By: Animasjonens endelige produksjonsnotater og Kyoto Animations fremtid

Episode #12 kommer ved hånden til regissør og storyboarder noriyuki Kitanohara . Han har forblitt en av de mest aktive nærværene på tvers av showet, til tross for at han også sjonglerer med den med Maidragon -filmen Come 2024; Igjen, hvis du vil ha et presist blikk på produksjons tidslinjen for studioet, anbefales det at du sjekker ut vår tidligere byoppskrivning. Der inne fremhevet vi noe som blir tydelig nok en gang: Kitanhara er veldig kompatibel med en serie som denne. Som en animatør som er aktiv siden 90-tallet, med et bredt ferdighetssett, men også en forkjærlighet for aggressive 2D-kutt, er han en god passform for byens ønske om å understreke animatørens rolle som en altomfattende figur og ideolog av morsom bombast.

The Hendes på en eller annen href=”https://x.com/yuyucow/status/1969823285371195593″> med valgene av klassisk musikk . Siden City: Animasjonen er forpliktet til å få Araki til å skrive alle produksjonskreditter for hånd, betyr dette også at den opprinnelige forfatteren måtte skrive de lange titlene nøye for Bach og Franz Liszt-stykker som ble brukt her. Nå kan dette få ham til å høres morsomt ynkelig ut, men vurder følgende: Vi vet at mens vi sover i samme rom som Series DirectorSeries Director: (監督, Kantoku): personen som har ansvaret for hele produksjonen, både som en kreativ beslutningstaker og endelig veileder. De overgår resten av personalet og har til slutt det siste ordet. Serier med forskjellige regissører eksisterer imidlertid-sjefsdirektør, assisterende direktør, serieepisode-regissør, alle slags ikke-standardroller. Hierarkiet i disse tilfellene er et tilfelle av saksscenario. Taichi Ishidate I løpet av planleggingsfasen delte han noen musikkbaner som fikk dem til å tilpasse seg om natten. Og så er det en realistisk sjanse for at Arawi brakte denne skriveoppgaven på seg selv. Verdt det, skjønt!

Følgende skit fortsetter å legemliggjøre disse egenskapene, denne gangen med at rytmen er sterkt bundet til showets BGM. Den emosjonelle berg-og-dalbanen i hele byen når de følger et svulst hesteveddeløp er en morsom tid i seg selv, spesielt med sin rytmiske levering. Når det er sagt, er det forbindelsen med byens viktigste mål som gjør det til en slik fremtredende. Et av Ishidens tilbakevendende tanker har handlet om Arawis arbeid som utmerket seg i dens evne til å få deg til å forestille deg Hows and Whys bak hans surrealistiske humor, og for hele denne gagen fokuserer showet nøyaktig på det. Akkurat som i mangaen, ser vi aldri et glimt av løpet som dette eventyret handler om. I stedet blir vi tvunget til å forestille oss en latterlig serie med hendelser, med forsvinnende jockeyer og hester som faktisk er forskjellige dyr, ettersom spillernes reaksjoner svinger vilt. Hvis du vil teste kompatibiliteten din med Arawis arbeid, kan det være en god start å sjekke ut dette ene kapittelet.

Nok en gang må vi bare flytte en skit fremover for å finne den andre grunnen til at episode #12 er mer kontrollert med animasjonen. Etter å ha kommet så nær den siste episoden, og spesielt med fokus på en plotline som truer med å skille de to nærmeste karakterene i serien, er det et skjær av melankoli som byen ikke egentlig har hatt før. Spekteret av Matsuri og Ecchans separasjon har svevet over hele showet-det er en del av det som gjør deres søte eventyr sammen, siden du vet at tiden de deler er endelig. Men det er først nå du kan føle at det tar tak i innrammingen og fargevalgene over episoden, selv før Ecchan går gjennom hennes sære ritual for separasjon. For å finne ut om det virkelig er slutten på forholdet deres, må du stille inn i City: The Animation #13.

Før vi dykker ned i den siste episoden i sin helhet, la oss ta en tilbake på de dagene som gikk foran sendingen. For å være presis, burde vi snakke om kjernepersonalet for denne finalen, som allerede var offentliggjort-som det alltid er-sammen en forhåndsvisning som kan ha overrasket noen mennesker. Returen av seriens direktørdirektør: (監督, Kantoku): Personen som har ansvaret for hele produksjonen, både som en kreativ beslutningstaker og endelig veileder. De overgår resten av personalet og har til slutt det siste ordet. Serier med forskjellige regissører eksisterer imidlertid-sjefsdirektør, assisterende direktør, serieepisode-regissør, alle slags ikke-standardroller. Hierarkiet i disse tilfellene er et tilfelle av saksscenario. Og karakterdesigner som ledet den siste episoden var en gitt; Det er en vanlig praksis innen TV-serier, og en som Ishidate har opprettholdt i sine egne, alltid personlig bokført prosjekter. Og likevel er det flere skapere ved deres side. Hele Citys løp, uansett hvor skremmende arbeidsmengden var, hadde blitt ledet av en entall episode-regissør og storyboarder, akkompagnert av en animasjonsdirektør. Det vil si inntil finalen.

så tilfeldig vakker , vet du.

