Een echt geweldig moment kent meerdere vormen. Soms is de grootste uitbetaling de ontknoping. Dit is het moment waarop alle draden samenkomen om de waarheid van de zaak te onthullen, en het kan schokkend effectief zijn in fictie. Anime is daarop geen uitzondering en trekt het gordijn open om de ware bedoelingen van het meesterbrein te onthullen.
Een geweldig moment kan ook minder serieus zijn, zoals een hardop lachende grap of een concept dat veel verder gaat dan wat het publiek voor mogelijk hield. Hieronder staan enkele van de schokkende, hilarische en werkelijk ontroerende momenten die onze schrijvers het hele jaar zijn bijgebleven.
Opmerking: onderstaande berichten bevatten spoilers voor series en plotontwikkelingen!
Marcille kijkt geschokt nadat Falin haar shirt openscheurt
©Ryoko Kui, KADOKAWA/Delicious in Dungeon PARTNERS
Lucas DeRuyter
Dit is geen groot onderdeel van de Delicious in Dungeon-manga, en de anime heeft niet altijd het beste werk geleverd bij het vertalen van dit deel van de serie, maar deze franchise worstelt regelmatig met enkele gevoelens rond seksualiteit en seksuele expressie! Laios wordt alleen maar openlijker naarmate het verhaal vordert, Senshi wordt (terecht) een hunk genoemd, ondanks dat ze een rare hippie is, en Marcille en Falin stralen de meest schattige baby-queer-vibes uit.
Desondanks hebben daden van intimiteit en openlijk seksuele handelingen vaak een vreemde kwaliteit, alsof de personages niet helemaal zeker weten hoe ze in dergelijke situaties moeten reageren. Ik werd hier voor het eerst in de wachtrij geplaatst in de scène waarin Falin en Marcille samen aan het baden zijn in de manga. In plaats van dat Marcille een blozende reactie krijgt als Falin haar hand vastpakt in de anime, komt de uitdrukking van Marcille op mij aanvankelijk als overweldigd en onzeker over. Hoewel ik Triggers bewerking van Delicious in Dungeon ongelooflijk vind, was ik een beetje teleurgesteld dat ze dit deel van de manga schijnbaar misten.
Dat is totdat Falin, nu een gigantisch moorddadig monstermeisje, haar top uittrekt in de eerste afleveringen van DinD’s tweede seizoen! Dit was een van de eerste virale anime-clips van het jaar, en Trigger begrijpt dit deel van de opdracht inderdaad! Marcille, gespeeld door Emily Rudd, wordt uitstekend behandeld in de dub en heeft zo’n reflexieve reactie op Falins dierlijke uiting van seksualiteit dat de scène erin slaagt tegelijkertijd hilarisch, opwindend en eerlijk te zijn over dit deel van de menselijke conditie!
Er gebeurt zoveel zo goed in deze scène dat ik een heel artikel nodig zou hebben om er helemaal op in te gaan, maar ik hoop dat ik al heb beargumenteerd waarom dit het beste moment in anime is in 2024.
© Kanehito Yamada, Tsukasa Abe/Shogakukan/’Frieren’Project
Richard Eisenbeis
Er zijn zoveel geweldige momenten in Frieren, maar als we het hebben over de momenten die in 2024 zijn uitgezonden, blijft er één mij meer bij dan alle andere: de climax van het eerste deel van het magiërexamen. Tijdens de test worden Frieren en Fern in verschillende teams geplaatst en krijgen ze de taak een vogel te vangen terwijl ze hun gevederde prijs verdedigen tegen andere teams.
De climax van de actie komt in een gevecht waarin het team van Frieren en een ander duo de strijd aangaan. Nadat ze haar deel van het duel heeft gewonnen en de gestolen vogel van haar team heeft teruggenomen, onthult Frieren dat ze haar niet echt alles gaf in de strijd. Ze had zich geconcentreerd op het analyseren van de koepelbarrière die het testterrein scheidde van de buitenwereld. Op dat moment doet ze prompt ‘het onmogelijke’ en vernietigt het.
Dit toont niet alleen de kracht van Frieren, maar wordt ook gezien als een directe uitdaging door een elfenmagiër die zelfs ouder en sterker is dan Frieren zelf, en toekomstige gebeurtenissen voorbereidt. We krijgen ook het intrigerende weetje dat Frieren de ‘Laatste Grote Magiër’ is. Maar wat echt interessant is, is de reden waarom Frieren überhaupt de barrière doorbreekt.
