Arbeidet tett sammen, Citys originale forfatter Keiichi Arawi og et Kyoto-animasjonsteam bygget rundt Taiichi Ishidate trosset normene til TV-animasjonsplanlegging, stilistiske trender, og regelmessig arbeidsflyter, alt med et enkelt mål: skaper et unikt show som du spark. er verdt å gjenta med jevne mellomrom er at studioet, i motsetning til den vanlige troen, ikke tar mye lengre tid enn normen å lage tegneserier. Personalet deres har ikke den beste referanserammen i den forbindelse, ettersom de aller fleste bare noen gang har jobbet innenfor sine egne prosjekter, men det er en sammenligning som veteranmedlemmene deres er utstyrt til å lage. Notorisk sett pekte den sene Yasuhiro Takemoto —aktiv som regissør i den tiden der Kyoani var et eksepsjonelt støtterstudio for andre-ut at de bruker omtrent så lenge andre selskaper for å sette sammen en episode. Selv om de har bremset produksjonen etter den tragiske brannstiftelsen, noe som gir dem amplfang som standard, er dette i det vesentlige sant til i dag.
Fangsten til denne påstanden har alltid vært at sammenligningen ikke ble gjort til virkeligheten av produksjonen, men snarere til hva den er ment å være på papir. Det vanligste problemet med TV-animeplaner er komprimering; Tidlige episoder vil ta så lang tid som opprinnelig planlagt og deretter noen, men med frister som ofte nekter å buge nok til å kompensere for det, vil de fleste påfølgende episoder bli ofret på en eller annen måte. Det være seg bare å bruke færre ressurser (tid, oppmerksomheten til det mest dyrebare personalet) eller typen outsourcingoutsourcing: prosessen med å underlevere en del av arbeidet til andre studioer. Delvis outsourcing er veldig vanlig for oppgaver som nøkkelanimasjon, fargelegging, bakgrunn og lignende, men de fleste TV-anime har også forekomster av full outsourcing (グロス) der en episode helt håndteres av et annet studio. Det er billig og raskt etter design, slike hjørner blir stadig kuttet i prioriteringens navn… og for å kunne fullføre prosjekter i det hele tatt. Men i et miljø der nesten alt skal skapes internt av dyktige kamerater, er dette fenomenet praktisk talt ikke-eksisterende på Kyoani. Akkurat om hver episode vil det ta rundt 3,5 måneder å animere, uten at ingen av dem blir kastet under bussen.
Hvorfor få det opp nå, skjønt? Å fortelle deg at det ikke er sant når det gjelder by . For å lage dette enestående TV-showet, har selv dette svært effektive teamet hatt (og vært lykkelig) til å bruke ekstra tid på å lage noe spesielt.
Som han husker, ble City: Animasjonen en realitet med Den festlige tegneserien Han trakk etter at kunngjøringen var sant, bortsett fra den delen der den viser ham på arbeidet-han var borte, er det som var sant! <
I det nevnte animageintervjuet forklarer Ishidate sin visjon for denne tilnærmingen på en måte som bringer den avdøde Ghibli-legenden Isao Takahata . Som fansen hans allerede vet, var det aldri en gitt at hans regissørkarriere ville fortsette etter hans begynnelsen av 90-tallet bare i går og Pom Poko . For så mye stilistisk mangfold som du kan trylle frem, er det ingen som slipper unna paradigmet for kommersiell japansk animasjon: det resulterende visuelle er alltid tenkt som foreningen av distinkte lag. Det er karaktertegninger og bakgrunnsmalerier, som er ment å bli lagt og-til tross for at de ofte sikter mot et harmonisk resultat-oppfattet som separate elementer. Det er ganske å fortelle at bransjen fortsetter å referere til de karaktertegningene som CEL-lag, selv om celluloider ikke har blitt bredt brukt på flere tiår; Konseptet har forblitt grunnleggende det samme, til tross for den materielle evolusjonen. I Takahatas tilfelle var det nettopp fremskrittet til digital teknologi og forestillingen om helhetlige stiler som de vi ser i mine naboer Yamadas og historien om prinsessen Kaguya som gjenvinnet hans lidenskap, følte seg frisk og utfordrende når klassisk prosedyrer ikke lenger.
Ha en bred følelse av nysgjerrighet angående animasjon og film helt. Ved egen innrømmelse elsker han å endre den typen ting han gjør, derav det ville skiftet fra Violet Evergarden til City. Akkurat som det er en tonal whiplash, var han glad for å ha en unnskyldning for å svinge enda mer radikalt når det gjelder presentasjonen. Og hvis de virkelig skulle lage noe som føltes som om vi observerer en tegneserie i bevegelse, ville han fullt ut forplikte seg-mens han også gjorde det til en lærerik opplevelse. ekko av lignende følelser som andre veteranledere i studio , klager han til at teknologien har gjort det slik at de økende mer så an på å anme som an på å få en an på studioet. Den uønskede konsekvensen av det, følbar i den nåværende animeindustrien, er at generasjoner virkelig ikke kan skildre så mange ting som de en gang gjorde.
