I tillegg til alle artiklene vi har publisert, og før du går på riktig Vi delte ganske mange artikler i dag. Hvis årsaken ikke var klar nok, skyldes det at vi opprinnelig hadde til hensikt å publisere en enkelt rundopp med animasjonsverk som hadde imponert oss over de første månedene av 2025; Stort sett de som slippes ut akkurat dette året, selv om du vil se senere, også uavhengige som er mindre bundet av midlertidig. Etter å ha delt noen få oppskrivninger i selvstendige innlegg, sitter vi igjen med en samling av sist, men definitivt ikke minst notater. Ikke forvent at disse verkene skal være mindre, og heller ikke oppskrivningene nødvendigvis mindre dyptgående. Dette er ganske enkelt høydepunkter med mindre skala, det være seg fordi de er kortere verk eller fordi spesifikke episode-regissører løftet baren langt over showets normer.
kokong er en fantastisk, miyazaki-smaks-treningsinnsats… himeyuri-studenter under andre verdenskrig. Den drømmelignende kvaliteten, i henhold til forfatterens etterord, har mye å gjøre med måten hun personlig så for seg det: som den typen disete mareritt som et barn kan ha når han leste historiebøker om fortidens kriger. Kanskje enda viktigere er at det også er knyttet til det sentrale motivet for dette arbeidet og verdensbildet bak det. Nedsenket i tragedier av et kaliber som ingen barn skal være vitne til, skiller jentene-spesielt dens fantasifulle hovedperson oppkalt etter solen-seg fra virkeligheten med sitt kameratskap og fantasier, som snurrer en søt kokong for å beskytte dem. Men kommer det til å være nok til å holde noen av dem trygge i en så utilgivende situasjon? Eller, som Kyou kortfattet fraser det: kan sukker ruststål?
for å være interessant. Dens grafiske skildringer av død, nedbryting, sult, nær seksuelle overgrep og råtnende levende av barn er ikke tilfredsstillende i den forstand at det å kontrastere dem med de søte fantasiene er det serien handler om, men det er fortsatt hjemsøkende bilder. Gitt at animasjon gjennomgår strengere standarder når det gjelder ekstreme skildringer, var et av de største spørsmålene jeg hadde da det opprinnelig ble kunngjort hvordan en slik historie kunne formidles. At Prosjektet ville være rettet mot å veilede unge animatører virket som passende (nesten for å få en animatortrening for å være til å være til å være en annen som kan være til å bli animatør, men som kan være til å være til å være til å bli en animatør for å veilede unge animatører til å være til å være til å være til å være til å få en animatør som kan få en animatør. Svaret som teamet kom til er på en måte å filme det fra den ordspråklige kokongen.
I stedet for å prøve en grei tilpasning, transporterer kokonganime karakterene til en litt mer tradisjonell, lengre karakterveksthistorie for å passe til sin en-times kjøretid. Lignende situasjoner blir reimaginert når de anses som spesielt viktige, som introduksjonen av ideen om kokongen helt i begynnelsen. Historien mellom atmosfæren i en snødekt dag og blir innhyllet av en kokong, og storyboardene får karakterene til å overlappe hverandre med en sky som speiler den ideen; Den motsatte typen vær til den de beskriver, og likevel et slående utseende av det sentrale motivet i denne historien.
Et aspekt som skiller seg ut like raskt er den uhyggelige evnen til å kanalisere energien til Hayao Miyazaki s verk. Vi lever i en verden som er besatt av å finne hans etterfølger, der artister med Ghibli-erfaring bidrar til alle slags prosjekter-inkludert de som er laget på direkte avlegger fra studioet, som Ponoc. Cocoon kan skryte av en lignende stamtavle; Art Directorart Director (美術監督, Bijutsu Kantoku): Personen som er ansvarlig for bakgrunnskunsten for serien. De tegner mange artboards som en gang er godkjent av seriedirektøren fungerer som referanse for bakgrunnen gjennom hele serien. Koordinering innen kunstavdelingen er et must-setting og fargedesignere må samarbeide for å lage en sammenhengende verden. og Color DesignColor Designer (色彩設定/色彩設計, Shikisai Settei/Shikisai Sekkei): Personen som etablerer showets samlede palett. Episoder har sin egen fargekoordinator (色指定, Iroshitei) med ansvar for å overvåke og levere malere med modellarkene som den bestemte utflukten krever, noe de til og med kan lage seg selv hvis de er toner som ikke allerede var definert av fargedesigneren. ( Yoichi Watanabe og Nobuko Mizuta ) med Ghibli-filmer i sin CV, Ace-animatører som Shinji Otsuka og Akihiko Yamashita som er en som er ufravelt fra verk, og det er å være ufravelt fra verkene, og den som er produsert, og det er å produsere, og Sasayuri.