Frieren had gewoon medelijden met haar teamgenoot Kanne, een watermagiër. Buiten de barrière regende het, maar er kon geen water naar binnen dringen, waardoor Kanne’s magische vrijheid werd gesmoord. Voor Frieren is magie niet iets dat strikt gecontroleerd moet worden of voor één enkel doel gebruikt moet worden. De ware grens van magie is slechts één ding: de menselijke verbeelding. En dit is de reden waarom het vernietigen van de barrière zowel een tactische als een filosofische keuze was. Wie zou zich immers kunnen voorstellen dat hij iemand zou verslaan met volledige controle over het water terwijl hij in de regen stond?
© C.A/B/N,EP,P
Rebecca Silverman
Als je verschrikkelijk dichtbij had betaald opgelet, misschien zag je dit al aankomen. Gedurende het grootste deel van de eerste helft van YATAGARASU: The Raven Does Not Choose Its Master, moesten we meeleven met Asebi, de schijnbare underdog van de vrouwen die strijden om de hand van de kin’u-prins. Ze deelde point-of-view-taken met Yukiya, en het verhaal deed zijn uiterste best om ons te laten denken dat ze op elkaar leken: plattelandsraven die in de moordende rechtbank werden gegooid en worstelden om de machinaties van anderen te begrijpen terwijl ze probeerden een plek te maken voor zich. Daarom kwam het zo hard aan toen bleek dat Asebi nooit zo lief en onschuldig was als ze leek. Zij en Yukiya waren morele tegenpolen; hij probeerde onbezonnen zijn nieuwe positie te begrijpen en te helpen, en zij werkte stilletjes achter de schermen om de zaken op haar manier te laten verlopen. De ontdekking dat ze niets verkeerds zag in wat ze deed – haar slachtoffers waren tenslotte ‘slechts bergraven’ – brengt haar naar het Lady Macbeth-territorium, waar het haar stijl was om ‘eruit te zien als de onschuldige bloem, maar de slang onder’t.” Zoals ik al eerder zei, had je deze waarheid waarschijnlijk kunnen achterhalen door heel goed op te letten, vooral op de beelden in het openingsthema, maar zelfs als je het al had geraden, wordt de onthulling met zelfvertrouwen afgehandeld. Je moet degenen die zich lief en licht gedragen nooit vertrouwen – tenminste niet zonder te kijken naar wat in hun schaduw verborgen is.
©魚豊／小学館／チ。 ―地球の運動について—製作委員会
Jairus Taylor
Orb is een show die veel te zeggen heeft over de relatie van de mensheid met wetenschap en het soort instellingen dat proberen ons begrip ervan te belemmeren. Hoe goed het commentaar ook is, geen enkele sluit zo aan op de slotscène van Rafal in aflevering 3. Tot dat moment was Rafal een persoon die zichzelf definieerde door zijn vermogen om niet op te vallen en zich uiterlijk te conformeren aan maatschappelijke normen. Wanneer hij merkt dat hij betrokken raakt bij de theorie van het heliocentrisme, wil Rafal er aanvankelijk niets mee te maken hebben, vooral omdat hij in een tijd leeft waarin elke betrokkenheid bij dergelijke theorieën ertoe zou kunnen leiden dat hij door de inquisitie van de kerk wordt gemarteld en vermoord. Maar naarmate zijn nieuwsgierigheid groeit, vindt hij het steeds moeilijker om de wens te weerstaan om er meer over te weten te komen, en dit brengt hem in het vizier van Novak, een inquisiteur die zich volledig wijdt aan het handhaven van de status quo en bereid is de status quo te ondermijnen. alles eruit wat dit in de weg staat.
Wanneer Novak Rafal probeert te overtuigen zijn theorieën te herroepen in ruil voor een lichtere straf, weet Rafal dat het slim zou zijn om mee te spelen en te doen wat hij zegt, maar hij is gekomen gezicht Om de waarheid onder ogen te zien, kan hij zichzelf er niet toe brengen de kennis die hij tegenkwam te ontkennen. In plaats daarvan kiest hij ervoor om te sterven terwijl hij zijn overtuigingen verdedigt, maar niet voordat hij Novak heeft gewaarschuwd dat er altijd mensen zullen zijn die dergelijke kennis nastreven en dat deze nooit zo gemakkelijk kan worden onderdrukt als hij zou willen. Het zorgt voor een fantastische manier om de proloog van de show af te sluiten, en hoewel de rest van de show uitstekend bewijs levert dat Rafal gelijk heeft, geeft deze scène het beste weer hoe belangrijk het is om weerstand te bieden aan degenen die kennis proberen te verbieden. Nu Amerika te maken heeft met boekenverboden in meerdere staten en een nieuwe regering die de moderne wetenschap actief ontkent, is dit een boodschap die bijzonder actueel lijkt. Hoewel het dit jaar misschien niet een van de meest flitsende scènes uit een anime is, is het zeker een van de belangrijkste.
