The Summer Hikaru Died/HikaNatsus anime ble konseptualisert rundt Ryohei Takeshitas eventyrlige regi, men uten å miste forfatterens kjerneideer av syne. Med en oppfølger i horisonten er det på tide å lære mer om en fascinerende produksjon.
Det er en rekke begreper du kan ha møtt når du lyttet til innsikten til anime-skapere, spesielt hvis de snakker for spesialiserte utsalgssteder med høyt investerte publikum. Dette er ikke fordi de er de mest tekniske uttrykkene. Om noe er de litt useriøse når de analyseres gjennom produksjonens bokstavelige virkelighet, men kunstnere som er involvert i prosessen setter pris på dem som nyttig, stemningsfull terminologi. Jada, sakugaSakuga (作画): Teknisk tegning av bilder, men mer spesifikt animasjon. Vestlige fans har for lenge siden brukt ordet for å referere til tilfeller av spesielt god animasjon, på samme måte som en undergruppe av japanske fans gjør. Ganske integrert i merkevaren til nettstedet vårt. anime ville teknisk sett gjelde for ethvert arbeid med 2D-animasjonskomponenter, og det tolker allerede ordet med en smalere betydning enn det potensielt kan inneholde. Når du ser folk i industrien eller som kretser tett rundt den, bruker det uttrykket, men det maler et spesifikt bilde: det av anime der bevegelsens dyktighet og intensjoner, så vel som selve kvaliteten på kunstverket, er midtpunktene i opplevelsen.
Selv om det er den vanligste versjonen av begrepet, vil du også støte på ulike og mer spesifikke vekter av og til søsken. Det er rimelig å vurdere layout-anime som en undergruppe av sakugaSakuga (作画): Teknisk tegning av bilder, men mer spesifikt animasjon. Vestlige fans har for lenge siden brukt ordet for å referere til tilfeller av spesielt god animasjon, på samme måte som en undergruppe av japanske fans gjør. Ganske integrert i merkevaren til nettstedet vårt. anime, refererer i dette tilfellet til verk der den fysiske representasjonen av rommet er et stort trekkplaster; enten det er fordi det er knyttet til karakterens psykologi eller gjennom ren teknisk fortreffelighet, skinner slike verk gjennom innramming på en måte som overskrider storyboardene deres. I tilfeller der bakgrunnsmaleriene ikke bare er vakre, men også har en merkbar fremtredende plass, er det ikke uvanlig å snakke om bijutsu/art anime. Du kan til og med finne forekomster av redigering av anime, som Takayuki Hiraos svært underholdende Pompo The Cinephile. Som en film som bokstavelig talt skildrer handlingen med å redigere film, samtidig som den er bygget rundt Hiraos sære og morsomme flyt, er det ingen overraskelse at dette var innrammingen som regissøren selv omfavnet.
Igjen, disse begrepene refererer ikke til oppgaver som er unike for slike produksjonsaspekter. De bør heller ikke tolkes som de eneste viktige trinnene i prosessen; ser tilbake på Pompo-eksemplet, er det klart at mye av den viscerale tilfredsstillelsen fra Hiraos overganger begynner med hans egne storyboards, mye tidligere enn redigeringsfasen finner sted. Det disse uttrykkene bare gjør, er å understreke aspektet som vil føles sentralt i opplevelsen for seeren, noe som også gjør dem ganske nyttige for regissører som trenger å kommunisere med teamene sine i de tidlige stadiene av et prosjekt.
Og, helt fra begynnelsen av The Summer Hikaru Died /HikaNatsus regissør, regissør, person, 監 anime: ansvarlig for hele produksjonen, både som kreativ beslutningstaker og sluttveileder. De overgår resten av staben og har til slutt det siste ordet. Det finnes imidlertid serier med forskjellige nivåer av regissører – sjefdirektør, assisterende regissør, serieavsnittsdirektør, alle slags ikke-standard roller. Hierarkiet i disse tilfellene er fra sak til sak. Ryohei Takeshita hadde noe klart: det skulle bli en enshutsu-anime. Det vil si et show som understreker den umiddelbare opplevelsen gjennom vanskelig mise-en-scène og unike verktøy. En hvor det sensoriske aspektet blir det ubestridelige midtpunktet. Den ideen var så grunnleggende at han formidlet den ikke bare til teamet, og til slutt til seerne gjennom valgene om utførelse, men til og med til produsentene når prosjektet bare var en pitch. Faktisk var det også en av de aller første tingene Takeshita formidlet til den opprinnelige forfatteren, som fant det som en fin måte å berike en tilpasning du kunne se om og om igjen.
I et intervju for Anime Corner daterer CyberAgent-produsenten Manami Kabashima de første foredragene om en anime-tilpasning så langt tilbake som 2. mai – så langt tilbake som 2. senere, når serieregissørSerieregissør: (監督, kantoku): Personen som har ansvaret for hele produksjonen, både som kreativ beslutningstaker og endelig veileder. De overgår resten av staben og har til slutt det siste ordet. Det finnes imidlertid serier med forskjellige nivåer av regissører – sjefdirektør, assisterende regissør, serieavsnittsdirektør, alle slags ikke-standard roller. Hierarkiet i disse tilfellene er fra sak til sak. ryddet opp i timeplanen rundt oktober 2023. I en større samtale for september 2025-utgaven av PASH!, som ikke bare involverte Kabashima, men Kadokawa-produsentene Chiaki Kurakane og Toshinori Fujiwara, bekrefter sistnevnte at han hadde kontaktet forskjellige studioer rundt utgivelsen av de to første bindene (manga202M) oktober 2022) før de slo seg på dette teamet på Cygames Pictures ledet av Takeshita.