som et svar, da måtte City bli et show der animatører må tegne alt; Og omvendt, en der bakgrunnskunstnere også måtte tenke og oppføre seg som animatører. Dette involverte etablering av en serie triks og regler (som måten bakgrunner i byen alltid må ha litt tynnere linjer enn karakterene for å lede øynene), som vi kan undersøke senere når vi diskuterer episodene selv. Til slutt er den sømløse stilen vi ser i TV-showet det flerlags svaret på alle regissørens opptatthet. Det er et forsøk på å matche Arawis følsomhet, så forankret i tegneserier selv. Det er også en måte å utfordre seg selv, etter å ha innsett den iboende formelen for hvordan anime blir laget. Og til slutt er det også en gledelig anime i mørke tider som hun allerede hadde gjort sammen med ishidat ; Regissøren bekreftet like mye under de forhåndsskjermingsarrangementene, og spøkte med at det endelige valget kan ha skuffet henne selv om det endte opp med å være en del av en revolusjonerende estetikk. I vår forrige oppskrivning om City refererte vi til sluttsekvensen-en 3DCG-emulering av Claymation drysset med noen virkelige materialer-som en måte å berolige den eksperimentelle Yamasaki. I det animageintervjuet la Ishidate til at hennes regissørlignende tankesett og enorm kunnskap hadde vekket interessen hans, derav det uvanlige valget av å overlate avsluttende sekvens til Art DirectorArt-direktøren (美術監督, Bijutsu Kantoku): personen som har ansvaret for bakgrunnskunsten for serien. De tegner mange artboards som en gang er godkjent av seriedirektøren fungerer som referanse for bakgrunnen gjennom hele serien. Koordinering innen kunstavdelingen er et must-setting og fargedesignere må samarbeide for å lage en sammenhengende verden..
Nå som vi vet hvilket aspekt de fokuserte på i løpet av det første året av prosjektet og som ledet det, kan vi gå videre til 2023. Den neste nøkkelstaben til å droppe ut av andre ansvarsområder og fokusere på City var Karakterdesigner og sjef animasjonsdirektør. Fra og med sene rotete prosjekter med flere hovedannonser har økt i antall; Moreso enn de vanlige animasjonsdirektørene, er jobben deres å sikre at karakterene ser ut som de skal. Konsistens er deres mål, som de vil håndheve så mye de vil (og kan). Tamami Tokuyama . Mens andre aspekter gikk gjennom mer plagsomme designprosesser, var karakterene i seg selv ganske enkle. Når det er sagt, ville det være en dødelig feil å ta denne suksessen for gitt på grunn av likheten mellom deres tilnærming og Arawis originale kunstverk.
Hans komiske følsomhet er strengt knyttet til tegneserielogikken til hans verdener, en som er ganske ulik de realistisk stigende ordene fra de fleste animatører på studio. Det var Tokuyamas plikt å finne ut en måte å gifte seg med de to på, denne gangen fra en mye nærmere posisjon til Arawis enn studioet hadde tatt under Nichijou. Til overraskelse til jevnaldrende som hadde satt tilliten til henne, trakk hun den av som om det var helt naturlig. Ishidate bemerker at hun som nybegynner i slike roller gjorde sitt beste for å følge hans råd tidlig… men at hennes respekt for Arawis stil og overnaturlige forståelse av dets vanskeligheter ble nesten nifs å være vitne til fra siden. Hun slo seg raskt ned på mye mer kompakte proporsjoner enn hva den sene Futoshi Nishiya hadde gjort for Nichijou, med mer rektangulære lemmer og fingre som bøyer virkeligheten på måter som føles som om hun kikker direkte på forfatterens sinn.
Hennes endelige oppgave på forhånd var nettopp sammen med Ishidate, som teamet bak Den blendende femte episoden av Eupho S3 . Vi kan plassere dette neste landemerket for produksjonen de første månedene av 2023, fremdeles før animasjonsprosessen begynte i sin helhet, men ikke så langt unna. Det ville skje når Ishidate var ferdig med sin egen siste Eupho-oppdrag- Den smertefulle episoden #09 . Og så, rundt sommeren 2023, ble City hovedjobben for et stadig større antall mennesker i studio.
etter høst, er det rettferdig å si at det allerede var helt i bevegelse. Hvis du holder rede på artistene på Kyoani, kan du ha plukket opp noen ledetråder som henviser til det. Spesifikt ble et par mennesker som forlot studioet rundt november 2023 og april 2024 (som bekreftet av sporadiske publikasjoner på sin fulle ansatteliste) kreditert for deres deltakelse til de midterste stadiene av serien, med en person som ble frilans i høsten 2024 etter å ha jobbet i sine endelige episoder på forhånd. Selv om personalbloggen prøver å ikke avsløre for mye informasjon på forhånd, veteran noriyuki kitanohara —storyboarder og episode-regissør for by #02, #07, #12-er å alltid inkludere omtaler av det nåværende stadiet av jobben hans som er enkle å dechipe i etterlivning. En viss henvisning til å jobbe med en episode i et avansert stadium av produksjonen, og tilbake i juni 2024 , kan vi lett knyttes til den syvende episoden på grunn av bakgrunnen for å få tilbake til, mens han er nevnt.