©久保帯人/集英社・テレビ東京・dentsu・ぴえろ
Kennedy
Binnenkomende spoilers voor deel 3 van Thousand-Year Blood War:
THE BESTE SCHURF IS TERUG. Het is zijn tijd. NA AL DIE TIJD IS SOSUKE “THE GOAT” AIZEN EINDELIJK AANGEKOMEN.
Het duurde 50 miljard jaar, maar wat ik een van de beste schurken aller tijden van het hele Shonen-genre zou noemen is rug. Je zou de hoorbare schreeuw niet geloven die ik schreeuwde toen hij na al die jaren weer mijn scherm sierde-en laten we volkomen duidelijk zijn: het is al vele jaren geleden. Het is al lang geleden dat hij weer opdook, en ik hoop zeker dat we meer van hem te zien krijgen naarmate de serie vordert. Nou, laat me specifieker zijn: ik hoop dat Aizen een klassieke Aizen-beweging kan uitvoeren die ertoe leidt dat hij aan detentie ontsnapt, Yhwach op de een of andere manier verslaat en zijn rechtmatige plaats als centrale slechterik van de serie opnieuw opeist. Ik heb dit op een gegeven moment gezegd in de dagelijkse streamingrecensies voor dit seizoen, maar het is niet noodzakelijk dat ik denk dat Yhwach een arme slechterik is-hij is inderdaad een zeer krachtige en intimiderende slechterik. Maar ik hou van overgeplande plannen, en dat is het hele ding van Aizen.
Het volstaat te zeggen dat ik hem gewoon een veel boeiendere en niet te vergeten vermakelijke antagonist vind dan Yhwach (let op: nee, ik heb de manga niet gelezen, dus bevestig dit alsjeblieft niet of mijn hoop ontkennen). En laten we eerlijk zijn: het is niet zo dat Aizen niet ook erg intimiderend is. Zelfs afgezien van hoe sluw hij is, is hij zoveel machtiger geworden sinds we hem voor het laatst zagen – en dat ondanks zijn arrestatie. Hij zit sterker vast in een door Mayuri gemaakte stoel dan sommige personages in deze show op volle kracht zijn.
Hoe dan ook, hoewel we korte fragmenten met hem hebben gehad (wat meer is dan we kunnen zeggen over de voorgaande seizoenen van Duizendjarige Bloedoorlog), heeft hij samen maar een paar minuten de tijd gehad-screen dit seizoen, als dat zo is. Maar wat een charismatische paar minuten waren dat. Wat mij betreft is Aizen de beste Bleach-schurk, en nu hij er is, voelt het echt alsof de zaken in de show op scherp zijn komen te staan.
Braverns ware identiteit (Bang Brave Bravern! )
©CyGames Afbeeldingen
Christopher Farris
Er bestaat een stroming die stelt dat een plotwending wordt gedevalueerd als je deze van tevoren kunt voorspellen. Dit is verkeerd. Laten we het er maar op houden: ik was absoluut niet degene die Bang Brave Bravern’s meest schandalige uitwijkactie noemde. Een paar collega’s, waaronder mijn gewaardeerde voormalige TWIA-aluin Nicky, waren degenen die de mogelijkheid onder mijn aandacht brachten dat de grote homorobot Smith uit de toekomst zou zijn. Toen ik dit hoorde, amper een paar afleveringen in de show, schreef ik het af als een meme. Een grap. Een jaap. Maar toen bleef het bewijs van de mogelijkheid zich opstapelen, bewijs dat ik eigenlijk alleen maar overwoog omdat het zaadje van het idee al eerder in mijn hoofd was geplant. Dus toen werd bevestigd dat dit gekke idee 100% waar was en centraal stond in de plot en de hele boog van Smith, was ik nauwelijks geïrriteerd dat wat anders een shocker in het linkerveld zou zijn geweest, voor mij”per ongeluk verwend”was. Dat is de beloning, schat, en dat gevoel van voldoening is een teken van goed schrijven! Bravern voelde als een serie die voortdurend in gesprek was met zijn publiek, terwijl Obari en zijn vrienden meespeelden met kijkers die net zoveel van dit serieuze materiaal houden als zij. Het opbouwen en bevestigen van hun gekste fan-theorieën was slechts de ultieme uitdrukking van die liefde.