Da det kom til å ta det valget, ga klarheten i Takeshitas visjon produsentene selvtillit. I stedet for å lete etter en saktmodig regissør som vil bøye seg etter valgene deres, ser det ut til at de har forstått at det å fange HikaNatsus appell er avhengig av immaterielle ting som best overlates til geniale skapere med spesifikke ideer. Det er derfor de syntes det var trøstende at Takeshita var veldig vokal og meningsfull om bemanningsprosessen, og rettet den forebyggende mot ideen om en enshutsu-anime. Oppsiden av valgene som ble tatt den gangen vil være et av fokuspunktene når vi fordyper oss i selve episodene, men før vi kommer til det punktet, bør vi avlive en fristende myte: ideen om at Takeshita tok denne tilnærmingen for å omgå begrensningene til produksjonen.
Det er viktig å være tydelig på det faktum at CyPic-produksjoner alltid er like glamorøse, og at de alltid vil forvente at de er glamorøse. Takeshita trenger nei ytre motivasjon for å bli eksperimentell. Mens fremveksten av et studio støttet av et massivt selskap og utgivelser av blendende perler som Beginning of a New Era-prosjektet en aura av dyre, høyprofilerte produksjoner, er ikke alle CyPic-prosjekter skapt like. Og for å være presis har den store økningen i produksjonen deres i det siste ført til at mange av dem har måttet kutte merkbare hjørner.
Disse begrensningene manifesterer seg på forskjellige måter; starter prosjekter tidlig, men setter også tidsfrister som begrenser de ansattes muligheter, nekter å gå inn i de nåværende budkrigene for å sikre seg førsteklasses animatører, sparer litt på støttestudioer, og setter generelt en lavere bar når det kommer til å tegne polering enn høyere profilerte prosjekter ønsker. Merk deg, dette er noe de har sluppet unna med – ikke alltid, beklager den slags overveldende tilpasningen til Cinderella Grey – fordi de har jobbet med mange smarte, ressurssterke team. Og derfor bør æren gå mer til dem enn til miljøet.
Så mye er sant for HikaNatsu også. Det er mange eksepsjonelle individer innenfor den kjernestaben valgt av Takeshita, men når det kom til å spesifisere resten av teamet, klarte han seg med en mer beskjeden lineup. Ved å ha en så klar visjon, kunne han imidlertid tauet perfekt passende, fortsatt oversett bekjente inn i episoderetning. Episode Direction (演出, enshutsu): En kreativ, men også koordinerende oppgave, da det innebærer å overvåke de mange avdelingene og kunstnerne som er involvert i produksjonen av en episode – godkjenne animasjonsteamet, animasjonsregissøren, kunst, fotografi CG-ansatte… Rollen finnes også i filmer, refererer til personene som på samme måte har ansvaret for segmenter av filmen. plikter. Premieren alene er bevis på både deres suksess og begrensninger. Dens noe røffe karakterkunst kan føles i strid med omdømmet til prosjektet, spesielt med de få flotte animasjonsgjestene som dukker opp. Regissøren har aldri lagt skjul på hvordan planen ble ganske problematisk da de nærmet seg slutten, men det er verdt å merke seg at de oppnådde en følelse av stabilitet til tross for disse omstendighetene. Visst, HikaNatsu-animeen kan ikke matche poleringen til den høyest profilerte TV-animen – enn si den illustrative kvaliteten på mangaen – men den klarer å holde seg rundt det samme akseptable nivået for hele sendingen. Hadde de vært altfor ambisiøse med standardene sine i de tidligere episodene, kunne programmet ha kollapset i den bakre halvdelen.
Fleksibiliteten som gjorde det mulig for dem å tilpasse seg omstendighetene til produksjonen er en positiv kvalitet, en vi kan knytte til både Takeshitas team og CyPics praktiske ledere. Men som vi tidligere har nevnt, bør vi ikke tilskrive årsakssammenheng der det ikke er det. Dette er å si at Takeshita alltid hadde ønsket å lage en atmosfærisk, eksperimentell skrekkanime-en sjanger han viste sin interesse for da han snakket med ANN. Helt ærlig var det ikke engang nødvendig med en slik bekreftelse, siden det var noe som alltid kunne merkes i arbeidet hans; selvfølgelig at den eksentriske regissøren som elsker å emulere håndholdte kameraer var opptatt av oppslukende skrekk. Det er en grunn til at han var så sikker på at han ønsket å lage en enshutsu-anime før han i det hele tatt fikk en smak av disse produksjonsomstendighetene: det er her Takeshitas interesser lå, og denne seriens natur var den perfekte unnskyldning for å benytte seg av dem.
Det er ikke begrensningene som har skapt glansen til HikaNatsu, så mye er det i folk som har skapt den. Dens middels produksjonsomstendigheter (veldig langt fra de verste når det kommer til nåværende TV-anime, for ordens skyld) er ikke noe å feire, ettersom showet kan ha vært enda bedre med større tidsplaner og flere ressurser. De ville ikke sløve kanten, men heller åpne dører til den typen nyanserte skuespill de ikke kunne få, til umiddelbart virkningsfulle tegninger som kunne konkurrere med kildematerialet i den forbindelse. Om noe, kan det ha vært enda mer eksperimentelt, ettersom de uvanlige metodene Takeshita er interessert i har en tendens til å ta lengre tid å komme til utførelse. Selv om jeg ikke vil ta det for gitt, når vi ser hvordan dette blir en trend i studioet, kan vi håpe at suksessen motiverer produsentene til å støtte den allerede annonserte oppfølgeren så mye som den fortjener.
Gitt regissørens eksplisitt uttalte vinkel, måtte vi ganske enkelt begynne å ramme denne tilpasningen gjennom optikken til enshutsu-anime. Det er slik han så for seg tilpasningen fra begynnelsen, og en utmerket måte å nærme seg skrekk på. Tross alt snakker vi om en sjanger der den oppslukende opplevelsen fra øyeblikk til øyeblikk er nøkkelen. For så vellykket som det kan være i hender som Takeshitas, men besettelse av mikroen på bekostning av makroen kunne til slutt ha skapt en hul opplevelse. En der du blir dratt inn i hver scene, men som du går bort fra uten et varig, resonant inntrykk. Hadde de heller ikke vurdert de overordnede temaene og de forlokkende ideene presentert av den originale forfatteren Mokumokuren, kunne det ha vært tilfelle, selv med nivået av inspirert storyboarding som vi har fått.
