Depășire! nu a fost conceput pentru prima dată ca proiectul de aniversare a celei de-a 10-a ani ale studioului Troyca, dar pe parcursul multor ani de dezvoltare, a ajuns să întruchipeze în mod natural punctele forte actuale ale studioului: o combinație frumoasă de scris naturalist, temeinic, cu o livrare puternică și sigură.
Pentru ca proiectul aniversar al unui studio de animație să reprezinte cu adevărat cultura lor unică, te-ai aștepta să fie nevoie de un proces de planificare foarte deliberat. Fiind conștient de acel obiectiv special încă de la început, ați putea să redactați o narațiune pe un teritoriu familiar, să proiectați animația conform principiilor stilistice ale echipei dvs. și chiar să subliniați temele pe care le simțiți că întruchipează cel mai bine locul de muncă; toate acestea, în timp ce, în mod ideal, tot creează ceva care este distractiv de la sine, pentru că acesta este întotdeauna obiectivul la sfârșitul zilei. Acesta poate fi cel mai bun mod de a aborda această provocare. În lumea reală, totuși, proiectele pot începe și pot funcționa fără un obiectiv atât de clar. Și totuși, lăsând o bere în fundal pentru o lungă perioadă de timp, mai ales într-o perioadă în care studioul își dă seama, toate aceste calități pot fi încă absorbite în mod natural într-un titlu de sărbătoare neplanificat. Și acesta este exact cazul pentru Depășire!, care este cel mai bun mod în care studioul Troyca ar fi putut să-și sărbătorească cea de-a 10-a aniversare, în ciuda faptului că i s-a dat această responsabilitate până târziu în dezvoltarea sa..
Troyca a fost înființată în 2013 și își datorează numele circumstanțelor din spatele creării sale; Într-adevăr, trei oameni au fost cei care au format nucleul acestui nou studio, toți având legături cu locul lor de muncă anterior al AIC. Și anume, a fost producătorul de animație Yoshiyuki Nagano, fotografieFotografie (撮影, Satsuei): căsătoria elementelor produse de diferite departamente într-o imagine finită, implicând filtrarea pentru a o face mai armonioasă. Un nume moștenit din trecut, când camerele erau de fapt folosite în timpul acestui proces. regizorul Tomonori Kato și regizorul Ei Aoki, toți cu suficientă experiență în rolurile lor pentru a aduna imediat un grup de foști obișnuiți ai AIC în spatele lor. Vechea lor casă a fost istorică, dar nu deosebit de plină de farmec, într-un fel studioul ur-anime: o mulțime de talente incontestabile puse la capriciile producătorilor care s-ar mulțumi cu proiecte modeste, dar și să facă leagăne sălbatice din când în când. Foarte mult și în moda industriei anime, AIC a fost un magnet pentru probleme financiare și de management, ceva care era extrem de evident la acea vreme. Cu doar 3 luni înainte de crearea Troyca, membrii AIC Spirits deveniseră independenți pentru a forma Production IMS—și doar 5 ani mai târziu, acel studio se închidea fizic în mijlocul uralelor lui. anumite persoane cărora le-ar fi datorat bani. Într-un fel, Troyca se poate considera norocos chiar și în situația de a sărbători a 10-a aniversare, pentru că aceasta este o linie de sânge blestemata de suportat.
Se potrivește acestui fundal, Troyca a arătat rapid că nu le era frică de niciun gen anume, deși cu siguranță avea o tendință pentru livrarea bombastică a directorului lor principal. Aoki era la fel de versatil pe cât trebuia să fie studioul său anterior, dar nu a reușit asta prin tăcere; dacă ceva, el a găsit modalități de a vorbi cu voce tare alături de fiecare lucrare, mai degrabă decât peste ele. În termeni mai precisi, asta înseamnă că are un talent pentru a-și aplica manierismele grandioase, adesea hollywoodiene, la tot felul de lucrări. Ideea lui de imersiune implică legarea fizică a spectatorului de un personaj, în moduri atât de absurde pe care nimeni altcineva nu le-ar găsi— o tradiție care s-a răspândit în a lui elevi acum că este în măsură să conducă un studio. Tendințele sale de compoziție a fotografiilor sunt extrem de melodramatice, folosind adesea reflexii pentru a crea contraste puternice. Dacă ne uităm înapoi la lucrările care l-au inspirat așa cum este detaliat în coloana Febri care pune această întrebare creatorilor celebri, nu vom găsi neapărat sursa acelor ciudatenii specifice, ci mai degrabă lucrări care funcționează la un volum comparabil scandalos. În special, dragostea lui pentru Gunhed rezumă un regizor care va încerca adesea atât de mult să facă ceva mișto că se va întoarce pe un teritoriu serios și fermecător.