Isami en Bravern bekennen hun liefde (Bang Brave Bravern!)
©CyGames Pictures
Caitlin Moore
Niemand daarbuiten maakt tegenwoordig anime zoals Bang Brave Bravern, en zegen de dappere zielen bij Cygames voor het toestaan van legendarische mecha-regisseur en ontwerper Masami Ōbari om deze ongelooflijk homo-erotische liefdesbrief aan superrobot-anime te creëren zoals deze in decennia niet meer is gezien. Het mecha-genre is misschien niet helemaal dood, maar dit soort throwbacks komen ook niet zo vaak voor. Hoewel het adembenemende tempo het misschien uit mijn top vijf heeft gehouden – het verhaal moest echt twee keer zo lang zijn – leverde het ons een aantal van de meest memorabele momenten van het jaar op.
Ik wilde het behouden. stijlvol en kies ervoor dat Smith teruggaat in de tijd om Bravern te worden, waarmee hij zijn ontembare brandende geest demonstreert en de tijdlus voltooit. Het beeld van Isami, topless in het zand uitgespreid met Braverns enorme gezicht naast zijn gespierde naakte torso, bleef echter eisen dat ik het zou erkennen. Ik moet mijn nederlaag toegeven en die scène selecteren als mijn topmoment: Isami en Bravern bekennen hun liefde op het strand.
Maar wacht! Ik kan dit rechtvaardigen buiten mijn liefde voor anime-mannen met grote tieten, zelfs als dat erbij hoort! Homo-erotiek maakt al lang deel uit van het mecha-genre, zelfs voordat Char Aznable en Amuro Ray in hun pak op een met gras begroeide heuvel worstelden. Het wordt echter zelden erkend in de tekst en wordt alleen overgelaten aan de subtekst en de verbeelding van de verzender. Mannelijke fans spotten met vrouwelijke fans omdat ze merkten wat er net onder de oppervlakte lag, ondanks dat het voor iedereen met open ogen en hart duidelijk was. Isami en Bravern (en bij uitbreiding Smith) die openlijk hun gevoelens uiten en een fysieke ontmoeting hebben, ook al wordt deze onderbroken, is ronduit historisch en oprecht moedig – of moet ik zeggen moedig? – zet van Obari en Cygames, gezien de wijdverbreide homofobie kan voorkomen in door mannen gedomineerde fanculturen.
©小野中彰大・竹書房／魔法少女にあこがれて製作委員会
Steve Jones
Ik moet ervoor zorgen dat Gushing Over Magical Girls ergens op dit punt zijn lauweren krijgt-van-jaar functie, en dit lijkt een even goede plek als welke andere plek dan ook. Eerlijk gezegd zijn er een aantal momenten uit deze show die ik hier zou kunnen ondersteunen. Mijn Gushing-reis was vol vreugde toen het mij alle manieren onthulde waarop het verhaal en de thema’s zorgvuldig waren samengesteld en vaak aangrijpend. Dit is smerigheid met een hart en een brein. Want ondanks alle consternatie over de inhoud ontdekte ik dat Gushing in essentie gaat over een meisje dat in contact komt met haar queerness en kinkyheid. Utena confronteert haar geïnternaliseerde schaamte en repressie, en door de kracht van een magisch rijzweep vindt ze acceptatie en gemeenschap. Als je je een weg door Gushing kunt banen, wacht er een hartverwarmende ernst op je.
Die ernst strekt zich ook uit tot de magische meisjessetting in het hart van Utena’s reis. De serie is een parodie, maar het is het soort parodie dat alleen kan voortkomen uit een plek van pure liefde. Utena zelf is een gigantische magische meisjesnerd, en dat geeft aan hoe ze omgaat met de ‘heldinnen’ van het verhaal. Bovendien definieert het het raamwerk van het BDSM-rollenspel dat de kern vormt van Gushings structuur. Utena speelt als slechterik haar rol, zodat de magische meisjes een tegenstander moeten verslaan. Ze vecht en plaagt ze omdat ze weet dat ze terug kunnen vechten, en beide partijen hebben uiteindelijk plezier in het spelen van die rollen. Dat’spel’is op zichzelf een gelaagd en complex iets, en Gushing haalt er verrassend veel nuance uit.