Takeshita var ikke alene om ønsket om å beholde kjerneideene bak serien. Ved siden av ham var for eksempel forfatteren som kom på dem. Mokumokuren har sagt flere ganger at selv om de ikke har tidligere erfaring med tilpasningsprosjekter, ser de for seg at de er mye mer involvert enn forfattere pleier å være. Dette er noe som står i Newtype oktober 2025 med Mokumokuren, Takeshita og Murayama, men mest morsomt eksemplifisert i Comic Natalies rundebord mellom nevnte forfatter og åpningsutøver Vaundy. Der forklarte sistnevnte at de aldri hadde deltatt på et møte med forfatteren før han laget en sang for dem. Selv om produksjonsprosessen var grunnleggende ordinær, selv når det gjelder tilstedeværelsen av den opprinnelige skaperen, førte Mokumokurens proaktivitet i de vanlige møtene – og tilleggsoppgaver som fargemanuset for åpningssekvensen – til en situasjon der forfatterens verdifulle ideer ga sterkt gjenklang i tilpasningen.
Vær oppmerksom på at det er en bekymringsfull grunn til at vi heller handler om kilden til forfatteren enn forfatteren. materiale. HikaNatsu-animeen nølte aldri med å endre den originale historien, enn si å justere utførelsen for å dra nytte av naturen til det nye lerretet. I den nevnte Newtype-samtalen husker Mokumokuren deres første møte med Takeshita, der regissøren spurte om de kunne endre på ting med en gang – «ikke åpne opp med det!», tenkte den underholdte forfatteren. I sannhet var begge enige om nødvendigheten av å endre visse aspekter. Mange av de foreslåtte endringene (inkludert større skala) ble født fra Mokumokurens forslag, eller i det minste deres nære samarbeid med Takeshita. Jeg føler meg trygg på å si at noen av disse justeringene har hevet TV-programmet. Og når det gjelder de som jeg tror har mer blandede resultater, kan jeg fortsatt beundre den klare, spisse hensikten de viser. Nok en gang er lærdommen at forfattere forstår det iboende behovet for endring i tilpasninger bedre enn vokale fanskarer.
Hva handler HikaNatsu om i sin kjerne, da? Dens premiss er like enkel som den er overbevisende. Vi blir fraktet til en ganske isolert landlig setting, etter den innadvendte videregående gutten Yoshiki Tsujinaka. I det vi gradvis finner ut var landsbyens hemmelige ritual, hans beste venn Hikaru forsvant før begynnelsen av serien. En potensielt tragisk historie som så ut til å ha en lykkelig slutt da han dukket opp igjen, forvirret men frisk nok. Men det er faktisk bare overflaten. Uansett hva det er som bor i huden hans nå, er ikke lenger personen Yoshiki kjente. Faktisk er det ingen person i det hele tatt;”Hikaru”er et overnaturlig vesen som kom til denne verden uten en følelse av selvtillit, enn si menneskelig moral. De to blir iboende knyttet sammen i denne direkte gjenskapningen av tankeeksperimentet Swampman, som tvinger leseren – og de stakkars barna å kaste seg ut i denne situasjonen – til å tenke på hva som virkelig gjør en person.
av historien er at disse ideene er uatskillelige fra noe annet: redselen ved konformitet og, omvendt, lokket med skumle annerledeshet. Hvis bodysnatching er en skrekkklassiker, så er det å knytte et landlig miljøs undertrykkende atmosfære til det overnaturlige. For Yoshiki startet ikke den kvelende hverdagen da”Hikaru”dukket opp. Det gjorde det mange år før, da han var lei av at alle de voksne ba ham kutte panneluggene han føler seg mer komfortabel med. Det gjorde det da han skjønte at han ikke kunne unnslippe hviskingen om familien sin; hans outsider-mor, søsteren hans som ikke går på skolen, selv. Og spesielt gjorde det det da han internaliserte at hans egen seksualitet er uvanlig og behandlet som et grovt avvik fra normen. Hikaru var ikke bare vennen hans, men en han ble tiltrukket av romantisk og seksuelt. Nå som han er borte og har blitt erstattet av en eldre skapning, er ting i ferd med å bli mye mer komplisert.
I denne forbindelse har Mokumokuren blitt stadig mer eksplisitt om hva HikaNatsu er, så vel som hva det ikke er. Hvis du går tilbake for å lese den første one-shot-en, vil du definitivt legge merke til at mange sider er nøyaktig de samme som begynnelsen av serialiseringen. Det du imidlertid også vil legge merke til er at de to hovedpersonene raskt fortsetter med å dele et kyss og starte en så vanlig romcom som du kan ha under slike omstendigheter. Det er imidlertid ikke veien hele historien har tatt. Som Mokumokuren har blitt tvunget til å si mange ganger på grunn av fanpress fra flere vinkler, HikaNatsu er en ikke-romantisk skeiv historie. Det er flere grunner som har presset dem i denne retningen: troen på at det er viktig å dissosiere skeivhet fra romantikk, ønsket om å nå bredt ut til alle slags mennesker som føler seg avvist av samfunnsnormer, og viktigst av alt, Mokumokurens kjærlighet til den andre.