Aceste tendințe sunt foarte evidente în primele lucrări ale studioului. Titlul de debut al lui Troyca a fost Aldnoah Zero, un anime mecha original dramatic adecvat, care a subliniat răsturnările și răsturnările narațiunii peste orice altceva. Succesorului său spiritual, Re:Creators, i s-a permis să facă leagăne și mai sălbatice prin cadrul său metaficțional încorporat. Sunt implementări foarte simple ale farmecului lui Aoki. Este logic ca direcția tare și un scenariu tare să funcționeze bine împreună, deoarece stilistic sunt pe aceeași pagină. În acel moment, îți dorești și o animație la fel de emfatică, astfel încât fiecare aspect să se simtă la fel de energic; și, din fericire, acesta este cazul când vine vorba de munca multor animatori de personaje legate de AIC care s-au alăturat și ei acestei echipe.
Pe de altă parte, combinarea acelei școli de direcție emfatice cu scrierea subestimată deschide ușa către noi tipuri de excelență sinergică. Puteți avea, de exemplu, storyboard-uri atât de clare și de lizibile pe cont propriu încât scenariile își pot dubla eleganța austeră fără a suferi o pierdere de claritate. Este, de asemenea, posibil să impregnați situațiile bazate pe pământ cu gravitații masive, ceea ce este foarte util din punct de vedere al dramei de caracter; la urma urmei, atunci când cineva se confruntă cu o problemă, o va percepe prin lentile personale care ar putea-o mări enorm, mai degrabă decât să o vadă dintr-un punct de vedere obiectiv și liniștit. Și tocmai aceasta este direcția spre care a evoluat mai mult studioul, înghițit treptat de o franciză specifică care i-a ținut ocupați ca nimeni altul. Până acum jumătate din durata de viață a studioului, am fost în era Idolish7.
Așa cum sugerează și titlul, i7 este o serie de idoli centrată în jurul unui grup de 7 băieți ciudați — cu modele originale ale legendei manga shoujo Arina Tanemura, pentru colegii mei fani Kamikaze Kaitou Jeanne. Deși nu poți lua niciodată asta ca de la sine înțeles, în special pentru proprietățile josei-muke, succesul masiv al jocului s-a tradus într-un efort de adaptare de mare profil în care toate părțile s-au simțit cu adevărat investite. Rețineți, asta se extinde dincolo de televiziune, deoarece serialul a dat naștere la o multitudine de videoclipuri muzicale ale diferitelor studiouri de anime cream-of-the-crop; deși nu este neapărat cel mai bun, trebuie să strig eventualele lor potriviri dintre unitatea idol TRIGGER și studioul lor omonim , pentru că asta a glumit toată lumea odată ce a devenit clar că toate studiourile majore sunt candidați.
Când vine vorba de adaptarea sa anime TV, și în ciuda faptului că Troyca nu este un nume atât de mare ca unele dintre ele. destinații de videoclipuri muzicale, fanii au fost tratați cu un nivel de angajament care devine din ce în ce mai rar pe zi ce trece. Folosesc acest cuvânt în special pentru a semnala nu doar investiția, desigur, mai greu de măsurat din partea echipei, ci și volumul mare de muncă pe care un studio relativ mic a dedicat-o acestei francize.
Deși 3. Emisiunile TV s-ar putea să nu sune atât de mult pe hârtie, lucrurile se îngrămădesc rapid. Unele dintre aceste serii se întind pe mai multe cursuri și fiecare dintre ele are tendința de a fi mai lungă decât norma; mai degrabă decât cele 12-13 episoade ale unui sezon standard, i7 va împinge adesea spre 17 pentru a se potrivi cu propriul număr magic. Adăugați la asta un alt material suplimentar, cum ar fi un serial original de pe Youtube, pentru a oferi un plus de context anumitor evenimente și relații, și aveți un serial de noapte care s-a extins pe aproximativ 70 de episoade până acum, cu probabil multe altele. O raritate într-o epocă în care se produc rapid cât mai multe titluri scurte posibil, și cu atât mai mult odată ce vă gândiți că livrarea echipei a devenit mai clară pe parcurs.
În 2018, primul sezon al Idolish7 a pus deja bazele a ceea ce avea să vină, cu dinamica sa solidă a distribuției ansamblului și exploziile de măreție în livrare. Troyca și-a construit o relație excelentă cu ufotable, în mare parte datorită rolului influent al lui Aoki acolo ca regizor al filmelor Fate/Zero și Kara no Kyoukai, precum și unii dintre momentele evidențiale din prima serie se datorează acelei relații. Episodul #07, în special, a fost făcut cu atât mai expresiv de o multitudine de animatori ufotable care îl jucau mai liber decât li se permite de obicei, potrivindu-se cu intensitatea așilor interni. Nu căutați mai departe de episodul #15 pentru o prezentare excelentă a acelui talent intern, întruchipat cu mai multă îndrăzneală de Ryuichi Makino decât de oricine altcineva. Makino reprezintă intensitatea echipei prin emoțiile sale violente și capacitatea de a, chiar și atunci când lucrează cu design care nu sunt deosebit de realiste, evoca expresii reale care conferă un avantaj animației sale. Într-o situație în care partea urâtă și manipulatoare a lumii divertismentului este pe deplin afișată, a lui desenele și animația pot surprinde perfect o explozie emoțională.