For de uvitende ble selskapet grunnlagt av den anerkjente Ghibli Douga Veteran Hitomi Tateno . Etter en lang periode i studioet, etterlot hun produksjonsstresset til fordel for noe hun elsket like mye som å skape animasjon: veilede andre artister. Hun gjorde det først i det iboende avslappede miljøet på en kafé, og selv om det dessverre stengte da pandemien slo til, har hun vært i stand til å følge den opp med etableringen av en animasjonsproduksjonsavdeling. Med det kan hun gi erfaring fra den virkelige verden til studentene som gjennomgår Sasayuri-treningskurs, som har fått en god del beryktethet på grunn av hennes legitimasjon. Lovende ungdommer har blitt med på dem og straks skiller seg ut i krevende miljøer, og omfanget av sine egne prosjekter har vokst stadig dyrket. I 2019 ble de passende utnevnt til å håndtere animasjonen for natsuzora -en historie inspirert av en annen historisk viktig kvinne innen animasjon, Reiko Okuyama. I løpet av de siste årene har de tatt opp et hakk og bestemt seg for å produsere sin første film: Cocoon.
Selv med det forholdet til Ghibli og tilgangen til ekstraordinært talent, både veteran og friskt, er det bemerkelsesverdig hvor godt de fanget kroppsspråket og kadensen til et miyazaki. Ingen av de nevnte arvingskandidatene har noen gang (ikke at de var under noen forpliktelse til å gjøre det, selv om de absolutt har prøvd) administrert til MiMic den ettertrykkelige aktøren. Det er en følelse av å posere du kan finne i hans pre-Ghibli-arbeid også, med en tykk Yasuo Otsuka smak. Det fikserer på bølgen av følelser når kameraet kommer nærmere menneskers ansikter; Med den staheten mot Partial Holds, deler den med filmene som inspirerte den, noe som får linjene til å føle seg hele tiden i live. Tidspunktet for sekvensene er like gjenkjennelig som den enkelte kutter seg selv, med en tendens til å få deg til å holde pusten før den slipper løs folkemengdene som en dam bare eksploderte. Scener som forberedelsene til det første luftangrep, og dette senere øyeblikket av kaos legemliggjør disse tendensene perfekt.
Denne kontrasten er kjernen i den mest imponerende scenen, noe som resulterer i at de fleste av studentene blir drept. I motsetning til mangas utfyllende skildringer av massakrer, filtrerer anime dem gjennom fantasiene som disse barna må holde seg til når virkeligheten bare er så grusom. I stedet for å sprute blod overalt, begynner vi å se døden som flagrende kronblad-idealiseringen i kokongen. Imidlertid er det ikke så enkelt som at anime er en mer stjerneøyet versjon av historien. Synspunktet understreker også det transformative aspektet av kokongen, noe som gir hovedpersonen en bue om å vokse mer resolutt i stedet for å overleve gjennom usikker dyd. Denne vektleggingen av endring er spesielt interessant når det gjelder hennes knusing; I begge versjoner av en historie, født en gutt til en velstående familie som prøvde å unngå å bli utarbeidet som en soldat gjennom kjønn shenanigans, som tillater ytterligere tolkninger i en tilpasning om å bli født på nytt. Hvis du tror du kan mage disse temaene, vil jeg anbefale å sjekke ut begge versjonene av historien for å oppleve de merkbart forskjellige smakene.
Til tross for de generelt positive følelsene til dette prosjektet, kunne vi ikke fullføre dette stykket uten å ta opp naturen som et treningsprogram-og dessverre, ikke fra en positiv vinkel denne gangen. Jeg må forord dette ved å si at jeg personlig har hørt vitnesbyrd om ikke bare dette prosjektet, men også andre Sasayuri-bestrebelser som malte en positiv opplevelse; Spesielt om at Tateno selv er imøtekommende for folks personlige forhold. Jeg tviler ikke på dem et øyeblikk, gitt at de kom fra pålitelige individer som ikke hadde noen grunn til å feilrepresentere sin egen erfaring i det miljøet. Imidlertid har det blitt stadig tydeligere at deres ikke nødvendigvis var en universell følelse.
