Tatami Galaxy a lui Masaaki Yuasa a fost o capodopera unică, așa că cum își recreează perfect farmecul Time Machine Blues 12 ani mai târziu și sub alt regizor? Acesta este modul în care contextul afectează (și nu) crearea unui astfel de anime unic.
Până în 2010, Masaaki Yuasa își făcuse deja partea sa de anime notabile. De fapt, permiteți-mi să corectez asta: până atunci, Yuasa și-a lăsat deja amprenta pe francize atemporale precum Shin-chan și Maruko-chan, care au contribuit la unele fapte istorice în animație. , și a început o carieră de regizor cu unele dintre cele mai unice și, probabil, cele mai grozave anime din toate timpurile, atât la scară mică, cât și la scară mare. Debutul său în regie teatrală Mind Game i-a adus premii în întreaga lume cu energia sa de neegalat și, cel mai important, l-a pus pe harta creatorilor de animație alternativă de care trebuie să fii atent. Primele sale proiecte anime TV, cruzimea încarnată în Kemonozume și imaginația nesfârșită Kaiba, au câștigat o evaluare critică similară. Nu era un secret pentru nimeni faptul că Yuasa era un talent generațional a cărui abilitate de a transforma realitatea ca animator s-a tradus într-o muncă și mai transgresivă ca regizor, fără nicio perioadă de adaptare la post.
Problema a fost, cel puțin pentru producători precum noitaminA co-fondator și redactor-șef la acea vreme Koji Yamamoto, că majoritatea oamenilor nu aveau idee despre măreția lui. Este posibil ca Yuasa să fi fost un geniu celebrat de fanii cinematografiei alternative și ai animației, dar puțini oameni au fost expuși la munca lui și chiar mai puțini au fost efectiv atrași de ea. Pentru cineva care a condus un interval de timp care la acea vreme a fost investit temeinic în crearea de animații pe care nu le-ai vedea în altă parte și, sperăm, că ajunge la persoane demografice defavorizate în acest proces, relativa obscuritate a lui Yuasa era asemănătoare cu un sacrilegiu.
Inițial, blocul lui noitaminA a fost considerat un spațiu pentru anime destinat femeilor adulte, impunându-i chiar lui Yamamoto branding anti-otaku, dar el a clarificat că nu a văzut deloc așa situația. Ca otaku autodeclarat, el nu a condus intervalul de timp cu intenția de a antagoniza pe cineva, ci mai degrabă de a atrage noi spectatori pe care industria nu i-a satisfăcut. A fost impulsul de a crea lucrări, spre deosebire de anime-ul pe care l-ai găsi în altă parte, care și-a umplut etapele inițiale cu titluri destinate publicului respectiv și, de asemenea, ceea ce i-a deschis accidental ochii asupra ideii că, cu încadrarea corectă, chiar și animația alternativă merită comercial. urmărind. BakeNeko și Mononoke de la Kenji Nakamura au lipit mulți spectatori de ecran și a fost un succes atât de zdrobitor o întâmplare? La urma urmei, au prezentat viziuni unice asupra lumii și un stil pe care nu l-ai găsi în altă parte, așa că pentru un public atras de astfel de lucrări, noitaminA ar deveni singura destinație posibilă. Această realizare a dus la epoca de aur a intervalului de timp, echilibrând lucrările cu un anumit public țintă slab deservit și genul Trapeze-anime radical unic pe care l-ar arunca în lume cu speranța că va ajunge la un public, după ce a văzut că așa ceva este posibil.
Desigur, o persoană pricepută în afaceri precum Yamamoto nu credea că rețeta succesului este la fel de simplă ca să dea frâu liber unui autor de anime, dacă chiar intenționați să aveți o șansă într-o industrie năucitoare; Emisiunile TV anterioare ale lui Yuasa nu făcuseră prea multă zgomot în afara nișelor specializate tocmai din acest motiv. Abordarea sa a fost să creeze porți de acces către viziuni unice ale creatorilor, care altfel nu ar fi putut fi abordate de un public general. Ca exemplu, el a adus în discuție numirea iubitului mangaka Chika Umino ca designer original pentru Eden of the East, o încercare de a oferi un cârlig imediat pe care un regizor și un scriitor. la fel de dens pe cât ar putea fi altfel Kenji Kamiyama. În mod ideal, acesta a fost și un proces de completare, mai degrabă decât să atașeze nume populare unor lucrări idiosincratice, unde acestea nu aparțin.