Secvența extravagantă care deschide finalul S2 cu o întorsătură în scenă este un alt exemplu de acest tip de animație a personajelor la care excelează studioul. Acesta a fost animat de un Masako Matsumoto, care va fi foarte relevant pentru un anumit titlu.
Punctul în care lucrurile au ajuns la următorul nivel, totuși, au fost următoarele intrări din franciză: serialul YouTube Vibrato și continuarea TV a lui i7 Second Beat!. De la început, este ușor să observi o schimbare mare care îi apropie mult mai mult de stilul de impact al lui Aoki. Modul direct de a exprima interioritatea definește majoritatea storyboard-urilor, în timp ce iluminarea este mult mai implicată într-un mod care, de asemenea, se întoarce în acel tip de expresie foarte lizibilă; la urma urmei, nu există un contrast mai clar decât cel dintre lumină și umbră, așa că multe compoziții de fotografii încep să exploateze această abordare. Aceste schimbări nu sunt o surpriză, deoarece Aoki a trecut de la pur și simplu declarat ca Supervizor al serialului la a avea un rol mai practic în producția sa; în cazul lui Vibrato, fiind de fapt cel care l-a deschis în calitate de scenarist și regizor de serie Director de serie: (監督, kantoku): Persoana responsabilă de întreaga producție, atât ca decident creativ, cât și ca supervizor final. Ei depășesc restul personalului și, în cele din urmă, au ultimul cuvânt. Cu toate acestea, există seriale cu diferite niveluri de regizori – director șef, regizor adjunct, director de episod de serie, tot felul de roluri nestandardizate. Ierarhia în acele cazuri este un scenariu de la caz la caz..
Aoki a continuat să fie un colaborator obișnuit ori de câte ori a avut timp, dar chiar și dincolo de toate scenariile pe care le-a desenat personal, se simte ca și restul echipa a început pur și simplu să-și urmeze îndrumările mai îndeaproape. Din nou, acest lucru nu este surprinzător când vine vorba de toți regizorii mai tineri care l văd ca pe mentorul lor, dar este de remarcat că până și veteranii au urmat exemplul. Acesta include directorul de serie al i7 Director de serie: (監督, kantoku): Persoana responsabilă de întreaga producție, atât ca factor de decizie creativ, cât și ca supervizor final. Ei depășesc restul personalului și, în cele din urmă, au ultimul cuvânt. Cu toate acestea, există seriale cu diferite niveluri de regizori – director șef, regizor adjunct, director de episod de serie, tot felul de roluri nestandardizate. Ierarhia în acele cazuri este un scenariu de la caz la caz. Însuși Makoto Bessho, care a ajuns să imbratiseze dispozitivele dramatice de încadrare ale lui Aoki ca pe ale sale. Pe lângă o creștere a ideilor de storyboarding ciudate și fermecătoare, această schimbare a dus la o creștere a încrederii în livrare, declanșând acel fenomen pe care l-am descris mai devreme: atunci când direcția ta este atât de ușor de citit, scenariul își poate permite să creadă mai mult în sine și în privitor.
Pentru ca această schimbare să culeagă orice beneficiu, scrierea ar trebui să evolueze odată cu direcția. Și, din fericire, exact asta s-a întâmplat. Compozitorul serialului Ayumi Sekine nu a condus niciodată procesul de scriere a unui anime de lungă durată, dar a cunoscut echipa de la finalul zilelor AIC și, în ciuda faptului că a ajutat în mare parte de pe margine, încă se uită înapoi la Aldnoah fondly a> pentru toate oportunitățile pe care i-a oferit să se ramifice. Cu i7, am putut să o urmărim evoluând alături de personalul lui Troyca, ci și de textul original; de la începuturi cu ochi înstelați, cu puțin mai multă expunere decât este firesc, până la o dramă industrială mult mai fundamentată și mai autentică.
Deși distribuția plină de culoare a serialului face astfel încât să doriți întotdeauna niște reacții explicite din partea distribuție, direcția spre care se îndrepta scrisul ei devine clară atunci când examinezi creșterea acestei francize. Într-un spațiu precum anime-ul TV comercial, în care scenariile țin mâna publicului până la punctul de a nu-i permite să gândească, ea a stăpânit arta implicațiilor și a omisiunilor elegante. Și ea a făcut acest lucru alături de o echipă care îi dă loc pentru asta, încurajând-o și mai mult cu livrarea lor fermă.