I stedet for bare å indikere at byen ble laget tidlig, refererer disse datoene til poenget vi åpnet dette stykket med: hver episode, hvert trinn i produksjonsprosessen, tok lengre tid enn studioets normer fordi alle var glatt ineffektive. Deres oppgave å rekonstruere 13 bind i samme antall episoder var vanskelig. Jada, de hadde støtte fra den opprinnelige forfatterens ideer og hans oppmuntring til å bli ballistisk med et moderat antall sketsjer i stedet for å stappe flere av dem med mindre styrke, men dette prosjektet startet fordi regissøren elsker mangaen-selvfølgelig ville han prøve å dekke så mange kapitler som mulig! Løsningen? En ikke-standard episodelengde som har gjort det mulig for dem å overskride TV-animens standarder så mye at serien med et par episoder fortsatt gjenstår, allerede har mottatt to episoder til ekstra opptak; Et mirakel oppnåelig, for det første, fordi Kyoani-sendinger er ledsaget av studioets egne reklamefilmer, så de bare måtte slippe sine egne annonser. Utmerket valg for showet, men et som økte arbeidsmengden med en god del.
og igjen, målet var aldri å inkludere mer innhold for sin egen skyld, men snarere å gå utover til enhver tid. Den store mengden bevegelse og den delikate (IM) balansen i karakteranimasjonen setter den blant studioets mest utfordrende verk allerede, og det er før til og med å ta hensyn til hvert kreativt valg som har utfordret produksjonsnormene-avtar som har gjort resultatet mer interessant, men prosessen dyrere. Hver episode har vært i hendene på 5 små enheter av 4 ~ 6 nøkkelanimatører og en enkelt animasjonsdirektør, noe som gir mulighet for en multithreaded fremgang og forbedrer samholdet i resultatet, men som også overlater hver enkelt person med arbeidsmengder som krevde mye tid. Mens seerne vil legge merke til The Wilder svinger som episode #05 mest, er det ikke et sekund av byen som ikke trosset status quo. Ganske bokstavelig talt, da det bærer å gjenta hvordan hver ramme du ser på skjermen til slutt ble tegnet med børstepenner du ikke kunne slette. Dette har betinget at studioets mellom mellom enheter også, gruppert sammen i 3 store vekslende grupper der mange dyktige veteraner alltid kunne ha noen tilbake.
Etter å ha gått gjennom oppturene og nedturene til forproduksjonen i 2022: den som er nødvendig med å gjøre det. Det siste trinnet for å forstå dets kunstneriske tilbøyeligheter og produksjonsdynamikken i studioet er enkelt: du trenger bare å tenke på den eventuelle overlappingen med Miss Kobayashis Dragon Maid: A Lonely Dragon Wants To Be Loved . Den nylige Maidragon-filmen nådde forståelig nok fullverdige produksjonsstadier etter byen; Mens tilpasningen av Arawis arbeid ble jobbet med mens Eupho S3 fremdeles var i ferd med å lage, måtte denne filmen vente til det var over for at regissøren og eneste storyboarder skulle gå videre til den. Og likevel var den også ferdig før City, tilbake i februar 2025. Som det viser seg, var en film for en serie de allerede var kjent med, mindre komplisert å håndtere enn galskapen Ishidate prøvde å påberope seg for TV.
med Maidragon som slo animasjonsstadiet på sommeren 2024, begynte mange ansatte på studio å håndtere flere snitter på den samme tiden. Mange, men viktigere, ikke alle. Det er vanlig at Kyoani-folk deler oppmerksomheten slik når TV-og teaterprosjekter overlapper hverandre, noe som fører til alle andre enn individene i kjernen av hvert pågående arbeid-som deres hoveddirektører-som jobber på alle produksjoner. Med Maidragon som ble kommandert av deres mest veteranregissør, gitt materiale han er ganske kjent med på dette tidspunktet, fikk stort sett enhver regissør lov til å forbli fokusert på byen i stedet; Med unntak av to actionfokuserte, som lånte hånden for det aspektet av filmen. Selv om de også hadde delt ansvar, også, var det også ganske mange av studioets mest anerkjente, teknisk dyktige animatører i TV-serien uten noen gang å berøre Maidragon film.
Dette var delvis motivert av de kontrastfilosofiene mellom de to produksjonene-de som bare forvillet seg videre fra hverandre på grunn av komposisjonen av hvert team. På den ene siden har vi by: så fokusert på bevegelse og tradisjonelt uttrykk, i en grad der de stadig prøver å backport moderne konsepter til animasjonslag som aldri hadde uttrykt dem. Følgelig er det som manifesterer seg derimot en versjon av Maidragon som ble et utløp for studioets digitale team, og brukte ferdighetene sine til å gi ekstra oomph til hendelsene på sin egen måte. Og når det gjelder 2D-animatørene, ble det verktøyet for å fullføre prosessen som byen hadde begynt. Studioets 2024-traineer var raskt ute med å fullføre treningen, og takket være den lange prosessen for å fullføre hver episode av City, var i stand til å bidra til den siden begynnelsen. Som vi bemerket tidligere, var dette en mer komplisert prosess med høyere innsats enn normen, med så mye involvert animasjon som krever selvsikre pennelinjer. Og det ser ut til å ha vært effektiv trening, fordi 6 av dem fikk lov til å trappe opp og bli med i den lille (22 totale) gruppen av nøkkelanimatører i Maidragon-filmen, og rydde opp opp layoutslayouts (レイアウト): tegningene der animasjon faktisk er født; De utvider de vanligvis enkle visuelle ideene fra storyboardet til det faktiske skjelettet for animasjon, og beskriver både arbeidet til nøkkelanimatøren og bakgrunnskunstnerne. Av deres mer veteran jevnaldrende.