I mangaen får disse to bare delvis oppmerksomhet midt i de travle hendelsene i det endelige bindet. Det er ikke som om det ikke er noen omsorg i de siste øyeblikkene sammen, men det er et vektnivå i anime som gjør denne oppløsningen land enda mer effektivt. Mye av dette skyldes ren kjøretid (det tar opp i underkant av 10 minutter i finalen) og finessen i skildring av ømme, emosjonelle takter som vi har forventet av Kyoani-regissører. Men også dette er City: Animasjonen, et prosjekt ledet av en galningsanimatør og en enda mer dement forfatter som hvisket i øret. Selvfølgelig er det mer enn det.

, og det er derfor for eksempel i stedet for å sykle til flyplassen som de gjorde i manga, Matsuri og den pålitelige Adatara kommer dit med hest. En hest som faktisk er mennesker med en dårlig forkledning, uten eksplisitt forklaring. Hvis du har et godt minne, vil du imidlertid huske at en av hendelsene som ble fortalt i episode #12s løp, var en deltaker som ble diskvalifisert over biting en annen hest-som er en gazelle, ikke spør-i trinnet . Og Det er faktisk deres steed , noe som betyr at den skyldige bak så brutale handlinger faktisk var et par mennesker i dyredrakt… og at det var flere grunner til å motvirke dem fra et hesteveddeløp. Et herlig arawiesque tillegg som fremmer den konstante forbindelsen mellom hendelser, og også en stor unnskyldning for å tilføre kuttene underveis med mer rytmisk, morsom dynamikk.

I motsetning til de aspektene av kildematerialet som finalen utvidet, er det andre som den skjøt ned av en enkel grunn: koherens. Ingen av valgene som tilpasningen har tatt på et konkret historiefortellingsnivå, har virkelig endret hendelsene som blir fortalt; Å tappe inn historien litt senere endret ikke Nagumos ansettelsessted som ble opprettet i de første kapitlene, akkurat som å oppsummere Rikos Sleepwalk ikke hindret det i å oppstå. Vi har kanskje ikke sett et helt kapittel dedikert til bestemor som slo opp et par borgere, men innenfor sidevignettene av episoder som herskapshuset og løpet, har vi fortsatt å se dem feide. For alle de små endringene i fokuspunktene, har de sørget for at de justerte hvert senere element som bygde på det-en åpenbar grunn til at Arawi hadde ansvaret for prosessen ved siden av Ishidate.

Det samme gjelder kulminasjonen på serien. I episode 12 kan du allerede se plakater som refererer til valget som opprinnelig satte slutt på byens hendelser. Dette er kort referert til i finalen også, så det er rettferdig å anta at det skjedde i animeets kontinuitet også. I likhet med tidligere store hendelser, fungerer den mini-buen ganske enkelt som en unnskyldning for å samle mange borgere i et sammenkoblet eventyr; Og som den siste, lar det dem pakke sammen flere sidehistorier. Gitt dets avhengighet av forhold mellom karakterer som har holdt seg i anime-sidelinjen, ville imidlertid en enkel tilpasning ikke ha mye vekt. Og så, med 15 minutter av finalen igjen, vender vi tilbake til One Wish: Arawi og Ishidens delte følelse av at animeet skal eskalere ting ytterligere, og utnytte det faktum at det nå er et animasjonsverk i prosessen. For en gangs skyld, og til tross for at forfatteren fortsatt forblir så involvert som alltid, betyr dette at byen: Animasjonen velger å konkludere med en helt original lapp.

Få det, merk, fordi de kom med en musikal.

som skandaløs en idé som den er, jeg fant den reaksjonen min til City slutt med en lang musikal. Den raske vendingen fra stor overraskelse til underholdt konformitet er ikke fordi den forrige episoden la vekt på musikaliteten i leveransen, som for å gjøre publikum klar. Det skyldes ikke engang den første episodens morsomste gag å ha lagt til en sang fra et visst Broadway-verk , som ishidat var fast på Til tross for produsenter som gruer seg til lisensprosessen . Årsaken er enklere: å avslutte på en massiv, ekstravagant musikal der enhver rar innbygger er opp til noe og kolliderer med andre er bare den mest byens tenkelige.