De ce să-i dedice atât de multă atenție Idolish7 pentru a vorbi despre un serial diferit, totuși? Adevărul este că este greu de înțeles de ce Overtake! excelează în felul în care se descurcă fără tot acest context. Mai devreme, am subliniat că i7 a reprezentat o sarcină de muncă uriașă pentru studio, dar nu sunt sigur că singur înțelege că peste 40% din episoadele pe care Troyca le-a produs până în acest sezon au fost pentru acest serial. Dacă ne limităm la cele făcute de când au început să producă i7, acesta devine două treimi din producția lor totală. Și tocmai aceasta este perioada lungă pe care o întinde producția Overtake!, care implică mulți dintre acești indivizi pe care i-am strigat.
E posibil ca serialul să nu fi fost menit să devină titlul de sărbătoare a celei de-a 10-a aniversări a studioului. început, dar a rămas atât de mult timp încât a ajuns în cele din urmă la acel statut. Și în acest proces, a moștenit toate tendințele care se născuseră în franciza care le ținuse ocupate cel mai mult timp. La fel cum există aspecte ale serialului pe care nu le poți înțelege pe deplin fără să cunoști punerea în scenă a melodramatică a lui Aoki și energia foștilor animatori AIC, o cu totul altă latură nu are sens dacă nu ești familiarizat cu temeiul. , excelența naturalistă pe care o exersează cu un anumit grup de idoli bărbați.
Are Overtake! totuși, plutește atât de mult timp? Probabil că a trecut și mai mult, de când primele lor călătorii și interviuri de explorare a locației datează din 2017. Pe lângă interviurile obișnuite cu personalul care tind să apară din emisiunile de emisiuni noi, precum și din câteva evenimente comemorative, Troyca a acordat Overtake. ! un ciclu promoțional destul de luxos. În fiecare săptămână, în timpul difuzării sale, Aoki și actorul vocal Anan Furuya au transmis în flux pe contul oficial al studioului pentru a comenta cel mai recent episod, prezentând adesea și invitați precum producătorul Troyca Nagano. Nu numai atât, dar studioul a editat și încărcat și 17 excursii de vânătoare de locații, mai ales la evenimente și facilități reale de curse care au fost încorporate în serie; din 2017 la 2023, deși ambele extreme sunt valori aberante în acest proces pentru a afla mai multe despre subiectul pe care au vrut să-l descrie.
Mulțumită pentru toate acestea, știm că în acele zile de început nici măcar nu aveau o poveste sau personaje încă — tot ce și-au dat seama, în timp ce vorbeau cu oameni din Kadokawa care vor fi implicați în producție, este că vor să facă ceva care să implice F4. Fiind o disciplină la marginea eforturilor profesionale și a curselor de amatori, în care diferența dintre echipe poate fi masivă în funcție de poziția lor în acel spectru, li s-a părut ca pânza perfectă pentru drama de caractere. Deși nu pot vorbi despre autenticitatea în portretizarea lor a acestei scene de curse în special, pe lângă faptul că atest tot timpul petrecut pe ea, am existat în apropierea unor medii sportive profesionale de nivel inferior suficient de mult pentru a recunoaște tensiunile pe care le descriu în aceasta. spectacol. Și permiteți-mi să vă spun: acestea sunt într-adevăr suficient de convingătoare pentru a fi coloana vertebrală a unei emisiuni TV.
În procesul de a afla exact ce poveste doreau să spună, echipa a început, de asemenea, să adune o echipă foarte familiară.. Privind retrospectiv, este imposibil să nu observăm că această echipă este plină de același personal care a pilotat nava lui Aldnoah. Acesta este ceva de care au devenit în cele din urmă conștienți, completând un cerc odată ce natura proiectului a devenit clară, dar încă de la în cadrul lor. dezvăluirea proiectului, ei declarau deja că nici acest lucru nu a fost premeditat.
Evenimentele precum aniversările de studio și de titlu sunt, la urma urmei, repere oarecum arbitrare în carierele mai libere ale oamenilor. cine le-a făcut; deși există un sens să sărbătorim ceea ce o echipă de creație a realizat împreună, am trecut deja peste faptul că ceea ce cunoaștem acum ca „Troyca” își datorează o mare parte a existenței unei linii de producție anterioare la AIC (Spirits). Renumitul mangaka Takako Shimura a împrumutat modelele originale pentru Overtake! poate fi considerată un alt semn din cap către Aldnoah, deoarece a avut același rol acolo, dar, în același timp, nimic din toate acestea nu s-ar fi întâmplat dacă Aoki nu ar fi regizat o adaptare a seriei Wandering Son de câțiva ani. inainte de asta. Și ar avea această nouă serie un deschidere cântat de Kanae din Nijisanji, dacă ea nu ar fi intrat cu adevărat în fluxurile lor prin cei mai puțin prietenoși cu familia posibil? Ei bine, da, acea parte este o coincidență, dar este una amuzantă. Cu excepția circumstanțelor nefirești, cum ar fi o geantă de desene animate cu un semn de bani vizibil, creatorii vor gravita pur și simplu către indivizi și echipe cu care au avut în mod natural experiențe pozitive înainte, și asta mai mult decât orice altceva a atras atât de multe fețe familiare la Overtake!.