Când a fost vorba despre dorința lui de a lucra alături de Yuasa, Yamamoto a decis să-l împerecheze cu talent la fel de proaspăt, precum și acele nume mai consacrate pentru a oferi noilor veniți în nebunia regizorului ceva de care să se țină. În timp ce Yuasa a fost piesa centrală a proiectului încă de la început, cârligul a luat forma unui trident: scriitorul Tomohiko Morimi, ilustratorul Yusuke Nakamura și trupa rock ASIAN. GENERATIE KUNG-FU. Această colecție aparent aleatorie de nume era de fapt plină de sinergie premeditată. Deși mai tânăr decât Yuasa, cariera lui Morimi ca romancier a decurs paralel cu cea regizorală, făcându-și rapid un nume prin stilul său ciudat. Nakamura, pe de altă parte, a fost un artist foarte popular a cărui abordare hiper-stilizată ar putea fi potrivită pentru animația lui Yuasa-și după cum se dovedește, el lucrase deja cu Morimi, ca ilustrator pentru romanul său din 2006 The Noaptea este scurtă, Walk On Girl. Printre clienții săi se numărau și oameni ca ASIAN KUNG-FU GENERATION, pentru care ilustrase câteva coperți de albume în trecut. Cu toate acestea, o plasă surprinzător de strâns împletită pentru a sprijini idiosincrazia grea a lui Yuasa.
Tot ce a mai rămas era să se apropie de lucrarea pe care Yamamoto și-a imaginat-o să o facă: o adaptare liberă a Tatami Galaxy, puternic filtrat prin lentila suprarealistă a lui Yuasa.
Designerul de personaje și regizorul șef de animație al lui Tatami Galaxy Directorul șef de animație (総作画監督, Sou Sakuga Kantoku): Adesea, un credit general care tinde să fie în mâinile designerului de caractere, deși în ultimul timp, proiectele dezordonate cu mai multe AD-uri șef au crescut ca număr; Mai mult, decât regizorii obișnuiți de animație, sarcina lor este să se asigure că personajele arată așa cum ar trebui. Consecvența este scopul lor, pe care îl vor aplica atât cât vor (și pot). Nobutake Ito și-a bazat adaptarea desenelor lui Yusuke Nakamura pe o altă colaborare cu ASIAN KUNG-FU GENERATION-videoclipul muzical Atarashii Sekai produs de Kazuto Nakazawa. Privind interpretarea sa asupra esteticii l-a ajutat pe Ito să-și transpună farmecul în animație.
Proiectul a început să ia formă în 2008, imediat după difuzarea lui Kaiba care îl îndrăgostase pe Yamamoto. După cum se recunoaște în interviuri precum broșura Blu-ray a emisiunii, Yuasa a citit inițial romanul lui Morimi și s-a trezit să se întrebe de ce cineva ar dori măcar să transforme asta într-un anime și, în special, de ce îi încredințează această datorie – dacă este ceva, un serial live-action. avea mai mult sens pentru el. La urma urmei, și la fel ca alte lucrări Morimi, Tatami Galaxy a fost puternic înrădăcinată în locația reală din Kyoto, iar atracția sa provenea din proza ciudată și diatribele lungi ale protagonistului său. Deoarece niciuna dintre acestea nu este o calitate nativă a animației, Yuasa a căutat să surprindă plăcerea pe care a avut-o în timp ce citi romanul, mai degrabă decât să-i recreeze strict conținutul.
Alături de compozitorul serialului Makoto Ueda , Yuasa a reconstituit pe deplin o poveste episodică despre protagonistul Me fiind prins în propriile așteptări de la o viață în campus de culoare trandafiri, într-o cameră de tatami de 4,5, într-un purgatoriu al universului paralel și, cel mai important, în primul și cel mai rău contact al său cu renumitul perturbator Ozu.. Datorită deciziei sale de a refuza satisfacția completă până la sfârșit și sfatului inteligent al lui Ueda despre cum să construiască continuitatea într-o narațiune în buclă-cu detalii precum ghicitoarea umbrită care îi crește taxele la fiecare episod-au reușit să pună cap la cap lucrarea cea mai convingătoare din punct de vedere narativ a lui Yuasa. Data. Și totuși, nu este intriga pentru care oamenii se îndreaptă spre Yuasa și Morimi, așa că nu acesta a fost neapărat punctul central al eforturilor lor.