Dette siste poenget er gjort ganske eksplisitt med’ innenfor HikaNyruats begrunnelse for samtalen. den morsomste oppsummeringen. I hovedsak uoppfordret fortsetter forfatteren med å rase mot Beauty and the Beast og alle historier som følger lignende mønstre. Som en som er tiltrukket av avvik – som oppfatter deres lokke og frastøtende som en berusende cocktail – er ideen om at en lykkelig slutt innebærer å gjøre dem om til et vanlig menneske krenkende for Mokumokuren. For like viktig som det var å definere Yoshikis følelser på en presis måte, så var det å beskytte den unormale, uforståelige naturen til”Hikaru”. En enkel romantikk slik det forstås av det menneskelige samfunn vil uunngåelig innebære demonstrasjon av”Hikaru”, som er noe forfatteren avskyr. Selv om serien handler mye om kjærlighet, og alle som setter pris på spiciness vil bare se dette scenariet som enda mer smakfulle BL, er det viktig å forstå hvorfor den opprinnelige forfatteren ikke er forelsket i etiketter. Tross alt, å presse disse aggressivt er også å håndheve det menneskesentriske synet som de misliker.
Du kan komme opp med et så interessant, internt sammenhengende syn og likevel klare å famle henrettelsen. Men dette er HikaNatsu, serien som fanget alles oppmerksomhet fordi leveringen er så inspirert. Selv med sine egne interesser lener seg i den retningen, kan Takeshita ikke ha blitt tvunget til å gå all-in på enshutsu-anime-vinkelen hvis Mokumokuren ikke var strålende til å syntetisere disse temaene til bilder som fester seg med deg. Av de mange verktøyene som forfatteren bruker i den prosessen, er det en spesiell type som ble nevnt i hvert intervju vi har nevnt så langt. Og realistisk sett, i de fleste som vi ikke har tatt opp ennå, som PASHs samtale med art directorArt Director (美術監督, bijutsu kantoku): Personen som er ansvarlig for bakgrunnskunsten for serien. De tegner mange tegnebrett som en gang er godkjent av seriedirektøren fungerer som referanse for bakgrunnen gjennom hele serien. Koordinering innen kunstavdelingen er et must – setting-og fargedesignere må jobbe sammen for å lage en sammenhengende verden. Kouhei Honda. Hvis du noen gang har lest HikaNatsu, vet du sannsynligvis at vi snakker om bruken av SFX, onomatopoeia og den generelle fremkallingen av lyd.
Å fange hele bredden av det aspektet i anime ville ta mer enn god lydretning, men la oss ikke tulle oss selv, det bør starte med det. Takeshita tenkte like mye da han kom på navnet Kouji Kasamatsu for å gi form til den allestedsnærværende, nesten håndgripelige lyden; og akkurat som med tidligere valg, også fordi han personlig hadde lett etter en unnskyldning for å jobbe med ham. Du har kanskje fått med deg det faktum at Takeshita også er direkte involvert i dette aspektet, og tjente seg selv som lydlederrollen (ongaku kantoku). I mellomtiden er Kasamatsu oppført under den ikke-standardiserte rollen til ongaku enshutsu. Virkelig nøkkelordet for hele produksjonen, som det viser seg.
I et intervju med JINS PARK avslører Kasamatsu hvordan han krysset veier med anime, samt hvorfor han favoriserer den spesifikke æren. Hans profesjonelle karriere begynte som lydeffekttekniker på TV-programmer, selv om hans virkelige lidenskap var film. Og fordi han var lidenskapelig, var han også kritisk-og det er grunnen til at han syntes lyden i japanske filmer var litt underveldende. Med en banebrytende Digital Audio Workstation som sjefen hans hadde anskaffet, gjorde han eksperimenter som å redigere sin egen trailer av Patlabor: The Movie mens han erstattet lyden med noe som levde opp til standardene hans. I prosessen fanget han oppmerksomheten til produsentene av maskinen, og til slutt til Patlabors lydpersonale selv.
Gjennom den morsomme hendelsen åpnet dørene til animasjon og film seg for Kasamatsu. Siden han er så spesiell, liker han å være med fra de tidligste stadiene (som en proaktiv part i planleggingen av lydsporet) til slutten, og justere dialog og timing på de siste kuttene. Han er klar over at en slik posisjon har en tendens til å bli stemplet som en spesielt innflytelsesrik ongaku kantoku, men siden han ikke er en stor fan av den imponerende auraen disse ordene har, foretrekker han å gå med den mer ydmyke klingende ongaku enshutsuen. Det er slik han har blitt kreditert i flere Ghibli-prosjekter, inkludert den gangen Miyazaki ba ham om å konseptualisere alle lydeffekter i The Wind Rises som menneskeskapte lyder. Han har blitt den eksklusive personen for ikonene for japansk teatralsk animasjon. Og med HikaNatsu har han vært i spissen for en TV-anime for første gang på over et tiår. Du kan telle antall ganger dette har skjedd med én hånd, og du vil fortsatt ha fingrene til overs. Til og med karakteren i serien som er litt for glad i å ofre deler av kroppen sin, kan klare det.
Et annet sentralt aspekt ved tilpasningen deler hovedpersonen med lyd for en lignende hardtslående scene, spesielt for seere som ikke er klar over seriens premisser. Det er det som gir form til den sanne naturen til”Hikaru”-en utpreget klebrig, fascinerende form. I det øyeblikket tilpasningen ble annonsert, forsto hver fan umiddelbart hvorfor Takeshita personlig speidet Masanobu Hiraoka som artisten som var betrodd den spesifikke rollen. Hans mestring av morphing bevegelse i uavhengige verk har tidvis gitt ham en posisjon i høyprofilerte kommersielle prosjekter, selv om det også er den unike stilen som gjør ham uforenlig med de fleste anime.