Er is echter een moment waarop dat rollenspel mislukt. Een overgestimuleerde Magia Azure geeft het op en geeft zich over aan de dominantie van Magia Baiser, en het walgt haar volkomen. Het is de eerste en enige keer dat we Baiser/Utena echt gemeen zien doen, omdat het voor haar verraad aan hun contract is. Het druist in tegen alles waar een magisch meisje voor zou moeten staan, en ze zegt tegen Azure dat ze met die onzin moet stoppen. Het is een dolk die in de digitale cellulose wordt gestoken en het markeert een groot keerpunt in de show, waarna zowel de heldinnen als de schurken zich opnieuw concentreren op hoe ze hun relatie benaderen.
Deze scène werkt goed in de context van de show, maar ik ben er ook om twee andere redenen dol op. Ten eerste is het een korte weerlegging van het afgelopen decennium van’donkere’magische meisjesanime. Zowel Utena als Gushing koesteren niets anders dan oprechte liefde en respect voor het genre, en het zou me niet verbazen als haar dialoog bedoeld was als reactie op het idee dat magische meisjes inherent dom zijn en alleen interessant als ze ‘ondermijnd’ worden. Ten tweede is het een goed voorbeeld van de uitstekende vertaling van de show, die door de dialoog heen een soortgelijke kleurrijke taal strooit. De grofheid vormt een aanvulling op de schunnige toon van de anime en maakt het nog leuker om naar te kijken. Serieus, als je nieuwsgierig bent, probeer Gushing dan eens.
The Ballad of Acro Silky (DAN DA DAN)
©Yukinobu Tatsu/SHUEISHA, DANDADAN Production Committee
James Beckett
Soms komt het beste moment in een anime na weken en weken van opbouw, en de verwachtingen werpen hun vruchten af in een sublieme uitbetaling of schokkende onthulling. Op andere momenten zal een show echter een versnelling hoger schakelen en ons meenemen op een veel onverwachtere reis, en ons iets bieden waarvan we tot op dat moment niet eens wisten dat we het wilden. Aflevering 7 van DAN DA DAN is een van de laatste soorten triomfen, waarbij het toch al geweldige materiaal uit de manga wordt verheven tot een verpletterend kunstwerk dat op zichzelf functioneert als een prachtige korte film. De conclusie van de oorspronkelijke Turbo Granny-verhaallijn bewees al dat DAN DA DAN in staat was om echte pathos te injecteren in de anders gekke en slordige procedures, maar de flashback die we krijgen voor het achtergrondverhaal van Acrobatic Silky werkt op een geheel nieuw niveau van emotioneel gevoel. punchery.
Naast het raamwerk dat door het originele verhaal werd geboden, ligt een groot deel van het succes van deze reeks aan de voeten van afleveringsregisseur Kōtarō Matsunaga, storyboarder Shūto Enomoto en componist Kensuke Ushio. Hun gedurfde creatieve instincten brachten hen ertoe een aflevering te maken die de intelligentie van het publiek respecteert en esthetische risico’s neemt die, in minder bekwame handen, gemakkelijk als pretentieus zouden kunnen overkomen of gewoon fundamenteel in strijd zijn met de toon van al het andere DAN DA DAN tot dan toe had gedaan. In plaats daarvan voegt het Science SARU-team echter een overweldigende hoeveelheid empathie en schoonheid toe aan dit tragische verhaal van een alleenstaande moeder wier leven werd gestolen en in honderd scherpe scherven werd gebroken, alleen vanwege haar verdriet en woede om haar te veranderen in een monster dat rechtgescheurd werd. uit de nachtmerries van een kind. Het is de enige DAN DA DAN-aflevering die ik al steeds opnieuw heb bekeken vanwege de pure, rauwe kracht van de artistieke visie. Zelfs als elk ander element van DAN DA DAN op de een of andere manier tekortgeschoten zou zijn, zou deze ene tien minuten durende reeks het allemaal honderd keer de moeite waard hebben gemaakt. Het is een van de beste dingen die ik het hele jaar heb mogen meemaken.