Med sin opprinnelse, produksjonsfilosofien og dens rolle i studio mye tydeligere, kan vi se et mer informert blikk på selve showet. Mens vi skulle hoppe over den første episoden, da vi allerede dekket den i vår innledende artikkel, er den andre et like bra mikrokosmos av byens anime-tilpasning. Den har den nevnte Kitanhara i spissen; Totalt sett har han vært en av de mest aktive regissørene i prosjektet, som en bølle animatør med en utmerket tilknytning til materialet som han allerede demonstrerte i Nichijou. Byens verden, så sømløs at til og med skaperne noen ganger må tenke hardt på hvilken avdeling som produserte hver del, forblir perfekt enhetlig. Og likevel er det en merkbar bredde til animasjonsområdet som best blir verdsatt under ledelse av en kunstner som Kitanhara. jakten på universitetet Blander noen effekter på 1S, Tradisjonell artikulasjon, og at Peoply Thrake Omfanget liker å være i stand til å si at det er å si det som en gang. om den ofte tegneserie (men som vi har sett, mangfoldig) karakteranimasjon. Og de vil ha rett: Det er at i spades , . Det er imidlertid bare overflaten. Et aspekt som allerede er tydelig av dette tidlige poenget i showet, er at alt i byen er i live, til og med delene som ikke bokstavelig talt er der inne; Enten vi teller ord som kan stikke deg i hjertet som diegetisk eller ikke, er imidlertid en debatt for tidene. Det er faktisk teksten i byen som fortjener en rop for hvor gledelig bruken er. Titlene har unike bevegelser og styliseringer som passer til innholdet, og onomatopoeia er aktive deltakere i sine vanvittige animasjonssekvenser . Enten stort eller lite, det er alltid noe morsomt på skjermen.
Det er andre aspekter du kan fremheve fra denne andre episoden alene. Det er for en dørene som åpnes gjennom stiliseringsnivået; Den enkle, fargerike stilen i verden gir mulighet for naturlig abstraksjon av bakgrunnene i bevegelse, som igjen muliggjør visceralt tilfredsstillende, effektive <. Det er også den ganske beregnede seriekomposisjonen sammensetning (シリーズ構成, serie Kousei): en nøkkelrolle gitt til hovedforfatteren i serien. De møter regissøren (som teknisk sett fremdeles overgår dem) og noen ganger produsenter under forproduksjon for å utarbeide konseptet med serien, komme med store begivenheter og bestemmer seg for hvor tempo det hele. Not to be confused with individual scriptwriters (脚本, Kyakuhon) who generally have very little room for expression and only develop existing drafts – though of course, series composers do write scripts themselves.. The writing is happy to appear casual or even random when it comes to the everyday gags, yet it can hide the thoughtfulness in the placement of emotionally significant events, such as the relationships between Niikura and Nagumo or the beloved middle schoolers Ecchan og Matsuri. Siden det er mer lagdelte eksempler på det litt senere, mener jeg at vi bør diskutere noe mer grunnleggende når vi flytter til den tredje episoden: The Appell of City: The Animation.
tilbake under produksjonen av Violet Evergarden The Movie , da han var en nøkkel animatør som gjorde et navn for seg selv. Det tok ham en stund, og han måtte konsultere flere eldre underveis, men det nådde til slutt et stadium hvor han følte seg trygg på resultatet. Da han viste det for Ishidate, sa regissøren at det faktisk så bra ut… men å se på det inspirerte ham, så han kom med en ny idé der taktisk utplassert vind ville forsterke følelsene ved lek ti ganger. Siden det riktig ville kreve et essensielt gjenstand-prøv å stå i vind på samme måte som du gjør når det ikke blåser-spurte han Miyagi om han var oppe for oppgaven, og utvilsomt klargjorde seg for å animere sekvensen. Miyagi, som følte at dette påviselig nok ville forbedre scenen, tok utfordringen med følelsen av at kommersiell animasjonsproduksjon er noe man må gjøre i et team. På egen hånd følte han at han kanskje ikke har kommet med en slik ide.
Noen år senere fortsetter han å jobbe i et team, men nå er han en av de ansatte som kommer med slike forbedringer. Ishidate la tydelig merke til ham også, fordi denne progresjonen har fortsatt å oppstå under vingen; Husker du den femte episoden av Eupho S3, som ertet Citys kjernepersonell med Ishidate/Tokuyama-duoen? Det var også den der Miyagi avsluttet sin trening som episode-regissør, etter å ha bestått den interne testen på forhånd. Etter å ha regissert showets åtte episode også, flyttet Miyagi videre til City med en slik selvtillit at folk som ikke holder rede på personalet, ikke noen gang vil gjette at han er en rookie.