Mest anime, men ikke HikaNatsu, der han passer med perfekt (u)naturlighet. Hiraokas flytende former er fascinerende, akkurat som den nåværende”Hikaru”, som Yoshiki ikke kan slutte å bli tiltrukket av til tross for den klare faren. De skiftende formene minner om de biologiske strukturene du kan finne i celler; og likevel er de fundamentalt forskjellige, og matcher effekten som Mokumokurens fraktale grusomheter oppnår. Animeene bytter til disse spesielle kuttene når den har til hensikt å akselerere skrekk, men de er kanskje mest effektive når de eksisterer side om side med de vanlige hendelsene. I den forbindelse er det få scener som er like minneverdige som tilpasningen av scenen som i utgangspunktet hjalp HikaNatsu til å ta fart: «Hikaru» smelter mens Yoshiki spør hvem han egentlig er.
Jeg tror det er viktig å se disse teltstengene til HikaNatsus skrekk ikke som distinkte elementer, men som en del av det sammenkoblede nettet de danner. Til tross for det store mangfoldet av teknikker som hver episoderegissør bruker, smelter de alle sammen til én samlende tekstur som er nært knyttet til temaene vi diskuterte tidligere. HikaNatsu er klissete, tyktflytende. En væske som siver overalt. Akkurat som sommerens varme, fanget så nøyaktig av Hondas kunstretning, Naomi Nakanos fargedesign og Tomohiro Maedas komposisjon. Å knuse svarte farger i skyggen og ukomfortabelt justere kontrasten kan være uønskede valg i andre serier, men passer til den stille altomfattende uroen til HikaNatsu. Selv Hiraokas rolle får navnet dorodoro-animasjon, etter onomatopoeia i mangaen. Igjen, dette knytter den sivende gruen nært sammen med en form for lyd. Begge aspektene deler den teksturen, som det sosiale presset som oser rundt Yoshiki uansett hvor han er. Alt er ubehagelig, men du kan ikke se bort. Det er det komplekse forholdet til det ukjente som Mokumokuren ønsker å fremkalle.
Selv med Takeshita på toppen av alt, ville ikke HikaNatsu-anime være halvparten så overbevisende hvis hver episode i mellom var en oppslukt opplevelse i sin egen storyboard. Heldigvis viste bemanningsprosessen som hadde gitt tillit til produsentene seg å være like skarp som de hadde håpet på. De følgende episodene viser hvordan ankomsten av andre regissører ikke hindrer produksjonen i å danse oppfinnsomt rundt begrensningene, og forsterker ideene i prosessen. Merk deg, det andre eplet falt ikke langt fra treet; episode #02 ble satt ombord og regissert av den lovende Mitsuhiro Oosako, en Dogakobo-animator som har absorbert mange egenskaper fra regissørene som for tiden er aktive rundt i studioet. Siden en av de mest bemerkelsesverdige hovedrollene i den gruppen er Takeshita selv, er det ingen overraskelse at Oosako klikket så bra i denne serien.
Når Yoshiki prøver å bearbeide alt som har skjedd, fra kroppssnappingen til et drap som absolutt ikke er relatert til”Hikaru”, understreker Oosako sin subjektivitet gjennom gjentakende bilder gjennom hans smell. Det er typen innrammingsvalg så åpenbart at ingen kunne gå glipp av betydningen, og likevel er episodens mest effektive illustrasjoner av Yoshikis headspace igjen de som omsetter det kvelende trykket han føler til lyd. Det mest briljante valget i episoden bokstaveliggjør Yoshikis vitser om at elendig innmat føles som kylling, gjennom bruken av live-action kjøttbilder. Det som i utgangspunktet er morsomt, blir hjemsøkende bilder når han sprekker under press. Utstrakte hender blir realistiske klumper av tegnet kyllingkjøtt, med mer ekte fotografering. Fotografi (撮影, Satsuei): Sammenslåingen av elementer produsert av forskjellige avdelinger til et ferdig bilde, som involverer filtrering for å gjøre det mer harmonisk. Et navn som er arvet fra fortiden, da kameraer faktisk ble brukt under denne prosessen. interstitialer som gjør det vanlige til noe opprørende. De frastøtende tegningene legemliggjør den uhyggelige daleffekten som Mokumokuren ofte bevæpner, men gjennom hans subjektive oppfatning kan vi likevel føle en berusende tiltrekning. Dårlige ting skjer, og gutten vår er tragisk hekta på dem.
Derimot er den tredje episoden et litt mer risikabelt bemanningsvalg. Det er verdt å merke seg at Asaka Yokoyama er en stor fan av serien, så det er ikke en stor overraskelse at hun forsto dens natur så godt. Teamet må ha blitt enige, med tanke på at hun allerede animerte den store vrien i premieren sammen med Hiraoka. Og likevel, måten hun endte opp der var ikke like trygg som serieregissøren. Serieregissør: (監督, kantoku): Personen som har ansvaret for hele produksjonen, både som kreativ beslutningstaker og endelig veileder. De overgår resten av staben og har til slutt det siste ordet. Det finnes imidlertid serier med forskjellige nivåer av regissører – sjefdirektør, assisterende regissør, serieavsnittsdirektør, alle slags ikke-standard roller. Hierarkiet i disse tilfellene er fra sak til sak. betro en episode til en elev av ham. Da animeen først ble annonsert – noen måneder i produksjonsprosessen – feiret hun den og bad teamet umiddelbart om å la henne jobbe i serien. Dette var ikke engang noe nytt for henne, siden hun offentlig hadde håpet at hun kunne tegne storyboards for en hypotetisk HikaNatsu-tilpasning siden 2022, da bare noen få kapitler hadde blitt publisert. Til tross for at Asaka hadde liten eller ingen regissørerfaring på den tiden, fremstår Asaka som en artist med ideer, så teamet ønsket henne raskt velkommen (gjennom animasjonsprodusenten Kenta Ueuchi) blant sine rekker.