Așa cum am menționat anterior, Yuasa a identificat decorul și proza ca fiind cele două caracteristici identificatoare ale operei lui Morimi. Pentru a începe să se adreseze celui dintâi, el a făcut excursii de explorare a locației la Kyoto, la fel ca mulți alți membri ai personalului; Într-o discuție cu alți regizori pentru fanbook-ul oficial al serialului, Michio Mihara, aliatul obișnuit al lui Yuasa, și-a exprimat în glumă gelozia, deoarece episodul său s-a întâmplat să fie cel care nu a făcut nicio mențiune reală despre Kyoto și, prin urmare, nu a apucat să meargă. Printre membrii personalului care au făcut o excursie și, în ciuda înregistrării de tone de filmări, a existat o tendință clară: a devenit mai puțin să se gândească la detalii despre producție și mai mult să se îmbibă lejer în atmosfera decorului. În aceeași conversație, regizori precum Ryotaro Makihara au remarcat că ar evita atracțiile turistice clasice și, în schimb, ar încerca tarabe de mâncare discrete, vor dormi în hoteluri de afaceri și cafenele manga și vor ieși să bea în fiecare seară. Poate că Mihara a avut dreptate să fie geloasă.
Ca regizor de serie Director de serie: (監督, kantoku): Persoana responsabilă de întreaga producție, atât ca decident creativ, cât și ca supervizor final. Ei depășesc restul personalului și în cele din urmă au ultimul cuvânt. Cu toate acestea, există seriale cu diferite niveluri de regizori – director șef, director adjunct, director de episoade de serie, tot felul de roluri non-standard. Ierarhia în acele cazuri este un scenariu de la caz la caz. Experiența lui Yuasa nu ar fi atât de diferită. De-a lungul a 4 călătorii la Kyoto, a făcut lucruri precum să stea într-un cămin care să servească drept bază pentru pensiunea din spectacol și, în cele din urmă, construirea propriei camere a protagonistului cu tone de recuzită din viața reală pentru a fi folosite în punctul culminant al spectacolului în sine ; o modalitate de a consolida realitatea purgatoriului protagonistului, sporind totodată senzația de farsă cu contrastul inevitabil dintre desene și fotografii. În același timp, totuși, acele călătorii în care își spunea că nu va face altceva decât să deseneze storyboard-uri au ajuns să nu ridice pixul nici măcar o dată, trecând în schimb lenevind în jurul îmbrățișării confortabile a lui Kyoto. Yuasa a ajuns să înțeleagă că portretul ciudat al orașului lui Morimi nu era atât de exagerat pe cât presupuse el, că sentimentul de suprapunere a erelor și fanteziei era adevărata afacere. Și, cel mai important, a înțeles de ce era decorul perfect pentru o poveste despre a fi incapabil de a merge mai departe, care a experimentat el însuși staza.
Yuasa, care deja simțea că nu are prea mult sens să desenezi ceva. care există deja, a dublat ideea de a folosi cât mai mult posibil înregistrări reale după experiențele sale la Kyoto. A devenit rapid o modalitate de a păstra celălalt aspect important al lucrării lui Morimi pe care el îl identificase: textura. Citind cartea, proza îl îndrăgostit, dar cum surprinzi asta în animație? Deși a decis să rețină cât mai multe dintre monologuri posibil, mergând până la a face ca discursul rapid să facă parte din procesul de audiție pentru protagonist, numai asta nu ar capta farmecul dezlănțuit al scrisului lui Morimi-în schimb, asta ar fi necesită trucuri vizuale la fel de ciudate. Ciudățenia lui Yuasa i-a venit întotdeauna de la sine, dar Tatami Galaxy l-a pus într-o poziție în care a simțit că trebuie să adauge o frecare suplimentară pentru a se potrivi cu stilul nedirect al altcuiva.