Hvis den fjerde episoden skinner i slike detaljer, City: The Animation #05 er showet på sitt mest overveldende, største dyktighet. Et helt volum dedikert til utallige plotttråder som konvergerte til en part ba om en dristig respons, men under ingen omstendigheter forutså noen hva vi til slutt ville oppleve. Det går også for Ishidate seg selv , som etter å ha vært vitne til hva ideene skulle forme opp til å bli, fortalte episodens direktør at de i det minste slappet av når det kom til animasjonen. Reaksjonen deres gjorde selvfølgelig det motsatte, noe som resulterte i en episode som vil gå ned i historien. Uavhengig av deres erfaring, hadde ingen involvert noen gang sett en episode som krevde flere sett med storyboard Animer selv i det beste miljøet. Et unikt aspekt enhver seer umiddelbart vil legge merke til er at herskapshuset der alle hendelsene er satt er et virkelighet, artikulert diorama som de nøye innlemmet i animasjonen. Å finpusse disse aspektene er ingen enkel bragd, men vet du hva som er enda mer arbeid? Gjør det fra bunnen av; For å være presis, og I følge Ishiders nylige ord til animerer tider , tok det 3 måneder bare å samle denne ene delen. Regissøren elsker hvordan resultatet føles som en manifestasjon av Arawis ideer til en ny dimensjon, og beholder en håndlaget, varm appell som du kan knytte til utdanningsprogrammer. Kritisk sett er det en stemning han føler er veldig kompatibel med forfatteren, hvis inspirasjoner i klassisk manga som Fujiko Fujios verk gir ham en barndomssmak til alle som vokste opp i Japan. Men for så mye som han likte det, så mye som teamet som skapte dioramaen hadde en eksplosjon, krever slike ting ekstraordinære tidsplaner.
Så mye er også med 2D-animasjonen i episoden. Tidligere bemerket vi at Maidragon-filmen helt ble hoppet over ikke bare av noen regissører, men av ess-animatører som aldri ville gå glipp av den under regelmessige omstendigheter. Det inkluderer veldig mye City #05s regissør og Storyboarder Minoru Ota , så vel som leder for Osaka-animasjonsteamet, Tatsuya Sato . Den rene kompleksiteten i episoden krevde OTAs oppmerksomhet i lang tid, og Satos arbeidsmengde var ikke mindre utfordrende. Selv om tegningsnummer ikke alltid er en nyttig beregning, ettersom elementer som 2DFX i stor grad kan blåse det og det sier ingenting av den faktiske kvaliteten, føles 16K-tegningene som er sportet av denne episoden (effektivt, flere episoder verdt) opptjent og meningsfull. Når du vurderer hvor mange sekvenser i det som allerede ville være utmerket på egen hånd, uten den vanvittige konteksten, blir det en uforståelig prestasjon. Og innenfor den enorme arbeidsmengden, Sato ser ut til å ha personlig håndtert rundt halvparten av kuttene i episoden Hans smarte timing er overalt, og beriker det som allerede var en fantastisk opplevelse.
den rene skalaen og presisjon Quest , mange av dem originale til denne episoden. Mens mangaen til slutt kaller den slutter og manifesterer alle i den endelige destinasjonen, forestiller anime hva alle vil være opp til over hele løpetiden. Det trenger ikke å være spesielt sammensatt; Faktisk forstår tilpasningen at Nagumos egen søken var morsom på grunn av dets repeterende mønster, og derfor føles det trygg på å avlede oppmerksomheten til andre borgere. Det det trenger å være, er imidlertid alltid representativt for hva hvert rare individ kan være opp til-og så mye, det oppnår i stor grad. Den karakteren tetthet matches på tematisk nivå, nok en gang med morsomme overraskelser. Arawi åpner serien med dum mytologi som på en eller annen måte fanger innstillingsstemningen. Og i en annen original sekvens, Denne spesielle episodens avslutning på
Mye av denne filosofien fører over til episode #06, regissert og storyboarded av Taichi Ogawa . Det første aspektet som skiller seg ut er animasjonen, som bakholder alle som forventet en stille tid etter den foregående galskapen med The Epenant, bedårende, tegneserieinroduksjon til en hel familie /a.> mye av følgende gag også , men også En haug med herlig wako-animasjon For denne gruppens dukket opp igjen i episode 11. Sjansen er stor for at de ble håndtert av den pålitelige Yurika Ono , New Animation Superstar Tomomi Sato , eller det veldig lovende uno Nakata -tre kvinner, ett svar som vi håper å komme ut av produksjonsmaterialet snart. Uansett forfatterskap, øyeblikk som det og senere viser frem familien er et flott eksempel på den vektleggingen av fantasien.
ishidate unnfanget by som en utvidelse av horisonter for animatører, spesielt de som modnes. På en måte er det en måte å fremme fantasi også, og det har en bredere rekkevidde enn bare de unge medlemmene i studioet (og selvfølgelig publikum). The person he entrusted the making of the diorama to was Joji Unoguchi, who has been at the studio since the 80s. He began in the in-betweening department, transitioned to background art when they created that department a few years later, and has handled everything from art direction to his now common role of 3D art designer/director/artist. But do you know what he had never done? Crafting a diorama for work, even though that’s related to a personal hobby that Ishidate knew of. In a way, getting such veterans to try new things is even more impressive than doing so with young staff members.