Denne innsatsen ga resultater, kanskje fordi hun virkelig hadde brukt mange år på å forestille seg hva hun ville gjøre med HikaNatsu hvis det skulle bli animert. På en måte som ligner den gradvise eskaleringen av frykt i mangaen, skaper episoden hennes en klar rytme gjennom gjentakelse. Tilbakevendende bilder og minner blir mer ødelagt jo mer vi ser dem, i en takt som føles ubehagelig i seg selv. Dette bygger opp til eksplosjonen av menneskelige følelser og umenneskelige instinkter; formidlet gjennom reimaginasjoner av minneverdige paneler, disse tilbakevendende verktøyene som lyd og Hiraoka’s oser, samt hennes egne tillegg som linework som fremkaller umenneskelighet. Samlet sett kan Yokoyamas skarpeste valg være uttrykket for sammenhengen mellom HikaNatsus skrekk og innstillingen. Yoshiokas former forvandles fra fjell til person, basert på fotografisk materiale samlet under hver regissørs speiderreiser til stedet for denne historien. Det er i øyeblikk som dette du kan føle hvor lang tid hun har brukt på å forestille seg denne serien i bevegelse.
Selv med mer avmålt levering fortsetter den fjerde episoden å avdekke mysteriene om landsbyen på en overbevisende måte. I stedet for eventyrene til Yoshiki og”Hikaru”, er det imidlertid på tide at vi nevner den delen av historien som har sett de mest grunnleggende endringene i animeen. Når det gjelder mangaen, tilbringer både leseren og hovedpersonen en god del tid fullstendig i mørket, uten noen anelse om sannheten om naturen til”Hikaru”og hvordan det forholder seg til lokal tro, ritualer og fortid. I motsetning til det dingler anime umiddelbart en parallell narrativ tråd. En som viser voksne i landsbyen som prøver å løse dette problemet, den mystiske Tanaka, og til og med eksistensen av et selskap med et skummelt ønske om å kontrollere det overnaturlige.
Tapet av den desorienterende følelsen i de tidlige stadiene av originalen er en genuin skam. Det er en reell verdi for mystikken du bare kan fremkalle når publikum ikke en gang vet hva det ikke vet, bare føler at de er fortapt på et skummelt sted. Imidlertid gjør Mokumokuren og Takeshitas interessante begrunnelser det lettere å kjøpe seg inn i denne endringen. I spoon.2Di vol.125 bekrefter forfatteren at det var de som ba om at Tanakas introduksjon skulle skje mye tidligere. Med en ny sjanse til å besøke sin egen historie, ønsket de å vise frem bredden av dens verden raskere enn de opprinnelig raknet. Til tross for at han er en veldig spesiell skaper og derfor sannsynligvis vil planlegge så mye som mulig, er det klart at HikaNatsus omfang vokste en haug etter de tidligste stadiene. Med animeen håper Mokumokuren å omfatte alt fra begynnelsen, i motsetning til en manga hvor du er begrenset til spesifikke synspunkter og plottlinjer i begynnelsen.
En rettferdig holdning, selv om det er Takeshitas innspill – som en som også var med på denne endringen – som jeg synes er mest interessant. Regissøren innrammet det i stedet i forhold til det faktum at HikaNatsu-animeen ikke eksisterer i et vakuum. Mangaen eksploderte i popularitet og kom fra ingensteds, fra en helt ukjent forfatter. Leserne som snublet over den ble umiddelbart hekta av dens første vri, og spredte serien gjennom jungeltelegrafen til like uforberedte nykommere. Sammenlignet med det, blir denne anime-tilpasningen utgitt på et punkt der HikaNatsu er en massiv hit. Selv om du ikke har lest den, er sjansen stor for at du i det minste vil vite om den klissete naturen til”Hikaru”; og hvis du ikke gjør det, vil enhver reklamevideo for anime vise like mye. Siden dette miljøet reduserer den opprinnelige kroken, var han delvis til å frontloade de mystiske aspektene slik at nye seere følte seg sterkt tiltrukket av serien, selv om de allerede var kjent med bildene som en gang sjokkerte leserne. Igjen, jeg tror at mangaens progresjon er mer effektiv, men du kan ikke nekte for at det har vært mye omtanke i denne tilpasningen.
Den sjette episoden ledes i stedet av en intern gjenganger i FuKarenki Kataoka, assistert i episoderetningEpisode Direction (演出, enshutsu, enshutsu det): mange avdelinger og kunstnere involvert i produksjonen av en episode – godkjenne animasjonsoppsett sammen med animasjonsdirektøren, overvåke arbeidet til fotograferingsteamet, kunstavdelingen, CG-ansatte… Rollen finnes også i filmer, og refererer til personene som på samme måte har ansvaret for segmenter av filmen. plikter av Shinya Kawabe. Den begynner på en mer kontemplativ tone, og lener seg på triks som å knytte bevegelsen over det fysiske rommet til metaforisk gliding inn og ut av minner, samt skifter i tone. Du kan imidlertid bare gå så langt i dette showet før ting blir virkelig spent, og slik at roligere levering gir plass for mer urovekkende innramming.”Hikaru”føles som om et medlem av vennegruppen deres på skolen kan ha funnet ut om dens natur og nesten dreper henne, og blir stoppet i siste sekund av Yoshiki. Sistnevnte blir tvunget til å akseptere at personen han brydde seg om for lengst er borte, erstattet av en skapning som ikke engang forstår begrepet liv, enn si vekten. For å fullføre HikaNatsus motstridende puslespill, dedikerer episoden en nydelig sekvens for å illustrere verden slik den oppfattes av dette overjordiske vesenet. På et punkt der Yoshiki frykter at”Hikaru”kan være hinsides forløsning, med umenneskelighet som blir synonymt med hensynsløshet, er det så mye skjønnhet i oppfatningen. Mokumokuren kan være trygg – dette programmet får virkelig den motstridende naturen de ønsket å fange.