Rezultatele unice vorbesc de la sine, încă din prima scenă. Spectacolul se deschide cu o tăietură nemaipomenită animată pe 4 și cu spații mari, stabilind imediat un stil deliberat agitat care face ca întregul spectacol să pară că există într-un spațiu între animația indie și comercială. Urmează un baraj de narațiuni rapide care te obligă în mod activ să fii atent, presărat cu fotografii reale din Kyoto. Paleta extravagantă este suficient de desaturată pentru a permite tuturor elementelor disonante să existe împreună — dar nu atât de mult încât să te convingă că așa ceva este normal. Decupajele din hârtie cu o sincronizare și mai agitată transmit iraționalitatea unei sticlă. Pe tot parcursul spectacolului, perspectivele sunt rupte în mod deliberat, deoarece Yuasa a instruit echipa să deseneze linii drepte instabile chiar și la unghiuri largi, creând un efect asemănător colajului. Acesta este un lucru pe care figurele importante, cum ar fi directorul șef de animație, Directorul șef de animație (総作画監督, Sou Sakuga Kantoku): Adesea, un credit general care tinde să fie în mâinile designerului de caractere, deși, în ultimul timp, proiectele dezordonate cu mai multe AD-uri șef au crescut. în număr; Mai mult, decât regizorii obișnuiți de animație, sarcina lor este să se asigure că personajele arată așa cum ar trebui. Consecvența este scopul lor, pe care îl vor aplica atât cât vor (și pot). Nobutake Ito și regizorul Akitoshi Yokoyama au confirmat că a fost o muncă grea, deoarece animatorii trebuie să lupte împotriva instinctului lor de a desena lucrurile corect și, de asemenea, nu pot pur și simplu să spargă un desen fără să se gândească despre; trebuie să fie o frecare calculată, care rezumă abordarea regizorală.
Pentru a gestiona această încărcătură de lucru foarte particulară, Yuasa dorea o echipă strânsă, căutând persoane care să se ocupe de storyboarding, regia episodului Direcția episodului (演出, enshutsu): O sarcină creativă, dar și de coordonare, deoarece presupune supravegherea numeroaselor departamente și artiști implicați în producerea unui episod – aprobarea machetelor de animație alături de Directorul de animație, supravegherea activității echipei de fotografie, departamentului de artă, personalului CG… rol există și în filme, referindu-se la persoanele însărcinate în mod similar cu segmente ale filmului. și regia de animație Direcția de animație (作画監督, sakuga kantoku): artiștii care supraveghează calitatea și consistența animației în sine. S-ar putea să corecteze tăieturile care se abat prea mult de la design dacă văd că se potrivește, dar sarcina lor este în principal să se asigure că mișcarea este la egalitate, fără a arăta prea aspră. Există o mulțime de roluri specializate în direcția de animație – mecha, efecte, creaturi, toate concentrate pe un anumit element recurent. în același timp – o configurație cu care a avut experiențe pozitive în trecut. În același timp, și în ciuda faptului că a fost fericit să se bazeze pe toți cei care l-au ajutat la Kemonozume și Kaiba, el a făcut, de asemenea, un efort pentru a recruta talente tinere pentru a completa echipa. În timp ce programul i-a împiedicat unele dintre planurile sale, echipa a rămas destul de mică, totuși a strâns poate cea mai mare cantitate de talent în animație pe care a avut-o vreodată la dispoziție. Cu o echipă de acest calibru, viziunea radicală a lui Yuasa și farmecul lui Morimi ca fundație, se simte aproape inevitabil ca Tatami Galaxy să ajungă să fie unul dintre cele mai bune anime făcute vreodată. În ciuda faptului că nu a fost o adaptare simplă, existența materialului sursă a oferit o structură suficientă pentru a-l împiedica pe Yuasa să-și piardă urma, ca în unele lucrări anterioare, dar, în același timp, nu i-a înăbușit cu adevărat creativitatea – dacă este ceva, motivându-l să folosească noi tehnici. pentru a se potrivi cu atractivitatea unică a scriitorului.