Și așa, încet, dar sigur, această echipă plină de cunoscuți a construit ceva care s-a sinergiat cu punctele forte din jur de care deveniseră conștienți. Poate că nu a început cu scopul de a celebra studioul și ceea ce ar putea realiza acest echilibru specific de seturi de abilități, dar odată ce a devenit clar că aceasta era direcția spre care se îndreptau și datorită timpului amplu acordat proiectului, au avut abilitatea de a pivota cu grație și de a se angaja pe deplin în această idee: o dramă de personaj încrezătoare, plasată în lumea curselor semi-profesionale, cu un scenariu clar și izbitor care permite scrierea de scenarii naturaliste.
În acest mod, primul cuplu de episoade transmit deja o mulțime de informații privitorului. În cadrul fiecărei interacțiuni amuzante dintre fotograful Kouya Madoka și un superior din același domeniu pe nume Saeko, intuim o relație complicată, cei doi încă își dau seama cum să navigheze; acesta din urmă este în mod clar conștient de distanța lor, încă iubitor de el, dar nu în aceeași poziție ca odinioară, oricare ar fi fost. Înainte de a vedea indicii directe despre posibila traumă profesională a lui Kouya, prindem o privire a unui comportament care poate părea leneș pentru cineva. fără context, dar indică în mod clar ceva cu mai multă substanță care îi cântărește umerii. În mod specific, sunt doar obiectele inerte care rămân în camera lui, scuzele pentru a eschiva de la muncă apar doar în sarcinile în care ar trebui să facă fotografii cu oameni, iar doar îndreptarea camerei sale către o persoană declanșează deja o reacție. Spectacolul nu se va adresa spectatorului pentru a explica aceste lucruri și, sincer, în acest moment nu are niciun motiv să-i confere detaliile psihicului lui Kouya. Dar acele sentimente îmbuteliate sunt deja acolo, informând toate acțiunile lui.
Calaltă față a monedei este coprotagonista Haruka Asahina, un elev de liceu care concurează pentru o echipă modestă de F4 pe nume Komaki Motoare. Diferența mare dintre echipe în acest spațiu, în care un brand mare, cu mult personal dedicat diferitelor discipline, se poate confrunta cu amatori esențiali, a fost motivul pentru care echipa a fost atrasă de această idee, așa că puteți paria că este un punct de interes major. Deși există o expunere despre aceste detalii-nu este ca și cum spectacolul ar fi alergic la explicarea lucrurilor, se limitează doar la informații care ar fi transmise în mod natural-este reprezentarea atentă a realităților de zi cu zi din spectacol care face acest aspect atât de ușor de cumpără în. Și acest lucru este convingător nu doar pentru spectator, ci și pentru Kouya însuși, care devine rapid investit în bătălia de sus a lui Haruka și Komaki Motors. Atât de mult, încât se trezește furișând o fotografie cu plânsul frustrat al lui Haruka, după ce una dintre anvelopele sale își încheie cursa fără ceremonie.
Este de remarcat faptul că aceasta este o secvență uimitoare care este una dintre bijuteriile coroanei un episod superb animat, condus de designerul de caractere Masako Matsumoto. Deși poziția ei îi oferă un punct de focalizare diferit, Matsumoto seamănă cu Makino menționat mai sus, precum și cu alți animatori ași adiacenți Troyca-ceea ce înseamnă că este o animatoare de personaje foarte plină de viață, cu talent pentru izbucniri puternice. Deși niciun episod din Overtake! se potrivește destul de mult cu bogăția de mișcare a primului, conducerea lui Matsumoto ca regizor șef de animație Director șef de animație (総作画監督, Sou Sakuga Kantoku): Adesea un credit general care tinde să fie în mâinile designerului de caractere, deși în ultimul timp dezordonat proiectele cu mai multe AD-uri de șef au crescut ca număr; Mai mult, decât regizorii obișnuiți de animație, sarcina lor este să se asigure că personajele arată așa cum ar trebui. Consecvența este scopul lor, pe care îl vor aplica atât cât vor (și pot). este unul dintre cele mai impresionante eforturi din acest an, comparabil cu ceea ce realizează în prezent Reiko Nagasawa cu Frieren. Matsumoto este întotdeauna prezent pentru a proteja calitatea desenelor, dar și conștient de necesitatea de a schimba stilurile în anumite puncte pentru a transmite cel mai bine stările de spirit specifice, așa că consistența strictă nu este ceva de care spectacolul se simte îngrijorat. În calitate de animator care a lucrat aproape doar cu această echipă în acest deceniu în care proiectul sărbătorește, este clar că a găsit o modalitate de a-și maximiza nu doar punctele forte, ci și ale altor oameni.
