
Det er imidlertid når det kommer til det spesifikke uhøflige barnet, at Anzu-chan virkelig avviker fra kildematerialet. Mens de fortsatt skylder Imashiro mange situasjoner og et generelt verdensbilde, spilte teamet bak animeen ytterligere inn i smaken til begge regissørene ved å legge til et barn som en ny medhovedperson. I motsetning til en manga som følger kattens eventyr med byfolket, setter filmen oss i skoene til 11 år gamle Karin, som nettopp har ankommet byen.
På ren Yamashita-måte, selv er hun en bemerkelsesverdig brat, selv om hun har god grunn til det; hennes eneste levende forelder er et rot av en mann som flykter fra lånehaier, velmenende på sin egen måte, men også med en historie med omsorgssvikt. Det aspektet reiser seg igjen når den absurde planen hans mislykkes og han raskt dumper Karin ved bestefarens kloster, mens han løper for å finne penger. Heldigvis (kanskje) for Karin er dette tilfeldigvis Anzus bosted, og en viss katt er i ferd med å ta henne under armen. En lodden, sannsynligvis stinkende en.
Yamashitas pauser er utplassert på morsomme måter sammen med de iboende morsomme aspektene ved Anzu som karakter. Når den blir tatt for å tisse der han ikke burde, blir den massive katten stille, ler keitete på sin karakteristiske måte og fortsetter handlingen i flere sekunder.
Et hovedtema i filmen er derfor foreldreskap og effekten av disse figurene på barn. Karins skarpe karakter er noe hun skjuler for fremmede til hun måler nytten deres, selv om det ikke skal mye oppmerksomhet til for å legge merke til at hun har Guinness-rekorden for flest tungeklikk per minutt. Hun er manipulerende på et nivå som lett kan gi henne medfølelsen til en haug med mytiske vesener, men dessverre for henne er det ikke fullt så lett å få pengene deres. Selv om hun er en egen person, er det krystallklart at mange av de spesifikke uønskede egenskapene er noe hun har plukket opp fra sin dødsslåtte, gjeldsatte far.
Filmens forfatterskap viser et overraskende nivå av undervurdert dybde i dette, med visse detaljer som understreker denne påvirkningen. Rett i starten av filmen dukker faren til Karins opp helt uanmeldt i bestefarens kloster. Hans butte, uhøytidelige hilsen høres ut som noen som mener seg selv å være hovedpersonen i virkeligheten – og det faktum at han fortsetter med å be om en urimelig sum penger i husholdningen der han lot moren dø alene, maler ikke akkurat et positivt bilde av hans karakter. Karin hater farens oppførsel, og likevel prøver hun gjentatte ganger å presse folk for penger. Mye senere inn i filmen, når hun gjør plass til farens leilighet i byen, ligner den korte hilsenen hennes på den i begynnelsen. Enten de er klar over det eller ikke, selv om de ikke liker det, vil barn uunngåelig absorbere atferd fra de voksne som omgir dem.
Og det er like nær en avhandling som Anzu-chan ønsker å formulere. Bare tilstedeværelsen av en foreldrefigur – hvem de enn er – er avgjørende for at et barn skal kunne danne sin egen personlighet. Slik, uten å være noen form for helgen selv, ender Anzus valg om å holde fast med Karin opp med å gjøre en ekkel antropomorf katt til den bedre foreldrefiguren i livet hennes helt siden hun mistet moren sin.
Til tross for alle hans feil og hennes tornete personlighet, fører denne dynamikken naturligvis filmen til en konklusjon som forsterker dette poenget. Verken regissøren ønsker å tilby en perfekt løsning på situasjonen, og de har heller ikke tenkt å få rollebesetningen til å vokse ut av sine mange skavanker, men hovedduoen får utvilsomt noe på veien. På et tidspunkt i filmen blir et sært medlem av gjengen trakassert av en fattigdomsgud på en måte som truer med å gjøre hans elendige liv enda verre. Anzu klarer å få guddommen til å flykte, og lover å gjenopprette vennens lykke til bare gjennomsnittlig i stedet for å gi ham hell. Dette er typen film vi har med å gjøre, og en stor del av sjarmen.