Sett opp på det, markerer episode #07 Takeshitas tilbakevending til storyboard-oppgaver. Dette var en episode som ble tatt opp av flere ansatte som den de hadde sett frem til, og det er lett å forstå hvorfor. Det er også blant de som begynner på en roligere tone, men du kan umiddelbart se at noe er slått av. Den følelsesløse redselen fortsetter til vi ser at Yoshiki, i sin desperasjon etter å ta ansvar for monsteret han har gjemt, prøver å drepe”Hikaru”. Det mest opprørende øyeblikket i Takeshitas levering er ikke Yoshikis unnlatelse av å gjøre det, men «Hikaru» som reagerer ved å rive seg i stykker, og gjøre seg selv mindre farlig slik at han kan bli hos Yoshiki. Mens han godtar denne avtalen, og foreslår å undersøke dens sanne natur, tar Takeshitas retning en tur for illevarslende; forventet du en trøstende, hyggelig romantisk innramming? Beklager, vi gjør ting litt mer rotete her.
Gjennom hans bidrag til anime som 86, KoiAme og G-Witchs første kurs, har Ryo Ando blitt litt av en favoritt på denne siden; og for ordens skyld, på grunn av Pripara og Love Live også, siden det er de som faktisk forteller oss om regissørskolen hans. Dyktig som han er, tvang han til å innta en mer moderat holdning for HikaNatsu #08 å bli betrodd en episode klemt av høyprioriterte øyeblikk i historien. Uansett kan du fortsatt føle den komposittfokuserte retningen hans med en spesielt rød solnedgang; farget i blodet tilsvarende det første drapet av”Hikaru”, med konsekvenser det fortsatt ikke er i stand til å forstå. De to er heller ikke de eneste som kaster skumle skygger, ettersom Tanaka har undersøkt nok til å finne ut at de er involvert i de overnaturlige hendelsene i landsbyen. Ettersom ghoulen nesten fanger dem, blir den vanlige unaturlige lyden akkompagnert av passende umenneskelige bevegelser.
Mens andre gjengangere måtte hjelpe ham denne gangen, markerer episode #09 at Oosako vender tilbake til regissøroppgavene. Dette ser ut til å bekrefte mistanken om at han er en veldig effektiv svamp. Ikke en som gjengir de nøyaktig samme triksene som brukes rundt den, men snarere en som absorberer fra omgivelsene og syntetiserer nye ting. Å bruke kameraets fysiske traversering (og bruke referanseopptakene til god bruk) for å gå gjennom forskjellige tidspunkt er noe vi har observert i tidligere episoder, men Oosakos berøring gjør det hele mer gripende. Selv den overnaturlige ekvivalenten til en heads-up kan bli en foruroligende relé av teknikker. Grunnen til at de ansatte var spesielt svimmel over sendingen av denne episoden, var å nyte folks reaksjoner ettersom hovedpersonenes etterforskning er avkortet… og det samme er noens hode, når Tanaka kommer og halshugger «Hikaru». Å kjære.
Spenningen fra den hendelsen overføres umiddelbart til episode #10, som effektivt ble co-produsert av studio NUT. Hovedskaperne Yutaka Uemura og Hitomi Taniguchi sto for storyboardet, og studioet var også involvert i ledelsen, så det er rettferdig å si at det trekker en betydelig sum fra et annet selskap. Det er alltid en risiko for å utvanne din nøye utformede identitet når du tar kontakt, men den første scenen bør være nok til å redusere disse bekymringene. Igjen, du trenger bare å være vitne til lydens rolle i å etablere øyeblikkets kaos. Mens de to kommer seg, overraskende etterlatt alene av Tanaka, lener episoden seg på slående bilder for å gi litt krydder til etterforskningen av legendene bak”Hikaru”. Selv i den forbindelse forstår den at det ville være et svik mot HikaNatsus identitet hvis de ensartet holdt seg til en mer standard stil. Ved å bruke adaptasjonens favorittverktøy og gå ombord på noen få bemerkelsesverdige bilder, klarer en episode unnfanget andre steder å passe godt inn i dette showet. Bedre enn de faktiske outsiderne gjør i denne landsbyen, i alle fall.
Og faktisk slutter dette feel-good-øyeblikket halvveis i episoden. Gjennom nakkesåret som Tanaka ga som en gave til”Hikaru”, begynner dens farligste instinkter å lekke. Med den, og under ledelse av Aimi Yamauchi, gjør det også de mer radikale stilvalgene; de Hiraoka-lignende morphing-gruslene, den aggressive lydretningen og involvert kameraarbeid for å forbedre jakten. Selv om situasjonen er raskt under kontroll, er”Hikaru”sjokkert over å ha vært nær å skade Yoshiki igjen. Den mangler kanskje en menneskelig forståelse av dødeligheten, men den forstår at Yoshikis død ville sette en stopper for et forhold den setter pris på. Og så tar den en avgjørelse: den vil forlate denne landsbyen, og forhåpentligvis tiltrekke seg alle de overnaturlige vesenene bort fra Yoshiki i prosessen. Produksjonen av denne episoden ble forresten administrert av en venn av nettstedet Hayato Kunisada aka eichiwai, noe som forklarer den mye høyere deltakelsen til animatører rekruttert på nettet. Solid jobb, på et punkt der timeplanen tydelig hadde forfalt.
Situasjonen var ikke lettere for Takeshita i finalen, men det stoppet ham ikke fra å skrive, skrive storyboard og regissere det på egen hånd. Med en gang slår han fast melankolien til et planlagt farvel. Hans tilfeldige vektlegging av elementene som representerer slutten av en skolesemester faller sammen med at”Hikaru”tar farvel med alt som har samsvart med den menneskelignende rutinen for hele showet. Subtilitet har imidlertid knapt vært hans spill i dette prosjektet, så han skifter raskt til de virkelige opptakene han tok opp i innstillingen for å skildre «Hikaru» og Yoshikis lovede tur til havet. Dette rekontekstualiserer selvfølgelig seriens sluttsekvens – en han regisserte og skrev storyboard selv også. Mens dets blandede medier og fokus på virkelige steder alltid har følt seg passende for HikaNatsu-animeen, er det bare med detaljene som ble avslørt av de siste episodene at betydningen av destinasjonen deres (og klærne deres!) treffer.