og forestill deg at de gjør-nesten som hovedskaperne var sterkt investert i dette aspektet av serien! Forutsetningen for at Makabe-restauranten tjener en Michelin-stjerne (eller gjorde de?) Utløser en kollektiv vanvidd på tvers av utallige borgere, og alle bringer en melodi og visuell stil på sin egen på skjermen. Rollen paraderer gatene, redesignet for å pakke utallige referanser til deres gjenstand for feiring, mens de hadde på seg en pastiche av antrekk vi kan se i et teaterspill. Den samme glede sekvensen kulminerer med en ukiyo-e som skjerm, og bringer oss til en helt annen tid i en sving; og pryder det plutselig med moderne strukturer, med lag på lag med visuelle ideer. Med like mye hurtighet, kan alt dette gå ut av vinduet til fordel for den mest fargerike hjerteskjæringsøya eller blandingen mellom en detektiv pixel art mer beslektet med hva we we might href=”https://i.imgur.com/r0arpwl.jpg”> i en slik bok , og bruke idealiseringen av sin kjære som en unnskyldning til Bryt den første regelen . Igjen, det er verdt å merke seg hvordan alle disse morsomme svingene aldri klarer å riste av Arawi-identiteten- Bare se på de søte, uforståelige dyrene som omgir prinsessen . I hvilken grad de klarte å matche hans følsomhet, mens de prøver ut så mange ideer, er ærlig forbløffende. Vanskelig å tro at den nesten Moebius-lignende verdenen de ble transportert til, kom ikke fra hans originale manga, med tanke på hvor Arawi-lignende Niikura-roboten og mekanismene føles.

Som om de stilistiske bryterne for hvert musikal href=”https://i.imgur.com/zvljxjr.jpg”> individuell kutt . En episode som dette krever en absurd mengde designarbeid, og også av skudd selv for den saks skyld. Du har kanskje hørt at Kyoani-verk har en tendens til å inneholde et høyere antall kutt enn normen-en naturlig konsekvens av besettelsen av minutiae i folks liv-men til og med deres standarder blek i sammenligning med galskapen under den musikalske delen, som i seg selv klarer å gjøre det slik at denne finalen har dobbelt så mange kutt som en vanlig, tettpisode. Et valg som øker arbeidsmengden en enorm mengde, men også en som gir dem ekstra eiendommer å snike seg i nikker til mangaen under denne originale feiringen. Shia, en av karakterene som ikke har dukket opp mye i tilpasningen og ville ha spilt en rolle i valget, får sitt øyeblikk midt i alt dette sang. Og som tidligere nevnt, Til og med selve valget fører hodet I eventyret som erstattet det.

Det sa at det å senke standardene for animasjonen til å avbryte det høyere antallet kutt, var uten å si at det å senke standarder for animasjonen til å avbryte det høyere antallet kutt. Mange sekvenser, det være seg kameraet som krysser stier med mange karakterer eller den uendelige dansen er utmerket i seg selv, enn si som en del av denne større helheten. Konseptuelt skinner mange sekvenser gjennom deres evne til å fortsette å koble karakterer sammen-det være seg gjennom treghet eller til og med fortellende, med musikalen Act gjentatte ganger understreker at Ecchan veldig mye fremdeles er en aktiv del av gjengen. Og det nivået av oppmerksomhet på detaljer blir matchet i den tekniske leveringen av hvert kutt, fremdeles med den arawi-humoren som er innebygd i dem. Det er en episode som på det sterkeste oppmuntrer deg til å se den på nytt, slik at du kan fange så mange små perler som mulig.

Nagumos uttrykk for frustrasjon er neppe subtil, men til og med øyeblikk dette eksplosive skjulet detaljer. Du må være ekstra oppmerksom for å legge merke til de disige formene til to dyr som blinker kort innenfor effektene; veldig arawi-lignende former av en hest og en hjort , tilsvarer kanji av 馬鹿 som hun sier ordet høyt.

På samme måte som et par veiledere og styremedlemmer som hadde fullført oppgavene sine gled over for å hjelpe, så gjorde to ekstra viktige animatører-og avgitt det totale antallet av dem for denne store finalen til 7 (+1). Den veldig lovende Ayumu Yoshida , som tilhører Citys fjerde Genga-enhet som ville ha håndtert neste episode hvis den hadde eksistert, ble valgt til å hjelpe over de mer anerkjente jevnaldrende. Men det store navnet er utvilsomt Tatsuya Sato, leder for både studioets Osaka-divisjon og denne produksjonens femte enhet. Da vi forklarte hvordan den helt absurde episoden nr. 05 til og med var mulig, bemerket vi at Sato hadde fått tillatelse til å fokusere på den lenger enn i noen tidligere jobb, slik at han kunne trekke rundt halvparten av en av de tetteste anime-episodene som noen gang er laget.

etter det, skyldtes hans enhet igjen igjen i den tiende episoden. Til tross for at han dukket opp sammen med resten av laget, skilte Satos relativt skumle rolle-“bare”et par minutter ut som hans smarte animasjon-på enda et spesielt utseende. Det har faktisk vært tilfelle med finalen, som ser ut til å ha distribuert ham spesifikt over det musikalske segmentet. Selv om arbeidsmengden ikke er på samme nivå som i den femte episoden, er hans hoppere timing over hele forskjellige deler av de forskjellige forestillingene. For all del, en av de største bidragsyterne til gleden som denne episoden bestråler.