Hvis vi snakker om filmens sjarm, kan vi imidlertid ikke avslutte dette stykket uten et nytt nikk til det visuelle. Som tidligere nevnt, er stilen født fra dette uvanlige samproduksjonsarrangementet på tvers av kontinenter nydelig; du vil kanskje legge merke til en liten uoverensstemmelse i cel-fargene og de som reflekteres i de nydelige bakgrunnene, men det er en liten mengde friksjon for en ellers veldig harmonisk film – igjen, spesielt hvis vi tenker på at det var første gang teamet lagde noe sånt som dette. Animasjonen følger et lignende mønster, ned til den minste friksjonen. Helt siden reklamemateriellet var det noe merkbart at det emosjonelle volumet til animasjonen og stemmeskuespillet ikke alltid stemte perfekt; Dette gjelder spesielt i dramatiske scener som Karin snapper på Anzu, som får henne til å reagere høylytt mens tegningene forblir behersket av de underliggende live action-uttrykkene. På slutten av dagen er imidlertid det øyeblikket som allerede er til stede i trailerne den verste lovbryteren (og neppe et stort problem i seg selv) i en film som er gledelig animert.
I det hele tatt, Abstraksjonen av rotoskoperingsprosessen er utmerket, forblir jordet når den burde, men blir også løsere når filmen vil ha det gøy. Det er mer enn én gang at animasjonsteamet viser sin opprinnelse med rene Shin-chan-uttrykk på barna i byen, og det er fortsatt andre til det morsomme opptoget som ser på Anzu bevege seg. Naturalismen som bæres ut av rotoskoperingen er iboende morsommere når den brukes på en antropomorf katt hvis natur ingen av lokalbefolkningen noen gang stiller spørsmål ved, og den kommer til neste nivå når den kombineres med hans plutselige sprut av katteoppførsel og rett og slett forvirrede personlighet. Det er vanskelig å ikke le av skuespillet når han tenker på at han er blitt ranet, veksler mellom å stikke en helt uskyldig tatami-dør med en kniv og løpe på alle fire mens han stritter. Kanskje det er mulig å ikke kimre når han tilfeldig slikker den nedre regionen, men mest fordi det får deg til å lure på om det også var rotoskopert.
Og det er den siste overraskelsen ved håndverket som er verdt å fremheve. Selv om de brukte et live-action-grunnlag for det meste av filmen, ble visse scener som ville dra nytte av en helt original tilnærming animert på tradisjonell måte. Dette inkluderer øyeblikk som en søt, bevisst vag montasje på tvers av bilder for å forklare hvordan en bortkommen katt ble en mytisk raring – men mest beryktet, de mer actiontunge scenene nær slutten. Selv om det er åpenbart i ettertid siden arbeidet hans allerede ble vist i trailere, gir Kai Ikarashis arbeid en spennende biljakt, mens anerkjente veteraner ala Hisashi Mori også lager kjøretøy-relaterte opptredener. Denne bredden på leveransen legemliggjør et prosjekt med to distinkte ledere, co-produsert i forskjellige miljøer, og med en passende eklektisk blanding av karakterer. Akkurat som den rollebesetningen er den kanskje ikke helt perfekt – men liker dem også, den er ekstremt sjarmerende likevel.
Støtt oss på Patreon for å hjelpe oss med å nå vårt nye mål om å opprettholde animasjonsarkivet på Sakugabooru, SakugaSakuga (作画): Teknisk tegning av bilder, men mer spesifikt animasjon. Vestlige fans har for lenge siden brukt ordet for å referere til tilfeller av spesielt god animasjon, på samme måte som en undergruppe av japanske fans gjør. Ganske integrert i merkevaren til nettstedet vårt. Video på Youtube, samt denne SakugaSakuga (作画): Teknisk tegning av bilder, men mer spesifikt animasjon. Vestlige fans har for lenge siden tilegnet seg ordet for å referere til tilfeller av spesielt god animasjon, på samme måte som en undergruppe av japanske fans gjør. Ganske integrert i merkevaren til nettstedet vårt. Blogg. Takk til alle som har hjulpet til så langt!