Speaking to Mantan, Ishidate compared Arawi’s appeal to that of Chaplin’s silent films. He didn’t mean that Arawi’s works evoke the mannerisms of the legendary director in a direct way; at least, that wasn’t all he meant. Ishidate could have made the association to Buster Keaton, for example, and his point would be exactly as sound. Certainly, setpieces like this have a physicality to the humor that is shared with such directors, but the more fundamental quality is that they aim to tickle your curiosity and make you wonder how such ridiculous events could come together. While reading Arawi’s work, you continue with a smile while somewhere in your head, you wonder what the incomprehensible store you only saw the sign of could entail. And in the original author’s own words for the latest issue of Newtype, his hope for the anime was that people would watch it while chuckling, wondering (and growing curious about) what the hell its creators were even doing.
And yet, even such moments don’t escape the anime’s focus on fostering the viewers’ imagination. The choice to use a hollow pumpkin to hide your feelings while bidding goodbye to your partner comes straight from Arawi’s manga, but a subtle change in the delivery represents their intent in a brilliant way. In the manga, the idea of using a pumpkin for a breakup had been pitched by another citizen beforehand, making this an amusing delayed punchline amidst that painful moment. CITY: The Animation, instead, shows you this emotive yet slightly nonsensical scene first. A new viewer is emotionally affected all the same, but somewhere in their mind, they may be left wondering about that detail; was it for no reason? It certainly feels like the hijinks that those two constantly come up in the spot. In a later episode, the skit that motivated the pumpkin plan is brought to life, also serving as a delayed punchline—one that sparked your imagination in between those two points, reinforcing what the series really wants to do. And that is to think about silly stuff, hopefully without getting hit in the face by a football.
Kitanohara’s second episode, CITY: The Animation #07, feels like a good time to bring up another unique point of appeal in the series. The episode has the director’s fingerprints all over it, sometimes literally so; despite not being credited on it, and even having alluded to “checking” the cut, there’s no way he didn’t personally key animate moments like the background animation as Niikura succumbs to late-night hunger. It’s no secret that, like multiple directors at the studio, Kitanohara sets aside certain sequences for himself and draws them uncredited. This is so casually known that, in a recent stage event for the Maidragon film featuring Ishihara and him, they casually mentioned that Kitanohara was a key animator for a movie in which he only appeared in the credits as unit director (even the studio’s official report of the event mentions it!). Amusing, though ultimately, not all that important a detail. For creators who only ever work for one highly reputable studio, and who’ve already reached the status of director, there’s no need to stuff their resume—they’re already renowned figures.
Witnessing him animate sequences like that brings to mind Nichijou, where he already penned some truly memorable chases. For someone with a blunt, animation-focused appeal, some of his traits are also distinctly more detail-oriented and modern in their execution. Kitanohara pays a great deal of attention to the physical properties of objects, often trying to use them to express psychological aspects of the characters. Since modern anime will rely overwhelmingly on the compositing team to handle concepts like reflections, that much ends up being true of Kitanohara’s work as well; not to the degree that the traditional 2D drawings don’t play a role, since that’s the core of his vision, but deeply intertwined with digital tools. And that’s where we turn to CITY’s one-of-a-kind commitment to a level of technology.
We’ve talked about Ishidate’s desire to make CITY into a perfectly unified, comic-like screen that emphasizes the cel feeling—as both an attempt to capture Arawi’s magic and a training, horizon-broadening exercise for the studio’s members. Because of that, every effect on screen must be drawn by an animator… or, on rare occasion, accomplished by other departments in a way that looks like the former did it. To say that it brings back anime to its analog era wouldn’t be accurate. The fact that it’s all drawn on paper isn’t even relevant, as that’s true of every work at the studio. Instead, it’s about that idea of cel as an absolute, inescapable truth of CITY. The show showcases all sorts of effects that, even during the actual celluloid era of animation, would never be drawn; instead, they’d be accomplished through photographyPhotography (撮影, Satsuei): The marriage of elements produced by different departments into a finished picture, involving filtering to make it more harmonious. A name inherited from the past, when cameras were actually used during this process. and lighting tricks.
It’s precisely those tricks that every episode director in the series has emulated and expanded on in their own ways. Ishidate’s first episode proposes the idea of replacing linework with short diagonal lines to convey that something is out of focus, showing that they could also adopt modern photographyPhotography (撮影, Satsuei): The marriage of elements produced by different departments into a finished picture, involving filtering to make it more harmonious. A name inherited from the past, when cameras were actually used during this process. ideas as long as they embraced CITY’s toolset. Every directorwe’ve seen has stuck to that rule, finding their own tricks in the process. One aspect that is very eye-catching in that regard is the distortions, often used to transition between scenes, which the show entrusts to animators rather than achieving them through filters; Yamamura’s episodes stand out when it comes to that, doing so in multiple ways that reach their peak with the abstract transitions during Riko’s skits. Given Kitanohara’s interests in various phenomena, he’s of course among the most active in this process of reimagination. Watching how his usual ideas become CITY-fied is frankly fascinating.