Yuasa a creat primul episod ca ghid pentru restul personalului de a repeta în modurile lor unice, dar având în vedere natura paralelă a producției anime, regizorii #02 și #03 Nu am văzut niciodată acel plan până când nu au fost în esență gata. Drept urmare, și în ciuda ușoarelor corecții aduse acestuia, al treilea episod al lui Makihara are o întorsătură mai exhaustivă a animației pe care nu o vedeți cu adevărat în restul emisiunii.
Dacă munca lui Yuasa ca regizor a fost un succes, cum rămâne cu planul lui Yamamoto de a-l transforma într-o senzație mai populară? Deși timpul și-a dovedit în cele din urmă bănuiala că are dreptate, Yuasa câștigând un public mai mare la nivel internațional prin titluri precum Devilman Crybaby, el nu a îndeplinit obiectivul său. Tatami Galaxy a făcut mai multă explozie decât emisiunile anterioare ale lui Yuasa, datorită rolului promoțional mai inteligent și reputației pozitive a noitaminA, dar entuziasmul pe care l-a strâns a fost, în cea mai mare parte, limitat la publicul de nișă specializat. Ritmul brutal al narațiunii din primul episod a simțit cu siguranță ca un filtru pentru mulți telespectatori la acea vreme, la fel ca și structura spectacolului în sine; aceasta este sabia cu două tăișuri a îmbrățișării unei povestiri idiosincratice.
Indiferent că nu a devenit un megahit, echipa a considerat-o un succes și chiar și-a păstrat inerția pe care o aveau să înceapă pre-producția într-o continuare.: amintitul The Night Is Short, Walk On Girl. Cu toate acestea, proiectul nu a depășit discuțiile lui Yuasa cu scriitorul Ueda despre cum să-l abordeze înainte ca oportunitatea să dispară. Propunerile unei adaptări au apărut în diferite locuri, dar odată ce Yuasa a văzut că o oportunitate a aterizat din nou în poală, a profitat definitiv de această oportunitate de data aceasta. Afirmațiile sale că nu poți adapta pur și simplu lucrările lui Morimi într-un mod simplu au rămas aceleași, dar în acest moment, cariera lui s-a schimbat complet.
În 2013, Yuasa a înființat studioul Science SARU alături de dreptul său. femeie de mână Eunyoung Choi. Pe hârtie, filosofia lor a solidificat pilonii viziunii regizorului, oferind mediul perfect pentru ca acesta să continue să evolueze în direcția preferată. Conducta SARU se bazează pe ceva ce ei numesc animație asistată digital, care constă în construirea în jurul Flash ca un instrument pentru a crea cu ușurință o mișcare lină între taste în poziție-deși nu elimină complet-etapa tradițională de intermediare. Yuasa, care a preferat întotdeauna echipele mici, astfel încât toată lumea să poată fi pe aceeași pagină, este menită să beneficieze de această eficiență pentru a conduce mai multe echipe interne concentrate, mai degrabă decât să fie nevoită să adune grupuri mai mari de liber profesioniști. Acest lucru îi permite, de asemenea, să-și îndeplinească dorința de a găsi noi talente proaspete, alegând talent internațional și stabilindu-și studioul ca un hub multicultural, unde până astăzi animatori din multe țări lucrează cot la cot. În mod ideal, conducta lor eficientă ar permite acelor angajați să mențină un echilibru mult mai sănătos între viața profesională și viața privată.
Ani mai târziu, știm că nu totul a decurs la fel de bine. Acest ultim punct, în special, a fost, atunci când studioul este la cel mai scăzut nivel – sau mai degrabă cel mai aglomerat – un fel de eșec abject. Yuasa a atins noi culmi de popularitate, dar, făcând acest lucru, munca sa s-a acumulat până la punctul de a trăda adesea obiectivele studioului. Este demn de remarcat faptul că Yuasa, un remarcat dependent de muncă însuși, a realizat în medie un proiect major la fiecare 2 ani înainte de înființarea SARU; un ritm pe care l-ai putea considera deja rapid având în vedere tendința lui de a crea lucrări originale sau ciudate. Odată ce studioul său a intrat în viteză, totuși, acel ritm s-a apropiat de 2 proiecte mari pe an, ceea ce nu este deloc o creștere gestionabilă chiar și într-un mediu eficient precum SARU. Aceasta este situația de înalte și scăzute în care succesorul spiritual al lui Tatami Galaxy a ajuns în cele din urmă la bun sfârșit.