Det er verdt å merke seg at anekdoten som utløste alt spesifiserer at de var en del av et studio som outsourcet deres Douga-treningsprogram til Sasayuri; En avtale som de har etablert slike som Wit og Bones, og som umiddelbart ble muddied av intervensjonen fra selskaper som Netflix som ville sponser det, men la til tvilsomme eksklusivitetsklausuler. Det er fullt mulig at dette gapet i erfaringer med Sasayuri kommer ikke bare ned til teknisk ferdighet som bedømmes av mentorene, men også til om det er et av selskapets egne prosjekter eller disse arbeids-for-ansettelsesmulighetene.
Uansett, er konklusjonen den samme: den er aldri nok til å handle på riktig måte ofte, selv mesteparten av tiden. Selv om målet ditt er edelt, er det ikke verdt å traumatisere unge utsikter til det punktet hvor de ikke har lyst til å tegne lenger. Ghibli selv kastet alltid, for et selskap som sto hoder og skuldre over bransjens fremgangsmåter som helhet, en mørk skygge som dekker de kunstnerne som ble knust av deres høye standarder. Og hvis det allerede er overdreven å behandle veteraner på en viss måte, er det enda mer uakseptabelt å gjøre det mot elever som er frisk ut av skolen. Cocoon er en nydelig film som bevarer truede teknikker, og bruker dem til å skildre ungdommer som må gjemme seg for sjeleknusende realiteter for å prøve å overleve. Som seere, men vi burde møte ikke bare skjønnheten, men den ubehagelige virkeligheten rundt den.
honning sitronbrus og kiyotaka ohatas galende glans
Det er vanskelig å formidle til yngre seere, som JC-staben er en gang som det er en Ruth-en som den er en årlig. Og det er enda mer komplisert å få dem til å forstå at dette ikke har involvert å fjerne det fremtredende talentet fra den tiden; Mange individer som begynte å skinne sammen med slike som Kunihiko Ikuhara forblir i studio, og også betrodd viktige roller. Dessverre har produksjonssystemet forvrengt hele selskapet og hva disse rollene med høyt ansvar innebærer. Shinya Hasegawa er like mye av en legende som han noen gang var, men når jobben hans mest er for å sikre at tegningene i ofte ruset produksjoner er gode nok, aspekter som den livlige skuespillet han var kjent for å bli mindre utbredt. Noen veteraner tilpasser seg ikke godt til bransjens tidevann, mens andre bare bestemmer seg for å slutte å gå over bord på den måten du må hvis du vil skinne i anime. Totalt sett er imidlertid problemet med JC-ansatte tilsynelatende skumle veteraner tydelig systemisk.
gnisten fra den tiden mangler sårt i Nishikioris moderne produksjon. Igjen, det ser ut til å komme ned til bransjen og hjemmestudioet hans og skaper en annen type arbeid i et annet tempo; Bytt gjerne ut det adjektivet med et annet, mer negativt ord selv. Selv i dette mindre gunstige scenariet kan du fremdeles få glimt av den effektive sjarmen nå og da. Akkurat i fjor ble han betrodd å følge opp den største episoden av Dandadan, som han oppnådde med et morsomt nok storyboardstoryboard (絵コンテ, Ekonte): Animasjonens tegninger. En serie vanligvis enkle tegninger som fungerer som animes visuelle manus, tegnet på spesielle ark med felt for animasjonskuttnummeret, notater for personalet og de matchende dialoglinjene. At du ikke ville stoppe for å stille spørsmål ved de spesielt lavere produksjonsverdiene. Det er også verdt å påpeke at han på intet tidspunkt har blitt en dårlig regissør. Taket på Nishikioris titler er absolutt lavere i dag, men gulvet forblir solid så lenge han ikke har bedt om å bygge et hus på toppen av Quicksand. På en måte oppsummerer det den systemiske JC-personalets forverring: Meget dyktige veteraner må distribueres for deres pålitelighet i stedet for deres glans.