Vorbind despre sinergii, Al doilea episod marchează prima apariție a Makoto Kato din faima Bloom Into You, probabil cel mai mare protejat al lui Aoki. Pe lângă faptul că continuă să stabilească situația personajelor principale, cum ar fi faptul că tatăl lui Haruka a fost un pilot care a murit într-un accident, acest episod este interesant în ceea ce privește stilul lucrării care se extinde dincolo de domeniul imediat al regizorului de serie. Nu este rar să vezi un lider de proiect cu idei clare și eficiente, dar lipsit de capacitatea de a-i pune pe toți pe aceeași pagină. Atunci cum a reușit Aoki să conducă o navă atât de strânsă? Multe dintre ele se rezumă la echipaj – marea majoritate a echipei este compusă din cunoscuți de lungă durată care sunt conștienți de înclinațiile sale, dacă nu chiar inspirați de ele. Deși există loc pentru ciudații personale, oameni precum Kato se confruntă cu ideea de a prezenta informații spectatorului dintr-un unghi foarte asemănător, așa că este un dat că are ca rezultat în mod similar deosebit de frumos când Kato este responsabil!
Kouya rămâne atât de mișcat încât el se dedică asistării Komaki Motors. După un memento rapid că banii conduc lumea, el o trage pe Haruka să cerșească sponsorizări, astfel încât să poată concura pe un teren mai uniform. Deși capacitatea de comercializare a unui tânăr plângând care face tot posibilul care le acordă (în mod accidental) fonduri în cele din urmă, este foarte grăitor din perspectivă tematică că primul instinct al lui Kouya este să ceară ajutor tuturor magazinelor locale; în special locurile legate de mâncare, așa cum va deveni mai evident mai târziu în spectacol. Cu doar acel pic de ajutor suplimentar, Haruka poate începe să concureze pentru poziții superioare – ceea ce dezvăluie că visul său de a dori să urce din nou pe podium fiind o motivație la fel de importantă ca și tatăl său însuși, precum și rivalitatea lui cu al doilea șofer. din Belsorriso, o echipă suficient de mare pentru ca vedeta lor să fie mereu urmată de grupări.
Treptat introducerea mai multor piese pe tablă este una interesantă, deoarece ideea de bază a echipei era să introducă personaje doar dacă aveau un rol tangibil de jucat. În timp ce arcurile diferă ca scop, Depășire! este genul de spectacol în care chiar și acea vedetă strălucitoare a unei echipe rivale are mai multă carne până la acest os decât poate părea la prima vedere; deși, din nefericire pentru el, la anumite momente, poziția sa este folosită pentru a explora presiunea specifică pe care o poate face față numai cineva care se află într-o poziție autentică de privilegiu și de succes așteptat, în contrast cu narațiunea dezlegată a lui Haruka.
În ciuda decalajului dintre ei. personalități și vârste, entuziasmul lui Kouya topește exteriorul rece al lui Haruka. Al patrulea episod, despre care am scris deja mai pe larg aici, este un altul interesant în modul în care este completat de imagini care reprezintă acel proces specific. Repetiția este numele jocului său în general, deoarece este, de asemenea, folosit pentru tăierea meciurilor în expunerea sa elegantă și chiar în scopuri comice într-o altă scenă excelentă animată de Makino. În acest context mai larg al unei echipe care nu are decât fețe familiare, aceasta este o excepție fascinantă, deoarece este condusă și regizat de Shotaro Kitamura—cel mai recent produs al lucrării fermecatoare a lui Mamoru Hatakeyama în Kaguya-sama, așa cum tu s-ar putea să spună după tendința bruscă a acestui episod pentru umbrirea plată. În ciuda schimbării stilistice, totuși, ideile de conducere sunt suficient de apropiate de Aoki și restul echipei principale pentru ca episodul să se simtă ca acasă. Și cum ar putea fi altfel? Sekine însăși a scris majoritatea scenariilor și, ori de câte ori nu a făcut-o singură, probabil că a fost și Aoki. Pe lângă rolul său de regizor de serie Director de serie: (監督, kantoku): Persoana responsabilă de întreaga producție, atât ca factor de decizie creativ, cât și ca supervizor final. Ei depășesc restul personalului și, în cele din urmă, au ultimul cuvânt. Cu toate acestea, există seriale cu diferite niveluri de regizori – director șef, director adjunct, director de episoade de serie, tot felul de roluri non-standard. Ierarhia în acele cazuri este un scenariu de la caz la caz., el este prezent direct în jumătate din spectacol într-un mod tangibil, așa că nu există loc pentru ca serialul să piardă intriga.