©大森藤ノ・SBクリエイティブ/ダンまち5製作委員会
Kevin Cormack
Lang bespot als een dom, boob-string-dragend komedie-reliëfpersonage, vergelijkbaar met KONOSUBA’s’nutteloze’godin” Aqua, DanMachi Seizoen 5 ziet Hestia eindelijk op het bord verschijnen om haar geliefde Bell Cranel te redden uit de klauwen van de angstaanjagende liefdesgodin Freya en haar sekteachtige familie. Een van DanMachi’s grootste sterke punten is de aandacht van de originele lichte romanauteur Fujino Ōmori voor mythische details. Terwijl Freya een Noorse godin van de liefde, vruchtbaarheid en seks is, is Hestia een Griekse godin die beloofde een eeuwige maagd te blijven-haar Romeinse equivalent is Vesta, bekend van de Vestaalse maagden. Hun aard is vijandig tegenover elkaar, en dit verklaart ook Hestia’s weerstand tegen Freya’s charme. Terwijl de rest van de stad onder Freya’s geestscontrole valt, behoudt alleen Hestia haar onberispelijke herinneringen aan Bell’s ware plaats in haar vertrouwde omgeving.
Er zijn meerdere afleveringen nodig voordat Hestia haar Bell terugwint, gedurende welke tijd hij lijdt vreselijk door Freya’s handen terwijl ze hem probeert te breken. Hestia’s uiteindelijke overwinning komt als een natuurlijk gevolg van haar identiteit als haardgodin; haar plan om’van Orario een haard te maken’, door haar bloed in elk stuk brandhout te gieten dat op een bepaalde dag wordt uitgedeeld, bedekt de stad met haar charmeverdrijvende krachten. Deze reeks, het hoogtepunt van veel voorafschaduwingen, is een bewijs van de vaardigheid van Ōmori’s plotten en het respect en de aandacht die studio JC Staff aan hun bronmateriaal besteedt. Terwijl Hestia met uitgestrekte arm boven de stad staat, terwijl elk huis en elke haard resoneert met haar goddelijke krachten, waardoor de stad wordt gereinigd van bedrog en kwaad, is het onmogelijk om je niet een beetje overweldigd te voelen door emoties. Misschien word ik gemakkelijk beïnvloed door mooie kleuren en opzwepende muziek, maar om te zien hoe Hestia echt haar krachten als godin gebruikt om haar Bell te redden, is een krachtig moment.
©堀越耕平／集英社・僕のヒーローアカデミア製作委員会
MrAJCosplay
Ik denk dat het veilig is om te zeggen dat we in een wereld leven waarin veel mensen falen de scheuren van de samenleving. Ja, geen enkele samenleving is perfect, en geen enkele samenleving is gebouwd voor de verbetering van al haar inwoners. Het is een trieste realiteit die velen van ons uit onze hersenen proberen te bannen, tenzij we er direct door worden getroffen. Maar daarom is seizoen zeven van My Hero AcadeKaren zo belangrijk. De mensen die door de samenleving zijn vergeten en gekwetst, vormen de aanzet tot de belangrijkste verhalende kracht van de show. Deze “schurken” staan centraal in een aantal van de meest emotioneel aangrijpende en impactvolle momenten die ik het hele jaar heb meegemaakt.
We zouden kunnen praten over hoe Dabi’s verwaarlozing ertoe leidde dat hij een etterende haat opwekte die probeert letterlijk en figuurlijk alles tot de grond toe af te branden. Maar het moment dat dat het meeste voor mij betekende, was toen Uraraka eindelijk contact opnam met Toga, een personage dat gemakkelijk een van mijn favorieten in de hele franchise werd en misschien wel een van mijn favoriete anime-personages aller tijden. Ze heeft ongetwijfeld vreselijke dingen gedaan om terug te komen op een samenleving die haar onrecht heeft aangedaan, maar ik denk dat haar achtergrondverhaal het meest herkenbaar en empathisch is vergeleken met de rest van de cast. Dit is een meisje dat gedwongen werd haar verlangens te onderdrukken en wie ze werkelijk was ter wille van het comfort van alle anderen. Ze werd geboren in een samenleving die niet volwassen of bedachtzaam genoeg was om om te gaan met wat ze was, en ervoor koos haar te bestempelen als een demon die moest doen alsof ze een mens was in plaats van haar alleen maar te zien als het onschuldige kleine meisje dat ze was. De resultaten werden een self-fulfilling prophecy, waarbij haar eerste echte gewelddaad in een oncontroleerbare uitbarsting uitkwam na meer dan een decennium van het onderdrukken van een natuurlijk biologisch verlangen waarmee ze was geboren. Hoewel ze tragisch is voor het publiek, ziet de samenleving dat als het bewijs dat ze nodig hebben om hun toch al verwrongen gedachten over dit meisje te rechtvaardigen.