Hvorfor få det opp nå, skjønt? Vel, 2025 startet med en tilpasning av honning sitronbrus ledet av Nishikiori som er… igjen, akkurat fin. Selv om jeg ikke ville be folk om å gå ut av deres måte å se på anime hvis de ikke allerede er interessert, er det en søt nok serie om kjærlighet som en vektor av selvforbedring og forbindelse. Hans egne episoder skiller seg ut noe på grunn av det romslige kameraarbeidet; Selv om det ofte krever den typen vanskelig tegning som en beskjeden produksjon som denne sliter med, lar den også serien trekke en klar bro mellom fysisk og emosjonell avstand. Selv uten seriens direktørdirektør: (監督, Kantoku): Personen som har ansvaret for hele produksjonen, både som en kreativ beslutningstaker og endelig veileder. De overgår resten av personalet og har til slutt det siste ordet. Serier med forskjellige regissører eksisterer imidlertid-sjefsdirektør, assisterende direktør, serieepisode-regissør, alle slags ikke-standardroller. Hierarkiet i disse tilfellene er et tilfelle av saksscenario. Svingende for gjerdene som han en gang gjorde, kan de grunnleggende opprettholdt opprettholde den type prosjekt som kan ha falt fra hverandre ved sømmene på annen måte.
i stedet for seriens direktørdirektør: (監督, Kantoku): personen som har ansvaret for hele produksjonen, både som en kreativ beslutningstaker og endelig veileder. De overgår resten av personalet og har til slutt det siste ordet. Serier med forskjellige regissører eksisterer imidlertid-sjefsdirektør, assisterende direktør, serieepisode-regissør, alle slags ikke-standardroller. Hierarkiet i disse tilfellene er et tilfelle av saksscenario., Enkeltpersoner som kan trakte ambisjoner om produksjoner som dette, har en tendens til å være historier og episode-regissører. #05 viser like mye, som ombord på en annen JC-stabsveteran fra samme sirkel i Yoshiki Yamakawa ; Den høyere graden av abstraksjon gjør hverdagsbitene mer stemningsfulle og til og med ledes til mer leken animasjon. Imidlertid, hvis det er noen som tar episodene sine til et nivå der de fortjener en bred anbefaling (spesielt til mennesker med en smak på 90-talls anime), er det uten tvil kiyotaka ohata . På sitt beste hadde han vært Nishikioris største allierte-både i mengde og kvalitet på arbeidet deres sammen. Fra de største episodene av Azumanga og andre høydepunkter som sin ikoniske åpning til de mer idiosynkratiske, personlige prosjekter som Tenshi ni narumon; Ohata var alltid der, og han leverte alltid.
Det er en enkel måte å illustrere hans nåværende situasjon: I løpet av det siste tiåret har han bare vært i en kontrollposisjon over en episode som storyboarder og regissør 6 ganger. Oppsiden med den uttalelsen er imidlertid at to av dem var nettopp i honning sitronbrus. Hans første scene i episode #06 er en uttalelse om alle egenskapene vi har oppsummert. Det er den stemningsfulle storyboardingen, med overgangen fra et smalt vindu som feller hovedpersonen til et fly som flyr den åpne himmelen; Førstnevnte, en representasjon av hennes skumle liv så langt, sistnevnte, av hennes ønske om å nå nye destinasjoner nå som hun er gjenopplivet av sin kjærlighet. Silhuettene i ensfarget er rett ut av hans intros, og den rytmiske repetisjonen (hoppkutt, konstant overlappende paneler) på en eller annen måte er enda mer representativ for Ohatas stil.
Til tross for hans bølgenhet, viser Ohatas tilnærming å være ganske atmosfærisk også. Hans slagverk kan bremse akkurat nok til å etablere en avslappet, men likevel livlig rytme, der både posering og stemmeskuespillende synkroniserer for å legge til musikaliteten. Motivene (som trafikkskilt relatert til den personlige veksten) og tilbakevendende oppsett (レイアウト): tegningene der animasjon faktisk er født; De utvider de vanligvis enkle visuelle ideene fra storyboardet til det faktiske skjelettet for animasjon, og beskriver både arbeidet til nøkkelanimatøren og bakgrunnskunstnerne. Gi den en lignende rimende struktur på makronivå, som understreker hvordan vennegjengen hennes utvides på en naturlig måte. Og når han kan slippe unna med det, drar den komiske animasjonen deg fysisk for noen tiår tilbake. Morsom mangfoldighet, en dans mellom forskjellige nivåer av kunst og strålende ombygging av motivene han selv introduserte. Etter en episode der hovedpersonen bakker seg i lyset for første gang, bringer øyeblikket da hun blir slått ned til mørkere steder som bare hennes kjærlighetsinteresse kan se ut til å belyse. Av alle ting er det flyet som representerte hennes besluttsomhet som dekker solen og deretter flyr bort… med den perfekte timingen for å få henne til å fremstå som den blendende.