Den siste samtalen mellom de to hovedrollene starter med genialt Takeshita storyboarding. Mens”Hikaru”snakker om sin overjordiske natur for å gjøre et poeng om at det er nødvendig å forlate, reiser kameraet gjennom en kropp som er dekket med marerittaktige teksturer. Men når den avslører at dette er noe den ønsker å gjøre for å holde Yoshiki trygg, trekker den seg vekk fra øyet for å avsløre en vanlig, snill gutt. Selv om Mokumokuren fortsetter å fordømme menneskelige verdier som den absolutte, enestående formen for godhet, er det ingen tvil om at vesenet som er skjult i Hikarus kropp er farlig. Så det føles ikke som et feiltrinn å bruke det umenneskelige utseendet sitt til å signalisere trusler.
Når det er sagt, er Yoshiki for dyp til å akseptere et trygt, standard menneskeliv. Han er en som alltid har følt seg som litt av et monster som skjuler sitt virkelige jeg – plakatgutten vår for internalisert homofobi – og dermed følt slektskap med et vesen som «Hikaru». Gjennom bilder som minner om tidligere visuelle syntetiseringer av samfunnspress, ser hans refleksjon ut til å stemme overens med dette forslaget. Og med hans refleksjon mener jeg en dypt foruroligende figur med munnen byttet mot en ekte persons; takk for marerittene, Takeshita. Etter at han nektet å skille lag (og en kamp som gjenspeiler en han hadde som barn med den virkelige Hikaru), blir Yoshiki omfavnet sine egne vridde følelser formidlet gjennom overlappingen av en tydelig tegnet silhuett over den fotorealistiske kroppen. Igjen, de to naturene som alltid eksisterer side om side i HikaNatsu. Ettersom de sverger på å forbli sammen til tross for den rotete situasjonen, er deres intimitetsøyeblikk sannsynligvis animert av superlativen Takashi Kojima. Det er grovere arbeid enn vi er vant til fra ham, men forståelig nok gitt omstendighetene rundt produksjonen. Men viktigst av alt, det fanger hvor mye dette forholdet betyr for dem begge.
Det setter en stopper for en utmerket første sesong av HikaNatsu; ikke uten sine feil og begrensninger, men så inspirert som en tilpasning at de i verste fall blir mindre ulemper. Igjen, dette er ikke å si at vi ikke bør håpe på det bedre-spesielt gitt at timingen for oppfølgeren vil være litt vanskelig. Det er verdt å påpeke at Mokumokuren planla serien rundt 10 bind, med dette showet tilpasset de fem første så langt. Den umiddelbare kunngjøringen av en oppfølger får det til å høres ut som den vil komme i form av en andre sesong, som vil fullføre serien samtidig som de opprettholder en konsekvent følelse av tempo.
Hvordan kan de tilpasse hendelser som ikke vil bli publisert før sent i 2026 eller kanskje til og med i 2027 og likevel sende den i tide? Ordningen kan være så enkel som at Mokumokuren deler ikke avslørt informasjon med dem. En detalj vi har unnlatt å nevne er at noe i den retning allerede har skjedd. Det spesifikke ved designet for karakterer som Yoshikis mor var noe forfatteren var spesielt opptatt av; hun er tross alt ment å føle seg som en outsider som landsbyen aldri aksepterte. Til tross for at de var i nærheten av de tidlige hendelsene, unngikk mangaen å skildre ansiktet hennes i lang tid, noe som betyr at hun ikke hadde et synlig design da produksjonen av anime startet. Gitt at teamet fant det nødvendig å vise henne på riktig måte – det å skjule ansiktet hennes hele tiden kan ha kommet mer unaturlig ut enn i mangaen – sendte Mokumokuren dem omfattende designark for en karakter manga-lesere ennå ikke hadde sett ordentlig.
Selvfølgelig er ikke deling av et design og detaljering av hele historien helt på samme nivå, men jeg har allerede mistanker om det. De to har jobbet for tett for å holde på hemmeligheter, spesielt gitt at mangel på kunnskap om fremtidige hendelser kunne ha forårsaket utilsiktede inkongruenser i animeen. Siden det er tydelig at de alltid planla en fullstendig tilpasning, og med tanke på hvordan vi har å gjøre med en forfatter som planlegger alt besatt, vil jeg satse på at dette er deres strategi; ellers annonserte de umiddelbart en oppfølger som alle måtte vente 3+ år på. Denne strategien vil tillate en rettidig utgivelse av oppfølgeren, men med en litt uforsonlig produksjonsplan knyttet til den. Vi har sett hva dette teamet kunne oppnå med begrensede ressurser og tid, men etter hvert som historien blir enda sprøere, vil jeg gjerne se mer selvsikker støtte fra studioet og komiteen. La dette teamet lage noe urovekkende, fortryllende og muligens dødelig for oss alle.
Støtt oss på Patreon for å hjelpe oss med å nå vårt nye mål om å opprettholde animasjonsarkivet på Sakugabooru, Sakugabooru, Sakugabooru, tegner bilder (men mer teknisk sett). spesielt animasjon. Vestlige fans har for lenge siden brukt ordet for å referere til tilfeller av spesielt god animasjon, på samme måte som en undergruppe av japanske fans gjør. Ganske integrert i merkevaren til nettstedet vårt. Video på Youtube, samt denne SakugaSakuga (作画): Teknisk tegning av bilder, men mer spesifikt animasjon. Vestlige fans har for lenge siden brukt ordet for å referere til tilfeller av spesielt god animasjon, på samme måte som en undergruppe av japanske fans gjør. Ganske integrert i merkevaren til nettstedet vårt. Blogg. Takk til alle som har hjulpet til så langt!