Pentru cât valorează și în ciuda faptului că a fost lansat în același an cu un alt film Science SARU în Lu Over The Wall, interpretarea lor despre Walk On Girl pare să fi rezistat destul de bine furtunii. Au reușit să mențină o echipă destul de mică și concentrată, așa cum Yuasa preferă întotdeauna să aibă. Efectele conductei SARU sunt însă imediat clare pentru cei care urmăresc filmul. Prima scenă arată deja clar că, chiar dacă sincronizarea animației este mai mult sau mai puțin implicită la 4s, distanța este mult mai uniformă și mai netedă. Există multe secvențe care folosesc în mod flagrant noile instrumente Flash, cele mai notabile prin mărirea și micșorarea lină pentru a schimba perspectivele, care acum sunt mult mai adevărate. Ca rezultat, estetica este, în general, mult mai curată, chiar și cu apariția unor maeștri schițați, cum ar fi Shinya Ohira.
Ar fi necinstit să sugerăm că stilistica radicală schimbă totul. rezumă totuși la metodologia studioului. Walk On Girl este, fără îndoială, un film cu aspect mai standard, care a eliminat cele mai ciudate trucuri pe care Yuasa le-a inventat inițial pentru a emula efectul prozei lui Morimi; una dintre cele mai notabile fiind pierderea fotografiei reale. Un nume moștenit din trecut, când camerele erau de fapt folosite în timpul acestui proces. și, prin urmare, Kyoto în sine, în ciuda faptului că este plasat în același loc și prezintă tot felul de camee. O mare parte din aceasta, totuși, corespunde și tipului de poveste pe care a abordat-o de data aceasta. Walk on Girl este cea mai vie noapte pe care ți-ai putea imagina vreodată, o odă la aventurile distractive pe care le poate împacheta o escapadă alimentată de alcool. Destul de departe de viziunea stinsă asupra lumii a Tatami Galaxy, care acoperea tot felul de întâmplări ciudate, dar a fost filtrată prin ochii unui tânăr dezamăgit.
Yuasa a fost, de asemenea, atent la format, intenționând să-și revină la cinema. folosiți bine tipul de animație extravagantă pe care nu o puteți lua de la sine înțeles la televizor. În timp ce animația sacadată a lui Tatami Galaxy a fost folosită ca o frecare deliberată pentru a-i conferi caracter, el a luat lucrurile în direcția exact opusă pentru a folosi sincronizarea mai fluidă inerentă SARU modern și scopul mai ambițios al unui proiect teatral. Mai degrabă decât în cele mai pline scene de acțiune, acest lucru este cel mai memorabil în detaliile amănunțite, un tip de excelență în animație care este din plin în acest film, deși nu a fost niciodată un factor în Tatami Galaxy. Această nouă abordare atinge apogeul cu Norio Matsumoto—un as recurent – și actul său muzical revoltător de amuzant; un spectacol de animație amănunțit, dar nu prea igienizat, care surprinde spiritul ciudat al scrierii lui Morimi dintr-un unghi diferit de cel al lui Tatami Galaxy.
După plecarea lui Walk On Girl din stilul original al lui Tatami Galaxy, s-ar presupune că orice continuare ar avea pur și simplu rătăciți și mai departe. Dacă adăugați la asta vestea că Yuasa nu va mai fi responsabil de proiect, atunci ar fi la fel de bine ca și confirmat-dacă geniul din spatele originalului ar fi mers mai departe, nimeni nu ar putea replica farmecul foarte specific al Tatami Galaxy. Și totuși, iată-ne în anul 2022, cu o adaptare anime a Tatami Time Machine Blues pe care ați putea să glisați stilistic în seria originală fără ca cineva să bată ochii. Oricât de incredibil ar suna, aceasta se referă din nou direct la contextul producției; sau, mai degrabă, se referă la capacitatea unei anumite persoane de a rămâne neafectat de context.