Ohatas neste opptreden i episode #11 begynner med like gjenkjennelig rytme og regler for tegneserier; Å ta sistnevnte enda lenger denne gangen, da han finner måter å sette inn typografi og VFX med hele spekteret av diegetisk til stolt kunstig. Et par nye rynker gjør det enda mer spesielt, med det faktum at en av de største animatørene gjennom tidene gjør flere gjesteopptredener. Takeshi Honda hadde overrasket verden ved å vise ansiktet hans (knapt sett i TV-anime i dag) i åpningen, men selv da ville ingen ha forventet en av de mest anerkjente figurene i teatralsk animasjon for å komme ned på selve showet. Den naturlige flagringen av stoffet alene i bare praksisbilder er nok til å fortelle at han er en annen rase helt.
Den andre grunnen til at denne episoden lander med enda mer innvirkning, er at det kanskje er den mest tilfredsstillende utviklingen i forholdet du har sett fremgang for nesten en hel kurs. Honning sitronbrus hadde gestikulert i retning av et jevnere og gjensidig bånd mellom de to lederne, men det er ikke før episode nr. 11 at-gjennom Ohatas vanvittige sukkerhøyt-du ser at materialisering på litt surrealistiske, veldig søte måter. Dette kulminerer i et annet møte mellom Hondas uovertrufne form og Ohatas smakfulle retning; Og også et møte mellom to videregående skoler som har demonstrert at de begge kan stole på. Mens konteksten gjør øyeblikk som dette mye bedre, er Ohatas arbeid i showet bra nok til at jeg vil be noen om å stille inn på i det minste disse to episodene. Hvis du var inne på noen av verkene vi nevnte tidligere, eller 90-tallet til tidlige 00-talls anime, vil det være som å møte en kjær gammel venn.
Jeg hadde hørt Tokio Igarashi var bra, og Zenshuu som virkelig viste at han er
fra den motsatte en vinkel som en rir. hadde tjent et positivt rykte. Det er ikke som om jeg ikke noen gang hadde sett arbeidet til Tokio Igarashi før-spesielt, han hadde deltatt i den andre sesongen av Vinland Saga , som jeg syntes var enda kraftigere enn forgjengeren. Til tross for at de hadde krysset stier før, hadde det imidlertid aldri vært meningsfylt nok til at hans innspill skulle registrere seg i tankene mine; Det er verdt å merke seg at han bare nylig har begynt å tegne sine egne storyboards, til tross for at han har kreditt for å rydde opp i andre mennesker siden rundt 2022.
Kom 2025, jeg har endelig hatt en sjanse til å oppleve noe som føles som om det virkelig er en Igarashi-episode. Hans bidrag til Zenshuu ankom under bakenden av showet, men senere betyr det definitivt ikke mindre i dette tilfellet. Episode nr. 07, som han regisserte og storyboarded, adresserer viktige områder der serien hadde manglet før. Det viktigste er at det gjør det på en overbevisende nok måte til at du ikke føler at de legger et forhastet båndhjelp over et åpent sår. For å si det på mer spesifikke termer: Igarashis levering klarer å humanisere Zenshuus hovedperson Natsuko Hirose, og skildrer en serie vignetter i skjæringspunktene mellom hennes liv og de som har blitt berørt av det. Zenshuu’s Core Staff også har noen skapere vi har snakket om for det siste tiåret. Det er seriedirektørdirektør: (監督, Kantoku): Personen som har ansvaret for hele produksjonen, både som en kreativ beslutningstaker og endelig veileder. De overgår resten av personalet og har til slutt det siste ordet. Serier med forskjellige regissører eksisterer imidlertid-sjefsdirektør, assisterende direktør, serieepisode-regissør, alle slags ikke-standardroller. Hierarkiet i disse tilfellene er et tilfelle av saksscenario. Mitsue Yamazaki og hennes tilbakevendende assistent Sumie Noro , forfatter Kimiko Ueno , og selvfølgelig alles favorittdesigner Kayoko Ishikawa . Hvis du trodde vi ikke ville ta denne sjansen til å dele hennes ikoniske Aikatsu avslutninger igjen, har du så veldig feil. Alternativet ville vært å gråte om Et av de begravde prosjektene hennes med venninnen Sayo Yamamoto i stedet.