The eighth episode, marking Yamamura’s second appearance as director, is charming in ways that are all too familiar at this point. Even without his craziest usages of the camera, the flow is remarkably good. Be it using silhouettes and cute abstraction to stylishly transition in and out of flashbacks, flipping the orientation of the drawings to relive the experience of nearly falling into a whole, or subtler touches like connecting cuts in a way that informs us about the direction of a character’s gaze, it’s the type of episode that progresses so naturally that it feels like it naturally spawned in this form.
Its highlight is an excuse to talk about another brilliant side of CITY: the voice acting. The performance of the Tekaridake troupe that the show had been building up to on the side—starting with Yamamura’s previous episode, which gives it a sense of continuity—arrives in a form that is as delightful to watch as it is to listen to. The show’s voice acting is, on the whole, simply excellent. From the interviews preceding the broadcast to the weekly VA watchalong videos on the studio’s Youtube channel, it’s easy to appreciate that the cast was more motivated than ever by a series sporting visuals like they’d never seen before, which they got to act over in already polished, finished form.
Although right about everyone’s performances have been great, there are two individuals who even their peers pointed out as extraordinary beings: Niikura’s Aki Toyosaki, and Tekaridake’s Jun Fukuyama. They were so impressive in their recordings that, even when they had already finished their parts, other actors would stick around the studio to watch them voice their wacky characters as if they were possessed. Toyosaki wowed everyone in moments like the epilogue for the second episode, as Niikura faces her many inner demons; all of them voiced by her in a single take, which also happened to be the very first one. Meanwhile, FukuJun’s crowning achievement is his enthralling delivery of a classical play in the form of a breathless rap. It’s worth noting that this twist in the delivery was actually pitched by sound director Yota Tsuruoka, and that it was planned at such an early stage that Yamamura assembled a video storyboardStoryboard (絵コンテ, ekonte): The blueprints of animation. A series of usually simple drawings serving as anime’s visual script, drawn on special sheets with fields for the animation cut number, notes for the staff and the matching lines of dialogue. incorporating the beat he’d come up with, ensuring that the animation was in rhythm as well. Once again, these achievements are collective victories.
Speaking of collectives, the return of Miyagi for episode #09 is another special occasion that gathers essentially every citizen. The race was one of the events that everyone who’d read CITY was looking forward to, and the execution certainly lives up to that. While its storytelling is more streamlined, it’s rather reminiscent of the already iconic fifth episode. Much like that one, it’s complemented by details that weren’t even in the original work, yet feel organically Arawi-ish. Miyagi brings back his usage of the eyecatches in a purposeful way, but by turning the positions in the podium into vignettes, it channels the usage of paneling to enrich the flavor that #05 relied on so heavily. And just like that episode, KyoAni’s ace animators went absolutely ham on it. The work of Kunihiro Hane is all over CITY #09, most noticeably when he strays a bit away from his Ishidate influences and employs looser, more liquified smears.
Once again, its structure builds up to the eventual meeting of every character into a chaotic showcase of masterful animation and storyboarding. If episode #04’s climax was impressive in how a rookie storyboarder threaded together so many concurrent adventures, the way that the now only slightly more experienced Miyagi translated Arawi’s fun spread illustrations into one nearly uninterrupted cut is astonishing. He manages to capture every incidental detail in Arawi’s surreal world and somehow adds more visual gags to it, like Niikura’s realization that she’d been chasing the wrong pendant, without interrupting the flow of the scene. And it goes without saying, but the animation itself is incredible too; I would assume that, just like the climax of #05, it’s a single key animator’s work. Perhaps the veteran Hiroshi Karata, already responsible for iconic KyoAni running.
Following Miyagi, we have an even more curious newbie director. The regular trajectory of staff members at the studio, if they choose to take the test for upper positions and manage to pass it, is to do so at relatively young ages and then commit to that path; which is to say, separating between the director and the animation supervisor ladders. Okamura is hardly old, but he has been an animation director for 10 years, having reached the stage where he’s trusted as chief animation directorChief Animation Director (総作画監督, Sou Sakuga Kantoku): Often an overall credit that tends to be in the hands of the character designer, though as of late messy projects with multiple Chief ADs have increased in number; Moreso enn de vanlige animasjonsdirektørene, er jobben deres å sikre at karakterene ser ut som de skal. Consistency is their goal, which they will enforce as much as they want (and can). and character designer on occasion. Most notably, with Free!, where he has replaced Nishiya in recent entries. And yet, seemingly out of nowhere, he has decided to give direction a spin. It was the final episodes of Euphonium’s first season that saw his promotion in one field, and the finale of its third, final season where he finished his training in another. It’s worth noting that, as early as Eupho S3’s bluray specials, we’ve already seen him pivot between episode and animation directionAnimation Direction (作画監督, sakuga kantoku): The artists supervising the quality and consistency of the animation itself. They might correct cuts that deviate from the designs too much if they see it fit, but their job is mostly to ensure the motion is up to par while not looking too rough. Plenty of specialized Animation Direction roles exist – mecha, effects, creatures, all focused in one particular recurring element. at will. It’s possible that, with time, he’ll take up the challenge of handling it all at the same time, as the studio hasn’t seen since the earlier days of the late legend Yoshiji Kigami. Or perhaps, one day he’ll get to direct the original dancing battle animation he internally pitched. Who knows!