Povestea continuă la fel. nivelul de naturalitate în livrarea sa. Asta implică să ne asigurăm că personajele se deschid celorlalți despre subiecte spinoase doar atunci când există o legătură de încredere și situația potrivită pentru a vorbi, dar și pentru a permite personajelor să fie falibile. Mai ales după un accident pe pistă în care Kouya își întoarce din nou camera către o victimă – deși doar pentru un concurent Belsorriso care nu a fost rănit critic – am fost făcuți să credem că problemele sale provin din criticile pe care le-a primit pentru că a făcut o fotografie lui. un copil speriat în mijlocul infamul cutremur din 2011. Chiar și Saeko, despre care știm de multă vreme că este fosta soție a lui Kouya în acest moment al emisiunii, a crezut de ani de zile că acesta a fost cheia situației. Poate în cel mai bun episod al serialului, Haruka descoperă că nu este cazul și, de asemenea, îl ajută pe Kouya să facă primul pas autentic înainte.
Episodul #09 este suficient de important pentru ca Aoki însuși să fie programat să regizeze și storyboardStoryboard (絵コンテ, ekonte): Planurile de animație. O serie de desene de obicei simple care servesc drept scenariu vizual al anime-ului, desenate pe foi speciale cu câmpuri pentru numărul de tăiere a animației, note pentru personal și liniile de dialog potrivite. aceasta, dar și suficient de târziu încât directorul de serie Director de serie: (監督, kantoku): Persoana responsabilă de întreaga producție, atât ca decident creativ, cât și ca supervizor final. Ei depășesc restul personalului și, în cele din urmă, au ultimul cuvânt. Cu toate acestea, există seriale cu diferite niveluri de regizori – director șef, regizor adjunct, director de episod de serie, tot felul de roluri nestandardizate. Ierarhia în acele cazuri este un scenariu de la caz la caz. nu mai putea justifica acel nivel de dedicare pentru un anumit episod. În ciuda faptului că avea și un spectacol de regizat în curând, elevul său Kato a venit în ajutor-și băiatul a făcut-o vreodată. Kouya a fugit de acasă, dar Haruka reușește să-l urmărească până în zona rurală unde se odihnește. Storyboard-urile lui Kato arată clar că, deși el pare vesel și se stabilesc fizic împreună, Haruka este separată, blocată din lumea lui Kouya . Abia după ce încearcă în mod repetat să se pună la același nivel și îi cere prietenului său să vorbească că vedem ceva schimbând; Pe măsură ce povestea se desfășoară și Kouya se deschide, acum sunt în un câmp din ce în ce mai egal , cu încercările lui Haruka de a ajunge fizic conectând până la sfârșit. Într-un spectacol care a fost atât de în mod deliberat rar cu dialogul de expunere, cerând unui prieten să se încredințeze în tine deține atât de multă putere, iar Kato surprinde vizual această semnificație. Sau, ca să fie precis, Kato și restul echipei, pentru că #09 este un episod uimitor care realizează fiecare minut reacție Prin animația sa.
așa cum a început să ghicească Haruka, motivul pentru care Kouya a devenit incapabil să facă fotografii cu oameni nu a fost atât de multă critică pe care a primit-o, dar greutatea asupra conștiinței sale care a precedat acel dispreț public. Cu 12 ani înainte de spectacol, el a fost staționat în aceeași zonă în care se ascunde acum, cufundat într-o caracteristică despre stilul de viață local al acestui oraș de pescuit. Curiozitatea sa autentică a câștigat simpatia localnicilor, dar totul s-a prăbușit. Un oraș de coastă, vechi, chiar în timp ce tsunami-ul a lovit. Echipa a ales să canalizeze imaginile efective ale raportarii reale din NHK despre cutremur și să-l pună pe Makino la conducerea animației pentru cea mai înflăcărată scenă. Mai devreme l-am descris ca un animator care poate evoca expresii adevărate pentru viață pentru a da o margine animației și de câteva ori a făcut-o atât de subțire ca atunci când a apelat la groaza realistă, în timp ce oamenii urmăresc marea să-și înghită orașul și în timp ce își dau seama că unii oameni-ca și copilul Kouya ajunge să facă o fotografie-să fie salvate.