Als iemand die werkt met kinderen met speciale behoeften die in precies hetzelfde zijn beland patroon vond ik het hartverscheurend om de volledige context te krijgen van waar Toga in dit grotere verhaal past en waar ze hoogstwaarschijnlijk analoog aan zou moeten zijn voor onze moderne tijd. Toga had een vriendin nodig, iemand om mee te praten over de meest alledaagse dingen, of iemand die haar zo nu en dan een klein beetje bloed aanbood om haar aan het lachen te houden. Dit moment hier, waarop Uraraka haar eindelijk vastpakt en haar vertelt dat ze het schattigste meisje ter wereld is, was zo aangrijpend omdat je kon zien dat als dit slechts een paar jaar eerder was gebeurd, geen van deze personages dat zou zijn. in de gevaarlijke situatie waarin ze zich bevinden. De stemacteurs in beide talen brachten zoveel pijn en ontroering met zich mee tot het punt waarop ik echt in mijn handen zat te snikken zodra de aflevering voorbij was. Alles, van de opbouw tot de bekende leidmotieven die op de achtergrond speelden, tot de animatie en zelfs de erkenning dat dit geen perfecte oplossing of overwinning was, verhief dit moment tot iets dat verder ging dan wat ik in het originele materiaal had gelezen. Dit is niet alleen een van mijn favoriete momenten van dit jaar, dit is waarschijnlijk een van mijn favoriete anime-momenten aller tijden.
©Ayano Takeda,TAKARAJIMASHA/Hibike Partners2024
Jeremy Tauber
Een moment geloofde ik echt dat Mayu de Antichrist was. Omdat mijn God, dat was een ijskoude killer-shit die ze uithaalde. Onder al die onschuldige pogingen om zichzelf te ondermijnen zat een Mayu die begreep dat haar talent dat van Kumiko kon overweldigen. Proberen een felbegeerde solo te bemachtigen is voor niemand een gemakkelijke opgave (de ruzie tussen Yuuko en Reina in seizoen 1 bewees dit al vroeg), maar het was verwoestend om te zien hoe Mayu het tapijt onder Kumiko’s voeten vandaan trok. Kumiko deed haar best om een goede klassenpresident te zijn, en probeerde net zo begripvol te zijn als altijd, terwijl ze de deugden van de meritocratie prees. Toch heeft Kumiko zichzelf nooit voor de gek gehouden door te geloven dat de solo van iemand anders was dan zij. Als je het seizoen opnieuw bekijkt, besef je dat Mayu de hele tijd niet zo stiekem een muzikaal wonderkind was, maar zoals ze zeggen: achteraf gezien is het 20/20.
Dit was zo’n dramatische klap voor mij dat ik besloot de laatste reeks afleveringen van Euphonium uit te stellen, zodat ik erop voorbereid kon zijn dat de show mij zou vernietigen. Dat gebeurde zeker toen Mayu Kumiko versloeg in de tweede ronde van audities. Geluid! Euphonium heeft nooit zozeer een echte slechterik gehad als wel bepaalde personages die steeksleutels in plannen gooiden die voor Kumiko een hele rompslomp veroorzaakten. Samen met de concurrentie was er de strijd van Kumiko om Reina aanvankelijk te begrijpen, uit te zoeken wat er mis ging tussen Nozomi en Mizore, Asuka’s masker te kraken en Kanade’s onbeduidende manieren te veranderen. Via Mayu werd Kumiko gedwongen te worstelen met het feit dat zelfs de meest nietsvermoedende mensen misschien nog steeds beter zijn dan jij, en nee, drie keer is toch niet de charme. Niets is ooit gegarandeerd of zit zo in de tas. En dat is een harde pil om te slikken.
Ontdek meer van De beste anime van 2024 Openbaarmaking: Kadokawa World Entertainment (KWE), een volledige dochteronderneming van Kadokawa Corporation, is de meerderheidsaandeelhouder van Anime News Network, LLC. Een of meer van de in dit artikel genoemde bedrijven maken deel uit van de Kadokawa Group of Companies.