Although it’s not confirmed like it was for episode #05, the climax for #09 was likely key animated by a single person again. In a way, it’s inevitable: if a handful of artists split episodes that are noticeably longer than the norm, everyone is going to be entrusted with several minutes of footage. Regardless, Miyagi’s ability to synthesize these events through the storyboardStoryboard (絵コンテ, ekonte): The blueprints of animation. A series of usually simple drawings serving as anime’s visual script, drawn on special sheets with fields for the animation cut number, notes for the staff and the matching lines of dialogue. blows the mind for someone with barely any experience with that task.
With such a versatile director still figuring things out, CITY #10 is a bit too early to figure definitive aspects of Okamura’s style. I can say for a fact that the episode is playful in its usage of color even by the standards of such a lively show, that he nails the idealization of nostalgic memories as wacky old men reminisce about their past, but I believe we’ve yet to see what he’s truly capable of. For now, all we have is one amusing episode that just so happens to end with maybe the most contentious trick the adaptation has pulled off—the abbreviation of an entire volume into an endless series of fake previews to a somehow real adventure.
The residual discourse about CITY’s faithfulness to the source material feels like a depressing product of our times, where reactionary, thoughtless complaints on social media are greatly overblown. It spawns from the lie that it’s at all changing the story (something that Nichijou actually did without facing such criticism!), gleefully ignoring Arawi’s role in every creative choice to instead champion the sacred status of the source material as it was originally published. Does it ever consider neat details, like how key dialogue was changed between its magazine and compiled volume versions? Of course not, because it’s not motivated by a deep, thoughtful engagement with the work. In a trend that greatly transcends this one show (and that is way more toxic surrounding other projects), cynical, vapid appeals to the honor of “original authors” is directed to the idea of them rather than the actual individuals, the ones who speak out publicly about their stances. In this pointless argument, the concept of source material merely means the way that individuals who only want something familiar first experienced it.
Mind you, I’ve been sad that some skits I love have been cut. To some degree, this includes Riko’s sleepwalk as well. But at the same time, there is both intent and authorial approval to all these choices, which feel very easy to justify in this instance. Although that’s a fun volume, it’s a fundamental departure from CITY’s ensemble cast focus and the links to its physical setting. Sending two characters to a wacky island is plenty amusing in the moment, and can be accepted by the reader as a change of pace, but it’s easy to see why it might’ve been on the chopping block—especially since it has little to no reaction to the overarching theme of dreams.
What it does accomplish is widening the world of CITY, showing the even weirder creatures and situations out there. And that much is also achieved in the form that the anime presented it, which also doubles down as a gag that only becomes funnier the more they double down on it. If all you want is the exact same events as the manga, it remains right there on your shelf, or in a wiki’s list of chapters if the presence of content is what truly matters to you. But that’s not what mattered to Arawi, who repeatedly (as he does with everyone who approaches his work) told the team that they should be trying to surpass him instead; to do more with what they include, not to include more. And c’mon, we haven’t had fake previews this good since Katanagatari pranked the entire world. It was sorely missed.
Apart from every chapter determined to have narrative or thematic importance, the initial writing camps attended by all sorts of staff (including Arawi) also turned into a way for them to vote for skits they wanted to include no matter what. Ishidate doesn’t hide that at one point he threw a tantrum to include the three old men’s adventures like Oyaji Summer, even knowing that this type of thing isn’t broadly popular. He only feels slightly remorseful about it.
To wrap up on a more positive note, before we eventually return to the series for a final write-up, we have yet another joyful episode led by Ogawa. In fact, it might be the most joyful episode by him, as if he was happy to fight that reputation as a very effective but depression-inducing director. Even by CITY’s standards, the way it presents its visual (with a plethora of background animation) feels exciting and original, in a way that you’ll never be able to guess what will be on screen next even if you’ve grasped the flow of the gag.
But above all else, the highlight is a skit that sums up so much of the show’s appeal that you should be able to tell you whether you’re compatible with CITY or not from it. And that is the story of how, after greedily becoming youtubers, Niikura showcases her incomprehensible faith in Mambo Number 5 as the panacea that makes any crappy video funny. Or maybe she doesn’t believe it anymore, sorry Nagumo. Regardless, if you laughed like a madman or merely pondered what the hell is wrong with her with a smile, then congratulations—you’re as compatible with one of the most impressive TV anime ever made as I am. If you didn’t, my condolences, you won’t even get to enjoy the ending they edited in-universe to the song.
Support us on Patreon to help us reach our new goal to sustain the animation archive at Sakugabooru, SakugaSakuga (作画): Technically drawing pictures but more specifically animation. Western fans have long since appropriated the word to refer to instances of particularly good animation, in the same way that a subset of Japanese fans do. Pretty integral to our sites’brand. Video on Youtube, as well as this SakugaSakuga (作画): Technically drawing pictures but more specifically animation. Western fans have long since appropriated the word to refer to instances of particularly good animation, in the same way that a subset of Japanese fans do. Pretty integral to our sites’brand. Blog. Thanks to everyone who’s helped out so far!
Selv om du ikke elsket alt som kom ut, er det fremdeles vanskelig å benekte at det var et overskudd av herligheter for seerne å prøve. Redaksjonen vår veier inn med vår favoritt ser