Când vorbim despre producția Tatami Galaxy, am adus în discuție încercarea lui Yuasa de a atrage noi talent regizori. O astfel de persoană a auzit despre proiect de la un prieten și, fiind un fan al lucrărilor lui Yuasa de o vreme, a făcut să se știe că va fi pregătit pentru provocare și apoi a fost invitat oficial. La acea vreme, încă nu a regizat un singur episod la TV, deoarece singura sa experiență în rol a fost într-un extra DVD pentru Umi Monogatari. Preluarea postului ar însemna să fii înconjurat de legende și veterani care erau deja foarte obișnuiți să lucreze alături de Yuasa și metodele lui neobișnuite, o perspectivă destul de intimidantă pentru un tânăr începător.
Dacă ar fi să te uiți la episoadele lui. și ascultă-i cuvintele după aceea, totuși, nu ai avea deloc această impresie. Tatami Galaxy #06 s-a îndepărtat de practicile de producție ale lui Yuasa în anumite moduri, schimbând echipa mică cu o mulțime mare de animatori tineri invitați de regizorul episodului, dar a fost, de altfel, una dintre cele mai concrete iterații ale ideilor pe care Yuasa le-a expus ca planuri în primul episod. Nici asta nu i-a înăbușit originalitatea; una dintre cele mai amuzante scene din episod, o reprezentare foarte amuzantă a panicii virgină a protagonistului, a fost o secvență adlib în care au bâjbâit o cheie din viața reală în timp ce bărbăția lui antropomorfizată se dezlănțuie. Cuvintele sale finale despre fanbook-ul lui Tatami Galaxy au fost că a abordat proiectul pentru că a simțit că va exista multă libertate atunci când lucrează cu Yuasa. Și indiferent de toată presiunea și greutatea așteptărilor, a părăsit proiectul simțind că i s-a acordat într-adevăr toată libertatea pe care și-a dorit-o. Ani mai târziu, se uită înapoi la ea pentru a spune că nu este doar faptul că Yuasa este deschis creatorilor individuali care își îmbrățișează propriile idiosincrazii, dar că el construiește în mod deliberat o structură robustă care nu se va prăbuși chiar și atunci când tinerii creatori experimentează în felul lor.
Numele acelui regizor era Shingo Natsume >, acum considerată una dintre cele mai strălucitoare minți din anime. CV-ul său impresionant include oameni ca Space Dandy, One-Punch Man, ACCA13, Sonny Boy și majoritatea recent, un anumit titlu pe nume Tatami Time Machine Blues.
Dacă ar fi să te uiți la acel CV fără niciun context din acest context, s-ar putea să nu simți prea multă legătură între Natsume și Yuasa. După această experiență pe Tatami Galaxy, s-au reunit tocmai pentru Walk On Girl, dar altfel nu au reușit să lucreze împreună, deoarece amândoi au devenit lideri de proiect din ce în ce mai ocupați. Și totuși, interviuri precum cel realizat de Seiyuu MEN arată clar că Natsume nu doar ține foarte mult acea experiență pe Tatami Galaxy, după ce și-a dorit ca timpul său în cadrul acelei echipe să nu se termine niciodată, ci că viziunea lui despre animație și ceea ce face un regizor ideal sunt foarte aproape de ceea ce Yuasa însuși reprezintă. Numai retrospectiv, Natsume a reușit să înțeleagă cât de influent a fost asupra lui și cât de special a fost un proiect Tatami Galaxy. Nu este, așadar, o surpriză că, atunci când Eunyoung Choi – un alt tovarăș de arme în timpul acelei producții – l-a invitat să regizeze continuarea sa, Natsume a fost încântat să accepte.
Este această distanță foarte particulară dintre regizor, munca și studioul care ajunge să explice de ce Time Machine Blues simte așa cum se simte. Nostalgia pare să fie cuvântul care îi vine în minte lui Natsume când vine vorba de acest titlu; nostalgie pentru personajele sale, pentru lumea sa și, de asemenea, pentru textura specifică a galaxiei Tatami a lui Yuasa. Spre deosebire de Walk on Girl, această continuare autentică pare tăiată din exact aceeași pânză ca și originalul, atât când vine vorba de trăsăturile majore care au definit adaptările lui Yuasa, cât și chiar de cele mai mici manierisme ale sale.