Rett før avslutningen kommer vår signal for å huske en av de første tingene vi skrev om Citys regissør, for nesten 3 måneder siden. Det var sant da, og det er fortsatt sant nå: ishidate liker å animere ting selv . Han vil snakke opp en storm om hvordan retning (spesielt når han leder et helt prosjekt) ikke gir deg tid til å personlig trekke hele kutt, og deretter stille fortsette å sette av komplekse sekvenser for seg selv. By: Animasjonen starter praktisk talt med et fantastisk snitt som ser ut til å komme fra hånden hans. Og nå, som apotesen til denne plutselige musikalen som vikler det hele opp, er hovedpersonen hans penn igjen. Kjente flagrende bevegelser og en tilbøyelighet til bruk av korte linjer, bruken av små biter av rusk for å øke den visuelle tettheten, og timingen i seg selv skriker Ishidens navn. Akkurat som han sørget for å booke dette showet på tematisk nivå, gjorde han det samme stilistisk, med sin egen blendende animasjon.

Og så, nå som det er over, hva er de endelige takeawayene fra byen? Selv om du nekter å engasjere seg med det på et hvilket som helst nivå, men overflaten, sitter du fremdeles igjen med en sjarmerende, supersøt, sære tegneserie av en type som du sjelden noen gang vil møte i kommersiell animasjon. Det har en tilsynelatende åpenbar forgjenger når du er i Nichijou, men enhver sammenligning mellom de to fremhever kontrasten. En, selv med tilpasningens transformative inntrykk av historien, er glad for å bli konsumert som løst forbundet, ikke-sekvenserte bitt av eksplosiv, surrealistisk animasjon. Mens de pakker like mye av en trøkk til leveransen, velger den andre en mye mer avslappet forståelse av den dumme atmosfæren og den nye dynamikken i den sammenkoblede omgivelsen. Du vil ofte oppdage at City har like mye å gjøre med slike som Yokohama Kaidashi Kikou som det gjør med Nichijou, som en serie mindre opptatt av Komedie handler nødvendigvis om telegraferte gags som bare blir givende når punchline lander. Dette minner om de tilbakevendende samtalene om komedie og skrekk som to tilstøtende sjangre; En påviselig idé utnyttet av strålende regissører som Jordan Peele , og likevel, en tanke mange underholder når de peker på morsomme øyeblikk innen skrekkverk som enten tilfeldige eller direkte feil. Byen okkuperer en annen region i komedielandet, men Ishidate tror på bredden av det territoriet likt. Som vi har diskutert før, var det i stedet filmskapere som Charlie Chaplin som han pekte på som eksemplarisk av Arawis appell. Det vil si komikere som vil utløse fantasien med hijinkene sine, i stedet for å stoppe deg i sporene dine med et sinnsløpet brøl av latter. Denne visjonen resonerte med forfatteren, noe som førte til det ekstremt nære samarbeidet mellom ham og studioet som vi også har dekket på lang tid. Resultatet er på en måte oppsummert av Arawis enkle ønske:”Jeg vil at seerne skal lure på hva faen skaperne til og med gjorde”.

En stor del av overraskelsesfaktoren som kreves for det ligger i presentasjonen. Byens visuelle språk og den demente logikken bak den er sprudlende, men også så lett for øyet, i en tid der alle andre tittler er ivrig etter å bevise sine høye produksjonsverdier gjennom intensive digitale effekter. Selv om det kan utføres effektivt, er det en tilnærming som har blitt så utbredt (og ofte grovt utplassert) at den har sugd luften ut av rommet. Og her kommer City, et mest kjærkomment pust av frisk luft. Hver komponent er organisk plassert i en sømløs helhet som slører ordene om CEL-animasjon som har styrt alt kommersielt arbeid for en evighet; Det er ingen distinkte karakter-og bakgrunnslag, det er en by. For å være presis, er det en by som huser så mye latterlig intrikat animasjon at det kan få et hvilket som helst TV-prosjekt til å rødme i skam.

Et av de mest interessante spørsmålene som Ishidate svarte i en kampanje på sosiale medier handlet om