Selvfølgelig er det ikke som om historier har en plikt til å inneholde universelt likelige potensielle kunder. Vi har heller ikke å gjøre med en sak om en hovedperson uten en grunnleggende overbevisende konflikt; Den kreative blokken og forventningene hun etterlater seg i den første episoden er et solid utgangspunkt… men hun etterlater dem imidlertid, med showet bare noen ganger i stand til å understreke hvordan hennes nåværende Isekai-liv staver et svar. Uten mye kjemi mellom henne og den nye rollebesetningen heller, sitter du fast med en hovedperson som blir presentert som verken så morsom å henge med eller peke i hennes distanse fra andre. Det vil si inntil episode nr. 07 kommer, og viser at hun hadde en karismatisk skaperpersonlighet i kjernen sin-en som forklarer hvorfor folk samlet seg rundt henne for å lage animasjon (og nå, for å redde verden) bedre enn hennes tekniske ferdigheter og berømmelse gjør.
hvert scenario viser å bli en litt annen side av personligheten hennes. Jada, hun forblir selvopptatt på en måte som gjør at hennes nåværende selv fremdeles er gjenkjennelig det samme, men vi ser hvorfor Natsuko også var et så magnetisk individ. Igjen, det er ikke fordi hun er flink til å tegne-showet forsøkte allerede å formidle det før-men heller gjennom sin ekte, fokuserte lidenskap som berører andre. Den første kjærlighetsrammen av novellene gir den iboende komedien til de fleste av dem, men blir ikke så forvirret med et overskudd av ironi; Hvis noe, skinner episoden på den måten Igarashis retning ubeskrivelig omfavner det romantiserte synspunktet som hun deler med de som er trukket inn i livet hennes. Spesielt den andre skiller seg ut, og fungerer effektivt som den typen ærlige, ukompliserte romantiske kortfilm som resonerer det samme. Det er noe å si om storyboarding som viser seg å være fantasifull og dets innramming og ambisiøse i teknikken det krever, men så sløv i sin emosjonelle appell.
Et annet aspekt som skilte seg ut er den høyere grad av foredling av animasjonen, som ikke er en kvalitet som du naturlig får ut av et produksjonssystem som Mappas. De har en ekstraordinær evne til å tiltrekke seg talent som er i stand til å sende ut prangende arbeid og har vokst til en størrelse som gjør at de er i stand til å fullføre arbeidet under noen omstendigheter (ikke at Zenshuu i seg selv var under en slik tyng De kan rette kutt som avviker fra designene for mye hvis de ser det til å være i orden, men jobben deres er mest for å sikre at bevegelsen er på nivå mens de ikke ser for grov ut. Det finnes mange spesialiserte animasjonsretningsroller-mecha, effekter, skapninger, alle fokusert i ett bestemt tilbakevendende element. er strødd over dodgy sjøstøtteselskaper. Det er ingen tvil om at mye av det kommer ned til hovedveilederne og deres assistenter- Masahiko Komino og Shuji Takahara på toppen av den vanlige Kazuko Hayakawa og Ishikawa selv I tillegg sildrer den subtile kvaliteten noen ganger ned til og med mellom mellom; Overvåket av en av teamets mer pålitelige individer, og med studiepoeng strukturert på en måte som får meg til å lure på om de valgte mer pålitelig papir Douga på delikate steder.
Igarashi ville senere komme tilbake med et storyboardstoryboard (絵コンテ, Ekonte): Blueprints of Animation. En serie vanligvis enkle tegninger som fungerer som animes visuelle manus, tegnet på spesielle ark med felt for animasjonskuttnummeret, notater for personalet og de matchende dialoglinjene. For episode nr. 09, denne gangen under Sumie Noros retning. Den første omgangen føles som epilogen til #07; Nok en vignett av noen som krysser stier med Natsuko og er vitne til menneskeheten som er gjemt bak mye hår og grettenhet, noe som er nok til å etterlate et hjerteformet merke i livet. Til slutt føles det imidlertid ikke som en spesiell anledning som Igarashis forrige tilbud-det er ikke designet for å være i utgangspunktet, som en eneste storyboard-jobb for ham og en mer rudimentær historie. Det var dristig for showet å plassere en så bærende episode så sent som det gjorde, og jeg er ikke helt sikker på at det var den beste avgjørelsen. Det jeg imidlertid vet er at det i seg selv var en bedårende måte å uttrykke budskapet om at kjærlighet er obligatorisk for den kreative prosessen. Jeg er glad for at jeg fikk se en slik søt episode av en regissør jeg nå vet for å holde øynene opp for.