Deși diferite tipuri de povești la bază, sub tablourile lui Natsume în special, ritmul Time Machine Blues accelerează la nivelurile frenetice ale originalului. Este din nou adânc înrădăcinată în decorul său din Kyoto, cu o revenire a imaginilor reale—filtrat, și a făcut să coexiste cu restul materialelor cu o paletă din nou dezactivată. Perspectivele sunt din nou deformate în mod deliberat, iar finisarea clinică a dispărut. În timp ce predecesorul său s-a simțit foarte supus evoluției propriei cariere a lui Yuasa și a metodologiei sale la Science SARU, Natsume este în esență un străin al acestui proiect a cărui viziune își are rădăcinile în munca mai veche a lui Yuasa. El nu are nicio intenție să maximizeze canalul fluid al studioului, bazat pe Flash, care marchează o întoarcere la animația fermecător de sărită, cu un fler indie.
La sfârșitul zilei, totuși, Time Machine Blues nu este Tatami Galaxy și cu siguranță nu mai este 2010. Pentru că, oricât de deschis este Natsume cu privire la influențele sale și oricât de mult intenționează să transforme nostalgia pentru seria originală, înțelegerea sa asupra materialului și a ceea ce reprezintă viziunea asupra lumii a lui Yuasa nu l-ar fi lăsat să reia pașii vechi.
Deși poate folosi tăierea rapidă pentru a crește ritmul, Time Machine Blues este o poveste fundamental diferită. Inițial, s-a bazat pe Summer Time Machine Blues, o piesă de teatru și filmul ulterior al scenaristului anime al lui Tatami Galaxy, Ueda, iar ulterior a fost portat în lumea Tatami ca un roman al lui Morimi însuși. Când vine vorba de adaptarea sa anime și indiferent de marketingul Disney, a fost foarte mult conceptualizat ca un film, ceea ce îl lasă într-o poziție curioasă; mai puțin loc pentru turnuri stilistice individuale decât într-un anime TV episodic, dar totuși cu mai multă variabilitate decât un film standard. Narațiunea sa este, de asemenea, mult mai avansată, ajungând la mecanica trucului său și apoi jucându-se cu ei imediat, spre deosebire de misterul relativ al Tatami Galaxy. Natsume este, de asemenea, conștient de distanța în schimbare dintre personaje, după ce i-a cerut lui Akashi să se înmoaie oarecum, iar eu să renunț la nemulțumirea din care a crescut în Tatami Galaxy.
De asemenea, merită remarcat faptul că Circumstanțele lui Natsume nu se aplică neapărat restului echipei, în special directorilor interni care au fost crescuți în timpul erei moderne a lui Yuasa. Efectele sale sunt inegale în cadrul echipei Time Machine Blues, dar devin destul de vizibile la oameni ca Fuga Yamashiro—deja una dintre fețele reprezentative ale direcției tinerești a studioului. Sub storyboard-urile sale, ritmul vizual al spectacolului încetinește vizibil și el folosește în mod repetat asistența netedă Flash care i-a caracterizat timpul petrecut în studio. Deși am precizat clar că Yamashiro este un regizor destul de interesant, acesta este o altă reamintire a cât de puternic este legată această serie de contextul său; cea a creatorilor săi, studioul căruia îi aparțin (sau nu), lucrările cărora le sunt încredințate și chiar tendințele mai mari din industrie. Poate părea un miracol că, după atâția ani și chiar și după ce și-a pierdut regizorul unic, una dintre cele mai idiosincratice lucrări ale anime-ului să primească o continuare care își dă identitatea unică în acest grad. Într-o oarecare măsură, poate fi foarte bine unul. Dar, după ce am citit povestea de fundal a tuturor acestor proiecte, sperăm că ar trebui să aibă sens.
Sprijină-ne pe Patreon to help us reach our new goal to sustain the animation archive at Sakugabooru, SakugaSakuga (作画): Technically drawing pictures but more specifically animation. Western fans have long since appropriated the word to refer to instances of particularly good animation, in the same way that a subset of Japanese fans do. Pretty integral to our sites’brand. Video on Youtube, as well as this SakugaSakuga (作画): Technically drawing pictures but more specifically animation. Western fans have long since appropriated the word to refer to instances of particularly good animation, in the same way that a subset of Japanese fans do. Pretty integral to our sites’brand. Blog. Thanks to everyone who’s helped out so far!