Chiar dacă toată lumea este înghețată de frică, primul instinct al lui Kouya este să se încadreze în pericol, trebuie să fie oprit de localnici. Știm, de fapt, că a procedat apoi să se lipească pentru a-i ajuta să-și reconstruiască casele, pentru a-i ajuta pe cei care au nevoie, dar nimic din asta nu contează pentru narațiunile artificiale pe care le construim pentru a avea țapi ispășitori în situații în care nu există un vinovat real. Odată ce acea fotografie lovește publicul, Kouya este pictată ca un monstru frivol, chiar și de unii dintre localnicii care ar trebui să știe mai bine. Dar asta nu este ceea ce își oprește cu adevărat degetul, deoarece trece peste butonul de obturare al camerei. Este amintirea ochilor neputincioși ai unui copil care îl privesc, în mintea lui, întrebându-l de ce nu a putut să o salveze.
nu este tipul de traume de care poți scăpa repede, doar pentru că doar pentru că Un adolescent le spune oamenilor măturat de acea narațiune de țap ispășitor să se trezească. Dar acest suport vă poate ajuta, după cum poate afla că există localnici care încă vă apreciază fotografiile din spate când lucrați la funcția dvs. alături de ei. Kouya nu scapă magic de trauma sa, dar pentru prima dată face pași decisivi spre vindecare. Din nou, într-un spectacol atât de coy cu privire la expunerea de fapt a sentimentelor oamenilor, momentele în care se deschid pur și simplu lovit cu un impact diferit.
de această etapă din spectacol, aproximativ jumătate din obiectivele tematice au fost realizat; În mod logic, așa că unul dintre co-protagoniștii săi și-a completat mai mult sau mai puțin arcul personajului. O parte din măreția lui Sekine ca scriitor este capacitatea ei de a gestiona narațiuni din punct de vedere mecanic, multithreaded, așa că toate s-au întâmplat în timp ce avansează și alte comploturi. Un exemplu important al acestei interconectări este faptul că teama unui incident de PR asupra reputației lui Kouya i-a lăsat și el înapoi fără sponsori și, în mod similar, că Belsorisso a încercat să-l smulgă pe Haruka pentru a-și înlocui șoferul ACE rănit în prezent. O respingere a cântecului de sirenă al unui concurent mai priceput este un element fundamental în narațiunile sportive subdog, dar depășește! dorește.
Răspunsul emisiunii la puterea copleșitoare a banilor a fost întotdeauna unul: puterea la fel de uimitoare a comunității locale. Deși nu reinventează exact limba cinematografică a socioeconomiei, depășește modul de a transmite o mare parte din asta prin mâncare este fermecător-și, fidel abordării acestei echipe, foarte lizibil. Când Kouya pornește pentru prima dată să caute sponsori, el vizitează food establishments ; Și, în ciuda faptului că nu obțin acești bani dulci, localnicii își arată sprijinul dușându-i cu propriul produs . Atitudinea relaxată a lui Komaki Motors este întruchipată de președintele lor gustare pe Takoyaki , iar echipa merge pe toate pe un local local Eveniment în care cetățenii în vârstă bine înțelepți își împărtășesc mâncarea… deși poate prea mult, și prea intens.
Deconectarea dintre viața lui Haruka și oferta lui Belsorisso este arătat prin obiceiurile alimentare , și chiar atunci când Kouya este în călătoria sa de evadare, harul său mântuitor este că El este încă conectat la comunitatea sa locală prin alimente . Pe măsură ce problema sponsorizării reapare aproape de sfârșit, sunt acele unități locale care vin cu donațiile lor mai mici pentru a ajuta o echipă pe care s-au simțit aproape de viața lor. Și așa, mașina lui Komaki Motors este tencuită cu multe nume mici , mai degrabă decât un logo sponsor fantezist-multe dintre cei corespunzători Furnizorii de produse alimentare care cuprind această comunitate. Aceștia au egalat suficient câmpul pentru a vedea în sfârșit ceea ce am așteptat cu toții: o victorie interesantă pentru Haruka și o oportunitate pentru Kouya de a face o fotografie cu el pe podium.
în Grand Scheme of Things, este doar o victorie singulară într-o categorie mai mică de sporturi cu motor, dar modul în care au obținut acolo a însemnat lumea pentru aceste personaje. Și modul în care a fost transmis acest lucru, prin acest echilibru de livrare austere, dar, dar care definește perfect această echipă, merită bine prețul de admitere.
susține-ne pe Patreon pentru a ne ajuta să atingem noul nostru obiectiv pentru a susține arhiva de animație la Sakugabooru, Sakugasakuga (作画): desenând tehnic imagini, dar mai precis animație. Fanii occidentali și-au însușit de mult cuvântul pentru a se referi la cazuri de o animație deosebit de bună, în același mod în care o fac un subset de fani japonezi. Destul de integrant pentru brandul site-urilor noastre. Video pe YouTube, precum și acest Sakugasakuga (作画): desenând tehnic imagini, dar mai precis animație. Fanii occidentali și-au însușit de mult cuvântul pentru a se referi la cazuri de o animație deosebit de bună, în același mod în care o fac un subset de fani japonezi. Destul de integrant pentru brandul site-urilor noastre. Blog. Mulțumim tuturor celor care au fost ajutați până acum!