Det obligatoriske påstanden om at folk kan se mer uavhengige, alternativ animasjon
Jeg vil ikke overraske noen ved å merke seg at de fleste begrenser synet på anime og animasjon helt til kommersielle verk. Mens det enkle å dele videoer på nettet har gjort det mye mer sannsynlig for andre å snuble over musikkvideoer, studenteksamenprosjekter og alle slags kortfilmer, er de bare en brøkdel av det rike spekteret av ikke-kommersiell og uavhengig animasjon. Mange fantastiske, dypt resonerende verk blir vist på tvers av internasjonale filmfestivaler, men som aldri er delt på plattformer som alle har tilgang til. Det er ingen forståelse for hvorfor seerne graviterer så sterkt mot kommersielle arbeider uten å akseptere dette faktum.
For like ubehagelige som det gjør at noen mennesker til og med vurderer ideen, er det noe oppside med den inngangsbarrieren. For å si det enkelt, har vi en tendens til å engasjere oss i kunst som vi søker proaktivt på en mer involvert måte enn de verkene som er så sterkt promotert og forankret i kultur at vi konsumerer dem nesten passivt; Det er øyeblikket når kreasjoner blir det fryktede ordet, innholdet. Selv om jeg kan forstå det synspunktet fra et filosofisk synspunkt, kan jeg imidlertid ikke abonnere på det som noen som liker å dele interessante gjerninger-og som noen som liker å kunne se dem, for den saks skyld.
La oss sette noen navn på dette. Koji Yamamura er en av de viktigste figurene i uavhengig animasjonshistorie, og likevel har jeg ikke funnet en sjanse til å se hans blanding av prosa og animasjon ved navnet ekstremt kort ennå. På grunn av planlegging av konflikter, har jeg i nyere filmfestivaler klart å savne det sammen med første linje ; Teknisk del av et TOHO-initiativ, men likevel etter den alternative animasjonskretsen, undersøker denne kortfilmen av venn av nettstedet Kina handlingen med å lage animasjon i seg selv. Det samme skjedde med Yoriko Mizushiris Ordinary Life , vinner av en sølvbjørnpris på Berlinale 2025. Selv om du tar hensyn til animasjon under den kommersielle overflaten, er det ikke alltid lett å fange selv det mest anerkjente alternativet.
I know I said I would leave the raving about Ave Mujica for another day, but can you believe that one of the outstanding music videos they released during its broadcast was produced by Saho Nanjo’s usual team? Featuring the likes of Setsuka Kawahara in charge of the watercolor and sand animation, Haruka Teramoto in charge of the CG and photogrammetry, Kana Shmizu for its photomontages of nightmarish longing hands. Just a few months ago, I pointed at them as one of my coolest creator discoveries in recent times, and here they are in the (so far) series I’ve enjoyed the most in 2025. Nanjo & co have the radical edge (and unconventional choices of technique) you’d associate with avant-garde animation, but also the ability to adapt and capture specific moots that makes them a viable option for commercial, narrative works. They sublimated the band’s gothic aesthetic and the fact that these girls are often more emotion than person into an incredible expressionistic work of animation.
Support us on Patreon to help us reach our new goal to sustain the animation archive at Sakugabooru, SakugaSakuga (作画): Technically drawing pictures but more specifically animation. Western fans have long since appropriated the word to refer to instances of particularly good animation, in the same way that a subset of Japanese fans do. Pretty integral to our sites’brand. Video on Youtube, as well as this SakugaSakuga (作画): Technically drawing pictures but more specifically animation. Western fans have long since appropriated the word to refer to instances of particularly good animation, in the same way that a subset of Japanese fans do. Pretty integral to our sites’brand. Blog. Thanks to everyone who’s helped out so far!